Джим Дайн

Чтобы узнать о политике из Нью-Мексико , см. Джима Дайнса .

Джим Дайн
Поужинать в 2020 году
Рожденный	Джеймс Льюис Дайн ( 1935-06-16 ) 16 июня 1935 г. Цинциннати , Огайо , США
Образование	Университет Огайо Университет Цинциннати
Известный	живопись , рисунок , скульптура , эстамп , фотография , хеппенинги , ассамбляж , поэзия
Супруг	Нэнси Ли Минто

Джим Дайн (родился 16 июня 1935 г.) - американский художник. Работы Дайн включают живопись, рисунок, гравюру (во многих формах, включая литографии, офорты, гравюру, глубокую печать, гравюру на дереве, высокую печать и линогравюру). скульптура и фотография; его ранние работы охватывали ассамбляжи и хеппенинги, а в последние годы его поэтическая продукция, как в публикациях, так и в чтениях, увеличилась.

Дайн был связан со многими художественными движениями, включая нео-дада (использование коллажей и найденных предметов), абстрактный экспрессионизм (жестовая природа его картин) и поп-арт (прикрепление предметов повседневного обихода, включая инструменты, веревки, предметы одежды и даже раковина в ванной) к своим полотнам, однако он избегал подобных классификаций. В основе его искусства, независимо от жанра конкретной работы, лежат интенсивные автобиографические размышления, неустанное исследование и критика себя через ряд личных мотивов, включая: сердце, халат, инструменты, античную скульптуру и персонаж Буратино (среди флоры, черепов, птиц и фигуративных автопортретов). Подход Дайна всеобъемлющий: «Искусство Дайна имеет качество потока сознания в своей эволюции и основано на всех аспектах его жизни – на том, что он читает, на предметах, которые он встречает в сувенирных магазинах по всему миру, на серьезном исследовании искусство любого времени и места, которое он считает полезным для своей практики».

У Дайн состоялось более 300 персональных выставок. включая ретроспективы в Музее американского искусства Уитни , Нью-Йорк (1970), Музее современного искусства , Нью-Йорк (1978), Центре искусств Уокера , Миннеаполис (1984–85), Садах и парке скульптур Фредерика Мейера , Гранд-Рапидс, Мичиган (2011 г.) и Музей Фолькванг , Эссен (2015–16 гг.). Его работы находятся в постоянных коллекциях, в том числе в Чикагском институте искусств ; Метрополитен -музей , Нью-Йорк; Национальный музей современного искусства , Центр Помпиду , Париж; Национальная галерея искусств , Вашингтон, округ Колумбия; Соломона Р. Музей Гуггенхайма , Нью-Йорк; Галерея Тейт , Лондон; Токийский Метрополитен-Художественный Музей , Токио; и Художественная галерея Йельского университета , Нью-Хейвен, Коннектикут.

Награды Дайна включают номинацию на Академию искусств и литературы в Нью-Йорке (1980 г.), Командор Ордена искусств и литературы (2003 г.), медаль Британского музея (2015 г.) после того, как он пожертвовал музею 234 гравюры в 2014 г. членство Академии Сан-Лука в Риме (2017 г.) и кавалер Ордена Почетного легиона (2018 г.).

Образование

Первое формальное обучение Дайна приняло форму вечерних курсов в Академии художеств Цинциннати , куда он поступил в 1952 году в возрасте 16 лет. во время учебы в средней школе Уолнат-Хиллз. Это решение было мотивировано как его творческим призванием, так и отсутствием соответствующей подготовки в средней школе: «Я всегда знал, что всегда был художником, и хотя в те годы я пытался соответствовать школьной жизни, мне было трудно, потому что я хотел выразить себя творчески, а в школе, в которой я учился, не было для этого возможностей». В 1954 году, еще посещая вечерние курсы, Дайн был вдохновлен копией « Сакса Пола Дж . Современных гравюр и рисунков» (1954), особенно воспроизведенными ею немецкими экспрессионистскими гравюрами на дереве, включая работы Эрнста Людвига Кирхнера (1880–1938). Эмиль Нольде (1867–1956) и Макс Бекманн (1884–1950) — «Я был шокирован ими» — и начали создавать гравюры на дереве в подвале своих бабушки и дедушки по материнской линии, с которыми он тогда жил.

После школы Дайн поступил в Университет Цинциннати , но остался недоволен: «У них не было художественной школы, у них была школа дизайна. Я пробовал это в течение полугода. Это было смешно […] Все, что я хотел сделать, это краска." По рекомендации друга, специализирующегося на театре в Университете Огайо в Афинах, Дайн поступил туда в 1955 году, где, как он вспоминает, был «поражен» не возможностями, а потому, что: «Я почувствовал буколическую свободу в предгорьях Аппалачей, где Я мог бы развиваться и стать художником». Под руководством учителя гравюры Дональда Робертса (1923–2015) Дайн экспериментировал с литографией, офортом, глубокой печатью, сухой краской и гравюрой на дереве. По предложению Робертса Дайн впоследствии учился в течение шести месяцев у Туре Бенгца (1907–73) в Школе изящных искусств при Музее изящных искусств в Бостоне, а затем вернулся в Университет Огайо, который окончил со степенью бакалавра изящных искусств в 1957 году. (остался еще на год для изготовления картин и гравюр, с разрешения факультета).

Карьера

Работа № 1 Джима Дайна, 1962, Художественный музей Гонолулу.

В 1958 году Дайн переехал в Нью-Йорк, где преподавал в школе Родса. и Маркусом Рэтлифффом основал галерею Джадсона в церкви Джадсон в Гринвич-Виллидж В том же году он вместе с Клаасом Ольденбургом , в конечном итоге встретив Аллана Капроу и Боба Уитмена: вместе они стали пионерами хеппенингов и перформансов, в том числе «Улыбающегося рабочего» Дайна 1959 года. Первая выставка Дайна прошла в галерее Рубена, где он также поставил тщательно продуманный спектакль « Автокатастрофа» (1960). который он описывает как «какофонию звуков и слов, произнесенных большой белой Венерой, с животным хрюканьем и воем, исходящим от меня». Еще одной важной ранней работой был «Дом» (1960), среда, включающая найденные предметы и уличный мусор, установленная в галерее Джадсона.

Дайн продолжал включать в свои работы предметы повседневного обихода (в том числе личные вещи). что связало его с поп-артом - близость, усиленная его включением во влиятельную выставку 1962 года «Новая живопись обычных предметов» в Художественном музее Пасадены, курируемую Уолтером Хоппсом и позже названную первым институциональным обзором американского поп-арта, включая работы Роберт Дауд , Джо Гуд , Филип Хеффертон , Рой Лихтенштейн , Эдвард Руша , Уэйн Тибо и Энди Уорхол . Дайн, однако, последовательно дистанцировался от поп-арта: «Я не поп-художник. Я не являюсь частью движения, потому что я слишком субъективен. Поп-арт интересуется экстерьером. Меня интересуют интерьеры. Когда Я использую объекты, я рассматриваю их как словарь чувств… В своей работе я пытаюсь исследовать себя в физическом плане — объяснить что-то с точки зрения моих собственных чувств».

Узоры

Ужин в Galerie de Bellefeuille, Вестмаунт, Квебек , Канада, 2009 г.

С начала 1960-х годов Дайн усовершенствовал набор мотивов, с помощью которых он исследовал себя в бесчисленных формах и средствах массовой информации, а также в различных местах и ​​студиях, в которых он работал, включая: Лондон (1968–71); Патнэм, Вермонт (1971–85); Уолла Уолла, Вашингтон (с 1983 г.); Париж (с 2001 г.); и Геттинген (с 2007 г.) в студии, примыкающей к помещениям Штайдла, типографа и издателя большинства его книг.

Халаты

Дайн впервые изобразил халаты в 1964 году, когда искал новую форму автопортрета, в то время, когда «просто делать автопортрет было не круто»; таким образом, он задумал подход, не изображая своего лица. Впоследствии Дайн увидел изображение халата в рекламе в журнале New York Times Magazine . и принял его как суррогатный автопортрет, который с тех пор изображал в различной степени реализма и экспрессионизма.

Сердца

Первоначально Дайн выразил этот мотив в форме большого сердца из красного атласа, подвешенного над персонажем Пака в постановке 1965–66 годов по пьесе Уильяма Шекспира « Сон в летнюю ночь» в Актерской мастерской в ​​Сан-Франциско, для которой он разработал дизайн. наборы (его первоначальным знакомством с этим мотивом была серия красных сердечек на белом фоне, которые он видел, будучи студентом). Со временем сердце стало для Дайна «универсальным символом, который я мог нарисовать» и «наиболее хорошей географической структурой, какую я мог найти в природе. Это своего рода ландшафт, и внутри этого ландшафта я мог вырастить что угодно, и Думаю, я это сделал». Формальная простота сердца сделала его предметом, который он мог полностью считать своим, пустым сосудом для продолжающихся экспериментов, в который можно проецировать свое меняющееся «я». Статус сердца как универсального символа любви еще раз отражает приверженность Дайна творческому акту: «…что я был влюблен, так это тот факт, что меня поместили сюда, чтобы создавать эти сердца — это искусство. Подобное чувство любви присутствует и в этот метод, этот акт создания искусства…»

Буратино

«Попытка воплотить в жизнь эту куклу — это замечательная история. Это история о том, как вы создаете искусство», — Джим Дайн. Увлечение Дайна персонажем Пиноккио, мальчика-героя в Карло Коллоди произведении «Приключения Пиноккио» (1883), берет начало в его детстве, когда в возрасте шести лет он вместе со своей матерью посмотрел Уолта Диснея анимационный фильм «Пиноккио» (1940). ): «Это навсегда преследовало мое сердце!» Этот формирующий опыт углубился в 1964 году, когда Дайн обнаружил детальную фигурку Пиноккио, покупая инструменты: «Он был раскрашен вручную, имел голову из папье-маше, красивую маленькую одежду и подвижные конечности. Я взял его домой и хранил на полке в течение 25 лет. лет я ничего с ним не делал. Я не знал, что с ним делать, но он всегда был со мной, когда я переезжал в другой дом, я брал его и ставил на книжную полку или клал в ящик и приносил. это, по сути, чтобы поиграть с этим». Однако только в 1990-е годы Дайн изобразил Пиноккио в своем искусстве, сначала в диптихе; Следующие Пиноккио были показаны на Венецианской биеннале 1997 года и на выставке в галерее Ричарда Грея в Чикаго. Среди примечательных изображений - 41 цветная литография, напечатанная в ателье Michael Woolworth в Париже в 2006 году; книга «Пиноккио» (Steidl, 2006), сочетающая текст Коллоди и иллюстрации Дайна; две монументальные бронзовые скульптуры высотой 9 метров: «Прогулка к Боросу » (2008 г.) в Буросе, Швеция, и «Пусанский Пиноккио» (2013 г.) в Пусане, Южная Корея; и Пиноккио (Эмоциональный) (2012), двенадцатифутовая бронза в Художественном музее Цинциннати. В последние годы самоидентификация Дайна с персонажем Пиноккио сместилась к Джепетто, талантливому резчику по дереву, который создает куклу-мальчика.

Античная скульптура

«Я испытываю почтение к древнему миру. Я имею в виду греко-римское общество. Это всегда меня интересовало, и мне интересны его продукты, и интересна литература — историческая литература. У меня есть эта потребность в связи с прошлым в мой путь…» — Джим Дайн. Как и в случае с Пиноккио, увлечение Дайна античной скульптурой восходит к раннему периоду его жизни: «В детстве я всегда интересовался «антиквариатом», потому что моя мать водила меня в художественный музей в Цинциннати, и там было несколько прекрасных произведений искусства. ." Таким образом, антиквариат присутствовал со времен его ранних работ, например, в скульптуре «Без названия (После крылатой победы)» (1959), которая сейчас хранится в коллекции Чикагского института искусств, скульптуре, вдохновленной « Крылатой победой Самофракии» (ок. 200 г. до н.э.). ) и состоит из расписной мантии, подвешенной на найденном каркасе лампы и скрепленной проволокой, которую Дайн описывает как «почти как искусство аутсайдеров», и которую он впервые показал в галерее Рубена. Античное он чаще всего выражает через фигуру Венеры Милосской (ок. 100 г. до н. э.), небольшой гипсовый слепок, который он купил в Париже; Первоначально он включил актерский состав в натюрморты 1970-х годов: «Но потом я снес ему голову и сделал ее своей». Дайн также вдохновлен конкретными коллекциями скульптур, например, коллекцией Глиптотеки в Мюнхене , которую он посетил в 1984 году, в результате чего были созданы 40 «рисунков Глиптотек» [так в оригинале] 1987–88 годов, сделанных в рамках подготовки к серии литографий. О своем опыте Дайн вспоминает: «Директор музея разрешил мне прийти ночью, и поэтому это была медитация на произведениях, которые я рисовал, потому что я был один. Я чувствовал связь между эпохами истории и мной, а также связь между эти анонимные ребята, которые вырезали эти вещи за столетия до меня. Это был способ объединить усилия поколений, и для меня почувствовать, что я не просто вырос, как перекати-поле , но что я откуда-то принадлежу традиции и. это дало мне ту историю, которая мне была нужна». Важной недавней работой, включающей в себя антиквариат, является «Пение поэта» Дайна («Цветущие листы») , инсталляция, состоящая из 8-футовых деревянных скульптур, вдохновленных древнегреческими статуями танцующих женщин, расположенных вокруг 7-футовой автопортретной головы художника. установлен в комнате, на стенах которой он изобразил обширное стихотворение «с его орфическими темами путешествий, потерь и возможностей искусства». Первоначально показан в 2008–2009 годах на вилле Гетти в музее Дж. Пола Гетти в Лос-Анджелесе и повторяет скульптурную группу «Сидящий поэт и сирены» 350–300 гг. До н.э. (2) с несвязанными фрагментарными завитками (304), хранящуюся в коллекции Гетти. , С тех пор Дайн обновил «Пение поэта» («Цветущие листы») как постоянную инсталляцию, ориентированную на конкретное место, размещенную в специально построенном павильоне Джима Дайна, примыкающем к Кунстхаусу Геттингена.

Инструменты

«Я никогда не переставал восхищаться этими предметами». — Джим Дайн. Как и в случае с Пиноккио и античной скульптурой, инструменты — это мотив, неразрывно связанный с детством Дайна. Его познакомил с ними его дед по материнской линии, Моррис Коэн, который управлял хозяйственным магазином The Save Supply Company в Цинциннати; В детстве Дайн прожил с Коэном три года и ежедневно общался с ним до 19 лет. Дайн вспоминает молотки, пилы, дрели, отвертки среди различных аппаратных принадлежностей; позже Дайн работал в магазине Коэна по субботам.

Таким образом, Дайн познакомился как с практическими функциями инструментов, так и с их эстетическими возможностями: «Я восхищался красивой эмалью на керамических унитазах и раковинах. В отделе покраски таблицы цветов выглядели для меня как идеальные, идеальные шкатулки для драгоценностей». Он вспоминает чувственное воздействие «очень, очень красивой» первозданной белой краски: «Я играл с ней, втыкая одну из его отверток, разрывая кожу и перемещая ее. Это было похоже на белую ириску. У нее был потрясающий запах льняное масло и скипидар». Соответственно, он находит их «таким же загадочным и интересным объектом, как и любой другой объект. Здесь нет никакой аристократии».

В качестве мотива, символизирующего превращение сырья в искусство, инструменты имеют уникальный статус в практике Дайна как «искусственные продолжения его рук, эффективно позволяющие ему более систематически формировать и формировать определенные условия и объекты». и как «первичные объекты», которые создают связь с нашим человеческим прошлым и рукой». По словам самого Дайна, этот инструмент по своей сути является «метафорой слова «работа»».

Дайн интегрировал настоящие инструменты в свое искусство из своих самых ранних работ — например, «Большая черная рабочая стена» (1961), картина с прикрепленными инструментами, и «Ветер и инструменты (Словарь терминов)» (2009), три деревянные статуи Венеры, одетые в подпоясывает пояса с инструментами, а также изображает их в средствах массовой информации, включая картины, рисунки, фотографии и гравюры. Выдающаяся серия печатных работ с использованием инструментов — это «История коммунизма» (2014), в которой Дайн напечатал мотивы инструментов поверх литографий, сделанных из камней, найденных в художественной академии в Берлине и демонстрирующих работы студентов из Германской Демократической Республики за четыре десятилетия. Накладывая свой личный словарь инструментов, Дайн обращается к символическим инструментам коммунизма — серпу и молоту Советского Союза и молоту и компасу, окруженным рожью, Германской Демократической Республики — и ставит под сомнение утверждение каких-либо определенных «истина», показывающая, что «история никогда не является последовательным повествованием - хотя она может быть представлена ​​​​как таковая со скрытым мотивом - а, скорее, фрагментированным, многоуровневым и многосторонним процессом».

Избранные преподавательские должности

• 1965 - приглашенный лектор в Йельском университете и постоянный художник, Оберлин-колледж, Огайо.
• 1966 – преподавательская ординатура в Корнеллском университете, Итака, Нью-Йорк.
• 1993–95 – Зальцбургская международная летняя академия изящных искусств, Зальцбург.
• 1995–96 – Университет искусств, Берлин.

Избранное долгосрочное сотрудничество

• 1962–76: галерист Илеана Соннабенд, Нью-Йорк.
• 1975–2008: гравер Альдо Кроммелинк, Париж.
• 1978–2016: Галерея Пейс, Нью-Йорк.
• 1979 – настоящее время: галерист Алан Кристеа, Лондон.
• 1983–2018: галерист Ричард Грей, Чикаго.
• 1983 – настоящее время: Литейный завод Уолла Уолла, Уолла Уолла, Вашингтон.
• 1987–2003: гравер Курт Зейн, Вена.
• 1991–2016: Мастерская Spring Street, Нью-Йорк, с типографиями, в том числе Джулией Д'Амарио, Рут Линген, Кэтрин Кюн, Биллом Холлом.
• 1998 – настоящее время: типограф и издатель Герхард Штайдль, Геттинген.
• 2000 – настоящее время: галерист Дэниел Темплон , Париж-Брюссель.
• 2003–18: Ателье граверов Майкла Вулворта, Париж.
• 2010 – настоящее время: литейный завод Blue Mountain Fine Art, Бейкер-Сити, Орегон.
• 2016 – настоящее время: гравер Стейндрук Шаванн Пехманн, Apetlon.
• 2016–21: Grey Gallery, Чикаго.

Избранные постоянные коллекции

• Мемориальный художественный музей Аллена, Оберлин
• Институт искусств Чикаго, Чикаго
• Художественный музей колледжа Боудоин, Брансуик, Мэн
• Бруклинский музей, Бруклин
• Художественный музей Цинциннати, Цинциннати
• Кливлендский художественный музей, Кливленд
• Художественный музей Фогга, Гарвардский университет, Кембридж
• Музей Хиршхорна и сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия
• Художественный музей Индианаполиса, Индианаполис
• Музей Израиля, Иерусалим
• Музей современного искусства Луизианы, Хумельбик, Дания
• Метрополитен-музей, Нью-Йорк
• Институт искусств Миннеаполиса, Миннеаполис
• Музей Фолькванг, Эссен
• Национальный музей современного искусства, Центр Помпиду, Париж
• Музей современного искусства, Чикаго
• Музей изящных искусств, Бостон
• Музей современного искусства, Нью-Йорк
• Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
• Художественный музей Палм-Спрингс, Калифорния
• Художественный музей Снит, Университет Нотр-Дам
• Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк
• Стеделик-музей Амстердам
• Галерея Тейт , Лондон
• Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк
• Метрополитен-музей, Нью-Йорк
• Стеделик-музей, Амстердам
• Токийский музей искусств Метрополитен, Токио
• Художественная галерея Йельского университета, Нью-Хейвен, Коннектикут

Избранные поэтические чтения

• с Тедом Берриганом, Лаборатория искусств, Сохо, Лондон, 1969 г.
• Поэтический проект с Тедом Берриганом, церковь Св. Марка, Нью-Йорк, 1970 г.
• Серия Segue с Дайаной Миченер и Винсентом Кацем, Поэтический клуб Бауэри, Нью-Йорк, 2005 г.
• Серия касательных чтений с Дайаной Миченер и Винсентом Кацем, Портленд, 2008 г.
• Чтение Бастилии с Марком Мардером и Даниэлем Юмайром, Париж, 2010 г.
• Чтение Бастилии с Марком Мардером, Galerie Eof, Париж, 2014 г.
• Поэтический проект с Доротеей Ласки, Церковь Св. Марка, Нью-Йорк, 2015 г.
• с Карен Вайзер, Dia Art Foundation, Нью-Йорк, 2016 г.
• с Винсентом Брока, Университет Сассекса, Брайтон, 2017 г.
• Хаузер и Вирт, Нью-Йорк, 2018 г.
• Дом слов (продолжается)
• Архив Гюнтера Грасса, Геттинген, 2015 г.
• с Марком Мардером, Galerie Eof, Париж, 2015 г.
• с Марком Мардером, Poetry Foundation, Чикаго, 2016 г.
• Писатели у моря, Ла Боль, 2017
• с Даниэле Роккато и Фабрицио Оттавиуччи, Церковь Санти Лука и Мартина, Рим, 2017 г.
• In Vivo , с Даниэле Роккато и Фабрицио Оттавиуччи, Центр Жоржа Помпиду, Париж, 2018 г.

Внешние ссылки

• Британский музей
• Британская энциклопедия
• Джонатан Новак Современное искусство
• Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия
• Национальная галерея Виктории, Мельбурн
• Национальная портретная галерея, Лондон
• Королевская академия искусств
• Художественный музей Снит, Университет Нотр-Дам, Нотр-Дам, Индиана
• Стейдл