Плоскостность (искусство)
В искусствоведении 1960-х и 1970-х годов плоскостность описывала гладкость и отсутствие кривизны или деталей поверхности двумерного произведения искусства.
Просмотры
[ редактировать ]Критик Клемент Гринберг считал, что плоскостность, или двумерность, была важным и желательным качеством в живописи , критерием, который подразумевает отказ от живописности и импасто . Повышение ценности плоскостности привело к возникновению ряда художественных движений, включая минимализм и постживописный абстракционизм . [1] [2]
Модернизм в искусстве возник во второй половине XIX века и распространился на большую часть XX века. Этот период искусства идентифицируется художественными формами, состоящими из изображения на плоской двухмерной поверхности. Эта эволюция искусства началась в 1860-х годах и достигла кульминации 50 лет спустя. К этому времени почти все трехмерные работы были ликвидированы. Этот новый подход к живописи должен был создать визуальную видимость реализма. Глядя на поверхность, имеющую только два измерения, наше восприятие глубины — иллюзия. Следствием расследования стало уменьшение глубины живописи. Эта новая сущность самоанализа была попыткой установить опыт или эффект от зрителя картины. [3]
Терминология и история
[ редактировать ]Термин «плоскость» можно использовать для описания большей части популярных произведений американского искусства 1950-х и 1960-х годов. Искусство этого периода имело простой, но красочный дизайн, сохранявший некоторую двумерную форму. Поэтому для описания этой среды используется термин плоскостность. Основополагающая идея минимализма зародилась в России в 1913 году, когда Казимир Малевич поместил черный квадрат на белый фон, утверждая, что:
Искусство больше не стремится служить государству и религии, оно больше не желает иллюстрировать историю нравов, оно не желает больше иметь ничего общего с объектом как таковым и верит, что оно может существовать само по себе и без вещей. [4]
Одна из первых работ в стиле минимализм была создана в 1964 году Дэном Флавином . Он создал неоновую скульптуру « Памятник В. Татлину» . Эта работа представляла собой упрощенную сборку неоновых трубок, которые не были вырезаны или изготовлены каким-либо образом. Идея заключалась в том, что они не должны были ничего символизировать, а просто существовать. Минималистский подход к искусству заключался в том, чтобы задумать, прежде чем приступить к исполнению. Традиционные способы художественной композиции были отвергнуты в пользу импровизации, спонтанности и автоматизма . Этот новый экспрессионистский стиль заключался в импровизационном создании узоров, где каждый мазок кисти рассматривался как выражение и субъективная свобода. [5]
Поп-арт
[ редактировать ]Эта концепция вдохновила совершенно новую форму искусства под названием поп-арт . Он сохранил цветовую схему и простоту минимализма , но позаимствовал образы из поп-культуры, чтобы стать узнаваемыми. Работы, о которых сейчас идет речь, имели для зрителя значение знакомых образов, но при этом сохраняли авангардный подход минимализма . Поп-арт — широко известное движение в культуре 1960-х годов. Этот вид искусства был очень свободным, модным и бунтарским. Это было дико и красочно, но во многих работах сохранилась идея двухмерной плоскости. [6]
Об искусстве
[ редактировать ]Поп-арт вышел из моды, и возникло новое движение. Оп-арт или оптическое искусство теперь стало последней тенденцией в домашнем декоре и моде. Эта форма современного искусства тесно связана с культурной мыслью и дизайном 1960-х годов. Эта новая форма искусства сосредоточена на беспредметной живописи, сосредоточенной на дизайне, цвете, форме и линии. Эти картины были нарисованы вручную или созданы с помощью механических средств. Они имели плоский двумерный дизайн, который мог казаться почти трехмерным. Некоторые детали выглядят так, как будто они движутся из-за формы и расположения линий, что создает обман зрения . Этот вид искусства был создан, чтобы проверить пределы сознательного восприятия зрителя. [7]
Яркие цвета больше не пользовались популярностью, поскольку большая часть оп-арта черно-белая с небольшим использованием цвета. Представленные проекты вернулись к минималистской идее искусства, которое просто существует, а не представляет собой идеал. Хорошо известной художницей этого стиля является Бриджит Райли , которая сформировала сцену современного искусства начала 50-х и 70-х годов. Ее работы призваны притягивать взгляд таким образом, чтобы растягивать и нарушать восприятие. Ее считают новатором в области современного искусства. Ее работы в основном состоят из детализированных узоров из линий и кругов, которые создают оптический вызов зрителю. [8]
Райли создает свои произведения, помня, что у всех нас узкий взгляд на то, как мы видим вещи, и наше видение редко распространяется на новые способности. Ее работы знакомят наблюдателя с новыми образными ощущениями, а общая цель художницы исчезает и заменяется тем, что задумывает зритель. Эта форма искусства не имеет четко обозначенной темы, поэтому дает полную свободу воображению. Работа Райли игнорирует объект и вместо этого сосредотачивается на визуальном движении, создавая, казалось бы, бесконечный узор. Искусство Райли появилось в моде той эпохи. Подобные узоры и сегодня остаются популярными в одежде. [9]
Ссылки
[ редактировать ]- ↑ Art-Lex. Архивировано 17 февраля 2009 г. в Wayback Machine , «Квартира».
- ^ Том Вулф , Нарисованное слово (Bantam, 1975: ISBN 0-553-38065-6 )
- ^ Стивен Кродди. «Объяснение модернизма» и http://www.bu.edu/wcp/Papers/Aest/AestCrod.htm .
- ^ Никос Стангос. Концепции современного искусства. Темза и Гудзон, 1974 год.
- ^ Никос Стангос. Концепции современного искусства . Темза и Гудзон, 1974 год.
- ^ Ирвинг Сэндлер. Американское искусство 1960-х годов . Харпер и Роу, 1988.
- ^ Хьюстон, Джо. Перцептивное искусство зрительного нерва 1960-х годов. Лондон, Нью-Йорк: Merrell Publishers Limited, 2007.
- ^ Брайан Робертсон. Картины и рисунки Бриджит Райли 1951–1971 гг . Галерея Хейворд, 1971.
- ^ Брайан Робертсон. Картины и рисунки Бриджит Райли 1951–1971 гг . Галерея Хейворд, 1971.