История искусства

Эта статья об академической дисциплине истории искусств. Обзор истории искусства во всем мире см. В разделе « История искусства» . Чтобы узнать о других значениях, см. Историю искусства (значения) .

Венера Милосская в Лувре

Вкратце, история искусства — это история искусства или исследование определенного типа объектов, созданных в прошлом.

Традиционно в дисциплине истории искусств особое внимание уделялось живописи, графике, скульптуре, архитектуре, керамике и декоративному искусству; однако сегодня история искусства исследует более широкие аспекты визуальной культуры , включая различные визуальные и концептуальные результаты, связанные с постоянно меняющимся определением искусства. История искусства включает в себя изучение объектов, созданных различными культурами по всему миру и на протяжении всей истории, которые передают смысл, важность или служат полезности, прежде всего, посредством визуальных представлений.

Как дисциплина, история искусств отличается от художественной критики , которая занимается установлением относительной художественной ценности отдельных произведений по отношению к другим произведениям сопоставимого стиля или санкционированием всего стиля или движения; и теория искусства или « философия искусства », которая касается фундаментальной природы искусства. Одной из отраслей этой области исследований является эстетика , которая включает в себя исследование загадки возвышенного и определение сущности красоты. Технически история искусства не является этими вещами, потому что историк искусства использует исторический метод , чтобы ответить на вопросы: Как художник пришел к созданию произведения? Кто были покровителями? Кто были их учителями? Кто была аудитория? Кем были их ученики? Какие исторические силы сформировали творчество художника и как он и его творчество, в свою очередь, повлияли на ход художественных, политических и социальных событий? Однако сомнительно, что на многие вопросы такого рода можно дать удовлетворительный ответ, не принимая во внимание основные вопросы о природе искусства. Нынешний дисциплинарный разрыв между историей искусства и философией искусства (эстетики) часто препятствует этому исследованию.

Методологии

История искусств — это междисциплинарная практика, которая анализирует различные факторы — культурные, политические, религиозные, экономические или художественные, — которые способствуют визуальному появлению произведения искусства.

Историки искусства используют ряд методов в своих исследованиях онтологии и истории объектов.

Историки искусства часто рассматривают произведение в контексте своего времени. В лучшем случае это делается с уважением к мотивам и императивам создателя; с учетом желаний и предубеждений своих покровителей и спонсоров; со сравнительным анализом тем и подходов коллег и преподавателей создателя; и с учетом иконографии и символики . Короче говоря, этот подход рассматривает произведение искусства в контексте мира, в котором оно было создано.

Историки искусства также часто исследуют произведения посредством анализа формы; то есть использование создателем линий , формы , цвета , текстуры и композиции. как художник использует двухмерную плоскость изображения или три измерения скульптурного Этот подход исследует , или архитектурного пространства для создания своего искусства. То, как используются эти отдельные элементы, приводит к репрезентативному или нерепрезентативному искусству. Подражает ли художник предмету или образ можно найти в природе? Если да, то это репрезентативно. Чем ближе искусство к идеальной имитации, тем более оно реалистично . Неужели художник не подражает, а опирается на символику или в важном смысле стремится уловить суть природы, а не копировать ее непосредственно? Если это так, то искусство нерепрезентативно и его также называют абстрактным . Реализм и абстракция существуют в континууме. Импрессионизм — пример изобразительного стиля, который не был прямым подражанием, а стремился создать «впечатление» природы. Если произведение не является репрезентативным и является выражением чувств, стремлений и стремлений художника или представляет собой поиск идеалов красоты и формы, то произведение является нерепрезентативным или произведением экспрессионизм .

Иконографический анализ — это анализ , который фокусируется на конкретных элементах дизайна объекта. Внимательно читая такие элементы, можно проследить их происхождение и на основании этого сделать выводы относительно происхождения и траектории этих мотивов . В свою очередь, можно сделать любое количество наблюдений относительно социальных, культурных, экономических и эстетических ценностей тех, кто несет ответственность за производство объекта.

Многие историки искусства используют критическую теорию , чтобы сформулировать свои исследования объектов. Теория чаще всего используется при работе с более поздними объектами, начиная с конца 19 века. Критическая теория в истории искусства часто заимствована у литературоведов и предполагает применение нехудожественных аналитических рамок к изучению объектов искусства. Феминистская , марксистская , критическая расовая , гомосексуальная и постколониальная теории — все они прочно утвердились в этой дисциплине. Как и в литературоведении, среди ученых существует интерес к природе и окружающей среде, но направление, которое он примет в этой дисциплине, еще предстоит определить.

Хронология известных методов

Плиний Старший и древние прецеденты

Самыми ранними из сохранившихся сочинений об искусстве, которые можно классифицировать как историю искусства, являются отрывки из « Старшего Плиния Естественной истории» ( ок. 77–79 гг. Н.э. ), касающиеся развития греческой скульптуры и живописи . В них можно проследить идеи Ксенократа Сикионского ( ок. 280 до н. э. ), греческого скульптора, который был, пожалуй, первым историком искусства. Таким образом, работы Плиния, хотя и представляли собой в основном энциклопедию наук, оказывали влияние, начиная с эпохи Возрождения . отрывки о техниках, использованных художником Апеллесом ( Особенно известны ок. (332–329 до н. э.). Подобные, хотя и независимые, события произошли в Китае VI века, где писатели в VI веке установили канон достойных художников. класс ученых-чиновников. Эти писатели, обязательно владевшие каллиграфией, сами были художниками. Художники описаны в Шести принципах живописи, сформулированных Се Хэ .

Вазари и биографии художников

Джорджо Вазари , Автопортрет ок. 1567

Антон фон Марон , Портрет Иоганна Иоахима Винкельмана , 1768 год.

Хотя личные воспоминания об искусстве и художниках уже давно пишутся и читаются ( Лоренцо Гиберти ), в комментариях лучший ранний пример см. именно Джорджо Вазари, тосканский художник, скульптор и автор «Жизнеописаний самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» , написал первую подлинную историю искусства. Он подчеркнул прогресс и развитие искусства, что стало важной вехой в этой области. Это был личный исторический отчет, включающий биографии отдельных итальянских художников, многие из которых были его современниками и личными знакомыми. Самым известным из них был Микеланджело .

Идеи Вазари об искусстве оказали огромное влияние и послужили образцом для многих, в том числе на севере Европы Карела ван Мандера и «Шильдербека» « Иоахима фон Сандрарта » Немецкой академии . Подход Вазари господствовал до XVIII века, когда его биографический рассказ об истории подвергся критике.

Винкельман и искусствоведение

Такие ученые, как Иоганн Иоахим Винкельманн (1717–1768), критиковали «культ» художественной личности Вазари и утверждали, что настоящий акцент при изучении искусства должен быть сделан на взглядах ученого наблюдателя, а не на точке зрения художника. Таким образом, сочинения Винкельмана положили начало художественной критике. Двумя наиболее известными его работами, которые представили концепцию художественной критики, были « Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst» , опубликованная в 1755 году, незадолго до его отъезда в Рим ( Фюзели опубликовал английский перевод в 1765 году под названием «Размышления о «Живопись и скульптура греков ») и Geschichte der Kunst des Altertums (« История искусства в древности »), опубликованные в 1764 году (это первое появление словосочетания «история искусства» в названии книги). Винкельман критиковал художественные излишества форм барокко и рококо и сыграл важную роль в реформировании вкуса в пользу более трезвого неоклассицизма . Якоб Буркхардт (1818–1897), один из основоположников истории искусства, отмечал, что Винкельман «первый, кто различал периоды античного искусства и связывал историю стиля с мировой историей». От Винкельмана до середины 20 века в области истории искусства доминировали немецкоязычные ученые. Таким образом, творчество Винкельмана ознаменовало вхождение истории искусства в высокий философский дискурс немецкой культуры.

Винкельмана с жадностью читали Иоганн Вольфганг фон Гете и Фридрих Шиллер , оба из которых начали писать по истории искусства, и его рассказ о группе Лаокоона вызвал отклик у Лессинга . Появление искусства как основного предмета философских спекуляций было закреплено появлением Иммануила Канта » «Критики суждения в 1790 году и получило дальнейшее развитие в Гегеля » «Лекциях по эстетике . Философия Гегеля послужила непосредственным источником вдохновения для Карла Шнаазе творчества » Шнаасе . «Niederländische Briefe заложил теоретические основы истории искусства как самостоятельной дисциплины, а его «Geschichte der bildenden Künste» , один из первых исторических обзоров истории искусства от античности до эпохи Возрождения, облегчил преподавание истории искусства в немецкоязычных университетах. . Обзор Шнаасе был опубликован одновременно с аналогичной работой Франца Теодора Куглера .

Вельфлин и стилистический анализ

Генрих Вельфлин (1864–1945), который учился у Буркхардта в Базеле, является «отцом» истории современного искусства. Вельфлин преподавал в университетах Берлина, Базеля, Мюнхена и Цюриха. Ряд студентов сделали выдающуюся карьеру в области истории искусства, в том числе Якоб Розенберг и Фрида Шоттмюллер . Он представил научный подход к истории искусства, сосредоточив внимание на трех концепциях. Во-первых, он попытался изучать искусство с помощью психологии, в частности, применяя работы Вильгельма Вундта . Он утверждал, среди прочего, что искусство и архитектура хороши, если они напоминают человеческое тело. Например, дома считались хорошими, если их фасады выглядели как лица. Во-вторых, он ввел идею изучения искусства через сравнение. Сравнивая отдельные картины друг с другом, он смог отличить стили. Его книга «Возрождение и барокко» развила эту идею и впервые показала, чем эти стилистические периоды отличались друг от друга. В отличие от Джорджо Вазари , Вёльфлин не интересовался биографиями художников. Фактически он предложил создать «историю искусств без имен». Наконец, он изучал искусство, основанное на идеях государственность . Его особенно интересовало, существует ли по своей сути «итальянский» и по своей сути « немецкий » стиль. Этот последний интерес наиболее полно выразился в его монографии о немецком художнике Альбрехте Дюрере .

Ригль, Викхофф и Венская школа

Основная статья: Венская школа истории искусств

возникла крупная школа искусствоведческой мысли Одновременно с карьерой Вельфлина в Венском университете . В первом поколении Венской школы доминировали Алоис Ригль и Франц Викхофф , оба ученики Морица Таузинга , и характеризовалось тенденцией к переоценке забытых или пренебрегаемых периодов в истории искусства. Ригль и Викхофф оба много писали об искусстве поздней античности , которое до них считалось периодом упадка от классического идеала. Ригль также способствовал переоценке барокко.

Следующее поколение профессоров в Вене включало Макса Дворжака , Юлиуса фон Шлоссера , Ганса Титце, Карла Марию Свободу и Йозефа Стржиговского . Ряд наиболее важных историков искусства двадцатого века, в том числе Эрнст Гомбрих , получили ученые степени в Вене в это время. Термин «Вторая венская школа» (или «Новая венская школа») обычно относится к следующему поколению венских ученых, включая Ганса Зедльмайра , Отто Пяхта и Гвидо Кашница фон Вайнберга. Эти ученые начали в 1930-х годах возвращаться к работам первого поколения, особенно к Риглю и его концепции « Кунсволлен» , и попытались развить ее в полноценную историко-художественную методологию. Зедлмайр, в частности, отвергал детальное изучение иконографии, меценатства и других подходов, основанных на историческом контексте, предпочитая вместо этого сосредоточиться на эстетических качествах произведения искусства. В результате Вторая Венская школа приобрела репутацию безудержного и безответственного формализма и, кроме того, была окрашена явным расизмом Зедлмайра и членством в нацистской партии. Эту последнюю тенденцию, однако, разделяли далеко не все члены школы; Пяхт, например, сам был евреем и был вынужден покинуть Вену в 1930-х годах.

Панофский и иконография

Фотограф неизвестен, Эби Варбург ок. 1900 г.

Наше понимание символического содержания искусства XXI века исходит от группы ученых, собравшихся в Гамбурге в 1920-х годах. Наиболее выдающимися среди них были Эрвин Панофски , Эби Варбург , Фриц Саксль и Гертруда Бинг . Вместе они разработали большую часть словарного запаса, который продолжает использоваться историками искусства в 21 веке. «Иконография», корни которой означают «письменные символы», относится к предметам искусства, полученным из письменных источников, особенно из Священных Писаний и мифологии. «Иконология» — это более широкий термин, обозначающий всю символику, независимо от того, получена ли она из определенного текста или нет. Сегодня искусствоведы иногда используют эти термины как синонимы.

Панофски в своих ранних работах также развивал теории Ригля, но со временем стал более озабочен иконографией, и в частности передачей тем, связанных с классической античностью в средние века и эпоху Возрождения. В этом отношении его интересы совпадали с интересами Варбурга, сына богатой семьи, который собрал в Гамбурге библиотеку, посвященную изучению классической традиции в более позднем искусстве и культуре. Под эгидой Саксля эта библиотека была преобразована в исследовательский институт при Гамбургском университете , где преподавал Панофски.

Варбург умер в 1929 году, а в 1930-х годах Саксль и Панофски, оба евреи, были вынуждены покинуть Гамбург. Саксль поселился в Лондоне, привезя с собой библиотеку Варбурга и основав Институт Варбурга . Панофски поселился в Принстоне в Институте перспективных исследований . В этом отношении они были частью необычайного притока немецких историков искусства в англоязычную академию в 1930-е годы. Эти ученые в значительной степени ответственны за утверждение истории искусства как законной области исследований в англоязычном мире, и влияние методологии Панофски, в частности, определило ход американской истории искусства для поколения.

Фрейд и психоанализ

Генрих Вельфлин был не единственным ученым, который использовал психологические теории при изучении искусства. Неожиданный поворот в истории искусствоведения произошел в 1910 году, когда психоаналитик Зигмунд Фрейд опубликовал книгу о художнике Леонардо да Винчи и сексуальной ориентации художника , в которой использовал картины Леонардо для исследования психики . Фрейд сделал вывод из своего анализа, что Леонардо, вероятно, был гомосексуалистом . В 1914 году Фрейд опубликовал психоаналитическую интерпретацию « Моисея » Микеланджело ( Der Моисей де Микеланджело ). Вазари Он опубликовал это произведение вскоре после прочтения «Жизнеописаний» . По неизвестным причинам первоначально он опубликовал статью анонимно.

Групповое фото 1909 года перед Университетом Кларка . Первый ряд: Зигмунд Фрейд , Грэнвилл Стэнли Холл , Карл Юнг ; задний ряд: Абрахам А. Брилл , Эрнест Джонс , Шандор Ференци

Хотя использование посмертного материала для проведения психоанализа вызывает споры среди историков искусства, тем более, что сексуальные нравы времен Микеланджело и Леонардо и времен Фрейда различаются, такие попытки часто предпринимаются.

Юнг и архетипы

Карл Юнг также применил психоаналитическую теорию к искусству. Юнг был швейцарским психиатром , влиятельным мыслителем и основателем аналитической психологии . Подход Юнга к психологии подчеркивал понимание психики посредством исследования миров снов , искусства, мифологии , мировой религии и философии . Большая часть работы его жизни была посвящена изучению восточной и западной философии, алхимии , астрологии , социологии , а также литературы и искусства. Его наиболее заметные вклады включают концепцию психологического архетипа , коллективного бессознательного и теорию синхронистичности . Юнг считал, что многие переживания, воспринимаемые как совпадения, были не просто случайными, а вместо этого предполагали проявление параллельных событий или обстоятельств, отражающих эту определяющую динамику. Он утверждал, что в искусстве можно обнаружить коллективное бессознательное и архетипические образы. Его идеи были особенно популярны среди американских абстрактных экспрессионистов 1940-х и 1950-х годов. Его работы вдохновили сюрреалистическую концепцию рисования образов снов и бессознательного.

Юнг подчеркивал важность баланса и гармонии. Он предупредил, что современные люди слишком сильно полагаются на науку и логику и выиграют от интеграции духовности и понимания сферы бессознательного. Его работы не только послужили толчком для аналитической работы историков искусства, но и стали неотъемлемой частью искусства. Джексон Поллок , например, создал серию рисунков для сопровождения своих сессий со своим юнгианским аналитиком Джозефом Хендерсоном. Хендерсон, который позже опубликовал рисунки в тексте, посвященном сеансам Поллока, осознал, насколько мощным терапевтическим инструментом были рисунки.

Наследие психоанализа и аналитической психологии в истории искусства было глубоким и выходит за рамки Фрейда и Юнга. Выдающийся историк феминистского искусства Гризельда Поллок, например, опирается на психоанализ как в своем чтении современного искусства, так и в своем перечитывании модернистского искусства. Благодаря прочтению Гризельдой Поллок французского феминистского психоанализа и, в частности, произведений Юлии Кристевой и Брахи Л. Эттингер , а также прочтению Жака Лакана и Жана-Франсуа Лиотара Розалиндой Краусс и кураторскому перечитыванию искусства Катрин де Зегер, феминистская теория , написанная в Область французского феминизма и психоанализа во многом повлияла на переосмысление как мужчин, так и женщин-художников в истории искусства.

Маркс и идеология

В середине 20-го века историки искусства занимались социальной историей , используя критические подходы. Целью было показать, как искусство взаимодействует с властными структурами в обществе. Одним из таких критических подходов был марксизм. Марксистская история искусства попыталась показать, как искусство было привязано к определенным классам, как изображения содержат информацию об экономике и как изображения могут сделать статус-кво естественным ( идеология ). [1]

Марсель Дюшан и движение Дада положили начало стилю антиискусства. Немецкие художники, расстроенные мировой войной 1914 года, хотели создавать нонконформистские произведения искусства, направленные на разрушение традиционных художественных стилей. [2] Эти два движения помогли другим художникам создавать произведения, которые не считались традиционным искусством. Некоторыми примерами стилей, ответвившихся от антиискусственного движения, могут быть неодадаизм, сюрреализм и конструктивизм. Эти стили и художники не хотели подчиняться традиционным способам искусства. Такой образ мышления спровоцировал такие политические движения, как Русская революция и коммунистические идеалы.

художника Исаака Бродского « Работа Ударники Днепростроя» 1932 года демонстрирует его политическую причастность к искусству. Это произведение искусства можно проанализировать, чтобы показать внутренние проблемы, которые переживала в то время Советская Россия. Пожалуй, самым известным марксистом был Клемент Гринберг , получивший известность в конце 1930-х годов благодаря своему эссе « Авангард и китч ». В эссе Гринберг утверждал, что авангард возник для того, чтобы защитить эстетические стандарты от упадка вкуса, свойственного обществу потребления и рассматривающего китч и искусство как противоположности. Гринберг далее утверждал, что авангард и модернистское искусство были средством сопротивления нивелированию культуры, производимому капиталистической пропагандой . Гринберг присвоил немецкое слово « китч » для описания этого потребительства, хотя его коннотации с тех пор изменились на более утвердительное понятие остатков капиталистической культуры. Сейчас Гринберг хорошо известен своими исследованиями и критикой формальных свойств современного искусства. [3]

Мейер Шапиро — один из самых запоминающихся историков искусства-марксистов середины 20 века. После окончания Колумбийского университета в 1924 году он вернулся в свою альма-матер, чтобы преподавать византийское, раннехристианское и средневековое искусство, а также теорию истории искусства. [4] Хотя он писал о многочисленных периодах времени и темах в искусстве, его лучше всего помнят за его комментарии к скульптуре позднего средневековья и раннего Возрождения.

Арнольд Хаузер написал первый марксистский обзор западного искусства под названием « Социальная история искусства» . Он попытался показать, как классовое сознание отражалось в основные периоды искусства. Когда книга была опубликована в 1951 году, она вызвала споры из-за своих обобщений о целых эпохах, стратегии, которую сейчас называют « вульгарным марксизмом ». [5]

Марксистскую историю искусства усовершенствовали такие ученые, как Т. Дж. Кларк , Отто Карл Веркмайстер , Дэвид Канцле , Теодор В. Адорно и Макс Хоркхаймер . Ти Джей Кларк был первым историком искусства, писавшим с марксистской точки зрения и отказавшимся от вульгарного марксизма . Он написал марксистские истории искусства нескольких художников- импрессионистов и реалистов , в том числе Гюстава Курбе и Эдуарда Мане . В этих книгах основное внимание уделялось политическому и экономическому климату, в котором создавалось искусство.

История феминистского искусства

Дополнительная информация: Женщины в области истории искусства.

Линды Нохлин Эссе « Почему не было великих женщин-художниц? » помогло зажечь историю феминистского искусства 1970-х годов и остается одним из наиболее читаемых эссе о женщинах-художницах. Затем в 1972 году под председательством Нохлина состоялась комиссия Ассоциации искусств колледжей под названием «Эротика и образ женщины в искусстве девятнадцатого века». В течение десятилетия множество статей, статей и эссе поддерживали растущий импульс, подогреваемый феминистским движением Второй волны , критического дискурса вокруг взаимодействия женщин с искусством как как художников, так и как субъектов. В своем новаторском эссе Нохлин применяет феминистскую критическую концепцию, чтобы показать систематическое исключение женщин из художественного образования, утверждая, что исключение из занятий искусством, а также каноническая история искусства были следствием культурных условий, которые ограничивали и ограничивали женщин в художественных областях. . Те немногие, кому это удавалось, рассматривались как аномалии и не служили моделью для последующего успеха. Гризельда Поллок — еще один выдающийся историк феминистского искусства, чье использование психоаналитической теории описано выше.

Хотя история феминистского искусства может быть сосредоточена на любом периоде времени и месте, большое внимание уделяется современной эпохе. Некоторые из этих стипендий сосредоточены на феминистском художественном движении , которое конкретно касается опыта женщин. Часто история феминистского искусства предлагает критическое «перечитывание» канона западного искусства, например, Кэрол Дункан новую интерпретацию «Авиньонских девиц» . Двумя пионерами в этой области являются Мэри Гаррард и Норма Броуд . Их антологии «Феминизм и история искусства: сомнение в литании» , «Расширяющийся дискурс: феминизм и история искусства » и «Восстановление феминистской активности: история феминистского искусства после постмодернизма» представляют собой существенные усилия по привнесению феминистских перспектив в дискурс истории искусства. Пара также стала сооснователем конференции по истории феминистского искусства.

Барт и семиотика

В отличие от иконографии, которая стремится определить значение, семиотика занимается тем, как создается значение. Ролана Барта Коннотированные и обозначаемые смыслы имеют первостепенное значение для этого исследования. В любом конкретном произведении искусства интерпретация зависит от выявления обозначенного смысла. - распознавание визуального знака и его смыслового значения. — мгновенные культурные ассоциации, которые приходят с признанием. Основная задача историка семиотического искусства — найти способы ориентироваться и интерпретировать коннотированные значения.

Семиотическая история искусства стремится раскрыть кодифицированный смысл или значения эстетического объекта путем изучения его связи с коллективным сознанием . Историки искусства обычно не придерживаются какой-то одной конкретной семиотики, а скорее конструируют объединенную версию, которую включают в свою коллекцию аналитических инструментов. Например, Мейер Шапиро заимствовал дифференциальное значение Соссюра , чтобы понять знаки, существующие внутри системы. По мнению Шапиро, чтобы понять значение фронтальности в конкретном изобразительном контексте, ее необходимо отличать или рассматривать по отношению к альтернативным возможностям, таким как профиль или вид в три четверти . Шапиро объединил этот метод с работами Чарльза Сандерса Пирса, чей объект, знак и интерпретатор обеспечили структуру его подхода. Алекс Поттс демонстрирует применение концепций Пирса к визуальному представлению, исследуя их на примере Моны Лизы . Рассматривать Мону Лизу , например, как нечто выходящее за рамки ее материальности, значит идентифицировать ее как знак. Тогда оно признается относящимся к объекту вне себя, женщине или Моне Лизе . Изображение, похоже, не несет религиозного значения, поэтому его можно считать портретом. Эта интерпретация приводит к цепочке возможных интерпретаций: кто был натурщиком по отношению к Леонардо да Винчи ? Какое значение она имела для него? Или, может быть, она — икона для всех женщин. Эта цепочка интерпретаций, или «неограниченный семиозис», бесконечна; Работа историка искусства состоит не только в том, чтобы установить границы возможных интерпретаций, но и в том, чтобы раскрыть новые возможности.

Семиотика основывается на теории, согласно которой изображение можно понять только с точки зрения зрителя. Художник вытесняется зрителем как поставщик смысла, даже в той степени, в которой интерпретация все еще актуальна независимо от того, задумал ли ее создатель. Розалинда Краусс поддержала эту концепцию в своем эссе «Во имя Пикассо». Она осудила монополию художника на смысл и настаивала на том, что смысл может быть получен только после того, как произведение будет вырвано из исторического и социального контекста. Мике Баль аналогичным образом утверждал, что смысла даже не существует до тех пор, пока зритель не увидит изображение. Только после признания этого смысл может стать открытым для других возможностей, таких как феминизм или психоанализ.

Музейное дело и коллекционирование

Аспекты этой темы, которые вышли на передний план в последние десятилетия, включают интерес к меценатству и потреблению искусства, включая экономику арт-рынка, роль коллекционеров, намерения и стремления тех, кто заказывает произведения, а также реакцию современных а позже зрители и владельцы. Музееведение , включая историю музейного коллекционирования и экспонирования, теперь является специализированной областью изучения, как и история коллекционирования.

Новый материализм

Научные достижения сделали возможным гораздо более точное исследование материалов и техник, используемых для создания произведений, особенно методов инфракрасной и рентгеновской фотографии, которые позволили снова увидеть многие рисунки картин, в том числе фигуры, которые были удалены из произведения. . Теперь возможен правильный анализ пигментов, используемых в красках, что опровергло многие предположения. Дендрохронология панно . и радиоуглеродное датирование старых объектов из органических материалов позволили научным методам датировки объектов подтвердить или опровергнуть даты, полученные на основе стилистического анализа или документальных свидетельств Развитие хорошей цветной фотографии, которая теперь хранится в цифровом формате и доступна в Интернете или другими способами, изменило изучение многих видов искусства, особенно тех, которые охватывают объекты, существующие в больших количествах и широко разбросанные по коллекциям, такие как иллюминированные рукописи и Персидские миниатюры и многие виды археологических произведений искусства.

Одновременно с этими технологическими достижениями историки искусства проявляют растущий интерес к новым теоретическим подходам к природе произведений искусства как объектов. Теория вещей , акторно-сетевая теория и объектно-ориентированная онтология играют все большую роль в литературе по истории искусства.

Националистическая история искусства

Создание искусства, академическая история искусства и история художественных музеев тесно переплетаются с ростом национализма. Фактически, искусство, созданное в современную эпоху, часто было попыткой вызвать чувство национального превосходства или любви к своей стране . Русское искусство является особенно хорошим примером этого, поскольку русский авангард , а затем и советское искусство были попытками определить идентичность этой страны.

Наполеон Бонапарт также был хорошо известен тем, что заказывал работы, подчеркивавшие силу Франции во время его правления.

Западный романтизм дал новое понимание своей родной страны или новой родной страны. Картина Каспара Давида Фридриха « Монах у моря » (1808 или 1810) представляет собой величественную сцену, отражающую ошеломляющую красоту и мощь немецкой береговой линии Балтийского моря. В зачаточном состоянии американских колоний люди верили, что их судьба — исследовать западную, «неприрученную» дикую местность. Художники, обучавшиеся в школе реки Гудзон в Нью-Йорке, взяли на себя задачу представить неизведанную землю одновременно живописной и возвышенной.

Большинство историков искусства, работающих сегодня, идентифицируют свою специальность как искусство определенной культуры, периода времени или движения, например, немецкое искусство XIX века или современное китайское искусство. Акцент на государственности имеет глубокие корни в этой дисциплине. Действительно, Вазари « Жизнеописания самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» — это попытка показать превосходство флорентийской художественной культуры, а Генриха Вельфлина сочинения (особенно его монография об Альбрехте Дюрере ) — попытка отличить итальянский стиль от немецкого. искусство.

Многие из крупнейших и наиболее хорошо финансируемых художественных музеев мира, такие как Лувр , Музей Виктории и Альберта и Национальная галерея искусств в Вашингтоне, находятся в государственной собственности. Действительно, в большинстве стран есть национальные галереи , миссия которых явно заключается в сохранении культурного наследия, принадлежащего правительству (независимо от того, какие культуры создали это искусство), и часто подразумеваемой миссии по поддержке собственного культурного наследия этой страны . Таким образом, Национальная галерея искусств демонстрирует произведения искусства, созданные в Соединенных Штатах , а также владеет предметами со всего мира.

Подразделения по периодам

Дисциплина истории искусств традиционно делится на специализации или концентрации в зависимости от эпох и регионов с дальнейшим подразделением в зависимости от средств массовой информации.

Западное искусство, например, можно разделить на следующие периоды : древняя классика, средневековье, ренессанс, барокко, неоклассика, романтизм, модерн и современность.

Профессиональные организации

В Соединенных Штатах наиболее важной организацией по истории искусства является Ассоциация искусств колледжей . Он организует ежегодную конференцию и издает Art Bulletin и Art Journal . Подобные организации существуют в других частях мира, а также по таким специализациям, как история архитектуры и история искусства эпохи Возрождения. В Великобритании, например, Ассоциация историков искусства является ведущей организацией и издает журнал « История искусства» .

См. также

• Визуальная наука
• Словарь историков искусства — база данных известных историков искусства, поддерживаемая Университетом Дьюка.
• Изобразительное искусство
• Наскальное искусство
• Теософия и изобразительное искусство

Примечания и ссылки

Источники

• Нельсон, Роберт С.; Шифф, Ричард, ред. (2003). Критические термины истории искусства (2-е изд.). Чикаго: Издательство Чикагского университета. ISBN  978-0226571683 .

Дальнейшее чтение

В списке по дате

• Вельфлин, Х. (1915, пер. 1932). Принципы истории искусств; Проблема развития стиля в позднейшем искусстве . [Нью-Йорк]: Dover Publications.
• Хаузер, А. (1959). Философия истории искусства . Нью-Йорк: Кнопф.
• Арнтцен Э. и Рейнуотер Р. (1980). Путеводитель по художественной литературе . Чикаго: Американская библиотечная ассоциация.
• Холли, Массачусетс (1984). Панофский и основы истории искусства . Итака, Нью-Йорк: Издательство Корнельского университета.
• Джонсон, WM (1988). История искусства: ее использование и злоупотребление . Торонто: Университет Торонто Press.
• Кэрриер, Д. (1991). Принципы искусствоведения . Юниверсити-Парк, Пенсильвания: Издательство Пенсильванского государственного университета.
• Кемаль, Салим и Иван Гаскелл (1991). Язык истории искусств . Издательство Кембриджского университета. ISBN   0-521-44598-1
• Фитцпатрик, ЛНВД Вирджинии (1992). История искусств: курс контекстуальных исследований . Серия "Точка зрения". Рестон, Вирджиния: Национальная ассоциация художественного образования. ISBN   978-0937652596
• Минор, Вернон Хайд. (1994). Критическая теория истории искусств . Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл.
• Адамс, Л. (1996). Методологии искусства: введение . Нью-Йорк: IconEditions.
• Фрейзер, Н. (1999). Краткий словарь истории искусств Penguin . Нью-Йорк: Справочник Пингвинов.
• Поллок, Г. (1999). Отличие от канона . Рутледж. ISBN   0-415-06700-6
• Харрисон, Чарльз, Пол Вуд и Джейсон Гейгер. (2000). Искусство в теории 1648–1815: Антология меняющихся идей . Молден, Массачусетс: Блэквелл.
• Минор, Вернон Хайд. (2001). История истории искусств . 2-е изд. Река Аппер-Сэддл, Нью-Джерси: Прентис-Холл.
• Робинсон, Хилари . (2001). Феминизм – Искусство – Теория: Антология , 1968–2000. Молден, Массачусетс: Блэквелл.
• Кларк, Ти Джей (2001). Прощание с идеей: эпизоды из истории модернизма . Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета.
• Бухло, Бенджамин. (2001). Неоавангард и культуриндустрия . Кембридж, Массачусетс: MIT Press.
• Мэнсфилд, Элизабет (2002). История искусств и ее институты: основы дисциплины . Рутледж. ISBN   0-415-22868-9
• Мюррей, Крис. (2003). Ключевые писатели по искусству . 2 тома, Ключевые руководства Routledge. Лондон: Рутледж.
• Харрисон, Чарльз и Пол Вуд. (2003). Искусство в теории, 1900–2000: Антология меняющихся идей . 2-е изд. Молден, Массачусетс: Блэквелл.
• Шайнер, Ларри. (2003). Изобретение искусства: история культуры . Чикаго: Издательство Чикагского университета. ISBN   978-0-226-75342-3
• Поллок, Гризельда (редактор) (2006). Психоанализ и имидж . Оксфорд: Блэквелл. ISBN   1-4051-3461-5
• Эмисон, Патрисия (2008). Формирование истории искусств . Университетский парк: Издательство Пенсильванского государственного университета. ISBN   978-0-271-03306-8
• Шарлин Спретнак (2014), Духовная динамика в современном искусстве: пересмотр истории искусства, с 1800 года по настоящее время .
• Говен Александр Бейли (2014) Духовное рококо: декор и божественность от салонов Парижа до миссий Патагонии . Фарнем: Эшгейт.
• Кляйнер, Ф.С. (2018). Искусство Гарднера сквозь века : глобальная история. 16-е издание. Бостон: Cengage Learning. ISBN   978-1337630702
• Джон-Пол Стонард (2021) Сотворение. Искусство с самого начала . Лондон и Нью-Йорк: Блумсбери ISBN   978-1408879689

Внешние ссылки

• СМИ, связанные с историей искусства, на Викискладе?
• История искусств в Wikibooks
• Цитаты, связанные с историей искусства , в Wikiquote
• Ресурсы по истории искусства в Интернете , подробный каталог веб-ссылок, разделенных по периодам.