✖


Jump to content

Неоклассицизм

Чтобы узнать о музыкальном движении, см. Неоклассицизм (музыка) .
Психея, возрожденная поцелуем Купидона ; Антонио Канова ; 1787 г.; мрамор; 155 см × 168 см; Лувр
Чарльз Таунли в своей галерее скульптур ; Иоганн Цоффани ; 1782 г.; холст, масло; высота: 127 см, ширина: 102 см; Художественная галерея и музей Таунли-Холл , Бернли , Великобритания

Неоклассицизм , также пишется как неоклассицизм , возник как западное культурное движение в декоративном и изобразительном искусстве , литературе , театре , музыке и архитектуре, черпавшее вдохновение в искусстве и культуре классической древности . Неоклассицизм зародился в Риме во многом благодаря трудам Иоганна Иоахима Винкельмана во время повторного открытия Помпеи и Геркуланума . Его популярность распространилась по всей Европе, когда поколение европейских студентов-художников завершило свое Гранд-тур и вернулось из Италии в свои родные страны с вновь открытыми для себя греко-римскими идеалами. [1] [2] [3] [4] Основное неоклассическое движение совпало с эпохой Просвещения 18-го века и продолжалось до начала 19-го века, в конечном итоге конкурируя с романтизмом . В архитектуре этот стиль сохранялся на протяжении 19, 20 и 21 веков. [5] [6]

Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался ок. 1760 год, в отличие от господствовавшего тогда стиля рококо . Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались достоинствами искусства Древнего Рима и Древней Греции и взяты непосредственно из классицизма эпохи Возрождения 16-го века . Каждое движение «нео»-классицизма выбирает одни модели из диапазона доступной ему возможной классики и игнорирует другие. Между 1765 и 1830 годами сторонники неоклассицизма — писатели, ораторы, меценаты, коллекционеры, художники и скульпторы — отдавали дань уважения идее художественного поколения, связанного с Фидием , но примеры скульптур, которые они фактически приняли, скорее всего, были римскими копиями эллинистических скульптур. Они игнорировали как архаическое греческое искусство, так и произведения поздней античности . Открытие древней Пальмиры искусства «рококо» Роберта Вуда посредством гравюр в книге «Руины Пальмиры» стало откровением. Поскольку Греция практически не исследована и считается опасной территорией Османская империя , оценка греческой архитектуры неоклассиками преимущественно опосредовалась через рисунки и гравюры , которые тонко сглаживались и систематизировались, «исправлялись» и «реставрировались» памятники Греции, не всегда сознательно.

Стиль ампир , вторая фаза неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве , имел свой культурный центр в Париже в эпоху Наполеона . Особенно в архитектуре, но также и в других областях, неоклассицизм оставался силой еще долгое время после начала 19 века, с периодическими волнами возрождения в 20 и даже 21 веках, особенно в Соединенных Штатах и ​​России. [ нужна ссылка ]

История [ править ]

Неоклассицизм – это возрождение многих стилей и духа классической античности, вдохновленных непосредственно классическим периодом. [7] который совпал и отразил развитие философии и других областей эпохи Просвещения и изначально был реакцией на крайности предшествующего стиля рококо . [8] Хотя это движение часто называют противоположным аналогом романтизма , это сильное упрощение, которое, как правило, не является устойчивым, когда речь идет о конкретных художниках или произведениях. случай с предполагаемым главным поборником позднего неоклассицизма Энгром . Особенно хорошо это демонстрирует [9] Возрождение можно отнести к созданию формальной археологии . [10] [11]

Иоганн Иоахим Винкельман , которого часто называют «отцом археологии». [12]

Работы Иоганна Иоахима Винкельмана сыграли важную роль в формировании этого движения как в архитектуре, так и в изобразительном искусстве. Его книги «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре» (1750 г.) и Geschichte der Kunst des Alterthums («История древнего искусства», 1764 г.) были первыми, в которых резко проводилось различие между древнегреческим и римским искусством и определялись периоды внутри греческого искусства. искусство, прослеживающее траекторию от роста к зрелости, а затем к имитации или упадку, которое продолжает оказывать влияние и по сей день. Винкельман считал, что искусство должно стремиться к «благородной простоте и спокойному величию». [13] и восхвалял идеализм греческого искусства, в котором, по его словам, мы находим «не только природу в ее наиболее прекрасном виде, но и нечто за ее пределами, а именно определенные идеальные формы ее красоты, которые, как учит нас древний толкователь Платона , происходят из образов создано только разумом». Эта теория была далеко не новой в западном искусстве, но его акцент на точном копировании греческих моделей заключался в следующем: «Единственный способ стать для нас великими или, если это возможно, неподражаемыми, - это подражать древним». [14]

Промышленная революция привела к глобальному переходу человеческой экономики к более эффективным и стабильным производственным процессам. [15] Произошёл огромный материальный прогресс и возросло благосостояние. [16] С появлением Гранд-тура началось увлечение коллекционированием антиквариата , которое заложило основы многих великих коллекций, распространяющих неоклассическое возрождение по всей Европе. [17] «Неоклассицизм» в каждом искусстве предполагает определенный канон «классической» модели.

В английском языке термин «неоклассицизм» используется в первую очередь в отношении изобразительного искусства; аналогичное движение в английской литературе , начавшееся значительно раньше, называется литературой Августа . Это, которое доминировало в течение нескольких десятилетий, начало приходить в упадок к тому времени, когда неоклассицизм в изобразительном искусстве стал модным. Хотя термины различаются, ситуация во французской литературе была схожей. В музыке в этот период наблюдался подъем классической музыки , а «неоклассицизм» используется в событиях 20-го века . Однако оперы Кристофа Виллибальда Глюка представляли собой специфически неоклассический подход, изложенный в его предисловии к опубликованной партитуре « Альцеста» (1769), целью которой было реформирование оперы путем удаления орнаментов , увеличения роли хора в соответствии с греческой трагедией . и использование более простых, неприукрашенных мелодических линий. [18]

Антон Рафаэль Менгс ; Суд Париса ; около 1757 г.; холст, масло; высота: 226 см, ширина: 295 см, куплена Екатериной Великой в ​​мастерской; Эрмитаж , Санкт-Петербург , Россия

Термин «неоклассика» не был изобретен до середины 19 века, и в то время этот стиль описывался такими терминами, как «истинный стиль», «реформированный» и «возрождение»; то, что считалось возрожденным, значительно различалось. Античные модели, конечно, были очень задействованы, но этот стиль также можно рассматривать как возрождение эпохи Возрождения, и особенно во Франции, как возвращение к более строгому и благородному барокко эпохи Людовика XIV значительная ностальгия. , по которому развилась поскольку доминирующее военное и политическое положение Франции начало серьезно ухудшаться. [19] Энгра работы Коронационный портрет Наполеона даже заимствовал из позднеантичных консульских диптихов и их Каролингского возрождения, к неодобрению критиков.

Неоклассицизм был самым сильным в архитектуре , скульптуре и декоративном искусстве , где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными; примеры из древней живописи, демонстрирующие качества, которые письмо Винкельмана обнаружило в скульптуре, отсутствовали и отсутствуют. Винкельман участвовал в распространении знаний о первых крупных римских картинах, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме , и, как и большинство современников, за исключением Гэвина Гамильтона , они не произвели на него впечатления, цитируя комментарии Плиния Младшего об упадке живописи в его период. [20]

Что касается живописи, то греческая живопись была совершенно утрачена: живописцы-неоклассики творчески возрождали ее, отчасти посредством барельефных фризов , мозаики и гончарной росписи, а отчасти — посредством образцов живописи и декора Высокого Возрождения поколения Рафаэля , фресок Нерона. Domus Aurea , Помпеи и Геркуланум, а также благодаря новому восхищению Николя Пуссеном . Большая часть «неоклассической» живописи носит скорее классический характер по тематике, чем по чему-либо еще. На протяжении десятилетий бушевал ожесточенный, но зачастую очень плохо информированный спор об относительных достоинствах греческого и римского искусства, в котором Винкельман и его коллеги-эллинисты обычно оказывались на стороне победителей. [21]

Живопись, рисунок и эстамп [ править ]

Смотрите также: Каприччио (искусство)

Трудно вернуть радикальную и захватывающую природу ранней неоклассической живописи современной публике; теперь оно кажется даже тем писателям, которые к нему благосклонны, как «безвкусные» и «почти совершенно неинтересные для нас» — некоторые Кеннета Кларка комментарии Антона Рафаэля Менгса об амбициозном «Парнасе» на вилле Альбани ; [33] художника, которого его друг Винкельман назвал «величайшим художником своего времени и, возможно, более поздних времен». [34] В рисунках , впоследствии превращенных в гравюры , Джона Флаксмана использовался очень простой рисунок линий (считающийся чистейшим классическим средством). [35] ) и фигуры в основном в профиль, изображающие «Одиссею» и другие сюжеты, когда-то «увольнявшие художественную молодежь Европы», но теперь «забытые», [36] в то время как исторические картины Анжелики Кауфман , в основном портретиста, Фриц Новотны описывает как обладающие «елейной мягкостью и утомительностью» . [37] Легкомыслие рококо и движение барокко были удалены, но многие художники изо всех сил пытались поставить что-либо на их место, и в отсутствие древних образцов исторической живописи, кроме греческих ваз, использованных Флаксманом, Рафаэль , как правило, использовался в качестве модели-заменителя. как рекомендовал Винкельман.

Работы других художников, которых нельзя назвать безвкусными, сочетают в себе аспекты романтизма с неоклассическим стилем в целом и составляют часть истории обоих движений. Немецко-датский художник Асмус Якоб Карстенс завершил очень немногие из запланированных им крупных мифологических работ, оставив в основном рисунки и цветовые этюды, которые часто приближаются к рецепту Винкельмана о «благородной простоте и спокойном величии». [38] В отличие от нереализованных планов Карстенса, офорты Джованни Баттисты Пиранези были многочисленными и прибыльными, и их забирали те, кто совершал Гранд-тур по всем частям Европы. Его основным предметом были здания и руины Рима, и его больше вдохновляло древнее, чем современное. Несколько тревожная атмосфера многих его Ведутов (видов) становится доминирующей в его серии из 16 гравюр Carceri d'invenzione («Воображаемые тюрьмы»), чья «деспотическая циклопическая архитектура» передает «мечты страха и разочарования». [39] Родившийся в Швейцарии Генри Фюзели провел большую часть своей карьеры в Англии, и хотя его основной стиль был основан на неоклассических принципах, его сюжеты и трактовка чаще отражали «готическое» направление романтизма и стремились вызвать драму и волнение.

Неоклассицизм в живописи приобрел новое направление с сенсационным успехом « Жака-Луи Давида на Клятвы Горациев» Парижском салоне 1785 года. по живописи в Риме. Дэвиду удалось объединить идеалистический стиль с драматизмом и силой. Центральная перспектива перпендикулярна картинной плоскости, подчеркнута затемненной аркадой позади, на фоне которой героические фигуры расположены, как на фризе , с намеком на искусственное освещение и постановку оперы , и классический колорит Николя Пуссена. . Дэвид быстро стал лидером французского искусства, а после Французской революции стал политиком, контролирующим большую часть государственного покровительства искусству. Ему удалось сохранить свое влияние в наполеоновский ему пришлось покинуть Францию ​​и отправиться в ссылку в Брюссель период, обратившись к откровенно пропагандистским работам, но во время Реставрации Бурбонов . [40]

Среди многих учеников Давида был Жан-Огюст-Доминик Энгр , который на протяжении всей своей долгой карьеры считал себя классиком, несмотря на зрелый стиль, имеющий двусмысленную связь с основным течением неоклассицизма, и многие более поздние отклонения в сторону ориентализма и стиля трубадура , которые его трудно отличить от произведений его беззастенчивых современников-романтиков, за исключением того, что его работы всегда отдают предпочтение рисунку. Он выставлялся в Салоне более 60 лет, с 1802 года до зарождения импрессионизма , но его стиль, когда-то сформировавшийся, мало изменился. [41]

Скульптура [ править ]

Если неоклассическая живопись страдала от недостатка древних моделей, то неоклассическая скульптура, как правило, страдала от их избытка. Хотя примеров настоящей греческой скульптуры « классического периода », начавшегося примерно с 500 г. до н. э., тогда было очень мало; наиболее ценными произведениями были в основном римские копии. [47] Ведущие скульпторы-неоклассики в свое время пользовались огромной репутацией, но сейчас их меньше ценят, за исключением Жана-Антуана Гудона , чьи работы в основном представляли собой портреты, очень часто бюсты, которые не приносят в жертву сильное впечатление от личности натурщика ради идеализм. По мере продолжения его долгой карьеры его стиль становился более классическим и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов-неоклассиков, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство выдающихся деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы создать статую Джорджа Вашингтона , а также бюсты Томаса Джефферсона , Бенджамина Франклина и других основателей новой республики. [48] [49]

Антонио Канова и датчанин Бертель Торвальдсен оба жили в Риме и помимо портретов создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину; оба представляли сильную идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре. Канова обладает легкостью и грацией, тогда как Торвальдсен более суров; разница иллюстрируется соответствующими группами Трех Граций . [50] Все они, а также Флаксман, все еще действовали в 1820-х годах, а романтизм медленно оказывал влияние на скульптуру, где версии неоклассицизма оставались доминирующим стилем на протяжении большей части XIX века.

Ранним неоклассиком в скульптуре был швед Йохан Тобиас Сергель . [51] Джон Флаксман также был (или главным образом) скульптором, в основном создавая строго классические рельефы, которые по стилю сравнимы с его гравюрами; он также в течение нескольких лет проектировал и моделировал неоклассическую керамику для Джозайи Веджвуда . Иоганн Готфрид Шадов и его сын Рудольф , одни из немногих скульпторов-неоклассиков, умерших молодыми, были ведущими немецкими художниками. [52] с Францем Антоном фон Заунером в Австрии. Австрийский скульптор позднего барокко Франц Ксавер Мессершмидт обратился к неоклассицизму в середине своей карьеры, незадолго до того, как он, похоже, перенес какой-то психический кризис, после которого он удалился в деревню и посвятил себя весьма характерным «характерным головам» лысых фигур. вытягивая крайние выражения лица. [53] Пиранези Как и «Карцери» , они вызвали большое возрождение интереса в эпоху психоанализа в начале 20 века. Голландский скульптор-неоклассик Матье Кессельс учился у Торвальдсена и работал почти исключительно в Риме.

Поскольку до 1830-х годов в Соединенных Штатах не было собственной скульптурной традиции, за исключением надгробий, флюгеров и носовых фигур кораблей, [54] Европейская неоклассическая манера была принята там, и она должна была господствовать на протяжении десятилетий и иллюстрируется скульптурами Горацио Гринофа , Гарриет Хосмер , Хирама Пауэрса , Рэндольфа Роджерса и Уильяма Генри Райнхарта .

Архитектура и декоративное искусство [ править ]

Основные статьи: неоклассическая архитектура , стиль Людовика XVI , стиль Директории , стиль ампир , стиль Адама и бидермейер.
Отель Gouthière , Rue Pierre-Bullet no. 6, Париж, возможно, Ж. Метивье, 1780 г. [55]
« Этрусская комната», Потсдам , Германия, ок. 1840 г., иллюстрация Фридриха Вильгельма Клозе.

Неоклассическое искусство было одновременно традиционным и новым, историческим и современным, консервативным и прогрессивным. [56]

Неоклассицизм впервые приобрел влияние в Великобритании и Франции благодаря поколению французских студентов-художников, обучавшихся в Риме и находящихся под влиянием работ Винкельмана, и он был быстро принят прогрессивными кругами в других странах, таких как Швеция , Польша и Россия . Поначалу классицистический декор был привит к привычным европейским формам, как в интерьерах любовника Екатерины Великой , графа Григория Орлова , спроектированных итальянским архитектором с командой итальянских штукатуров : только отдельные овальные медальоны типа камей и -рельеф над дверьми намекает на неоклассицизм; обстановка полностью итальянская в стиле рококо.

Вторая неоклассическая волна, более суровая, более изученная (посредством гравюр ) и более сознательно археологическая, связана с расцветом Наполеоновской империи . Во Франции первая фаза неоклассицизма выразилась в « стиле Людовика XVI », а вторая — в стилях, получивших название « Директория » и ампир . Стиль рококо оставался популярным в Италии до тех пор, пока наполеоновские режимы не принесли новый археологический классицизм, который был воспринят как политическое заявление молодыми, прогрессивными городскими итальянцами с республиканскими взглядами. [ по мнению кого? ]

В декоративном искусстве неоклассицизм представлен мебелью в стиле ампир, производимой в Париже, Лондоне, Нью-Йорке, Берлине; в мебели в стиле бидермейер австрийского производства; в музеях Карла Фридриха Шинкеля в Берлине, Джона Соуна сэра Банке Англии в Лондоне и недавно построенном « Капитолии Соединенных Штатов » в Вашингтоне, округ Колумбия; и в Джозайи Веджвуда и барельефах из «черного базальта» вазах . Стиль был интернациональным; Шотландский архитектор Чарльз Кэмерон создал роскошные итальянские интерьеры для уроженки Германии Екатерины Великой в ​​Санкт-Петербурге, Россия.

В помещении неоклассицизм открыл подлинный классический интерьер, вдохновленный повторными открытиями в Помпеях и Геркулануме . Они начались в конце 1740-х годов, но получили широкую аудиторию только в 1760-х годах. [57] с первыми роскошными томами строго контролируемого распространения Le Antichità di Ercolano ( «Древности Геркуланума »). Древности Геркуланума показали, что даже самые классические интерьеры барокко или самые «римские» комнаты Уильяма Кента были основаны на внешней архитектуре базилики и храма , вывернутой наружу, отсюда их часто напыщенный вид для современных глаз: фронтонами оконные рамы с были обращены внутрь. в позолоченные зеркала, камины, увенчанные фасадами храмов. Новые интерьеры стремились воссоздать подлинно римскую и подлинно внутреннюю лексику.

Техники, использованные в этом стиле, включали более плоские, более легкие мотивы, вылепленные в виде низкого фризового рельефа или окрашенные монотонно en camaieu («как камеи»), отдельные медальоны, вазы, бюсты, букрании или другие мотивы, подвешенные на лавровых гирляндах или лентах. , с тонкими арабесками на фоне, возможно, «помпеейского красного», или бледных оттенков, или цвета камня. Стиль во Франции изначально был парижским, Goût grec («греческий стиль»), а не придворным; Когда Людовик XVI взошел на престол в 1774 году, Мария Антуанетта , его любящая моду королева, представила ко двору стиль Людовика XVI. Однако реальных попыток использовать основные формы римской мебели не было до начала века, и производители мебели с большей вероятностью заимствовали элементы древней архитектуры, точно так же, как серебряные мастера с большей вероятностью брали из древней керамики и камня. резьба, чем работа по металлу: «Дизайнеры и мастера... кажется, получали почти извращенное удовольствие от переноса мотивов с одного носителя на другой». [58]

Замок Мальмезон , 1800 год, комната императрицы Жозефины , на грани между стилем Директории и стилем ампир.

Примерно с 1800 года новый приток образцов греческой архитектуры, увиденных через гравюры и гравюры, дал новый импульс неоклассицизму, греческому возрождению . В то же время стиль ампир представлял собой более грандиозную волну неоклассицизма в архитектуре и декоративном искусстве. В основном основанный на императорском римском стиле, он возник и получил свое название во время правления Наполеона в Первой Французской империи, где он был предназначен для идеализации руководства Наполеона и французского государства. Стиль соответствует более буржуазному стилю Бидермейер в немецкоязычных странах, федеральному стилю в США. [57] стиль Регентства в Великобритании и стиль Наполеона в Швеции. По словам искусствоведа Хью Хонор , «Империя не является, как иногда полагают, кульминацией неоклассического движения, а знаменует собой его быстрый упадок и превращение снова в простое античное возрождение, лишенное всех возвышенных идей. и сила убеждения, вдохновившая его шедевры». [59] называлась стилем Адама Более ранняя фаза этого стиля в Великобритании .

Неоклассицизм продолжал оставаться основной силой в академическом искусстве на протяжении XIX века и далее — постоянная противоположность романтизму или возрождению готики — хотя с конца XIX века его часто считали антимодернистским или даже реакционным среди влиятельных критических взглядов. круги. [ ВОЗ? ] Центры нескольких европейских городов, особенно Санкт-Петербурга и Мюнхена , стали во многом напоминать музеи неоклассической архитектуры.

Архитектура готического возрождения (часто связанная с романтическим культурным движением), стиль, зародившийся в 18 веке, популярность которого росла на протяжении 19 века, контрастировала с неоклассицизмом. В то время как неоклассицизм характеризовался греческим и римским стилями, геометрическими линиями и порядком, архитектура готического возрождения делала упор на средневековые здания, часто придававшие деревенский, «романтический» вид.

Франция [ править ]

Стиль Людовика XVI ( 1760–1789 )

Основная статья: стиль Людовика XVI

Он знаменует собой переход от рококо к классицизму. В отличие от классицизма Людовика XIV , который превращал орнаменты в символы, стиль Людовика XVI представляет их максимально реалистично и естественно, т.е. лавровые ветви действительно являются лавровыми ветвями, розы — такими же и так далее. Один из главных декоративных принципов – симметрия. В интерьерах используются очень яркие цвета: белый, светло-серый, ярко-синий, розовый, желтый, очень светло-сиреневый, золотой. Излишних орнаментов следует избегать. [70] Возвращение к античности является синонимом прежде всего возврата к прямым линиям: строгие вертикали и горизонтали были в порядке вещей. Змеевидные формы больше не допускались, за исключением редких полукругов или овалов. Декор интерьера также отдал должное этому вкусу к строгости, в результате чего в моду вернулись плоские поверхности и прямые углы. Орнамент служил опосредованием этой строгости, но он никогда не мешал основным линиям и всегда располагался симметрично вокруг центральной оси. Несмотря на это, эбенисты часто сгибали передние углы, чтобы избежать чрезмерной жесткости. [71]

Декоративные мотивы стиля Людовика XVI были вдохновлены античностью , стилем Людовика XIV и природой. Характерные элементы стиля: факел, перекрещенный с ножнами со стрелами, черепичные диски, гильоширование , двойные банты, дымящиеся жаровни, линейные повторы мелких мотивов ( розеток , бус, овечек), трофейные или цветочные медальоны, свисающие с завязанной ленты. , аканта листья , гадруны , переплетения, меандры , рога изобилия , маскароны , древние урны, треножники, курильницы для духов, дельфины, головы барана и льва, химеры и грифоны . Также широко используются греко-римские архитектурные мотивы: каннелюры , пилястры (рифленые и нерифленые), рифленые балясины (витые и прямые), колонны ( зацепленные и незацепленные, иногда заменяемые кариатидами ), спиральные карнизы , триглифы с гуттами (рельефные и тромпе ). -л’ойл ). [72]

каталога ( Стиль 1789–1804 )

Основная статья: Стиль каталога

ампир ( Стиль 1804–1815 )

Основная статья: Стиль ампир

Неоклассицизм был представителем нового французского общества, вышедшего из революции , задавая тон во всех сферах жизни, включая искусство. В этот период была изобретена жаккардовая машина (которая произвела революцию во всей швейной системе, до этого ручной). Одним из доминирующих цветов был красный, украшенный позолоченной бронзой . Использовались также яркие цвета: белый, кремовый, фиолетовый, коричневый, синий, темно-красный, с небольшими орнаментами из позолоченной бронзы. Внутренняя архитектура включала деревянные панели, украшенные позолоченными рельефами (на белом или цветном фоне). Мотивы располагались геометрически. Стены были оклеены штукатуркой , тканевыми обоями. Каминные камины изготавливались из белого мрамора, имели кариатиды по углам или другие элементы: обелиски , сфинксы , крылатые львы и т. д. На их вершинах размещались бронзовые предметы, в том числе каминные часы . Двери состояли из простых прямоугольных панелей, украшенных центральной фигурой в стиле Помпеи. Ткани в стиле ампир — это штофы с синим или коричневым фоном, атласы с зеленым, розовым или фиолетовым фоном, бархаты тех же цветов, броши с прошивкой золотом или серебром, хлопчатобумажные ткани. Все это использовалось в интерьерах для штор, для обивки определенной мебели, для подушек или обивки (для обивки использовалась также кожа). [79]

Все орнаменты в стиле ампир подчиняются строгому духу симметрии, напоминающему стиль Людовика XIV . Как правило, мотивы на правой и левой сторонах изделия соответствуют друг другу во всех деталях; когда это не так, отдельные мотивы сами по себе совершенно симметричны по композиции: античные головы с одинаковыми локонами, ниспадающими на каждое плечо, фронтальные фигуры Победы в симметрично расположенных туниках, одинаковые розетки или лебеди, обрамляющие замковую пластину, и т. д. Подобно Людовику XIV , Наполеону имел набор эмблем, безошибочно связанных с его правлением, в первую очередь орел, пчела, звезды и инициалы I ( Император ) и N ( Наполеон ), которые обычно были вписаны в императорскую лавровую корону. Используемые мотивы включают: фигуры Победы с пальмовыми ветвями, греческих танцовщиц, обнаженных и драпированных женщин, фигуры античных колесниц, крылатых путти , маскаронов Аполлона , , Гермеса и Горгоны , лебедей, львов, голов быков, лошадей и диких зверей бабочки, клешни, крылатые химеры , сфинксы , букрании , морские коньки, дубовые венки, завязанные тонкими свисающими лентами, вьющиеся виноградные лозы, маковые ринсо , розетки , пальмовые ветви и лавр. -римского много: жесткие и плоские аканта листья , пальметты , рога изобилия , бусы, амфоры , треножники, черепичные диски, кадуцеи Меркурия Греко , вазы, шлемы, горящие факелы, крылатые трубачи, древние музыкальные инструменты (тубы, погремушки и особенно лиры ). Несмотря на свое античное происхождение, флейты и триглифы, столь распространенные при Людовике XVI, заброшены. Мотивы египетского возрождения особенно распространены в начале периода: скарабеи , капители лотоса , крылатые диски, обелиски, пирамиды , фигуры, носящие заклятых врагов , кариатиды , поддерживаемые босыми ногами, и женские египетские головные уборы. [80]

Германия [ править ]

Основные статьи: Бидермейер и период Вильгельмина

Неоклассическая архитектура получила широкое распространение как символ богатства и власти в Германии, в основном на территории тогдашней Пруссии . Карл Фридрих Шинкель построил в этом стиле множество выдающихся зданий, в том числе Старый музей в Берлине. Хотя в городе по-прежнему доминировало городское планирование в стиле барокко, его архитектура и функциональный стиль сделали город отчетливо неоклассическим центром.

Его Бауакадемия считается одним из предшественников современной архитектуры благодаря ранее относительно обтекаемому фасаду здания.

Италия [ править ]

Со второй половины 18-го века по 19-й век Италия пережила множество социально-экономических изменений, несколько иностранных вторжений и бурное Рисорджименто, которое привело к объединению Италии в 1861 году. Таким образом, итальянское искусство претерпело ряд изменений. мелкие и крупные изменения в стиле.

Итальянский неоклассицизм был самым ранним проявлением общего периода, известного как неоклассицизм, и просуществовал дольше, чем другие национальные варианты неоклассицизма. Он развился в противоположность стилю барокко около ок. 1750 г. и продолжалось до ок. 1850 год . Неоклассицизм зародился примерно в период повторного открытия Помпеи и распространился по всей Европе, когда поколение студентов-художников вернулось в свои страны из Гранд-тура по Италии с заново открытыми греко-римскими идеалами. Сначала он сосредоточился в Риме, где такие художники, как Антонио Канова и Жак-Луи Давид, действовали во второй половине 18 века, прежде чем переехать в Париж. Художники Ведуте , такие как Каналетто и Джованни Паоло Панини , также пользовались огромным успехом во время Гранд-тура. Неоклассическая архитектура была вдохновлена ​​работами Андреа Палладио эпохи Возрождения и видела в Луиджи Ванвителли главных интерпретаторов стиля.

Большое влияние на движение Рисорджименто оказала классическая литература: к главным фигурам этого периода относятся Витторио Альфьери , Джузеппе Парини , Винченцо Монти и Уго Фосколо , Джакомо Леопарди и Алессандро Мандзони (племянник Чезаре Беккариа ), которые также находились под влиянием французского Просвещения. и немецкий романтизм. Скрипач-виртуоз Паганини и оперы Россини , Донницетти , Беллини и, позднее, Верди доминировали на сцене итальянской классической и романтической музыки.

Искусство Франческо Айеса и особенно Маккиайоли представляло собой разрыв с классической школой, который подошел к концу с объединением Италии (см. Современное итальянское искусство). Неоклассицизм был последним стилем итальянского происхождения после Возрождения и барокко, который распространился на все западное искусство.

Румыния [ править ]

В 19 веке преобладающим стилем в Валахии и Молдавии , позже в Королевстве Румыния , был классицизм , который просуществовал долгое время, до 20 века, хотя в некоторые короткие периоды он сосуществовал с другими стилями. Иностранных архитекторов и инженеров сюда приглашали с первого десятилетия XIX века. Большинство архитекторов, строивших в начале века, были иностранцами, поскольку у румын еще не было инструкций, необходимых для проектирования зданий, которые сильно отличались от румынских традиций. Обычно используя классицизм, они начинали строить вместе с румынскими ремесленниками, обычно подготовленными в иностранных школах или академиях. Румынские архитекторы также учились в западноевропейских школах. Одним из примеров является Александру Орэску , один из представителей неоклассицизма в Румынии.

Классицизм проявился как в религиозной, так и в светской архитектуре. Хорошим примером светской архитектуры является дворец Штирбей на улице Каля Викторей ( Бухарест ), построенный примерно в 1835 году по проекту французского архитектора Мишеля Санжуана . Новый уровень он получил в 1882 году по проекту австрийского архитектора Йозефа Хартмана. [85] [86]

Россия и Советский Союз [ править ]

В 1905–1914 гг. русская архитектура пережила краткий, но влиятельный период неоклассического возрождения ; эта тенденция началась с воссоздания стиля ампира александрийского периода и быстро расширилась до множества неоренессансных, палладианских и модернизированных, но узнаваемо классических школ. Их возглавили архитекторы 1870-х годов рождения, достигшие творческого расцвета еще до Первой мировой войны, такие как Иван Фомин , Владимир Щуко и Иван Жолтовский . Когда в 1920-х годах экономика восстановилась, эти архитекторы и их последователи продолжали работать преимущественно в модернистской среде; одни (Жолтовский) строго следовали классическому канону, другие (Фомин, Щуко, Илья Голосов ) выработали свои модернизированные стили. [87]

После подавления независимости архитекторов и официального отрицания модернизма (1932 г.), продемонстрированного международным конкурсом на строительство Дворца Советов , неоклассицизм мгновенно стал одним из вариантов сталинской архитектуры , хотя и не единственным. Он соседствовал с умеренно модернистской архитектурой Бориса Иофана , граничащей с современным ар-деко (Щуко); Опять же, наиболее чистые образцы стиля были созданы Жолтовской школой, оставшейся изолированным явлением. Политическое вмешательство стало катастрофой для лидеров конструктивистов , но было искренне встречено архитекторами классических школ.

Неоклассицизм был легким выбором для Советского Союза , поскольку он не опирался на современные строительные технологии ( стальной каркас или железобетон ) и мог быть воспроизведен в традиционной каменной кладке . Таким образом, конструкции Жолтовского, Фомина и других старых мастеров легко тиражировались в отдаленных городах при строгом нормировании материалов . Совершенствование технологии строительства после Второй мировой войны позволило сталинистским архитекторам заняться строительством небоскребов, хотя стилистически эти небоскребы (включая «экспортированную» архитектуру Дворца культуры и науки в Варшаве и Шанхайского международного конференц-центра) мало имеют общего с классическими моделями. Неоклассицизм и неоренессанс сохранялись в менее требовательных жилых и офисных проектах до 1955 года, когда Никита Хрущев положил конец дорогой сталинской архитектуре.

Соединенное Королевство [ править ]

Основные статьи: стиль Адама и Веджвуд

Стиль Адама был создан двумя братьями Адамом и Джеймсом , опубликовавшими в 1777 году том гравюр с внутренним орнаментом. Во внутреннем убранстве, выполненном по рисункам Роберта Адама, стены, потолки, двери и любые другие поверхности разделены на большие панели: прямоугольные, круглые, квадратные, с лепниной и греко-римскими мотивами по краям. Используемые украшения включают фестоны , жемчуг, ленты в виде яиц и дротиков , медальоны и любые другие мотивы, использовавшиеся в эпоху классической древности (особенно этрусские ). Декоративные элементы, такие как каменные вазы в форме урн, позолоченное серебро, лампы и статуэтки, имеют один и тот же источник вдохновения — классическую древность. В стиле Адама подчеркиваются изысканные прямоугольные зеркала, обрамленные под картины (в рамах со стилизованными листьями) или с фронтоном над ними, поддерживающим урну или медальон. Другая конструкция зеркал Адама имеет форму венецианского окна с большим центральным зеркалом между двумя другими, более тонкими и длинными. Другой тип зеркал — овальные, обычно украшенные гирляндами. Мебель в этом стиле имеет структуру, аналогичную Мебель Людовика XVI . [94]

Помимо стиля Адама, когда дело доходит до декоративного искусства, Англия также известна производителем керамики Джозайей Веджвудом (1730–1795), который основал гончарное производство под названием Этрурия. Посуда Веджвуда изготавливается из материала, называемого яшмой , твёрдого и мелкозернистого керамогранита . Вазы Веджвуда обычно украшаются рельефами двух цветов, в большинстве случаев фигуры белые, а фон синий.

Соединенные Штаты [ править ]

Основная статья: Федеральный стиль

На американском континенте архитектура и внутреннее убранство находились под сильным влиянием стилей, разработанных в Европе. Французский вкус ярко обозначил свое присутствие в южных штатах (после Французской революции сюда переехала часть эмигрантов, а в Канаде большая часть населения имеет французское происхождение). Практичный дух и материальное положение американцев того времени придавали интерьерам типичную атмосферу. Вся американская мебель, ковры, посуда, керамика и столовое серебро со всеми европейскими влияниями, а иногда и исламскими , турецкими или азиатскими , были изготовлены в соответствии с американскими нормами, вкусом и функциональными требованиями. В США существовал период стиля королевы Анны и период Чиппендейла . Собственный стиль, федеральный стиль, полностью развился в 18 и начале 19 веков и процветал под влиянием британского вкуса. Под импульсом неоклассицизма созданы архитектура, интерьеры и мебель. Стиль, хотя и имеет множество характеристик, различающихся от штата к штату, является единым. Структуры архитектуры, интерьеров и мебели выполнены в стиле классицизма и включают в себя барокко и рококо Влияние . Используемые формы включают прямоугольники, овалы и полумесяцы. Лепнина или деревянные панели на стенах и потолках воспроизводят мотивы классицизма. Мебель, как правило, украшается цветочной маркетри и инкрустациями из бронзы или латуни (иногда позолоченной ). [98]

Сады [ править ]

В Англии литература Августов имела прямую параллель со стилем ландшафтного дизайна Августов. Связи отчетливо просматриваются в работах Александра Поупа . Лучшими сохранившимися примерами неоклассических английских садов являются Чизвик-хаус , Стоу-хаус и Стоурхед . [99]

Мода [ править ]

В моде неоклассицизм повлиял на гораздо большую простоту женских платьев и продолжительную моду на белое, существовавшую задолго до Французской революции, но только после нее во Франции стали модными основательные попытки подражать старинным стилям. по крайней мере для женщин. Классические костюмы издавна носили модные дамы, изображающие на портрете какую-нибудь фигуру из греческого или римского мифа (в частности, пошла целая серия таких портретов юной натурщицы Эммы, леди Гамильтон 1780-х годов), но такие костюмы носили только для сидячих портретов и балов-маскарадов до революционного периода и, возможно, как и в других экзотических стилях, в качестве раздевания дома. Но стиль портретов Жюльет Рекамье , Жозефины Богарне , Терезы Тальен и других парижских законодательниц моды предназначался и для выхода в свет. Увидев мадам Тальен в опере, Талейран пошутил: « Il n'est pas could de s'exposer plus somptueusement! » («Нельзя быть более роскошным раздетым»). В 1788 году, накануне революции, придворный портретист Луиза Элизабет Виже Лебрен устроила греческий ужин, на котором дамы были одеты в простые белые греческие туники. [100] Более короткие классические прически, где возможно, с локонами, были менее спорными и получили очень широкое распространение, а волосы теперь можно было открывать даже на открытом воздухе; За исключением вечернего платья, шляпки и другие покрытия раньше обычно носили даже в помещении. Вместо этого для завязывания или украшения волос использовались тонкие ленты или ленты в греческом стиле.

Очень легкие и свободные платья, обычно белые и часто с шокирующе обнаженными руками, прозрачно поднимались от щиколотки до чуть ниже лифа, где был сильно подчеркнутый тонкий край или завязка вокруг тела, часто другого цвета. Эту форму сейчас часто называют силуэтом ампира, хотя она возникла еще до Первой Французской империи Наполеона, но его первая императрица Жозефина де Богарне сыграла важную роль в распространении ее по Европе. Длинная прямоугольная шаль или накидка, очень часто просто красная, но с украшенной каймой на портретах, помогала в холодную погоду и, по-видимому, укладывалась вокруг живота в сидячем положении, для чего предпочтительнее были распростертые полулежачие позы. [101] К началу XIX века такие стили широко распространились по Европе.

Неоклассическая мода для мужчин была гораздо более проблематичной и никогда не пользовалась успехом, за исключением прически, где она играла важную роль в более коротких прическах, которые в конечном итоге привели к использованию париков, а затем и белой пудры для волос, для молодых мужчин. Брюки были символом варвара у греков и римлян, но за пределами мастерской художника или, тем более, скульптора, немногие мужчины были готовы отказаться от них. Действительно, этот период стал свидетелем триумфа чистых брюк или панталонов над брюками -кюлотами или бриджами до колена Ancien Régime . Даже когда Давид разработал новый французский «национальный костюм» по просьбе правительства в разгар революционного энтузиазма по изменению всего в 1792 году, он включал довольно узкие леггинсы под пальто, доходившее выше колена. Высокая доля обеспеченных молодых людей провела большую часть ключевого периода на военной службе из-за французских революционных войн , а также военной формы, которая стала подчеркивать короткие спереди куртки, открывающие полный обзор обтягивающих курток. облегающие брюки, их часто носили вне службы и они влияли на гражданский мужской стиль.

Проблема брюк была признана художниками препятствием для создания картин современной истории ; Как и другие элементы современной одежды, многие художники и критики считали их неисправимо уродливыми и негероическими. Чтобы избежать их изображения в современных сценах, использовались различные уловки. В « Джеймс Докинз и Роберт Вуд , открывающие руины Пальмиры » (1758) книге Гэвина Гамильтона два джентльмена-антикваря изображены в тоги арабских одеждах, похожих на . В «Уотсоне и акуле » (1778) Джона Синглтона Копли главную фигуру можно было бы правдоподобно изобразить обнаженной, а композиция такова, что из восьми других показанных мужчин только у одного заметно выделяется одна нога в бриджах . Однако американцы Копли и Бенджамин Уэст возглавляли художников, которые успешно показали, что брюки можно использовать в героических сценах, с такими работами, как «Смерть генерала Вулфа» Копли Уэста (1770) и «Смерть майора Пирсона, 6 января 1781 года» (1783), хотя брюк по-прежнему тщательно избегали в «Плоте Медузы» , завершенный в 1819 году.

Классические мужские прически включали Бедфордскую стрижку , возможно, предшественницу большинства простых современных мужских причесок, которая была изобретена радикальным политиком Фрэнсисом Расселом, 5-м герцогом Бедфордским в знак протеста против налога на пудру для волос ; он призвал своих друзей принять его, поспорив, что они этого не сделают. Другой влиятельный стиль (или группа стилей) был назван французами « прическа а-ля Титус » в честь Тита Юния Брута (на самом деле не римского императора Тита , как часто предполагалось), с короткими и многослойными волосами, но несколько собранными на макушке. часто со сдержанными челками или свисающими локонами; варианты известны по волосам Наполеона и Георга IV Соединенного Королевства. Предполагалось, что стиль был введен актером Франсуа-Жозефом Тальмой , который отодвинул на второй план своих коллег в париках, когда появлялся в постановках таких произведений, как Вольтера » « Брут (о Луции Юнии Бруте , который приказывает казнить своего сына Тита). . В 1799 году парижский журнал мод сообщил, что даже лысые мужчины носили парики Титуса. [102] и этот стиль также носили женщины: в 1802 году журнал Journal de Paris сообщил, что «более половины элегантных женщин носили прическу или парик а-ля Титус» . [103]

Музыка [ править ]

Неоклассицизм в музыке — движение ХХ века; в данном случае возрождались музыкальные стили классицизма и барокко 17 и 18 веков с их любовью к греческим и римским темам, а не музыка самого древнего мира. (Начало 20-го века еще не отличало период барокко в музыке, на который в основном опирались композиторы-неоклассики, от того, что мы сейчас называем классическим периодом.) Это движение было реакцией первой половины 20-го века на распад хроматизма поздний романтизм и импрессионизм , возникшие параллельно с музыкальным модернизмом, стремившиеся вообще отказаться от ключевой тональности. Он демонстрировал стремление к чистоте и простоте стиля, что позволяло весьма диссонансно перефразировать классические процедуры, но стремился сдуть паутину романтизма и сумеречные проблески импрессионизма в пользу смелых ритмов, напористой гармонии и четких секционных форм. , что совпало с модой на реконструированные «классические» танцы и костюмы в балет и физкультура .

Танцевальная сюита 17–18 веков несколько возродилась перед Первой мировой войной, но неоклассицистов не совсем устраивала неизмененная диатоника, и они были склонны подчеркивать яркий диссонанс подвесок и орнаментов, угловатость ладовой гармонии 17 века и энергичные линии контрапунктического сочинения. Отторино Респиги » «Древние арии и танцы (1917) проложили путь к тому звуку, к которому стремились неоклассики. Хотя практика заимствования музыкальных стилей из прошлого не была редкостью на протяжении всей истории музыки, в художественной музыке были периоды, когда музыканты использовали современные методы в сочетании со старыми формами или гармониями для создания новых видов произведений. Примечательными композиционными характеристиками являются: обращение к диатонической тональности, традиционным формам (танцевальные сюиты, концерты гросси, сонатные формы и т. д.), идея абсолютной музыки, не ограниченной описательными или эмоциональными ассоциациями, использование легких музыкальных фактур и лаконичность музыкальной выразительности. . В классической музыке это особенно заметно проявилось в период с 1920-х по 1950-е годы. Игорь Стравинский — самый известный композитор, использующий этот стиль; он фактически начал музыкальную революцию своим баховским Октетом для духовых инструментов (1923). Особым индивидуальным произведением, хорошо представляющим этот стиль, является Прокофьева № 1 ре мажор Классическая симфония , напоминающая симфонический стиль Гайдна или Моцарта . Неоклассический балет , изобретенный Джорджем Баланчиным, навел порядок в российском имперском стиле с точки зрения костюмов, шагов и повествования, а также представил технические инновации.

неоклассицизм и продолжения Поздний его

Часть серии о
Классицизм
Классическая античность
Эпоха Просвещения
Неоклассицизм 20 века

После середины XIX века неоклассицизм перестает быть основным стилем, его заменяет эклектика классических стилей . архитектуры барокко Хорошим примером этого является Дворец Гарнье в Париже, поскольку, несмотря на то, что он преимущественно неоклассический, в нем присутствуют элементы и орнаменты, взятые из эпохи Возрождения и . Эта практика была частой в архитектуре конца 19-го и начала 20-го века, перед Первой мировой войной . Помимо неоклассицизма, Парижское изящное искусство хорошо известно своей эклектикой классических стилей.

Пабло Пикассо экспериментировал с классикой мотивов сразу после Первой мировой войны. [106]

В американской архитектуре неоклассицизм был одним из проявлений движения американского Возрождения , ок. 1890–1917; его последнее проявление было в архитектуре изящных искусств , а его последними крупными общественными проектами были Мемориал Линкольна (в то время подвергавшийся резкой критике), Национальная галерея искусств в Вашингтоне, округ Колумбия (также подвергавшаяся резкой критике со стороны архитектурного сообщества как отсталое мышление и старомодный по своему дизайну), а также музея естественной истории Американского Мемориал Рузвельта . Когда они были закончены, их считали стилистическими анахронизмами. В британском владычестве сэра Эдвина Латьенса монументальное городское планирование Нью-Дели знаменует собой закат неоклассицизма. Вторая мировая война должна была разрушить большую часть тоски по мифическому времени (и его имитации).

В 20 веке в невизуальном искусстве существовало целое движение, которое также называлось неоклассицизмом. Оно охватывало как минимум музыку, философию и литературу. Это было между окончанием Первой мировой войны и окончанием Второй мировой войны. (Информацию о музыкальных аспектах см. в разделе « Классическая музыка 20-го века и неоклассицизм в музыке» . Информацию о философских аспектах см. в разделе « Великие книги» .)

Это литературное неоклассическое движение отвергло крайний романтизм (например) дадаизма в пользу сдержанности, религии (особенно христианства) и реакционной политической программы. Хотя основы этого направления в английской литературе были заложены Т. Э. Хьюмом , наиболее известными неоклассиками были Т. С. Элиот и Уиндэм Льюис . В России движение выкристаллизовалось еще в 1910 году под названием акмеизм , Анна Ахматова и Осип Мандельштам ведущими представителями которого были .

Арт-деко [ править ]

Хотя его начали считать «устаревшим» после Первой мировой войны, принципы, пропорции и другие неоклассические элементы еще не были оставлены без внимания. Ар-деко был доминирующим стилем в межвоенный период и соответствует вкусу буржуазной элиты к высоким французским стилям прошлого, включая Людовика XVI , Директорию и ампир (стили периода французского неоклассицизма). В то же время французская элита была в равной степени способна ценить современное искусство , как работы Пабло Пикассо или Амедео Модильяни . Результатом этой ситуации является ранний стиль ар-деко, в котором используются как новые, так и старые элементы. Дворец Токио 1937 года в Париже, построенный Андре Обером и Марселем Дастюгом Хорошим примером этого является . Хотя здесь не используются орнаменты, а фасад украшен только рельефами , то, как здесь присутствуют колонны, является сильным напоминанием о неоклассицизме. Дизайн ар-деко часто опирался на неоклассические мотивы, не выражая их открыто: строгие, блочные комоды Эмиля -Жака Рульмана. или Луи Сю и Андре Маре ; четкие, чрезвычайно низкорельефные фризы с изображением девиц и газелей на всех носителях; модные платья, драпированные или скроенные по косой, чтобы воссоздать греческие линии; художественный танец Айседоры Дункан . Консервативные архитекторы -модернисты , такие как Огюст Перре во Франции, сохранили ритмы и интервалы колонной архитектуры даже в фабричных зданиях.

Колебания в стиле ар-деко между использованием исторических элементов, форм и пропорций и стремлением к «новому», к модернизму, являются результатом множества факторов. Один из них – эклектика . Сложность и неоднородность ар-деко во многом обусловлена ​​эклектичным духом. Стилизованные элементы из репертуара изящных искусств, неоклассицизма или культур, далеких во времени и пространстве ( Древний Египет , доколумбовая Америка или искусство Африки к югу от Сахары ) объединены со ссылками на модернистских художников-авангардов начала 20-х годов. века ( Анри Матисс , Амедео Модильяни или Константин Бранкузи ). Феномен ар-деко обязан академическому эклектизму и неоклассицизму главным образом существованием специфической архитектуры. Без вклада архитекторов, обученных изящным искусствам, архитектура ар-деко, за исключением жилых зданий, осталась бы, за исключением жилых зданий, коллекцией декоративных объектов, увеличенных до городских масштабов, как павильоны Международной выставки современного декоративного и промышленного искусства. от 1925 года, вызвавшие споры в свое время. Другой причиной колебаний между историческими элементами и модернизмом была культура потребления . Объекты и здания в пуританском интернациональном стиле , лишенные каких-либо украшений или отсылок к прошлому, были слишком радикальными для широкой публики. В межвоенной Франции и Англии дух публики и значительная часть архитектурной критики не могли представить себе стиль, полностью лишенный орнамента, такой как интернациональный стиль.

Использование исторических стилей в качестве источников вдохновения для ар-деко начинается еще за годы до Первой мировой войны благодаря усилиям таких декораторов, как Морис Дюфрен , Поль Фолло , Поль Ирибе , Андре Гроулт , Леон Жалло или Эмиль-Жак Рульманн , которые рассказывают к престижным французским художественным и ремесленным традициям конца 18 - начала 19 веков (Людовик XVI, Директория и Луи-Филипп ), а также те, кто хочет привнести новый подход к этим стилям. Стиль нео-Людовика XVI был очень популярен во Франции и Румынии в годы перед Первой мировой войной, примерно в 1910 году, и сильно повлиял на многие ранние проекты и здания в стиле ар-деко. Хорошим примером этого является замок Септ-Соль в Гранд-Эст , Франция, построенный Луи Сюэ в 1928–1929 годах. [114]

и тоталитарные режимы Неоклассицизм

Основные статьи: Социалистический реализм , нацистская архитектура и рационализм (архитектура)

В фашистской Италии , нацистской Германии , Румынии под властью Карла II и Советском Союзе в 1920-х и 1930-х годах тоталитарные режимы выбрали неоклассицизм для государственных зданий и искусства. Архитектура играла центральную роль в выражении постоянства тоталитарных режимов (несмотря на их очевидную новизну). То, как тоталитарные режимы опирались на классицизм, принимало множество форм. Когда дело доходит до государственных зданий в Италии и Румынии, архитекторы пытались соединить современность с абстрактными классическими формами. Двумя хорошими примерами этого являются Палаццо делла Гражданская Италия в Риме, а также здание ректората университета и юридического факультета в Бухаресте ( бульвар Михаила Когэлничану , № 36–46). Напротив, классицизм Советского Союза , известный как социалистический реализм , был напыщенным, перегруженным орнаментами и архитектурными скульптурами, как попытка контрастировать с простотой «капиталистических» или «буржуазных» стилей, таких как ар-деко или модернизм . Москве . Хорошим примером этого является Университет Ломоносова в Никите Хрущеву , советскому лидеру, сменившему Сталина, не нравилась эта помпезная соцреалистическая архитектура времен правления его предшественника. Из-за низкой скорости и стоимости этих неоклассических зданий он заявил, что «они тратили деньги людей на красоту, которая никому не нужна, вместо того, чтобы строить попроще, но больше».

В Советском Союзе неоклассицизм воспринимался как отказ от ар-деко и модернизма, которые коммунисты считали слишком «буржуазными» и «капиталистическими». Этот коммунистический неоклассический стиль известен как социалистический реализм и был популярен во времена правления Иосифа Сталина (1924–1953). В изобразительном искусстве . Как правило, это проявлялось в глубоко идеализированных изображениях жилистых рабочих, показанных как герои в колхозах или промышленных городах, политических собраниях, достижениях советской техники, а также в изображениях счастливых детей, живущих рядом с Лениным или Сталиным. И тематика, и представление тщательно контролировались. Художественные достоинства определялись степенью вклада произведения в строительство социализма. Все художники должны были вступить в контролируемый государством Союз советских художников и создавать работы в принятом стиле. Тремя руководящими принципами социалистического реализма были партийная лояльность, представление правильной идеологии и доступность. Реализм, более понятный массам, был выбранным стилем. Вначале в Советском Союзе существовало множество конкурирующих авангардные присутствовали движения, особенно конструктивизм . Однако, когда Сталин укрепил свою власть к концу 1920-х годов, авангардное искусство и архитектура были подавлены и в конечном итоге объявлены вне закона, и были установлены официальные государственные стили. После того, как Борис Иофан выиграл конкурс на проект Дворца Советов со ступенчатой ​​классической башней, увенчанной гигантской статуей Ленина, архитектура вскоре вернулась к дореволюционным стилям искусства и архитектуры, незапятнанным предполагаемым западным влиянием конструктивизма. [121] Хотя соцреализм в архитектуре более или менее закончился со смертью Сталина и приходом к власти Никиты Хрущева, картины в этом стиле продолжали создаваться, особенно в странах, где существовал сильный культ личности правящего вождя, как в случае с Китая Мао Цзэдуна , . Северной Ир Сена Ким Кореи или Николае Чаушеску Румынии

культуру Германии Нацисты подавили яркую авангардную , как только они получили контроль над правительством в 1933 году. Альберт Шпеер был назначен советником Адольфа Гитлера по архитектуре в 1934 году, и он пытался создать архитектуру, которая одновременно отражала бы воспринимаемое единство Германии. людей и служить фоном для проявления силы нацистов. Подход нацистов к архитектуре был полон противоречий: в то время как планы Гитлера и Шпеера по переустройству Берлина стремились подражать имперскому Риму, в сельских контекстах нацистские здания черпали вдохновение из местного языка , пытаясь передать «аутентичный» немецкий дух. Когда дело дошло до изобразительного искусства, нацисты создали термин « дегенеративное искусство » для современного искусства , вида искусства, который для них был «ненемецким», «еврейским» или «коммунистическим». Нацисты ненавидели современное искусство и связывали его с « культурным большевизмом », теорией заговора , согласно которой искусство (или культура в целом) контролировалось левой еврейской кликой, стремящейся уничтожить арийскую расу. Война Гитлера с современным искусством в основном заключалась в выставке, которая пыталась дискредитировать современных художников, под названием « Выставка дегенеративного искусства » ( нем . Die Ausstellung «Entartete Kunst» ). Эта выставка была показана рядом с Великой выставкой немецкого искусства , которая состояла из произведений искусства, одобренных нацистами. Таким образом, посетители обеих выставок могли сравнить искусство, которое режим называет «хорошим» и «плохим». С аналогичным подходом режим закрыл в 1931 году Баухауз , школу авангардного искусства в Дессау , которая имела чрезвычайное влияние в послевоенное время. Он вновь открылся в Берлине в 1932 году, но снова был закрыт в 1933 году.

По сравнению с Германией и Советским Союзом, в Италии авангард внес свой вклад в государственную архитектуру. Классическая архитектура также оказала влияние, перекликаясь с гораздо более грубыми попытками Бенито Муссолини создать связи между его фашистским режимом и Древним Римом . Некоторые итальянские архитекторы пытались создать сплав модернизма и классицизма , например, Марчелло Пьячентини с Римским университетом Сапиенца или Джузеппе Терраньи с Casa del Fascio в Комо . [122]

В Румынии к концу 1930-х годов под влиянием самодержавной тенденции короля Кароля II было построено несколько государственных зданий. Они были неоклассическими, многие из которых были очень похожи на то, что было популярно в те же годы в фашистской Италии. Примеры в Бухаресте включают здание ректората университета и юридического факультета ( бульвар Михаила Когэлничану, № 36–46), жилой дом Крецулеску ( Calea Victoriei , № 45), здание CFR (бульвар Динику Голеску, № 38) или дворец Виктории ( Площадь Победы № 1). Королевский дворец , интерьеры которого в основном выполнены в неоадамском стиле , выделяется тем, что он более декорирован и немного ближе к архитектуре до Первой мировой войны.

Постмодернизм [ править ]

Ранний текст, ставящий под сомнение модернизм, был написан архитектором Робертом Вентури « Сложность и противоречие в архитектуре» (1966), в котором он рекомендовал возродить «присутствие прошлого» в архитектурном дизайне. Он пытался включить в свои собственные здания качества, которые он описывал как «включенность, непоследовательность, компромисс, приспособление, адаптацию, сверхсмежность, эквивалентность, множественность фокусов, сопоставление или хорошее и плохое пространство». [135] Работы Роберта Вентури отражали более широкие контркультурные настроения 1960-х годов, когда молодое поколение начало подвергать сомнению и бросать вызов политическим, социальным и расовым реалиям, с которыми они столкнулись. Этот отказ от модернизма известен как постмодернизм . Роберт Вентури пародирует Людвига Миса ван дер Роэ известную максиму « меньше значит больше » словами «меньше — это скучно». В 1980-х и 1990-х годах некоторые архитекторы постмодерна нашли убежище в своего рода нео-неоклассицизме. Их использование классицизма не ограничивалось только орнаментами, используя также более или менее пропорции и другие принципы. Некоторые люди по-разному описывали постмодернистский классицизм как «лагерь» или « китч ». Архитектор, известный благодаря постмодернистскому классицизму, — Рикардо Бофилл . Его работа включает в себя два жилищных проекта титанического масштаба недалеко от Парижа, известные как Les Arcades du Lac с 1975 по 1981 год и Les Espaces d'Abraxas с 1978 по 1983 год. Здание, которое выделяется своим возрождением, - это Музей Дж. Пола Гетти в Малибу, Калифорния , с 1970 по 1975 год, вдохновленный древней римской Виллой Папирусов в Геркулануме . Музей Дж. Пола Гетти гораздо ближе к неоклассицизму 19-го века, как и Помпеянум в Ашаффенбурге , Германия, чем к постмодернистскому классицизму 1980-х годов. [136]

Архитектура XXI века [ править ]

Основная статья: Новая классическая архитектура

После затишья в период доминирования современной архитектуры (примерно после Второй мировой войны до середины 1980-х годов) неоклассицизм пережил своего рода возрождение.

По состоянию на первое десятилетие 21 века современная неоклассическая архитектура обычно классифицируется под общим термином « новая классическая архитектура» . Иногда его также называют неоисторизмом или традиционализмом. [138] Кроме того, ряд произведений постмодернистской архитектуры черпают вдохновение и включают в себя явные ссылки на неоклассицизм, район Антигона и Национальный театр Каталонии в Барселоне . Постмодернистская архитектура иногда включает исторические элементы, такие как колонны, капители или тимпан.

Для искренней архитектуры в традиционном стиле, которая придерживается региональной архитектуры, материалов и мастерства, термин «традиционная архитектура чаще всего используется » (или народный язык). Архитектурная премия Дрихауса вручается крупным авторам в области традиционной или классической архитектуры 21-го века, и ее призовой фонд вдвое превышает размер модернистской Притцкеровской премии . [139]

В Соединенных Штатах различные современные общественные здания построены в неоклассическом стиле, Симфонический центр Шермерхорна 2006 года в Нэшвилле примером может служить .

В Великобритании ряд архитекторов активно работают в неоклассическом стиле. Примеры их работы включают две университетские библиотеки: Куинлана Терри Библиотеку Мейтленда Робинсона в Даунинг-колледже компании Robert Adam Architects и Библиотеку Саклера .

См. также [ править ]

Примечания [ править ]

  1. ^ Стивенсон, Ангус (19 августа 2010 г.). Оксфордский словарь английского языка . ISBN  9780199571123 .
  2. ^ Коле, Хуберту. (7 августа 2006 г.). «Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма» . Жак Луи Давид. Новые перспективы.
  3. ^ Болдик, Крис (2015). «Неоклассицизм» . Оксфордский словарь литературных терминов (онлайн-версия) (4-е изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN  9780191783234 .
  4. ^ Грин, Роланд ; и др., ред. (2012). «Неоклассическая поэтика». Принстонская энциклопедия поэзии и поэтики (4-е изд.). Принстон, Нью-Джерси: Издательство Принстонского университета. ISBN  978-0-691-15491-6 .
  5. ^ «Неоклассическая архитектура | Определение, характеристики, примеры и факты | Британника» . www.britanica.com . 01.06.2023 . Проверено 30 июля 2023 г.
  6. ^ «Классика/Классическое возрождение/Неоклассика: путеводитель по архитектурному стилю» . www.architecture.com . Проверено 30 июля 2023 г.
  7. ^ Ирвин, Дэвид Г. (1997). Неоклассицизм A&I (Искусство и идеи) . Файдон Пресс. ISBN  978-0-7148-3369-9 .
  8. ^ Честь, 17–25; Новотного, 21
  9. ^ Повторяющаяся тема в Кларке: 19–23, 58–62, 69, 97–98 (об Энгре); Честь, 187–190; Новотного, 86–87
  10. ^ Lingo, Эстель Сесиль (2007). Франсуа Дюкенуа и греческий идеал . Издательство Йельского университета; Первое издание. стр. 161 . ISBN  978-0-300-12483-5 .
  11. ^ Тэлботт, Пейдж (1995). Классическая Саванна: изобразительное и декоративное искусство, 1800-1840 гг . Издательство Университета Джорджии. п. 6. ISBN  978-0-8203-1793-9 .
  12. ^ Каннингем, Райх, Лоуренс С., Джон Дж. (2009). Культура и ценности: обзор гуманитарных наук . Издательство Уодсворт; 7 выпуск. п. 104. ИСБН  978-0-495-56877-3 . {{cite book}}: CS1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )
  13. ^ Честь, 57–62, 61 цитируется.
  14. ↑ Обе цитаты с первых страниц «Мысли о подражании греческим произведениям в живописи и скульптуре»
  15. ^ «Промышленная история европейских стран» . Европейский маршрут промышленного наследия . Совет Европы . Проверено 2 июня 2021 г.
  16. ^ Норт, Дуглас К.; Томас, Роберт Пол (май 1977 г.). «Первая экономическая революция» . Обзор экономической истории . 30 (2). Уайли от имени Общества экономической истории: 229–230. дои : 10.2307/2595144 . JSTOR   2595144 . Проверено 6 июня 2022 г.
  17. ^ Дайсон, Стивен Л. (2006). В поисках древнего прошлого: история классической археологии девятнадцатого и двадцатого веков . Издательство Йельского университета. стр. XII. ISBN  978-0-300-11097-5 .
  18. ^ Честь, 21
  19. ^ Честь, 11, 23–25.
  20. ^ Честь, 44–46; Новотного, 21
  21. ^ Честь, 43–62.
  22. ^ Фортенберри 2017 , с. 275.
  23. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 413. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  24. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 211. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  25. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Фортенберри 2017 , с. 276.
  26. ^ Робертсон, Хаттон (2022). История искусства – от предыстории до наших дней – глобальный взгляд . Темза и Гудзон. п. 993. ИСБН  978-0-500-02236-8 .
  27. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 251. ИСБН  978-0-2416-2903-1 .
  28. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 59. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  29. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 298. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  30. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 419. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  31. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 270. ИСБН  978-0-2416-2903-1 .
  32. ^ Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 298. ИСБН  978-0-2416-2903-1 .
  33. ^ Кларк, 20 лет (цитата); Честь, 14; изображение картины (справедливости ради, другие работы Менгса более удачны)
  34. ^ Честь, 31–32 (31 цитируется)
  35. ^ Честь, 113–114.
  36. ^ Честь, 14
  37. ^ Новотный, 62.
  38. ^ Новотный, 51–54.
  39. ^ Кларк, 45–58 (цитируется 47–48); Честь, 50–57
  40. ^ Честь, 34–37; Кларк, 21–26 лет; Новотного, 19–22
  41. ^ Новотный, 39–47; Кларк, 97–145; Честь, 187–190
  42. ^ ИСКУССТВО ● Архитектура ● Живопись ● Скульптура ● Графика ● Дизайн . 2011. с. 313. ИСБН  978-1-4454-5585-3 .
  43. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б с Эндрю, Грэм-Диксон (2023). искусство - Полная визуальная история . п. 273. ИСБН  978-0-2416-2903-1 .
  44. ^ Ланейри-Даген, Надейе (2021). История искусства для всех (на французском языке). Хазан. п. 264. ИСБН  978-2-7541-1230-7 .
  45. ^ Ланейри-Даген, Надейе (2021). История искусства для всех (на французском языке). Хазан. п. 265. ИСБН  978-2-7541-1230-7 .
  46. ^ Фортенберри 2017 , с. 278.
  47. ^ Новотный, 378.
  48. ^ Новотный, 378–379.
  49. ^ Чинард, Гилберт, изд., Houdon in America Arno PressNy, 1979, переиздание книги, опубликованной Университетом Джонса Хопкинса, 1930 г.
  50. ^ Новотный, 379–384.
  51. ^ Новотный, 384–385.
  52. ^ Новотный, 388–389.
  53. ^ Новотный, 390–392.
  54. ^ Гердтс, Уильям Х., Американская неоклассическая скульптура: Мраморное воскресение , Viking Press, Нью-Йорк, 1973, стр. 11
  55. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). Архитектура Парижа от истоков до наших дней (на французском языке). Массин. п. 106. ИСБН  978-2-7072-0915-3 .
  56. ^ Палмер, Алиссон Ли. Исторический словарь неоклассического искусства и архитектуры . п. 1.
  57. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Гонтар
  58. ^ Честь, 110–111, цитирование 110.
  59. ↑ Честь, 171–184, цитирование 171.
  60. ^ де Мартин 1925 , с. 11.
  61. ^ Джонс 2014 , с. 276.
  62. ^ де Мартин 1925 , с. 13.
  63. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б с Джонс 2014 , с. 273.
  64. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 65. ИСБН  978-1-84484-899-7 .
  65. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). Архитектура Парижа от истоков до наших дней (на французском языке). Массин. п. 105. ИСБН  978-2-7072-0915-3 .
  66. ^ де Мартин 1925 , с. 17.
  67. ^ «Угловой кабинет — Чикагский институт искусств» .
  68. ^ де Мартин 1925 , с. 61.
  69. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 61. ИСБН  978-1-84484-899-7 .
  70. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 200, 201 и 202.
  71. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 71.
  72. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 72.
  73. ^ «АСТРОНОМИЧЕСКИЕ ЧАСЫ» . madparis.fr . Проверено 23 мая 2021 г.
  74. ^ «Пастушка в салоне мадам Рекамье (ОА 11384–11391) в паре с ОА 11386» . Collections.louvre.fr . Проверено 23 мая 2022 г.
  75. ^ Джонс 2014 , с. 275.
  76. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Хопкинс 2014 , с. 111.
  77. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг . п. 209. ИСБН  978-0-8109-9345-7 .
  78. ^ Одиль, Нувель-Каммерер (2007). Символы власти • Наполеон и искусство ампира • 1800-1815 гг . п. 32. ISBN  978-0-8109-9345-7 .
  79. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 217, 219, 220 и 221.
  80. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 103 и 105.
  81. ^ Испир, Михай (1984). Классицизм в румынском искусстве (на румынском языке). Издательство «Меридиан».
  82. ^ Флоря, Василе (2016). Румынское искусство от истоков до наших дней . Письмо. стр. 296, 297. ISBN.  978-606-33-1053-9 .
  83. ^ Олтеан, Раду (2009). Бухаресту 550 лет со дня первой документированной аттестации 1459–2009 гг. (на румынском языке). АрКуБ. стр. 113. ISBN  978-973-0-07036-1 .
  84. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017 , стр. 65.
  85. ^ Флоря, Василе (2016). Румынское искусство от истоков до наших дней . Письмо. стр. 294, 296, 297. ISBN.  978-606-33-1053-9 .
  86. ^ Лазареску, Кристя и Лазареску 1972 , стр. 67, 68.
  87. ^ «Истоки модернизма в русской архитектуре» . Content.cdlib.org . Проверено 12 февраля 2012 г.
  88. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Хопкинс 2014 , с. 103.
  89. ^ Bailey 2012 , стр. 226.
  90. ^ Фортенберри 2017 , с. 274.
  91. ^ Фартинг, Стивен (2020). ИСКУССТВО История искусства от наскальной живописи до городского искусства (на румынском языке). плохой стр. 260. ISBN  978-606-006-392-6 .
  92. ^ Хопкинс 2014 , с. 104.
  93. ^ «Крытая урна - Художественный музей Кливленда» . 30 октября 2018 года . Проверено 6 мая 2022 г.
  94. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 253, 255 и 256.
  95. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Ходж 2019 , с. 112.
  96. ^ Ходж 2019 , с. 31.
  97. ^ Ирвинг, Марк (2019). 1001 ЗДАНИЕ, которое вы должны увидеть, прежде чем умереть . Кассель иллюстрировал. п. 281. ИСБН  978-1-78840-176-0 .
  98. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 269, 270 и 271.
  99. ^ Тернер, Тернер (2013). Британские сады: история, философия и дизайн, глава 6. Неоклассические сады и пейзажи 1730–1800 гг . Лондон: Рутледж. п. 456. ИСБН  978-0415518789 .
  100. ^ Хант, 244
  101. ^ Хант, 244–245.
  102. ^ Хант, 243
  103. ^ Рифель, 35 лет.
  104. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Джонс 2014 , с. 296.
  105. ^ Хопкинс 2014 , с. 135.
  106. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Критики, Михаэла (2009). Арт-деко или выдержанный модернизм (на румынском и английском языках). СИММЕТРИЯ. стр. 79. ISBN  978-973-1872-03-2 .
  107. ^ «Комод двухстворчатый, средний шкаф» . musee-orsay.fr . Проверено 25 июня 2023 г.
  108. ^ «Весна: Посвящение Жану Гужону» . gulbenkian.pt . Проверено 25 июня 2023 г.
  109. ^ Кадиевич, Александр. «Архитектор Иосиф Найман (1890–1951), Момент 18, Белград, 1990, 100–106» . {{cite journal}}: Для цитирования журнала требуется |journal= ( помощь )
  110. ^ Критики, Михаэла (2009). Арт-деко или выдержанный модернизм (на румынском и английском языках). СИММЕТРИЯ. стр. 81. ISBN  978-973-1872-03-2 .
  111. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Критики, Михаэла (2009). Арт-деко или выдержанный модернизм (на румынском и английском языках). СИММЕТРИЯ. стр. 91. ISBN  978-973-1872-03-2 .
  112. ^ Керл, Джеймс Стивенс (2013). Возрождение Египта: Древний Египет как источник вдохновения для мотивов дизайна на Западе . Рутледж. п. 412. ИСБН  978-1-134-23467-7 .
  113. ^ Войнароски, Кристина (2013). Городская история, Надел и парк Иоаннидов в Бухаресте в европейском контексте (на румынском языке). СИММЕТРИЯ. стр. 216. ISBN  978-973-1872-30-8 .
  114. ^ Критики, Михаэла (2009). Арт-деко или выдержанный модернизм (на румынском и английском языках). СИММЕТРИЯ. стр. 29, 31, 40, 79, 91. ISBN.  978-973-1872-03-2 .
  115. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 880. ИСБН  978-1-52942-030-2 .
  116. ^ Демпси, Эми (2018). Современное искусство . Тэмед и Хадсон. п. 93. ИСБН  978-0-500-29322-5 .
  117. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017 , стр. 72.
  118. ^ Хопкинс 2014 , с. 175.
  119. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Хопкинс 2014 , с. 176.
  120. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017 , стр. 181.
  121. ^ Демпси, Эми (2018). Современное искусство . Тэмед и Хадсон. стр. 92, 93. ISBN.  978-0-500-29322-5 .
  122. ^ Хопкинс 2014 , с. 174, 175, 176.
  123. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. стр. 663, 664. ISBN.  978-1-52942-030-2 .
  124. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 663. ИСБН  978-1-52942-030-2 .
  125. ^ Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 53. ИСБН  978-0-500-51914-1 .
  126. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 121. ИСБН  978-0-500-51914-1 .
  127. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 665. ИСБН  978-1-52942-030-2 .
  128. ^ «Интерьер Вест-Вакер-Драйв, 77 (1992)» . ар.на. ​Проверено 3 сентября 2023 г.
  129. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 77. ИСБН  978-0-500-51914-1 .
  130. ^ Гура, Джудит (2017). Постмодернистский дизайн завершен . Темза и Гудзон. п. 65. ИСБН  978-0-500-51914-1 .
  131. ^ Элеонора Гибсон. «Семь лучших постмодернистских проектов Роберта Вентури» . dezeen.com . Проверено 25 июня 2023 г.
  132. ^ «Форум-магазины в Caesars Palace (1992)» . ар.на. ​Проверено 3 сентября 2023 г.
  133. ^ Jump up to: Перейти обратно: а б Грей, Джордж Т. (2022). Введение в историю архитектуры, искусства и дизайна . Издательство Университета Санвей. п. 265. ИСБН  978-967-5492-24-2 .
  134. ^ «Филипп Старк, пара кресел «Луи Призрак», Kartell. — Буковскис» . smow.com . Проверено 19 июня 2023 г.
  135. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 660. ИСБН  978-1-52942-030-2 .
  136. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. стр. 660, 661, 663. ISBN.  978-1-52942-030-2 .
  137. ^ Уоткин, Дэвид (2022). История западной архитектуры . Лоуренс Кинг. п. 673. ИСБН  978-1-52942-030-2 .
  138. ^ «Архитектура неоклассицизма. Традиционализм. Историзм» .
  139. ^ Премия Дрихауса за новую классическую архитектуру в Нотр-Даме SoA. Архивировано 10 февраля 2017 г. в Wayback Machine . Вместе премия Дрихауса в размере 200 000 долларов и премия Рида в размере 50 000 долларов представляют собой наиболее значительное признание классицизма в современной искусственной среде. ; сохранен 7 марта 2014 г.

Ссылки [ править ]

  • Селак, Мариана; Карабела, Октавиан; Марку-Лападат, Мариус (2017). Архитектура Бухареста – аннотированный путеводитель . Орден Архитекторов Румынии. ISBN  978-973-0-23884-6 .
  • Кларк, Кеннет (1976). Романтическое восстание: романтическое искусство против классического . Омега. ISBN  0-86007-718-7 .
  • Мартин, Генри (1925). Стиль Людовика XVI (на французском языке). Фламмарион.
  • Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей (переработанная ред.). Лондон: Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-7502-6 . Архивировано из оригинала 23 апреля 2021 г. Проверено 23 апреля 2021 г.
  • Гонтар, Кибела (октябрь 2003 г.). «Неоклассицизм» . Нью-Йорк: Метрополитен-музей.
  • Ходж, Сьюзи (2019). Краткая история архитектуры . Издательство Лоуренса Кинга. ISBN  978-1-7862-7370-3 .
  • Хопкинс, Оуэн (2014). Архитектурные стили: наглядное руководство . Лоуренс Кинг. ISBN  978-178067-163-5 .
  • Честь, Хью (1968). Неоклассицизм. Стиль и цивилизация . Пингвин. . Перепечатано в 1977 году.
  • Хант, Линн (1998). «Свобода одежды в революционной Франции». В Мельцере, Сара Э.; Норберг, Кэтрин (ред.). От королевского к республиканскому органу: включение политического во Франции семнадцатого и восемнадцатого веков . Издательство Калифорнийского университета. ISBN  9780520208070 .
  • Джонс, Денна, изд. (2014). Архитектура Вся история . Темза и Гудзон. ISBN  978-0-500-29148-1 .
  • Лазэреску, Цезарь; Кристя, Габриэль; Лазэреску, Елена (1972). Румынская архитектура в фотографиях (на румынском языке). Издательство «Меридиан».
  • Новотный, Фриц . Живопись и скульптура в Европе, 1780–1880 (2-е (перепечатано в 1980 г.) изд.).
  • Рифель, Кэрол Де Добай (2010). Прически: волосы во французской литературе и культуре девятнадцатого века . Университет Делавэра Пресс. ISBN  9780874130997 .

Дальнейшее чтение [ править ]

  • Браун, Кевин (2017). Художник и меценаты: Придворное искусство и революция в Брюсселе в конце старого режима , Датч-Кроссинг, Тейлор и Фрэнсис
  • Эриксен, Свенд. Ранний неоклассицизм во Франции (1974)
  • Фридлендер, Вальтер (1952). От Давида Делакруа (первоначально опубликовано на немецком языке; переиздано в 1980 г.)
  • Громорт, Жорж, со вступительным эссе Ричарда Сэммонса (2001). Элементы классической архитектуры (серия «Классическая Америка» в искусстве и архитектуре)
  • Харрисон, Чарльз; Пол Вуд и Джейсон Гейгер (редакторы) (2000; редакция 2003 г.). Искусство в теории 1648–1815: антология меняющихся идей
  • Хартоп, Кристофер, с предисловием Тима Нокса (2010).
  • Классический идеал: английское серебро, 1760–1840 гг. , обр. кот. Кембридж: Джон Адамсон ISBN   978-0-9524322-9-6 .
  • Ирвин, Дэвид (1966). Английское неоклассическое искусство: исследования вдохновения и вкуса
  • Джонсон, Джеймс Уильям. «Что такое неоклассицизм?» Журнал британских исследований , том. 9, нет. 1, 1969, стр. 49–70. онлайн
  • Розенблюм, Роберт (1967). Трансформации в искусстве конца восемнадцатого века

Внешние ссылки [ править ]

Викискладе есть медиафайлы, связанные с неоклассицизмом .
Retrieved from "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Neoclassicism&oldid=1230142324"
Arc.Ask3.Ru: конец переведенного документа.
Arc.Ask3.Ru
Номер скриншота №: 94351a02b996e3e2f0782ed41c84ba3a__1718911860
URL1:https://arc.ask3.ru/arc/aa/94/3a/94351a02b996e3e2f0782ed41c84ba3a.html
Заголовок, (Title) документа по адресу, URL1:
Neoclassicism - Wikipedia
Данный printscreen веб страницы (снимок веб страницы, скриншот веб страницы), визуально-программная копия документа расположенного по адресу URL1 и сохраненная в файл, имеет: квалифицированную, усовершенствованную (подтверждены: метки времени, валидность сертификата), открепленную ЭЦП (приложена к данному файлу), что может быть использовано для подтверждения содержания и факта существования документа в этот момент времени. Права на данный скриншот принадлежат администрации Ask3.ru, использование в качестве доказательства только с письменного разрешения правообладателя скриншота. Администрация Ask3.ru не несет ответственности за информацию размещенную на данном скриншоте. Права на прочие зарегистрированные элементы любого права, изображенные на снимках принадлежат их владельцам. Качество перевода предоставляется как есть. Любые претензии, иски не могут быть предъявлены. Если вы не согласны с любым пунктом перечисленным выше, вы не можете использовать данный сайт и информация размещенную на нем (сайте/странице), немедленно покиньте данный сайт. В случае нарушения любого пункта перечисленного выше, штраф 55! (Пятьдесят пять факториал, Денежную единицу (имеющую самостоятельную стоимость) можете выбрать самостоятельно, выплаичвается товарами в течение 7 дней с момента нарушения.)