Концептуальное искусство

Не путать с концепт-артом или философским концептуализмом .

Марсель Дюшан , «Фонтан» , 1917 год. Фотография Альфреда Штиглица.

Роберт Раушенберг , Портрет Айрис Клерт 1961 г.

Искусство и язык , Art-Language Vol. 3 №. 1, 1974 г.

Концептуальное искусство , также называемое концептуализмом , — это искусство , в котором концепции или идеи , включенные в работу, имеют равный или больший приоритет, чем традиционные эстетические , технические и материальные проблемы. Некоторые произведения концептуального искусства могут быть созданы кем угодно, просто следуя набору письменных инструкций. Этот метод был основополагающим для определения концептуального искусства, данного американским художником Солом Левиттом , одного из первых, появившихся в печати:

В концептуальном искусстве идея или концепция является наиболее важным аспектом работы. Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение является формальным делом. Идея становится машиной, создающей искусство.

Тони Годфри, автор книги «Концептуальное искусство (Искусство и идеи)» (1998), утверждает, что концептуальное искусство ставит под сомнение природу искусства: понятие, которое Джозеф Кошут возвысил до определения самого искусства в своем плодотворном раннем манифесте концептуального искусства « Искусство после философии» (1969). Идея о том, что искусство должно исследовать свою собственную природу, уже была важным аспектом влиятельным искусствоведом Клементом Гринбергом видения современного искусства в 1950-х годах. Однако с появлением в 1960-х годах искусства, основанного исключительно на языке, такие художники-концептуалисты, как Art & Language , Джозеф Кошут (который стал американским редактором Art-Language ) и Лоуренс Вайнер , начали гораздо более радикальное исследование искусства, чем ранее было возможно (см. ниже ). Одной из первых и наиболее важных вещей, которые они подвергли сомнению, было распространенное предположение, что роль художника заключается в создании особых видов материальных объектов .

Благодаря ассоциации с « Молодыми британскими художниками» и Премией Тернера в 1990-е годы в популярном использовании, особенно в Соединенном Королевстве, «концептуальное искусство» стало обозначать все современное искусство , в котором не используются традиционные навыки живописи и скульптуры . Одна из причин, по которой термин «концептуальное искусство» стал ассоциироваться с различными современными практиками, далекими от его первоначальных целей и форм, заключается в проблеме определения самого термина. Как предположил еще в 1970 году художник Мел Бохнер , объясняя, почему ему не нравится эпитет «концептуальный», не всегда до конца ясно, к чему относится «концепция», и есть риск, что ее спутают с «намерением». Таким образом, описывая или определяя произведение искусства как концептуальное, важно не путать то, что называется «концептуальным», с «намерением» художника.

Прекурсоры

Французский художник Марсель Дюшан проложил путь концептуалистам, предоставив им примеры прототипно-концептуальных работ — реди-мейдов например, . Самым известным из реди-мейдов Дюшана был «Фонтан» (1917), стандартный писсуар, подписанный художником псевдонимом «Р.Мутт», и представленный для включения в ежегодную выставку Общества независимых художников в Нью-Йорке без участия жюри. Йорк (который его отверг). Художественная традиция не рассматривает обычный предмет (например, писсуар) как искусство, потому что он не создан художником и не имеет никакого намерения стать искусством, а также не уникален и не создан вручную. Актуальность и теоретическая важность Дюшана для будущих «концептуалистов» была позже признана американским художником Джозефом Кошутом в его эссе 1969 года « Искусство после философии» , когда он написал: «Все искусство (после Дюшана) концептуально (по своей природе), потому что искусство существует только концептуально». .

В 1956 году основатель леттризма . Исидор Ису разработал понятие произведения искусства, которое по самой своей природе никогда не могло быть создано в реальности, но которое, тем не менее, могло принести эстетическое вознаграждение при интеллектуальном созерцании Эта концепция, также называемая Art esthapériste (или «бесконечная эстетика»), произошла от бесконечно малых величин Готфрида Вильгельма Лейбница – величин, которые на самом деле не могли существовать, кроме как концептуально. Текущее воплощение (по состоянию на 2013 г. ) изуианского движения, экскоордизм, определяет себя как искусство бесконечно большого и бесконечно малого.

Происхождение

В 1961 году философ и художник Генри Флинт ввёл термин «концептуальное искусство» в одноименной статье, опубликованной в протофлюксусском издании « Антология случайных операций» . Он утверждал, что концепт-арт Флинта произошел от его понятия «когнитивного нигилизма», в котором парадоксы в логике эвакуируют концепции субстанции. Основываясь на синтаксисе логики и математики, концепт-арт должен был заменить математику и формалистическую музыку, которая тогда была распространена в серьезных музыкальных кругах. Таким образом, Флинт утверждал, что для того, чтобы заслужить название «концептуальное искусство », работа должна представлять собой критику логики или математики, в которой лингвистическая концепция является материалом, качество, которое отсутствует в последующем «концептуальном искусстве».

Этот термин приобрел другое значение, когда его использовал Джозеф Кошут и группа «Английское искусство и язык» , которые отказались от традиционных объектов искусства в пользу документированного критического исследования, которое началось в «Art-Language: The Journal of Conceptual Art» в 1969 году. социальный, философский и психологический статус художника. К середине 1970-х годов с этой целью они выпустили публикации, индексы, перформансы, тексты и картины. В 1970 году «Концептуальное искусство и концептуальные аспекты» состоялась первая специализированная выставка концептуального искусства в Нью-Йоркском культурном центре .

Критика формализма и коммерциализации искусства

Концептуальное искусство возникло как движение в 1960-е годы – отчасти как реакция на формализм , сформулированный тогда влиятельным нью-йоркским искусствоведом Клементом Гринбергом . По словам Гринберга, современное искусство следовало процессу постепенного сокращения и уточнения с целью определения существенной, формальной природы каждого средства массовой информации. Те элементы, которые шли вразрез с этой природой, должны были быть сокращены. Задача живописи, например, заключалась в том, чтобы точно определить, каким объектом на самом деле является картина: что делает ее картиной и ничем больше. Поскольку по своей природе картины представляют собой плоские объекты с поверхностями холста, на которые нанесен цветной пигмент, такие вещи, как фигура , иллюзия трехмерной перспективы и отсылки к внешнему предмету, оказались чуждыми сути живописи. и его следует удалить.

Некоторые утверждают, что концептуальное искусство продолжило эту «дематериализацию» искусства, полностью устранив потребность в объектах. в то время как другие, включая многих самих художников, видели в концептуальном искусстве радикальный разрыв с формалистским модернизмом Гринберга. Более поздние художники продолжали разделять предпочтение самокритичности искусства, а также отвращение к иллюзиям. Однако к концу 1960-х годов стало ясно, что требования Гринберга о том, чтобы искусство продолжало оставаться в рамках каждого средства и исключало внешние сюжеты, больше не имеют силы. Концептуальное искусство также выступило против в товар превращения искусства ; он попытался подорвать галерею или музей как местонахождение и определяющую роль искусства, а также арт-рынок как владельца и распространителя искусства. Лоуренс Вайнер сказал: «Как только вы узнаете о моей работе, вы станете ее владельцем. Я не смогу залезть кому-нибудь в голову и удалить ее». Поэтому о работах многих художников-концептуалистов можно узнать только через документацию, которая проявляется в них, например, фотографии, письменные тексты или отображаемые объекты, которые, как некоторые могут утверждать, сами по себе не являются искусством. Иногда (как в работах Роберта Барри , Йоко Оно и самого Вайнера) его сводят к набору письменных инструкций, описывающих произведение, но не доводя его до фактического выполнения — подчеркивая, что идея более важна, чем артефакт. Это показывает явное предпочтение «художественной» стороны мнимой дихотомии между искусством и ремеслом , где искусство, в отличие от ремесла, происходит внутри исторического дискурса и вовлекает его в исторический дискурс: например, «письменные инструкции» Оно имеют больше смысла наряду с другим концептуальным искусством искусства. время.

Лоуренс Вайнер . Части и кусочки, собранные вместе, чтобы создать подобие целого, Центр искусств Уокера, Миннеаполис, 2005.

Дуб, Майкл Крейг-Мартин . 1973 год

Деталь Мемориала жертвам нацистского военного правосудия работы скульптора-монументалиста Олафа Николаи , Бальхаусплац , Вена

Язык и/как искусство

Язык был главной заботой первой волны художников-концептуалистов 1960-х и начала 1970-х годов. Хотя использование текста в искусстве ни в коей мере не было чем-то новым, только в 1960-х годах художники Лоуренс Вайнер , Эдвард Руша , Джозеф Кошут , Роберт Барри и Art & Language начинают создавать искусство исключительно лингвистическими средствами. Если раньше язык был представлен как один из видов визуальных элементов наряду с другими и подчинялся всеобъемлющей композиции (например, синтетический кубизм ), художники-концептуалисты использовали язык вместо кисти и холста и позволяли ему иметь собственное значение. О работах Лоуренса Вайнера Энн Роример пишет: «Тематическое содержание отдельных работ проистекает исключительно из значения используемого языка, в то время как средства презентации и контекстное размещение играют решающую, но отдельные роли».

Британский философ и теоретик концептуального искусства Питер Осборн предполагает, что среди многих факторов, повлиявших на тяготение к языковому искусству, центральная роль концептуализма принадлежала повороту к лингвистическим теориям значения как в англо-американской аналитической философии , так и в структуралистской философии. и постструктуралистская континентальная философия середины двадцатого века. Этот лингвистический поворот «укрепил и узаконил» направление, выбранное художниками-концептуалистами. Осборн также отмечает, что ранние концептуалисты были первым поколением художников, получившим университетское образование в области искусства. Позже Осборн заметил, что современное искусство постконцептуально. в публичной лекции, прочитанной в Фонде Антонио Ратти на вилле Сукота в Комо 9 июля 2010 года. Это утверждение сделано на уровне онтологии произведения искусства (а не, скажем, на описательном уровне стиля или движения). .

Американский историк искусства Эдвард А. Шэнкен указывает на пример Роя Эскотта , который «ярко демонстрирует значительные пересечения между концептуальным искусством и искусством и технологиями, разрушая традиционную автономию этих историко-художественных категорий». Эскотт, британский художник, наиболее тесно связанный с кибернетическим искусством в Англии, не был включен в «Кибернетическую прозорливость», поскольку его использование кибернетики было в основном концептуальным и не использовало явным образом технологии. И наоборот, хотя его эссе о применении кибернетики в искусстве и художественной педагогике «Построение перемен» (1964) цитировалось на странице, посвященной Солу Левитту, основополагающей книге Р. Липпард Люси «Шесть лет: дематериализация». «Арт-объекта» с 1966 по 1972 год , предвосхищение и вклад Аскотта в формирование концептуального искусства в Великобритании получили скудное признание, возможно (и по иронии судьбы), потому что его работы были слишком тесно связаны с искусством и технологиями. Еще одно важное пересечение было исследовано при использовании Эскоттом тезауруса в 1963 году. телематические связи:: временная шкала , которая провела явную параллель между таксономическими качествами вербального и визуального языков - концепция, которая будет использована во «Втором расследовании» Джозефа Кошута, «Предложение 1» Мела Рамсдена (1968) и «Элементы неполной карты» (1968). .

Современная история

Протоконцептуализм имеет корни в подъеме модернизма , например, в творчестве Мане (1832–1883) и позднее Марселя Дюшана (1887–1968). Первая волна движения «концептуального искусства» продолжалась примерно с 1967 года. до 1978 года. Ранние «концептуальные» художники, такие как Генри Флинт (1940–), Роберт Моррис (1931–2018) и Рэй Джонсон (1927–1995), повлияли на более позднее, широко распространенное движение концептуального искусства. Художники-концептуалисты, такие как Дэн Грэм , Ханс Хааке и Лоуренс Вайнер, оказали большое влияние на последующих художников, а таких известных современных художников, как Майк Келли или Трейси Эмин, иногда называют Концептуалисты «второго или третьего поколения», или « постконцептуальные » художники (приставка Пост- в искусстве часто может интерпретироваться как «из-за»).

Современные художники подхватили многие проблемы движения концептуального искусства, хотя они могут называть себя «концептуальными художниками», а могут и не называть себя. Такие идеи, как антикоммодификация, социальная и/или политическая критика, а также идеи/информация как среда, продолжают оставаться аспектами современного искусства, особенно среди художников, работающих с инсталляционным искусством , перформансом , арт-интервенцией , нет.артом и электронным / цифровым искусством. искусство .

Возрождение

Неоконцептуальное искусство описывает художественные практики 1980-х и особенно 1990-х годов, которые происходят из концептуального художественного движения 1960-х и 1970-х годов. Эти последующие инициативы включали московских концептуалистов , неоконцептуалистов из США, таких как Шерри Левин , и молодых британских художников , особенно Дэмиена Херста и Трейси Эмин в Соединенном Королевстве .

Яркие примеры

Яцек Тылицкий , Каменная скульптура, «Дай, если можешь – возьми, если нужно» . Остров Палолем, Индия , 2008 г.

Барбары Крюгер в Мельбурне Детали инсталляции

• 1913: Велосипедное колесо (Roue de Bittet) Дюшана Марселя . Помощь в готовом виде. Велосипедное колесо закреплено вилкой на окрашенном деревянном табурете. Первый реди-мейд, хотя идея реди-мейдов пришла ему в голову только два года спустя. Оригинал утерян. Также признана первой кинетической скульптурой.
• 1914: Полка для бутылок (также называемая «Сушилка для бутылок» или «Еж» ) ( Egouttoir или Porte-bouteilles или Hérisson ) работы Марселя Дюшана . Готово. Оцинкованная железная сушилка для бутылок, которую Дюшан купил как «уже сделанную» скульптуру, но она пылилась в углу его парижской студии. Два года спустя, в 1916 году, в переписке из Нью-Йорка со своей сестрой Сюзанной Дюшан во Франции он выражает желание сделать реди-мейд. Сюзанна, присматривающая за его парижской студией, уже избавилась от нее.
• 1915: В преддверии сломанной руки (En prévision du bras cassé) Марселя Дюшана . Готово. Лопата для снега , на которой Дюшан старательно нарисовал название. Первую работу художник официально назвал «реди-мейдом».
• 1916–17: Аполинер, эмаль , 1916–1917. Исправленный готовый вариант. Измененная реклама краски Sapolin.
• 1917: Фонтан Марселя Дюшана , описанный в статье в The Independent как изобретение концептуального искусства. Это также ранний пример институциональной критики.
• 1917: Вешалка для шляп (Порт-шапо) , ок. 1917 , Марсель Дюшан . Готово. Деревянная шляпная повязка.
• 1919: LHOOQ Дюшана Марселя . Исправленный готовый вариант. Карандаш на репродукции «Моны Лизы» Леонардо да Винчи , на которой он нарисовал бородку и усы, с грубым каламбурным названием.
• 1921: Почему бы не чихнуть, Роза Селяви? Марсель Дюшан . Помощь в готовом виде. Мраморные кубики в форме кусочков сахара с термометром и костями каракатицы в маленькой птичьей клетке.
• 1921: Belle Haleine, Eau de Voilette Дюшана Марселя . Помощь в готовом виде. Переделанный флакон духов в оригинальной коробке.
• 1952: Премьера -экспериментатора американского композитора Джона Кейджа произведения « 4 минуты 33 дюйма», трехчастной , композиции, исполненной пианистом Дэвидом Тюдором 29 августа 1952 года в концертном зале «Маверик» , Вудсток, Нью-Йорк в рамках Концерт современной фортепианной музыки. Обычно это воспринимается как «четыре минуты тридцать три секунды тишины ».
• 1953: Роберт Раушенберг создает «Стертый рисунок Де Кунинга» , рисунок Виллема де Кунинга , который Раушенберг стер. Это подняло много вопросов о фундаментальной природе искусства, заставив зрителя задуматься о том, может ли стирание работы другого художника быть творческим актом, а также о том, было ли это произведение всего лишь «искусством», потому что это сделал знаменитый Раушенберг.
• 1955: Рея Сью Сандерс создает свои первые текстовые фрагменты из серии «Pieces de Complices» , сочетая визуальное искусство с поэзией и философией и вводя концепцию соучастия: зритель должен творить искусство в своем воображении.
• 1958: Джордж Брехт изобретает систему счета событий. который станет центральной особенностью Fluxus. Брехт, Дик Хиггинс , Аллан Капроу , Эл Хансен , Джексон Маклоу и другие учились у Джона Кейджа между 1958 и 1959 годами в Новой школе, что привело непосредственно к созданию «Хеппенингов» , «Флюксуса» и Генри Флинта концепт-арта . Очки событий  — это простые инструкции по выполнению повседневных задач, которые можно выполнять публично, конфиденциально или не выполнять вообще.
• 1958: Вольф Фостелл Театр находится на ул / Das Theater ist auf der Straße . Первое событие в Европе.
• 1961: Пьеро Манцони выставил «Дерьмо художника» — банки, предположительно содержащие его собственные фекалии (хотя, поскольку работа будет уничтожена, если ее открыть, никто не мог сказать наверняка). Он выставил банки на продажу по цене их собственного веса золота. Он также продавал свое собственное дыхание (заключенное в воздушные шары) как Воздушные Тела и подписывал тела людей, тем самым объявляя их живыми произведениями искусства либо на все времена, либо на определенные периоды. (Это зависело от того, сколько они готовы заплатить). Марсель Бротарс и Примо Леви входят в число «произведений искусства».
• 1962: Художник Барри Бейтс переименовывает себя в Билли Эппл , стирая свою первоначальную личность, чтобы продолжить исследование повседневной жизни и коммерции как искусства. На этом этапе многие из его работ сфабрикованы третьими лицами.
• 1962: Ив Кляйн представляет «Нематериальную живописную чувствительность» на различных церемониях на берегу Сены. Он предлагает продать собственную «живописную чувствительность» (что бы это ни было – он не определил ее) в обмен на сусальное золото. На этих церемониях покупатель передал Кляйну сусальное золото в обмен на сертификат. Поскольку чувствительность Кляйна была несущественна, покупатель должен был сжечь сертификат, в то время как Кляйн выбросил половину сусального золота в Сену. (Покупателей было семь.)
• 1962: Международный фестиваль новейшей музыки FLUXUS в Висбадене с Джорджем Мачюнасом , Вольфом Фостеллом , Нам Джун Пайком и другими.
• 1963: Джорджа Брехта Сборник результатов событий «Water Yam » публикуется как первый Fluxkit Джорджа Мачюнаса .
• 1964: Йоко Оно публикует «Грейпфрут: Книга инструкций и рисунков» , пример эвристического искусства, или серию инструкций о том, как получить эстетический опыт.
• 1965: основателя Art & Language Майкла Болдуина Mirror Piece . Вместо картин на работе изображено разное количество зеркал, которые бросают вызов как посетителю, так и Клемента Гринберга . теории
• Джозеф Кошут датирует концепцию « Одного и трех стульев» 1965 годом. Презентация работы состоит из стула, его фотографии и увеличенного определения слова «стул». Кошут выбрал определение из словаря. Известны четыре версии с разными определениями.
• 1966: Задумано в 1966 году. «Выставка искусства и языка в кондиционерах» опубликована в виде статьи в 1967 году в ноябрьском номере журнала Arts Magazine .
• 1967: Мела Рамсдена Первые 100% абстрактные картины . На картине показан перечень химических компонентов, составляющих вещество картины.
• 1968: Майкл Болдуин, Терри Аткинсон , Дэвид Бейнбридж и Гарольд Харрелл основали компанию Art & Language .
• 1968: Лоуренс Вайнер отказывается от физического создания своих работ и формулирует «Декларацию о намерениях», одно из самых важных заявлений концептуального искусства. после «Параграфов о концептуальном искусстве» Левитта. Заявление, подчеркивающее его последующую практику, гласит: «1. Художник может построить произведение. 2. Произведение может быть изготовлено. 3. Произведение не обязательно должно быть построено. Каждое произведение равно и соответствует замыслу художника, решение относительно условия остается за получателем в случае конкурсного производства».
• первое поколение альтернативных выставочных площадей 1969: Создается в Нью-Йорке, в том числе APPLE Билли Эппла , Gain Ground Роберта Ньюмана, где Вито Аккончи создал много важных ранних работ, и 112 Greene Street.
• 1973–1979: Мэри Келли составляет свой послеродовой документ , состоящий из шести отдельных частей, в которых описываются первые шесть лет ухода за сыном. Через призму психоанализа и феминизма работа исследует отношения матери и ребенка и исследует развивающееся самоощущение ее сына, а также ее собственное.
• 1982: Опера «Викторина» от Art & Language должна была быть исполнена в городе Кассель для Documenta 7 и показана вместе со студией Art & Language Studio по адресу 3 Wesley Place Painted by Actors , но спектакль был отменен.
• 1990: Эшли Бикертон и Рональд Джонс включены в выставку «Разум превыше материи: концепция и объект» выставку «художников-концептуалистов третьего поколения» в Музее американского искусства Уитни.
• 1991: Рональд Джонс выставляет предметы и тексты, искусство, историю и науку, уходящие корнями в мрачную политическую реальность, в галерее Metro Pictures .
• 1991: Чарльз Саатчи финансирует Дэмиена Херста, а в следующем году в галерее Саатчи выставляется его «Физическая невозможность смерти в сознании живого» — акула в формальдегиде в витрине.
• 1992: Маурицио Болоньини начинает «запечатывать» свои «Запрограммированные машины»: сотни компьютеров запрограммированы и оставлены работать до бесконечности, генерируя неиссякаемые потоки случайных изображений, которые никто не увидит.
• 1999: Трейси Эмин номинирована на премию Тёрнера . Частью ее выставки является «Моя кровать» , ее растрепанная кровать, окруженная всяким мусором, таким как презервативы, окровавленные трусики, бутылки и ее спальные тапочки.
• 2001: Мартин Крид получает премию Тёрнера за работу № 227: Свет включается и выключается , пустая комната, в которой свет включается и выключается.
• 2003: Дамали Айо выставляется в Центре современного искусства, Сиэтл, Вашингтон. Flesh Tone #1: Skinned , совместный автопортрет, в котором она во время записи просила мастеров красок из местных хозяйственных магазинов создать краску для дома, подходящую к различным частям ее тела. взаимодействия.
• 2005: Саймон Старлинг получает премию Тернера за «Shedboatshed» — деревянный сарай, который он превратил в лодку, спустился по Рейну и снова превратился в сарай.
• 2014: Олаф Николаи создает Мемориал жертвам нацистской военной юстиции в Вене на Бальхаусплац после победы в международном конкурсе. Надпись на вершине трехступенчатой ​​скульптуры представляет собой стихотворение шотландского поэта Яна Гамильтона Финли (1924–2006), состоящее всего из двух слов: «В полном одиночестве» .
• 2019: Маурицио Каттелан продает два издания Comedian , которые выглядят как банановая трубочка, приклеенная к стене, по 120 000 долларов США каждое, что привлекает значительное внимание средств массовой информации.

Известные художники-концептуалисты

• Кевин Абош (1969 г.р.)
• Марина Абрамович (1946 г.р.)
• Вито Аккончи (1940–2017)
• Бас Ян Адер (1942–1975)
• Викки Александр (1959 г.р.)
• Фрэнсис Алис (1959 г.р.)
• Билли Эппл (1935–2021)
• Сусаку Аракава (1936–2010)
• Кейт Арнатт (1930–2008)
• Рой Аскотт (1934 г.р.)
• Майкл Ашер (1943–2012)
• Мирей Асторе (1961 г.р.)
• дамали айо (1972 г.р.)
• Абель Аскона (1988 г.р.)
• Джон Балдессари (1931–2020)
• Адина Бар-Он (1951 г.р.)
• НатХали Браун Барендс
• Артур Баррио (1945 г.р.)
• Роберт Барри (1936 г.р.)
• Лотар Баумгартен (1944–2018)
• Йозеф Бойс (1921–1986)
• Адольф Бирбрауэр (1915–2012)
• Марк Блох (1956 г.р.)
• Мел Бохнер (1940 г.р.)
• Маринус Бозем (1934 г.р.)
• Маурицио Болоньини (1952 г.р.)
• Аллан Бридж (1945–1995)
• Марсель Бротарс (1924–1976)
• Стэнли Браун (1935–2017)
• Крис Берден (1946–2015)
• Дэниел Бюрен (1938 г.р.)
• Мария Тереза ​​Бурга Руис (1935–2021)
• Виктор Бургин (род.1941)
• Дональд Берги (1937 г.р.)
• Марис Бустаманте (1949 г.р.)
• Джон Кейдж (1912–1992)
• Софи Калле (1953 г.р.)
• Грасиела Карневале (1942 г.р.)
• Роберто Шабе (1937–2013)
• Грег Колсон (1956 г.р.)
• Мартин Крид (1968 г.р.)
• Кори Данцигер (1977 г.р.)
• Кристофер Д'Арканджело (1955–1979)
• Джек Доус (1970 г.р.)
• Джереми Деллер (1966 г.р.)
• Аньес Денес (1938 г.р.)
• Ян Диббетс (1941 г.р.)
• Брацо Димитриевич (1948 г.р.)
• Марк Диво (1966 г.р.)
• Брэд Дауни (1980 г.р.)
• Марсель Дюшан (1887–1968)
• Олафур Элиассон (1967 г.р.)
• Ноэми Сканделл (1942–2019)
• Кен Файнголд (1952 г.р.)
• Тересита Фернандес (1968 г.р.)
• Поток
• Генри Флинт (1940 г.р.)
• Андреа Фрейзер (1965 г.р.)
• Йенс Гальшиот (1954 г.р.)
• Кенделл Джирс (1968 г.р.)
• Тьерри Жоффруа (1961 г.р.)
• Йохен Герц (1940 г.р.)
• Гилберт и Джордж Гилберт (1943 г.р.) Джордж (1942 г.р.)
• Манав Гупта (1967 г.р.)
• Феликс Гонсалес-Торрес (1957–1996)
• Аллан Грэм (1943 г.р.)
• Дэн Грэм (1942–2022)
• Генко Гулан (1969 г.р.)
• Цай Го-Цян (1957 г.р.)
• Ханс Хааке (1936 г.р.)
• Ирис Хойсслер (1962 г.р.)
• Оливер Херринг (1964 г.р.)
• Андреас Хойссер (1976 г.р.)
• Сьюзан Хиллер (1940–2019)
• Дженни Хольцер (1950 г.р.)
• Грир Ханивилл (1945 г.р.)
• Чжан Хуань (1965 г.р.)
• Дуглас Хюблер (1924–1997)
• Ирма Хюнерфаут (1907–1998)
• Индустрия обычного
• Дэвид Айрленд (1930–2009)
• Альфредо Джаар (1956 г.р.)
• Рэй Джонсон (1927–1995)
• Рональд Джонс (1952–2019)
• Ilya Kabakov (1933-2023)
• Он Кавара (1932–2014)
• Джонатон Китс (1971 г.р.)
• Мэри Келли (род.1941)
• Ив Кляйн (1928–1962)
• Джон Найт (художник) (1945 г.р.)
• Джозеф Кошут (1945 г.р.)
• Барбара Крюгер (1945 г.р.)
• Яёи Кусама (род.1929)
• Магали Лара (1956 г.р.)
• Джон Лэтэм (1921–2006)
• Матье Лоретт (1970 г.р.)
• Сол Левитт (1928–2007)
• Аннет Лемье (1957 г.р.)
• Эллиот Линвуд (1956 г.р.)
• Ной Лайон (1979 г.р.)
• Ричард Лонг (1945 г.р.)
• Марк Ломбарди (1951–2000)
• Джордж Мачюнас (1931–1978)
• Тереза ​​Марголлес (1963 г.р.)
• Мария Эвелиа Мармолехо (1958 г.р.)
• Пьеро Мандзони (1933–1963)
• Том Мариони (1937 г.р.)
• Филлис Марк (1921–2004)
• Дэнни Мэттис (1947 г.р.)
• Аллан МакКоллум (1944 г.р.)
• Силдо Мейрелеш (1948 г.р.)
• Ана Мендьета (1948–1985)
• Марта Минухин (1943 г.р.)
• Линда Монтано (1942 г.р.)
• Роберт Моррис (художник) (1931–2018)
• NE Thing Co. Ltd. (Иэн и Ингрид Бакстер) Иэн (род. 1936) Ингрид (род. 1938)
• Маурицио Нануччи (1939 г.р.)
• Брюс Науман (1941 г.р.)
• Олаф Николай (1962 г.р.)
• Маргарет Ноубл (1972 г.р.)
• Йоко Оно (род.1933)
• Роман Опалка (1931–2011)
• Деннис Оппенгейм (1938–2011)
• Адриан Пайпер (1948 г.р.)
• Уильям Поуп.Л (1955–2023)
• Лилиана Портер (род.1941)
• Мишель Пред (1966 г.р.)
• Dmitri Prigov (1940–2007)
• Арне Квинз (1971 г.р.)
• Гиллем Рамос-Поки (1944 г.р.)
• Чарльз Речер (1950–2017)
• Джим Рикс (1973 г.р.)
• Лотти Розенфельд (1943–2020)
• Марта Рослер (род.1943)
• Аллен Рупперсберг (1944 г.р.)
• Сантьяго Сьерра (1966 г.р.)
• Бодо Сперлинг (1952 г.р.)
• Стеларк (1946 г.р.)
• М. Ванчи Стирнеманн (1951 г.р.)
• Хироши Сугимото (1948 г.р.)
• Стефани Сиджуко (1974 г.р.)
• Хакан Топал (1972 г.р.)
• Эндре Тот (1937 г.р.)
• Дэвид Тремлетт (1945 г.р.)
• Тукуман горит (1968)
• Яцек Тылицки (1951 г.р.)
• Мирле Ладерман Укелес (1939 г.р.)
• Вольф Фостелл (1932–1998)
• Марк Уоллинджер (1959 г.р.)
• Теодор Ван (1953–1987)
• Джиллиан Уиринг (1963 г.р.)
• Питер Вайбель (1945–2023)
• Лоуренс Вайнер (1942–2021)
• Роджер Уэлч (1946 г.р.)
• Кристофер Уильямс (1956 г.р.)
• Дэвид Вудард (1964 г.р.)
• пьяный коллектив

См. также

• Антиискусство
• ИСКУССТВО/МЕДИА
• Боди-арт
• Классификационные споры об искусстве
• Концептуальная архитектура
• Опасная музыка
• Эксперименты в искусстве и технологиях
• Найденный объект
• Генеративное искусство
• Группа Гутай
• Информационное искусство
• Интермедиа
• Лэнд-арт
• Обонятельное искусство
• Постконцептуальное искусство
• Постмодернистское искусство
• Реляционное искусство
• Что-то еще Пресса
• Системное искусство

Дальнейшее чтение

Книги

• Чарльз Харрисон, Очерки искусства и языка , MIT Press, 1991.
• Чарльз Харрисон, Концептуальное искусство и живопись: дальнейшие эссе по искусству и языку , MIT press, 2001 г.
• Эрманно Мильорини, Концептуальное искусство , Флоренция: 1971.
• Клаус Хоннеф, Концепт-арт , Кёльн: Phaidon, 1972.
• Урсула Мейер, редактор, Концептуальное искусство , Нью-Йорк: Даттон, 1972.
• Люси Р. Липпард , Шесть лет: дематериализация объекта искусства с 1966 по 1972 год . 1973. Беркли: Калифорнийский университет Press, 1997.
• Грегори Бэткок, редактор, «Искусство идей: критическая антология» , Нью-Йорк: EP Dutton, 1973.
• Юрген Шиллинг, перформанс. Тождество искусства и жизни? Издательство CJ Bucher, 1978 г., ISBN   3-7658-0266-2 .
• Хуан Висенте Алиага и Хосе Мигель Г. Кортес, редакторы, Arte Conceptual Revisited/Conceptual Art Revisited , Валенсия: Политехнический университет Валенсии, 1990
• Томас Дреер, Концептуальное искусство в Америке и Англии между 1963 и 1976 годами (Диссертация Университета Людвига Максимилиана, Мюнхен), Франкфурт-на-Майне: Питер Ланг, 1992
• Роберт К. Морган , Концептуальное искусство: американская перспектива , Джефферсон, Северная Каролина/Лондон: МакФарланд, 1994.
• Роберт С. Морган, Искусство в идеи: очерки концептуального искусства , Кембридж и др. : Издательство Кембриджского университета , 1996 г.
• Чарльз Харрисон и Пол Вуд, Искусство в теории: 1900–1990 , Blackwell Publishing, 1993.
• Тони Годфри, Концептуальное искусство , Лондон: 1998.
• Александр Альберро и Блейк Стимсон, редакторы, «Концептуальное искусство: критическая антология» , Кембридж, Массачусетс, Лондон: MIT Press , 1999.
• Майкл Ньюман и Джон Берд, редакторы, «Переписывание концептуального искусства» , Лондон: Reaktion, 1999.
• Энн Роример, Новое искусство 60-х и 70-х годов: переосмысление реальности , Лондон: Thames & Hudson, 2001.
• Питер Осборн , Концептуальное искусство (темы и движения) , Phaidon, 2002 (См. также внешние ссылки на Роберта Смитсона )
• Александр Альберро. Концептуальное искусство и политика публичности . МИТ Пресс, 2003.
• Майкл Коррис, редактор, Концептуальное искусство: теория, практика, миф , Кембридж, Англия: Издательство Кембриджского университета, 2004 г.
• Даниэль Марзона, Концептуальное искусство , Кельн: Taschen, 2005.
• Джон Робертс, Неосязаемость формы: мастерство и отсутствие навыков в искусстве после реди-мейда , Лондон и Нью-Йорк: Verso Books , 2007
• Питер Голди и Элизабет Шеллекенс: « Кто боится концептуального искусства?» , Абингдон [и др.]: Routledge, 2010. – VIII, 152 с. : больной. ; 20 см ISBN   0-415-42281-7 hbk: ISBN   978-0-415-42281-9 хбк: ISBN   0-415-42282-5 пбк: ISBN   978-0-415-42282-6 пбк

Эссе

• Михаил Эпштейн ; Александр Генис; Слободанка Владив-Гловер (2016) [1999]. «Тезисы о метареализме и концептуализме (1983)» . Русский постмодернизм: новые взгляды на постсоветскую культуру . Перевод Слободанки Владив-Гловер (Перед. ред.). Нью-Йорк; Оксфорд: Книги Бергана. стр. 169–176. ISBN  978-1-78238-864-7 .
• Андреа Саучелли, «Принцип знакомства, эстетические суждения и концептуальное искусство», Журнал эстетического образования (готовится к печати, 2016 г.) .

Каталоги выставок

• Блоки диаграмм и аналоговые структуры , exh.cat. Лондон: Галерея Молтон, 1963.
• 5–31 января 1969 г. , exh.cat., Нью-Йорк: Сет Сигелауб, 1969 г.
• Когда отношения становятся формой , exh.cat., Берн: Kunsthalle Bern, 1969.
• 557 087 , exh.cat., Сиэтл: Художественный музей Сиэтла, 1969.
• Концепция/Концепция , exh.cat., Леверкузен: Städt. Музей Леверкузена и др. , 1969 г.
• Концептуальное искусство и концептуальные аспекты , exh.cat., Нью-Йорк: Нью-Йоркский культурный центр, 1970.
• Искусство в разуме , exh.cat., Оберлин, Огайо: Мемориальный художественный музей Аллена, 1970.
• Информация , exh.cat., Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1970.
• Программное обеспечение , exh.cat., Нью-Йорк: Еврейский музей, 1970.
• Концепции ситуации , exh.cat., Инсбрук: Форум современного искусства, 1971.
• Концептуальное искусство I , exh.cat., Бордо: capcМузей современного искусства Бордо , 1988
• Концептуальное искусство , exh.cat., Париж: ARC – Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, 1989.
• Кристиан Шлаттер, редактор, Art Conceptuel Formes Conceptuelles/Conceptual Art Conceptual Forms , exh.cat., Париж: Galerie 1900–2000 и Galerie de Poche, 1990.
• Переосмысление объекта искусства: 1965–1975 , exh.cat., Лос-Анджелес: Музей современного искусства, 1995.
• Глобальный концептуализм: точки происхождения, 1950–1980-е годы , exh.cat., Нью-Йорк: Художественный музей Квинса, 1999.
• Открытые системы: переосмысление искусства c. 1970 , exh.cat., Лондон: Тейт Модерн, 2005.
• Незавершенное искусство и язык: Коллекция Филиппа Мейя, MACBA Press, 2014 г.
• Световые годы: концептуальное искусство и фотография 1964–1977 , exh.cat., Чикаго: Чикагский институт искусств, 2011.

Внешние ссылки

• СМИ, связанные с концептуальным искусством, на Викискладе?
• Цитаты, связанные с концептуальным искусством , в Wikiquote
• Незавершенное искусство и язык: Коллекция Филиппа Мейля, MACBA
• Официальный сайт Музея современного искусства Шато де Монсоро.
• Световые годы: концептуальное искусство и фотография, 1964–1977, . Чикагский институт искусств
• Шеллекенс, Элизабет. «Концептуальное искусство» . В Залте, Эдвард Н. (ред.). Стэнфордская энциклопедия философии .
• Сол Левитт, «Параграфы о концептуальном искусстве»
• Концептуализм
• pdf-файл Антологии случайных операций (1963), содержащий эссе Генри Флинта «Концептуальное искусство» на UbuWeb.
• художники-концептуалисты, книги по концептуальному искусству и ссылки на дополнительную литературу
• Концептуальное и постконцептуальное искусство. Идея как искусство: Дюшан, Бойс, Кейдж и Флюксус – PDF UCM