Ольга де Амарал

Ольга де Амарал
Рожденный	Ольга Себальос Велес 1932 Богота , Колумбия
Национальность	Колумбийский
Образование	Крэнбрукская академия искусств (1954–55)
Известный	гобелен, текстильное искусство , цвет, левкас , золото
Стиль	абстрактное искусство
Супруг	Джим Амарал
Веб-сайт	http://olgadeamaral.art

Ольга де Амарал (род.1932) ) — колумбийская художница по текстилю и визуальному искусству, известная своими масштабными абстрактными работами, выполненными из волокон и покрытыми сусальным золотом и/или серебром. Благодаря своей способности совмещать местные проблемы с международными событиями, де Амараль стала одной из немногих художниц из Южной Америки , получивших международную известность благодаря своим работам в области оптоволокна в 1960-х и 70-х годах. Она также считается важным практиком в развитии послевоенной латиноамериканской абстракции . В настоящее время она живет и работает в Боготе , Колумбия .

Биография и образование

Ольга де Амараль в Убате, Кундинамарка, Колумбия, 1944 год.

Ольга де Амараль родилась Ольга Себальос Велес в 1932 году в Боготе , Кундинамарка , Колумбия , в семье родителей из колумбийского Антиокия . региона Она выросла в традиционной религиозной семье с 5 сестрами и 2 братьями. Она выросла в традиционном районе Боготы, в теплой, безопасной семейной атмосфере, поддерживая особые отношения со своей любящей и заботливой матерью. После окончания средней школы в 1951–52 годах она получила степень по архитектурному дизайну в Colegio Mayor de Cundinamarca в Боготе. После окончания школы будущий художник по текстилю год проработал директором факультета архитектурного рисования в той же школе.

В 1954 году де Амараль отправился в Нью-Йорк, чтобы изучать английский язык в Колумбийском университете . С 1954 по 1955 год она изучала искусство волокна в Академии искусств Крэнбрук в Блумфилд-Хиллз, штат Мичиган . Она рассказала о своем пребывании там в качестве студентки: «В Крэнбруке в текстильной мастерской у окон было установлено восемь ткацких станков: один из них, в углу, стал моим домом на год. Там я пережила свои самые сокровенные моменты жизни. в одиночестве родилась моя уверенность в цвете, в его силе; я почувствовал, что люблю цвет, как если бы он был чем-то осязаемым, и я с ностальгией вспоминаю тот опыт, когда души соприкасались». В Крэнбруке де Амарал встретил Джима Амарала , и они стали близкими друзьями.

В 1955 году, проведя год в Крэнбруке, она вернулась в Колумбию и начала шить декоративный текстиль на заказ для своих друзей-архитекторов. Тем временем Джим Амарал служил в ВМС США на базе на Филиппинах . В 1956 году Джим Амарал посетил Колумбию, чтобы увидеться с Ольгой, сначала на несколько недель. Они поженились в 1957 году и поселились в Боготе. У них было двое детей, Диего и Андреа, и они открыли мастерскую по производству текстиля ручной работы. В этот период Джек Ленор Ларсен посетил Колумбию и мастерскую Амарала. Он проявил интерес к гобеленам Ольги. Их профессиональные и творческие отношения сыграли решающую роль в проецировании ее работ в международный мир современных гобеленов. В 1965 году де Амараль основал и преподавал на текстильном факультете Университета Лос-Андес (Колумбия) в Боготе.

В 1966-1967 годах семья Амарал жила в Нью-Йорке. Там Ольга де Амарал познакомилась с Эйлин Вандербильт из Всемирного совета ремесел и стала представителем Колумбии. При сотрудничестве Ларсена Ольга де Амарал выставляла свои гобелены в Нью-Йорке (во время персональной выставки 1967 года в выставочном зале Ларсена в Нью-Йорке) и преподавала в Школе ремесел Пенленда в Северной Каролине и в Школе ремесел Хейстек Маунтин в штате Мэн . Вернувшись в Колумбию, Амаралы отправились в регион Попаян и Тьеррадентро , где стоит обязательно посетить Сан-Агустин . Позже Ольга посетила Перу в качестве представителя ВСЦ. Во время быстрого визита в Ирландию для участия в конференции WCC Ольга встретила Люси Ри , британского керамиста, которая вдохновила ее использовать золото в гобеленах. В начале семидесятых годов Амаралы переехали в Барселону , а затем в Париж . Они посетили Грецию , Италию , Нидерланды , Бельгию , Швейцарию , Швецию и Англию . Они установили контакты с центрами европейского искусства. Некоторое время они жили в Европе , затем вернулись в Боготу, посетили разные районы Колумбии, а затем вернулись во Францию , среди выставок, работы и новых друзей. Еще одним важным путешествием для художницы стало путешествие в Япония .

Искусство

«Я не знаком с современными тенденциями в текстильном дизайне. Мне кажется, что те, кто художественно ткает, лишь частично опираются на из волокон ремесло , что, на мой взгляд, не имеет смысла. Я считаю, что нужно основываться на точности, на математике. , по теории цвета . То, что соткано, происходит не случайно, а совершенно наоборот - я не могу этого сделать, потому что я не обучен и потому что нахожусь в абстракции. работа — это не что иное, как мой способ рассказать о том, что я думаю о жизни, о душе вещей». –Ольга де Амарал

С самого начала искусство Ольги де Амараль было направлено на создание работ, которые переопределяют наши представления о единстве, концепции, репрезентации и личном выражении . де Амараль исследует и пересматривает идеи, техники и процессы, ища тонкие и сложные вариации в рамках своего собственного художественного процесса. Она является важной фигурой среди разбросанной по всему миру группы художников, которые деконструируют и переосмысливают структуру, поверхность и основу живописи, добавляя скульптурные размеры и нетипичные материалы. Ее работа переносит элементы живописи с подрамника в пространство, подходя к проблеме наложения, наслоения картины с точки зрения самого материала – основы картины, холста, ткани или текстуры.

Первоначально отнесенные к категории двухмерных репрезентативных настенных ковров, в конце 1960-х годов ее работы вошли в жанры скульптуры , инсталляции , абстрактного и концептуального искусства :

«Искусство Де Амараль ловко соединяет множество ремесленных традиций; оно связано с процессом и материальностью, с принципами формализма, абстракции и метафизичности. границы ортодоксального понимания того, как текстиль работает как объект в пространстве. Она постепенно вывела работы из ткани за рамки категории тканых гобеленов, в которых отдается предпочтение плоскостности, прилеганию к стене, живописности и одержимости органическим и физическим. свойств материалов — в более концептуальную практику, охватывающую стратегии, которые иначе можно найти в живописи , скульптуре и архитектуре ».

То, как художник использует материалы, натуральные и искусственные волокна, краску, левкас и драгоценные металлы ( в основном сусальное золото и серебро), посредством ручного труда , ремесленных процессов и техник, отсылает к доиспанскому искусству Колумбии, местным ткацким традициям, и наследие испанского колониального барокко, принесенное в Новый Свет католическими колонистами. Как отметила Твайлин Мойер, это вдохновение — «настоящее метисирование , или смешение культур». Общим для этих культур было то, что все они приписывали визуалу большую выразительную силу, точно так же, как работы де Амараля воплощают визуальное и тактильное содержание, «воссоединяя нас с древним пониманием и оценкой изображений как присутствия самих себя, способного выйти за пределы материальности и стать реальностью». выражайте истину через красоту». Эта способность соединять древнее и современное позволило художнице создавать работы, исходя из того, что «искусство обладает способностью превосходить изображение и воплощать духовные и эмоциональные ценности через форму. (...) Ее гобелены - не что иное, как размышления об иллюзорной природе смысла».

Нить, цвет и свет определяют визуальный и метафорический аспект произведений де Амарала. «Я начал работать с волокном по совпадению — искомому совпадению — и продолжал этим заниматься, потому что оно никогда меня не разочаровывало. Чем лучше я узнаю его, тем лучше оно знает меня. Короче говоря, оно никогда не переставало возбуждать мое Любопытство похоже на старый карандаш: им пользуются так долго, что ты считаешь его само собой разумеющимся, потому что я принял его и потому что знаю это». Ольга де Амараль о цвете: «Когда я думаю о цвете, когда я прикасаюсь к цвету, когда я живу цветом – интимным возвышением моего существа, моего другого я – я летаю, я чувствую себя другим, рядом со мной всегда есть другое существо». ."

Искусство де Амараль чаще всего интерпретируется через темы архитектуры , математики и социо-культурной дихотомии в Колумбии , но в основном через пейзаж: «Очарованная формами скал, ручьев, холмов, гор и облаков, она находит вдохновение в разбитых текстуры и движения пейзажей, окружающих ее дом в Боготе, от геометрических рисунков средневековых космологических диаграмм до сеток Мондриана , гармоничная симметрия форм намекает на совершенство и абсолют и причастна к нему». Ее творчество характеризуется различными сериями, каждая из которых имеет определенную суть или технику, которые включают в себя множество сложных вариаций, разработанных на протяжении всей ее карьеры. Названия многочисленных серий де Амараль раскрывают темы, лежащие в основе ее плетений: «Алхимия» , «Лунные корзины» , «Утерянные изображения» , «Церемониальные ткани» , «Писания» , «Леса» , « Реки» , «Горы » , « Луны» , «Квадратные солнца» , «Умбры», «Стелы» и т. д. Как отметил Ампаро Осорио: большая часть поэзии (...) возникает из этих образов в движении, название которых (...) является для нас еще одним ориентиром, помогающим нам достичь понимания этого непонятного смысла, этого желания сказать языком символов все, что находится за пределами слов. "

Ранние работы 1960-х годов.

де Амарала Ранний период творчества характеризуется визуально относительно традиционными гобеленами, но уже представляет собой поиск индивидуального языка посредством формальных экспериментов. С середины 60-х годов она работала в основном с шерстью ручного прядения, хлопком, льном и красками. Яркие цвета и смелые комбинации, а также исследование структуры и краев плетения характеризуют некоторые из ее небольших ранних работ этого периода. Геометрическая концепция и композиция этих работ демонстрируют глубокое осознание и понимание современных художественных тенденций того времени, напоминая, Де Стиджа среди прочего, абстракцию . В 1966 году Мигель Арройо пригласил Амаралов показать свои работы в Музее изящных искусств в Каракасе , Венесуэла . Это была первая персональная выставка Ольги де Амараль за пределами родной страны. В 1967 году Ольга впервые представила свои работы на знаменитой Лозаннской биеннале в Швейцарии , что стало первым из шести последующих выступлений на этом мероприятии. В 1969 году Ольга де Амараль приняла участие в коллективной выставке 27 художников по волокну в МоМА Нью-Йорка под названием «Настенные ковры». Это была международная выставка, которую курировала куратор архитектуры и дизайна Милдред Константин, организованная совместно с Джеком Ленором Ларсеном и представленная не в вестибюле архитектуры и дизайна , как обычно для художников по волокну , а в художественном отделе МоМА , который до этого был зарезервирован только для живописи или скульптуры. В этом заключалась важность этой выставки: она обращала внимание на трансформации в искусстве волокон , отмечала различия между континентами и предвосхищала грядущие эксперименты.

В конце 60-х годов, создав произведение « Entrelazado en naranja, gris, multicolor» (1969), де Амараль в конце концов «взорвал картинную плоскость изнутри». В конце этого периода художник оставил фундаментальную концепцию ткачества ткани (противопоставление основы и утка), оставив только основу (в виде плетения) и позволив ей свободно плавать. Полная форма или объем, подчеркнутые в композиции произведений этого периода, делают их почти похожими на резьбовые скульптуры. Однако после этого периода расширения границ искусства ткачества в следующем десятилетии проблема плоской поверхности снова возникнет в искусстве де Амарала. Массивные драпировки Ольги под названием Muros tejidos ( Тканые стены) — прочные бастионы, построенные из жесткой шерсти и конского волоса , — дебютировали на персональной выставке в Музее современных ремесел в Нью-Йорке в 1970 году. В 1971 году Ольга приняла участие в выставке «Намеренные запутывания» в Калифорнийском университете в Лос-Анджелесе, организованной профессором искусства Бернардом Кестером. Впервые в Южной Калифорнии было показано американское и восточноевропейское волокно . Он отразил революционную волокнистую скульптуру той эпохи, особенно ее тенденцию к монументальности. «Когда я начал показывать свои работы в Европе и США, это считалось искусством, а не ремеслом. И именно тогда я понял, что в моих творениях теперь имеет значение не плетение, а визуальное качество».

Переход от ремесел к изобразительному искусству в 1970-е годы.

х годах Ольга де Амараль начала следующие серии: Muros , Corazas , Hojarascas , Marañas , Estructuras , Fragmentos completos, серия Calicanto В 1970 - , Farallones и Eslabones . «С самого начала своей карьеры в 1960-х годах, особенно среди Муро и Ходжараска 1970-х годов, Амарал ясно дала понять, что спор о том, является ли ткачество искусством или ремеслом, будет, по крайней мере в ее случае, спорным. С самого начала В ее работах было отчетливое ощущение, что они могли воплощать и действительно воплощали важные идеи и размышления экзистенциального и исторического характера».

Стены ​

«Стены » были первой серией, в которой художница стала идти на больший риск, что заставило ее отказаться от предсказуемых геометрических узоров и заменить их ритмами, впервые вовлекающими взгляд в работу. Включение зрителя в этот опыт вместе с растущими масштабами работ де Амараль ознаменовали рубеж в карьере художницы и поставили ее на международную карту изобразительного искусства: «(…) в конце 1960-х - середине 70-х годов ( …) художники по волокну стали более внимательно относиться к форме и размерам архитектурного контекста и феноменологическому опыту . зрителя В Westin Peachtree Plaza в Атланте стена служила не столько фоном или рамой, сколько определяющим фактором монументальной вертикальной формы гобелена из шерсти и конского волоса».

Полные фрагменты

Во время пребывания в Париже в начале 1970-х годов, живя в небольших помещениях, Ольга создала серию небольших произведений под названием « Полные фрагменты» (1975). В этой серии художник впервые использовал золото, играя и экспериментируя с ним. Она также начала красить волокна акриловой краской и левкасом, чтобы получить цвета непосредственно на готовом тканом изделии, чтобы растворить геометрию, налагаемую жесткой структурой основы и утка. Эти поэтические зарисовки были показаны в галерее Ривольта в Лозанне , Швейцария . Это техническое новшество дало художнику гораздо больше свободы в окончательной обработке поверхностей, чем окрашенные в цвет волокна. Это также перевело ее гобелены из категории «ремесла» в категорию «изобразительное искусство». «Цвет — это язык, общий для всех культур. Цвет помогает мне дистанцироваться от поверхности, чтобы придать гобелену разные значения». « Фрагменты» начинают период преимущественно монохромных работ, кульминацией которого является серия «Каликанто» .

Серия «Каликанто »

Название серии отсылает к камням, используемым для строительства. Серия включает в себя работы Vestiduras de Calicanto , Paredes de Calicanto и Paisajes de Calicanto и была начата в 1977 году. Изделия этой серии представляют собой более крупные плетения из травы, светлых земляных и песочных тонов.

Новые материалы 1980-х годов

Этот период характеризуется энтузиазмом экспериментов и внедрением новых материалов. Во время своего визита в Японию на выставку в Национальном музее современного искусства в Киото де Амараль начинает изучать использование золота и левкаса, вдохновленное Кинцуги , японским искусством ремонта разбитой керамики золотом. Начинается ее исследование золота как материала и цвета. Она также продолжает исследовать возможности структуры. Фильтрация света и воздуха с помощью тканых конструкций становится важным фактором. В 1980-х годах Ольга де Амараль начала следующие серии: Riscos , Tejidos policromos , Tierras , Tablas , Entornos , Cestas lunares, Lienzos ceremoniales, Alquimias и Montañas.

Рискос ​

Название этой серии отсылает к скалам. Сегментированные вертикальные полосы также отсылают к инков кипу ( кипу /говорящие узлы) — записывающим устройствам, используемым для сбора данных и ведения учета времени и работы по дому. Кипу делались из разноцветных ниток или хлопчатобумажных ниток. Изделия серии Riscos в основном имеют прямоугольную форму и в отличие от вертикальных волнистых кос, свисающих сверху вниз, создают ощущение движения, почти кинетический эффект. По стилю органические эффекты во многом напоминают живую форму, но работы этой серии строго концептуальны – основаны на возможностях и изменениях структуры волокон.

Церемониальные полотна

Серия «Церемониальные ткани» была начата в 1986 году и продолжалась до 1998 года. Название относится к церемониальной одежде. Каждое изделие этой серии «пропитано» ярким, глубоким цветом, который проявляется на единой фоновой поверхности. В этой серии исследуется способ появления изображений на тканой поверхности и создание ощущения глубины. Наложение слоев нитей создает воздушную игру света, связывающую эту серию с оп-арта . художественными проблемами

Лунные корзины

Лунные корзины исследуют те же проблемы, что и церемониальные ткани – глубину и абстрактные красочные изображения. Каждое изделие уникальной композиции изучает фактурные и хроматические сдвиги на тканых поверхностях (каждое хлопковое волокно покрыто левкасом и краской), где возникают геометрические образы – круг солнца и луны, дуга и вихрь энергий и воды. Произведения из этой серии выражают чувства, возникшие у художника, когда он увидел корзины, сделанные Яномами , племенем на границе Венесуэлы и Бразилии , также известным как Дети Луны. Это племя создает соломенные корзины с круглым орнаментом, которые художник видел как объединение разума и луны, которой они поклоняются. Это вдохновение можно увидеть в плетении Лунных корзин .

Алхимии ​

Во время быстрого визита в Ирландию для участия в конференции Всемирного ремесленного совета в 1970 году, на обратном пути в Колумбию , Ольга прошла мимо Люси Ри студии в Лондоне (на конференции она познакомилась с британским керамистом). Она вдохновила ее использовать золото в гобеленах: «В тот день в Лондоне я заметила трещину в керамической вазе. Люси Ри объяснила мне, что для нее поломки не существовало, потому что она преобразила изделие, починив его сусальным золотом. как это делают японцы, когда ломается ценный фарфор. Эта концепция затронула меня в каком-то загадочном месте моего сознания». Серия «Алхимии» , начатая в 1983/84 году и продолжающаяся до сих пор, была первой серией, полностью выполненной из сусального золота, которое художник, как и алхимики, считал символом знания. Изделия из этой серии представляют собой прямоугольные мини-"холсты", изготовленные из хлопка и обработанные беленым левкасом , который затем покрывается акриловой краской и сусальным золотом/серебрением. Поэкспериментировав с большим масштабом, Ольга де Амараль захотела вернуться к человеческому масштабу. Первые 13 работ серии основаны на пропорциях человеческой фигуры и вдохновлены древней культурой. Перу – его предметы и наука, особенно математика. Кроме того, когда художники посетили деревню Баричара на севере Колумбии , архитектурный пейзаж этого прекрасного города вдохновил материалы и цвета, использованные и в первых произведениях серии: лен глиняного цвета преимущественно с белыми, золотыми и синими тонами. Золото играло важную роль как в различных индейских культурах, так и в католической религии. Художница поняла, что применение золота делает плетение тяжелым и гибким - качество, которое она искала после первых крупномасштабных плетений, имевших архитектурный и скульптурный смысл. В отличие от массивных конструкций, сотканных из тяжелых волокон, таких как конский волос и грубая шерсть ручного прядения, алхимики больше озабочены тем, как поверхности, текстуры и отделка преобразуют пространство, которое они занимают или содержат. Предметы этой серии висят вертикально, гравитационно и отделены от стены, как будто живут в своем уникальном пространстве. Эффект, атмосфера, которую они создают, когда их свешивают вместе, подобны тому, когда вы входите в колониальную церковь или погребальные камеры доколумбовые культуры. «Моим всегда было желание создать (…) состояние тишины в тех местах, где я устанавливаю свои произведения».

Волокно как холст. 1990-е годы

В 1990-х годах Ольга де Амараль начала следующие серии: Vesitigios , Rivers , Doors , Towns , Boxes , Umbras , Bosques , Segmentos , Mementos , Lost Images , Environments Still , Shadows , Moons , Paisajes heredados, Estelas и серии Prosa и Square Suns. .

Умбра ​

Название относится либо к области тени затмения, либо к темному центру солнечного пятна. Хотя изделия этой серии представляют собой жесткие и неподвижные конструкции, они создают яркие, визуально плавные поверхности за счет использования сусального серебра или золота, которые затеняют или отражают свет. Эффект каждого изделия из этой серии невозможно определить, учитывая то, как сплетаются нити. Еще одна особенность этого плетения – ряд связан снаружи и внутри в процессе плетения. «У Умбры обратная сторона всегда является скрытым слоем. Задняя часть каждой пряди поддерживает цвет, который отражает лицо, а вся задняя часть представляет собой скелет видимой поверхности».

Леса ​

Эта серия состоит из диптихов, строгость поверхности которых радикально отличается от обилия работ Амарала предыдущего десятилетия. Перекрытие пространства представляет собой квадрат или прямоугольник, в некоторых случаях со сдвигом по цвету, но не по форме. Геометрические формы кажутся движущимися из одной плоскости в другую.

Эстелас ​

В серии Estelas , начатой ​​в 1996 году, как и в случае с Umbras , художник снова обратил внимание на внутреннюю и внешнюю сторону. Название отсылает к испанскому слову estrella , что означает «звезда», и « es tela », что означает « сделано из ткани ». Ольга де Амараль всегда рассматривала обратную сторону своих изделий как сторону для экспериментов, но в этой серии она решила работать с обеими сторонами на равных. Передняя часть стел выполнена из светящегося золота, а задняя часть - из темного серебра, но все еще сохраняет остатки первоначальной экспериментальной функции этой стороны. «Я думаю о них как о камнях, полных пространства, каждый из которых наполнен тайнами. Многие вместе, как насыпи камней или скал, указывают на ответ, неизвестный порядок, скрытую историю». Эти произведения приобрели трехмерный характер, поскольку они всегда выставлены подвешенными к потолку на разных высотах и ​​под разными углами и в группе, причем каждая сторона (золотая или серебряная) обращена в одну сторону. Эффект этих произведений противоречив: они одновременно являются твердыми поверхностями, придающими твердость руинам прошлых цивилизаций, и в то же время парящими и неизменными. Стелы были показаны в Galería Diners в Боготе , а также в музеях США и Европы в 1999 году.

2000-2010 и недавние работы

После 2000 года Ольга де Амараль начала следующие серии: Ombríos , Mapas , Escritos , Aguas/Aquas , Glyphs , Alforjas , Espejos , Piedras , Stratas , Nudos , Memorias , Policromos , Entre Ríos , Pozos azul , серия Sol rojo , Arboles. , Туманы , Две половинки, Мойя, Туманности, Окаменелости, Ядра, Камни, Минуты, Отпечатки и Холсты.

Коллекции

Работы де Амараля находятся в коллекции Художественного института Чикаго . Кливлендский художественный музей , Метрополитен -музей , Музей современного искусства , Смитсоновский музей американского искусства , и Тейт .

Работа де Амараля «Монтанья № 13 » была приобретена Смитсоновским музеем американского искусства в рамках галереи Ренвик . кампании, посвященной 50-летию

Награды и признания

• 1973 Стипендия Гуггенхайма , Нью-Йорк, США.
• 2010 Член Национальной академии изящных искусств в Буэнос-Айресе, Аргентина.
• 2011 года Лауреат мультикультурного благотворительного гала-концерта в Метрополитен-музее , Нью-Йорк, США.

Внешние ссылки

• Официальный сайт
• Видео, Дом моего воображения
• Видео с выставки Latin American Masters 2012.
• Видео с выставки в Лондоне 2013 года.
• Видео с выставки «Color Sombra» в Galería La Cometa в Боготе, Колумбия.
• «Форма и волокно: текстильное плетение Ольги де Амараль с абстракцией» , статья 2016 г. на сайте Phillips.com.