Живопись в Древнем Риме

Наказание Иксиона, Дом Веттиев , Помпеи

Живопись в Древнем Риме — до сих пор малоизученная тема в истории живописи , так как ее изучение затруднено нехваткой реликвий. Многое из того, что мы знаем сегодня о римской живописи, связано с природной трагедией. Когда в 79 году нашей эры произошло извержение вулкана Везувий , оно похоронило два процветающих города: Помпеи и Геркуланум . Большая часть населения погибла, но здания частично сохранились под пеплом и застывшей лавой , а вместе с ними и их декоративные настенные росписи . Изучив эту сохранившуюся коллекцию, удалось составить весьма впечатляющую панораму плодородной и разнообразной художественной жизни Древнего Рима между концом Республики и началом Империи , но на самом деле эта совокупность произведений представляет собой лишь крошечная часть огромного количества живописи, созданной на всей римской территории в течение ее долгой истории, и именно потому, что эта часть очень богата, утрата более значительных и обильных свидетельств более ранних и более поздних периодов, выполненных в иных техниках, чем фреска и из других романизированных регионов, кроме Кампании, вызывают сожаление.

Рим с момента своего основания был заядлым потребителем и производителем произведений искусства . Начав свою историю под властью этрусков , он развил искусство, которое во многом было обязано им, которое, в свою очередь, было производным от архаического греческого искусства . Как только оно обрело независимость, оно вступило в прямой контакт с эллинистически-классической греческой культурой и начало ассимилировать ее принципы во всех областях искусства, включая живопись. Стало обычным копировать известные произведения и варьировать греческие техники и темы, и, по имеющимся данным, производство было огромным, равно как и импорт оригиналов, а греческие картины стали очень желанной добычей после военных завоеваний. Из-за этой преемственности многое из того, что мы знаем о греческой живописи, обязано Риму, поскольку на его собственной территории сохранилось не более горстки оригиналов этой культуры. Однако то, что импортировалось или производилось римлянами в подражание грекам, также было почти полностью утеряно, как и их оригинальное производство. Мы все еще можем видеть некоторые редкие и фрагментарные фрески, разбросанные по всей территории, ранее находившейся под властью римлян, но если бы не сохранение в таком хорошем состоянии Помпеи и Геркуланума, чьи фрески многочисленны и высокого качества, то представление, которое мы имеем сегодня о живопись как Древней Греции, так и самого Древнего Рима должна была бы основываться почти исключительно на литературных описаниях.

Римская живопись оказала значительное влияние на эволюцию западной живописи. Его традиция возрождалась в различные моменты истории на протяжении многих столетий, будучи особенно важной в зарождении палеохристианского , византийского и романского искусства и внося большой вклад художникам эпохи Возрождения , неоклассицизма и романтизма . Сегодня изучение римской живописи все еще продолжается; на эту тему опубликовано несколько книг и статей, но в сборнике о римском мире, опубликованном в 2001 году Оксфордским университетом, (1991) считается «Римская живопись» Роджера Линга единственным доступным обширным и серьезным исследованием, написанным в соответствии с современными критериями, и так много еще предстоит раскрыть и понять. с точки зрения использования и значения. Однако увеличение количества археологических раскопок и совершенствование аналитических методов обещают принести больше данных в область, представляющую большой художественный, исторический и социальный интерес.

Происхождение: Этрурия и Греция.

Смотрите также: этрусское искусство

Римская фреска из гробницы Эсквилино, ок. 300-280 гг. до н.э.

Как и другие искусства, искусство живописи в Древнем Риме во многом обязано своим греческим предшественникам. В архаические времена, когда Рим все еще находился под влиянием этрусков , римская живопись мало чем отличалась от фресковой живописи этого народа, развившего линейный стиль, усвоенный непосредственно от ионийских греков архаического периода , показывающий сцены из греческой мифологии , повседневной жизни. , похоронные игры , сцены банкета с музыкантами и танцорами, животными, а также цветочным и абстрактным декором. Хотя римляне в то время не хоронили своих умерших, а кремировали их, этрусский стиль росписи гробниц, должно быть, определял украшение римских храмов и общественных зданий. Несмотря на основание республики в конце VI века до нашей эры, этрусскому наследию удалось сохраниться еще некоторое время, особенно благодаря унаследованной тенденции использовать искусство в политических целях. Остальные примеры взяты из погребального контекста, найденного в гробницах в Капаччо Пестум , Орвието , Тарквинии. , Черветери и других городах, но качество у них в целом посредственное.

С V века до нашей эры афинский в Греции стал преобладать классический стиль. Живопись совершенствовалась и достигла своего апогея, развив все технические средства и тематический спектр, который римляне будут продвигать вперед, внося свой вклад в полученную традицию. Именно в это время работали самые знаменитые мастера древнегреческой живописи, среди них Апеллес и Зевксис , чья слава родилась благодаря их способности изображать перспективу и создавать впечатление трехмерности сцен, а также эффектному натурализму их произведений. цифры. Его работы, часто рисующие на переносных деревянных панелях, распространились по всей территории греческого влияния и стали известны в Риме. Наиболее частые темы были взяты из мифологии, затем следовали портреты и аллегории . Реже, хотя и не редко, встречались пейзажи, эротические сцены и натюрморты.

Между 4-м и 3-м веками до нашей эры римляне окончательно отказались от этрусского наследия, и их интерес обратился к классическому греческому и эллинистическому искусству благодаря контактам с греческими колониями в Великой Греции . Этот контакт происходил, в частности, через военные кампании, и греческие произведения искусства стали желанными военными ботинками. По мере того как престиж греческого искусства укреплялся в Риме, художники также начали мигрировать туда в поисках щедрого римского покровительства и адаптироваться к требованиям местного вкуса. Были сформированы большие частные коллекции, которые содержались патрициями, которые, не колеблясь, тратили состояния на приобретение новых произведений искусства, когда они не могли просто конфисковать их у господствующих народов. Плиний Старший говорит, что Агриппа заплатил 1,2 миллиона сестерциев за две картины, изображающие Аякса Великого и Венеру . Среди жанров, которые стали предпочтительными для украшения дома и гробниц, были пейзажи, архитектура, абстрактные или цветочные композиции. Классические итальянские гробницы находятся в Кьюзи , важном коммерческом центре этого периода, а их росписи на гробницах демонстрируют достижения в технике затенения и трехмерных эффектов. Учитывая почти полную утрату греческой коллекции, то, что мы можем знать о его живописи сегодня, связано с древними литературными описаниями и их отголосками в вазах и мозаиках, но, поскольку эти методы не точно передают фрески и панно греков, они главным образом римляне, прямые наследники своей традиции, завещавшие потомкам более широкий взгляд на древнегреческую живопись.

• 
  Троил и Ахиллес, этрусские. Гробница быков, Тарквиния , VI век до н.э.
• 
  Музыканты, этруски. Гробница леопардов, Пестум , V век до н.э.
• 
  Похищение Персефоны , греч. Царская гробница, Вергина, IV век до нашей эры.

Эволюция и стили

Основные статьи: римское искусство и помпейские стили

При переходе от Республики к Империи римская живопись уже укрепилась и выработала собственный стиль, отойдя от греко-эллинистического канона. фрагмент фрески, найденный в гробнице на Эсквилинском холме Из картин, написанных в Республике, практически все было утеряно, за исключением нескольких примеров, из которых часто цитируется . Именно ансамбль Помпеи и Геркуланума , написанный в основном уже во времена империи Августа , послужил основой для установления разделения римской живописи на четыре периода или стиля, экстраполируя концепции, несколько смехотворно, оттуда на остальную романизированную территорию. . Известно, что стиль метрополии встретил большое сопротивление при внедрении в некоторых точках Востока и даже в большей степени в Северной Африке , где ничего существенного обнаружено не было. Несмотря на это, Линг считает, что этот критерий остается в силе, поскольку, по его словам, свидетельства, которые стали известны в других областях Италии, помимо Кампании и Лацио , а также в отдаленных провинциях, показывают, что мода мегаполиса рано или поздно ассимилировалась региональной модой. центры на большей части территории империи. Это деление было определено немецким археологом Августа Мау в 19 веке, и сегодня оно до сих пор принимается более или менее консенсусом. Следует, однако, отметить, что особенно Третий и Четвертый стили являются предметом многочисленных споров среди историков искусства, поскольку их характеристики в некоторой степени являются общими, что делает идентификацию примеров запутанной и подверженной индивидуальным интерпретациям. Проблема еще больше усложняется восстановлением архаизмов и совпадением тенденций на поздних стадиях.

Среди живописцев до наших дней дошли немногие имена. Древняя библиография называет греков Горгаса и Дамофила первыми известными авторами, написавшими картины в Италии. Гай Фабий Пиктор , чуть позже, прославился как исторический художник и первый римский художник, чьи исторические записи, поддерживаемые Марком Пакувием , Серапионом и Мефодором, находились на этапе, когда элита еще могла профессионально посвятить себя искусству без позора. Начиная со 2-го века до нашей эры, профессиональная живопись была отнесена к низшим классам и рабам, и среди них выделялись Сополис, Дионисий, Глатий и его сын Аристипп, Тиммах Византийский и Антиох Габин. В Империи были знамениты Студия, Эхион , Луций и Фамул. Ни одно из сохранившихся произведений нельзя с уверенностью отнести ни к одному из них, за исключением, возможно, случая Фамула, которого называют автором убранства дворцов Нерона. Традиционные произведения не были подписаны, но некоторые экземпляры носят неясные названия, которые в литературных источниках не упоминались как знаменитые в свое время. Однако некоторые художественные личности определяются современными исследованиями по определенным группам произведений, которые, кажется, вышли из одной руки, даже если их имена неизвестны и они изучаются через прозвища, взятые из приписываемых им наиболее важных картин. такие как «Художник Телефа», «Художник Адмета», «Художник раненого Адониса» и так далее. Находки римских картин в последнее время умножились в связи с прогрессом археологических исследований: несколько примеров были обнаружены в местах, удаленных от столицы, таких как Германия , Венгрия , Франция , Португалия и Азия , и данные указывают на то, что их использование было широко распространено как в чисто декоративных, так и в частных, а также в общественных целях.

Первый стиль

Деталь фрески в примитивном Первом стиле. Помпеи

Деталь фрески на вилле ди Арианна в позднем или переходном первом стиле. Кастелламмаре-ди-Стабия

Первый стиль, также называемый каменной кладкой или инкрустацией, названный в честь ракок , каменных бляшек покрытия, существовал со 2-го века до нашей эры до 80 года нашей эры и по своей сути является абстрактным. Его происхождение неясно, но, по-видимому, оно произошло от росписи, использовавшейся для украшения греческих храмов и алтарей, и было адаптировано для украшения жилищ по всему Средиземноморью к концу 4-го века до нашей эры. Хорошие примеры сохранились на юге России , Ближний Восток , Сицилия , Франция , Испания , Карфаген и Египет . Для него характерна имитация эффекта каменной кладки с нанесением ярких цветов на штукатурку, разделенную рельефом на квадратные участки, имитирующие каменные блоки, их цвета и текстуры. Поскольку в римских домах было мало окон, выходящих наружу, внутренние стены, как правило, были сплошными, и Первый стиль стремится подчеркнуть это единство, создавая интегрированную среду. По мнению Джона Кларка, зависимость визуальной эффективности этого стиля от рельефа поверхности делает его скорее областью архитектурного декора, чем самой живописи.

Со временем были добавлены фризы, украшенные цветочными узорами, арабесками и человеческими фигурами, а также другие архитектурные элементы, такие как имитация колонн и карнизов . Ко времени I века до нашей эры этот тип украшения уже приобрел на римской территории сложность и изысканность, значительно отличавшую его от греческих прототипов. Цветовые области перестали подчиняться рисунку рельефа, выходя за его границы и создавая интересные иллюзионистские эффекты. Интерес к цветовым сочетаниям способствует все большему отделению стиля от его структурного происхождения, используя оттенки, никогда не встречающиеся в настоящем камне, и преимущественно декоративные геометрические узоры, которые подрывают логику архитектуры, что приводит к формированию Второго стиля.

Второй стиль

Фреска в доме Публия Фанния Синистора в Боскореале

Вилла де Оплонтис , Торре Аннунциата

Второй стиль, называемый архитектурным, процветал относительно быстро по сравнению с первым, около 80 г. до н. э., хотя примеры-предшественники датируются третьим веком до н. э. и распространены в обширном регионе от Этрурии до Малой Азии , где он использовался в эллинистических дворцах для демонстрации богатства. из великих личностей. Его первый итальянский образец находится в «Доме грифонов» в Риме, и его внешний вид соответствует вкусу к показухе того периода. Иллюзии Тромплёй становятся более эффектными и разнообразными, с умножением моделируемых архитектурных элементов, таких как колоннады , архитравы , балюстрады , молдинги , окна и фризы , а также появляются более детальные и сложные геометрические узоры. Единый, цельный эффект стен Первого стиля растворяется, и комнаты кажутся открытыми наружу, открывая вид на городские пейзажи и сады, что свидетельствует об очень правильном использовании перспективы, чтобы создать впечатление трехмерности и разместить визуальные углубления в углах комнат. . Начинают развиваться и тематические декоративные схемы, основанные на дифференцированном использовании пространств. Большие залы для общественных встреч и трапез украшены предпочтительными осями обзора, которые образуют сложные сцены, предназначенные для создания иерархически организованного визуального сценария, обычно с централизованной главной сценой, которая разворачивается во второстепенные сцены в менее заметных частях. По мере развития стиля около 60 г. до н. э. этот программный план получил дальнейшее развитие. Со вторым стилем римская живопись начала свою зрелую фазу, развивая оригинальные технические, эстетические и символические ресурсы.

Живопись второго стиля требовала интеграции работы архитектора и декоратора, поскольку широкое использование нарисованной перспективы могло свести на нет или умалить эффект реальной архитектуры. Художник должен был знать, как обращаться с большим репертуаром техник, чтобы создать убедительную иллюзию на больших панно, покрывающих целые комнаты в единой схеме, а также он должен был знать средства живописного изображения самых разных материалов и неодушевленных предметов. , в том числе каменные и бронзовые вазы, театральные маски, фонтаны, позолоченные украшения и стеклянные предметы. Дизайн был разработан в меньшем масштабе на бумаге, а затем перенесен на стены с помощью системы сеток, разделяющей рисунок на части и облегчающей его увеличение.

представитель второго стиля, хотя и нетипичный по доминирующему присутствию человеческой фигуры, находится в триклинии Виллы Знаменитый Мистерий в Помпеях, замечательной серии сцен с людьми в натуральном масштабе на фоне архитектурной панорамы, напоминающей театральная ​ декорация ​ . Сцены имеют противоречивую интерпретацию, возможно, они изображают обряды посвящения в Мистерии Диониса и/или брачные таинства . Хотя это и сильно фигуративно, архитектурное влияние, напоминающее более ранний стиль, проявляется в самой статуарной моделировке фигур с надежным и качественным, но несколько жестким дизайном, подчеркивающим их монументальный и рационально организованный характер. Ансамбль наполнен энергией ярких красок и разнообразия позиций фигур.

Поздняя фаза второго стиля, начиная с ок. 40-30 гг. до н. э., переходит к упрощению, избегая показной роскоши в пользу более сдержанной обстановки, соответствуя строгости правления Августа , не без протеста некоторых, таких как Витрувий , который сожалел о замене более ранней солидной архитектуры более элегантной. и более легкие модели, которые включают в себя формы фигур животных, растений и людей, а также арабески, доспехи и орнаменты абстрактного, миниатюрного и причудливого характера. что предполагает восточное влияние. Фрески Виллы Фарнезина и Виллы Ливии в Риме являются одними из последних образцов второго стиля, уже находящегося в переходе к следующему этапу.

Посвящение в культ Деметры , фреска с Виллы Мистерий, Помпеи.

Третий стиль

Третий стиль, или орнаментальный, представляет собой продолжение Второго в более свободной и богато украшенной, более легкой и менее помпезной версии. Его основные составляющие элементы отражают эклектизм, общий для всего искусства периода Августа , и включают тенденцию к классицизму, склонность к копированию или заимствованию у древнегреческих и эллинистических авторов, влияние египетского искусства и расцвет пейзажного жанра. Перспективные сцены больше не «пробивают» стены; эффект глубины сглаживается, давая лишь незначительное виртуальное расширение фактического пространства комнаты. Распространяются мелкие детали и египетские мотивы, посвященные триумфам Августа и Агриппы в Египте, появляются темные цвета (некоторые помещения полностью черные) и развивается металингвистический прием изображения картин внутри картин. Его первые примеры датируются ок. 15 г. до н. э., находятся в пирамиде-гробнице Гая Цестия в Риме, хотя они не отличаются высоким качеством. Гораздо более высокие образцы находятся на вилле, возможно, принадлежавшей Агриппе Постуму в Боскотреказе , недалеко от Помпеи , но их датировка не определена и может быть сделана много лет спустя. Фон Бланкенхаген считает фрески Фарнезины основополагающим ориентиром третьего стиля, датируя их ок. 19 г. до н.э., но его выводы противоречивы.

Минимизация важности архитектурной перспективы в этот период позволила художникам разделить труд - мастера отвечали за пейзажные сцены, а за архитектурные рамы отвечали подчиненные помощники, что также отражалось на зарплате, которую каждый получал. Париетарам ( parietarii ), художникам рам, платили половину того, что зарабатывали воображатели ( imaginarii ), создатели пейзажных сцен и фигур. Имаджинарии должны были овладеть еще более широким тематическим спектром, чем художники второго стиля, и должны были быть в состоянии воссоздать исторические декорации разных эпох и изображать человеческие фигуры в самых разных целях. Живопись приобрела главенствующую роль в оформлении интерьера. Если раньше на полу рисовали сложную фигурную и полихромную мозаику , которая визуально конкурировала с теменной росписью и мало иерархически разграничивала разные поверхности помещения, то теперь внимание сосредоточилось на сценах, нарисованных на потолках и стенах, а полы стали украшенные простыми геометрическими узорами в черно-белых или сдержанных цветах, которые служили зрительной зоной отдыха и направляли взгляд вверх, а не вниз. С другой стороны, зрителю больше не нужно было воспринимать все сразу, как ожидалось в предыдущий период, и он мог наслаждаться этим в постепенном маршруте, как если бы он прогуливался по галерее картин в рамках, хотя сами кадры были все еще вымышленный, нарисованный прямо на стене. Символика, окружающая обладательницу элегантного Вилла тоже менялась, и тогда предполагалось показать его как культурного и сдержанного ценителя искусства, а не как патриция-эксгибициониста позднереспубликанского периода.

В этот период работал художник Студий, которого Плиний считал создателем пейзажного жанра декора — хотя данные, выявленные в ходе недавних исследований, свидетельствуют о том, что этот жанр культивировался раньше. В любом случае его влияние было огромным, и Витрувий также высоко ценил его. К этому времени театр также быстро набирал популярность, и можно встретить множество композиций, изображающих актеров на сцене, а также множились темы народной жизни. Третий стиль процветал до ок. 25 г. н. э., когда начался примерно двадцатилетний переход к четвертому стилю. В этом интервале уплощенная перспектива снова уступила место более поразительной иллюзии глубины. Сцены были сведены к небольшим централизованным панно, обрамленным элементами причудливой, даже экстравагантной и иррациональной архитектуры, разделенными на отдельные области, обогащенные новыми мотивами - венками , канделябрами , тирсами - разработанными в линейной обработке с большим вниманием к деталям. Также важным в Третьем стиле было подтверждение человеческой фигуры, которая на следующем этапе будет тщательно исследована.

• 
  Фреска на вилле делла Фарнезина в Риме. Второй стиль переходит в третий
• 
  Императорская вилла, Боскотреказе
• 
  Садовая комната: древнеримская фреска из Дома Золотого браслета, Помпеи
• 
  Вилла Агриппы Постума , Боскотреказе
• 
  Европа верхом на быке, фреска Помпеи, Национальный археологический музей Неаполя.

• 
  Сцена из спектакля «Одиссея», Вилла ди Виа Грациоза на Эсквилинском холме, Рим.
• 
  Черная комната виллы делла Фарнезина , Рим.
• 
  Дидона и Эней, Дом Кифариста, Помпеи.
• 
  Дом Лукреция Фронто, Помпеи. Третий поздний стиль

Четвертый стиль

Наконец, Четвертый стиль появился около 45 г. до н.э., и его, даже в большей степени, чем его предшественник, можно определить только через слово «эклектизм», восстанавливая элементы предыдущих стилей и развивая их в новых конфигурациях. Некоторые из его наиболее очевидных общих характеристик — склонность к более асимметричным композициям, тенденция к использованию более теплых и ярких цветов, а также большая изысканность, разнообразие и свобода в орнаментах. Помимо этого, фигуры стали более оживленными, техника мазка стала более свободной, с интенсивным использованием штрихов для теней и объемов, приближающихся к пуантилистическим эффектам, а также живописной имитацией гобеленов за счет использования больших участков одного цвета, с популярны декоративные бордюры и полосы. Линг описал Четвертый стиль как менее дисциплинированный и более причудливый, чем его предшественники, в своих лучших проявлениях деликатный и ослепительный, но в неумелых руках он мог стать беспорядочным и перегруженным. Это стиль, от которого у нас имеется наибольшее количество реликвий, и именно из-за обилия свидетельств эту фазу мы можем лучше всего изучить, но ее эволюцию трудно прояснить из-за ее неоднородности. Некоторые из первых примеров Четвертого стиля, все еще переходного от Третьего, можно увидеть в Доме Тосканской колоннады и в Доме Лукреция Фронто в Геркулануме , а также в Доме Зеркала и Доме Менандра, в Помпеях . Также заслуживают внимания украшения Дома Нептуна, Дома Золотых Амуров, Дома Влюбленных, Императорской виллы и Дома Веттиев в Помпеях, базилики в Геркулануме и Золотого дома в Риме.

Свадьба Зефира и Хлорисы, Дом Навильо, Помпеи.

Дом Веттиев , Помпеи.

Также во время Четвертого стиля произошло увеличение живописного оформления потолков с гораздо более широким разнообразием пластических решений, гораздо более причудливых, чем в предыдущие фазы, но с преобладанием централизованных схем, распространявшихся концентрическими узорами, и с большей интеграция живописи и лепных рельефов . Джон Кларк предложил подразделить эту фазу на четыре основных способа выражения - гобелен, равнина, театральный или сценографический и барокко - вместо описания через хронологию, поскольку несколько тенденций сосуществуют. Но разнообразие решений очень велико, и это подразделение не является единодушным среди исследователей, многие из них предпочитают избегать строгих разграничений в контексте, характеризующемся множественностью. Тем не менее, краткое описание этих типов может пролить дополнительный свет на понимание полиморфного Четвертого стиля.

• Тип «Гобелен» появился раньше остальных примерно на десятилетие, а затем слился с остальными. Его название происходит от имитации эффекта гобелена , который стал модой в оформлении интерьера, путем создания областей, независимых друг от друга, а также бордюров и полос, имитирующих челку и парчу. Изменилась и цветовая гамма: разнообразилась палитра и снова стали доминирующими яркие, светлые тона.
• Режим Plana подчеркивает двухмерность стены, чередуя поверхности чистого цвета с другими, отображающими сцены в ограниченных областях, а его эффект основан на контрастах. Этот способ обычно встречается в менее роскошных домах, он был проще и дешевле, но опытный мастер мог произвести с его помощью впечатление замечательной элегантности очень краткими средствами.
• Сценографический режим был связан с Нероном , чей вкус к захватывающим новинкам и театру привел к развитию декораций на основе театральных декораций. Такими картинами были украшены его Переходный дом ( Domus Transitoria ) и Золотой дом ( Domus Aurea ), два богатых дворца, построенные им. Когда руины Золотого дома были вновь открыты во времена Возрождения , его украшение произвело немедленный и электризующий эффект. Многие важные художники того времени, такие как Рафаэль , Микеланджело , Гирландайо. Хемскерк бросились туда, чтобы увидеть то , и Липпи что считалось настоящим откровением, многие из них оставляли свои автографы на стенах. Поскольку руины были погребены под землей, их сначала приняли за часть искусственного грота ( grotta , по-итальянски), и по этой причине его декоративные панели, экстравагантные и в то же время изящные, получили название гротескные ( grottesche ). , которые стали лихорадкой эпохи Возрождения и им копировали для украшения дворцов во многих странах. Фамула считают изобретателем сценографического способа, а Плиний еще раз сообщает нам интересную информацию:

Совсем недавно жил Фамул, человек серьезный и серьезный, но художник в цветистом стиле. У этого художника есть Минерва , которая выглядит всегда смотрящей на зрителя, с какой бы точки ни смотреть. Он рисует всего несколько часов в день, и то с большой серьезностью, поскольку всегда носит халат, даже в разгар своих обязанностей. Позолоченный дворец Нерона был тюрьмой произведений этого художника, и поэтому мало что можно увидеть где-либо еще.

• Стиль барокко, как следует из этого слова, демонстрирует большое изобилие и жизненную силу, а обработка фигур имеет тенденцию быть драматичной, с техникой большой свободы в мазке кисти, которая предполагает частое использование пунктирной линии для создания эффекта светотени и светотени. объем и тщательное смешивание цветов. Сцены в базилике Геркуланума, доме Навильо в Помпеях и комнатах Пенфея и Иксиона в доме Вециоса являются хорошими примерами этой тенденции.
• 
  Акт любви, Дом столетия, Помпеи
• 
  Муса, приют сульпицианцев ( Hospitium dei Sulpicii ), Помпеи
• 
  Дом Веттиев , Помпеи.
• 
  Базилика Геркуланума
• 
  Пан и Гермафродит , фреска в Помпеях, Национальный археологический музей Неаполя.

• 
  Золотой дом , Рим
• 
  Пенфей, Дом Веттиев , Помпеи.
• 
  Натюрморт с яйцами, птицами и бронзовой посудой, Помпея
• 
  Тесей освобождает детей от Минотавра , Национальный археологический музей Неаполя.

Отдельные жанры

Портреты

См. Также: Портреты Фаюмской мумии.

Портреты заслуживают отдельного комментария, поскольку они были важным элементом римской религиозной и общественной системы. Обычай изображать умерших имел давнюю традицию. В очагах резиденций, в священных местах изображения предков устанавливались как вечная дань уважения, а в процессиях, организованных элитой, на видном месте появлялись семейные портреты, чтобы подтвердить их патрицианское происхождение. Эти изображения могли быть вылеплены в виде бюстов или голов, вылеплены из воска или терракоты в виде погребальных масок или нарисованы на медальонах и щитах и ​​использованы для представления подробной физиогномической характеристики, заставляя поверить, что это были верные портреты. Когда использование погребений получило широкое распространение, заменив кремации умерших, этот тип изображения стал частью и погребального контекста.

Траурный портрет мужчины с бородой. Фаюм

Использование портретной живописи было характерно не только для римлян, со времен эллинизма оно стало обычным явлением по всему Средиземноморью не только как напоминание об умерших, но и как подношение богам и как восхваление живых, особенно императоров, полководцев и других людей. личности. Но обычные граждане также могли увековечить свои лица на портрете, поскольку техника живописи была относительно недорогой, в отличие от скульптуры. Однако ко времени Плиния мемориальные практики начали терять силу в метрополии, хотя в провинциях они еще сохранились. Рисованные портреты, найденные в Италии, встречаются крайне редко. Некоторые из них сохранились в Помпеях и Геркулануме , но самая большая и важная коллекция произведений этого жанра была обнаружена в Римском Египте группа портретов Файума . , особенно известна Часть этой группы, насчитывающей около тысячи произведений, демонстрирует замечательный натурализм, и большинство из них датируются I-III веком нашей эры и выполнены энкаустикой или темперой. Портреты там были связаны с мумификацией и помещались на лица умерших наподобие погребальных масок, внутри саркофагов .

Пейзажи и архитектура

Фрагмент пейзажа виллы Ливии, Рим.

более детальное рассмотрение жанра пейзажа, который значительно процветал среди римлян со времен правления Августа Из-за его важности для западной живописи по сей день уместно также . У римлян, по-видимому, не было желания воспроизводить какой-либо реальный пейзаж, а скорее они собирали элементы различных панорам, чтобы составить причудливые и недифференцированные сцены. Иногда считается, что пейзажи были продуктом александрийского искусства, вдохновленным буколической поэзией Феокрита и родственных ему поэтов, но никаких примеров из этого региона не обнаружено, и все наводит на мысль, что это коренной итальянский жанр, хотя, возможно, под влиянием эллинистических традиций. Ранее упоминалось, что изобретателем жанра была Студия, как Плиний Старший утверждает :

Сакро-идиллический пейзаж на вилле Боскотреказе

Именно он первым ввел эту восхитительнейшую технику росписи стен с изображением вилл , портиков и ландшафтных садов, лесов, гор, озер, каналов, рек, береговых линий - собственно, всего, чего только можно пожелать, а также многих изображения людей внутри них, идущих или плывущих, или, вернувшись на сушу, прибывающих на виллы на ослах или в колесницах, а также ловящих рыбу, охотящихся или даже пашущих землю и собирающих виноград (...) и многие другие подобные живые темы, свидетельствующие о живом таланте. Этот художник также начал рисовать изображения приморских городов под аркадами общественных галерей, создавая таким образом восхитительные виды с минимальными затратами.

Но некоторые эксперты не верят, что утверждение Плиниана полностью верно, поскольку недавние исследования указывают на важные примеры пейзажей-предшественников, такие как Сад Ливии, нарисованный на ее римской вилле , который, по мнению Бордмана, Гриффина и Мюррея, не может быть связан с Studio, но не исключено, что он придал новаторскую черту уже существовавшей традиции. Это кажется очевидным, учитывая предпочтение римлянами имперского периода изображениям природы, где она была подчинена, упорядочена и украшена человеческим духом, проявляясь живописно в форме взаимопроникновения сложной архитектуры и формальных культивируемых садов. Эта ассоциация уже была обнаружена у греков, которые использовали природу в декоративных целях (как пресловутый случай со стилизованным листом аканта на коринфских капителях ), а также была традицией на Ближнем Востоке , чьи садоводческие практики подражали римлянам и римлянам. были, по мнению Вокша, подчинены рациональным архитектурным соображениям. Это также соответствовало идеологической программе времени Августа, которая стремилась выразить идею о том, что римляне того времени жили в мире, управляемом божественной волей, где преобладал порядок, порядок, который сохранялся на земле обожествленным императором. . Многие из этих пейзажей обычно называют «сакро-идиллическими», потому что они изображают святилище или священный памятник, вокруг которого собираются различные группы персонажей, на фоне ясных поэтических и запоминающихся качеств.

Триумфальные картины

Снова Плиний рассказывает нам о практике триумфальной живописи в имперский период, изображая эпизоды сражений, триумфальные шествия после военных побед и карты, которые изображались для выделения ключевых моментов походов. По его словам, иллюзионистский эффект картин был настолько эффективен, что фактически обманул публику. Тит Флавий Иосиф описывает пример триумфальной картины, выполненной по случаю разграбления Иерусалима Веспасианом . и Титом , говоря, что «там был изображен даже поджигаемый храм и дома, падающие на своих владельцев

Народная живопись

Народная живопись Остии Антики

Приведенное описание четырех стилей живописи сообщает о развитии великой традиции, унаследованной от греков и эллинистов, носящей научный характер, но особенно в районе Везувия сохранилось множество примеров, которые необходимо изучать в контексте народной культуры . В основном они посвящены местной тематике, с эпизодами из реальной жизни населения в его повседневных делах, другие показывают шествия, культовые сцены и изображения богов, третьи, очевидно, выполняли функцию рекламных щитов магазинов и мастерских. Эта разнородная коллекция часто имеет грубые черты, а внутреннее единство ее слабое, но нередки образы, наделенные очарованием и очень интересными наивными качествами, а также являющиеся достоверными выражениями голоса народа. По этой причине они имеют огромную ценность для понимания римской жизни в целом.

Материалы и техники

См. также: Фреска , Энкаустика и Темпера.

Портрет в энкаустике, Египет.

Материалы, используемые римлянами, зависели от жанра картины. Опоры были из дерева, ткани ( льна ) и слоновой кости для переносных панелей, а также из камня и лепнины для настенной живописи. Для Плиния истинной живописью была живопись, выполненная на деревянных панелях, и он сожалел, что этот жанр в его время вышел из употребления, чтобы удовлетворить показные модные требования элиты, предпочитавшей париетальные фрески . Пигменты . обычно получали из минералов, растительных и животных эссенций Однако подробные сведения о технике настенной живописи своих сочинениях Плиния мы имеем лишь в и Витрувия . Витрувий подробно писал о методах подготовки стен и упомянул, что можно получить семь чистых цветов из измельченных минералов и девять сложных цветов, также минерального происхождения, в результате сложного процесса подготовки. Различные оттенки черного цвета достигались путем обжига смол , животных жиров, костей или дерева, а знаменитый и дорогостоящий пурпур был продуктом определенных видов моллюсков . Небесно-голубой получали путем смешивания некоторых металлов и измельченного и обожженного стекла. Некоторые процедуры можно использовать для увеличения блеска или прозрачности цветов после их высыхания, например, нанесение смесей воска и масла с последующей полировкой тряпками, пропитанными свечным пеплом, для окончательной отделки.

Собрание Богов, Озарение по-римски Вергилий ( Vergilius Romanus )

Если художник использовал настоящую технику фрески, когда пигмент наносился непосредственно на свежую штукатурную основу, цвета ограничивались химической реакцией материалов друг с другом. Таким образом, можно было безопасно использовать только четыре оттенка — желтый, черный, белый и красный (образец, закрепленный греками), которые были постоянными, в то время как другие цвета имели неопределенную долговечность. Тем не менее, Витрувий учил, как добавлять дополнительные цвета после высыхания, рисуя энкаустику по основе фрески. Плиний, с другой стороны, подробно сообщил о нескольких способах получения широкого спектра градаций всего лишь с помощью четырех основных цветов путем использования последовательных велюров с разными оттенками. Но остается еще несколько аспектов римской техники настенной росписи, которые еще не раскрыты.

Другая техника, которую можно изучить более внимательно, — это энкаустика, которую можно наносить на стену или дерево. Лучшими примерами являются портреты на дереве, найденные в Египте. В энкаустике для фиксации пигмента используется воск , и художник должен обладать большой ловкостью и уверенностью в своих мазках, поскольку он должен работать быстро, пока воск горячий и жидкий. Поэтому мазки кисти остаются очень заметными, а цвета яркими, что позволяет создавать образы большой чувствительности, поэзии и живости.

Плиний говорит и о картинах на холсте, приводя в пример огромный портрет императора Нерона высотой 120 футов (ок. 36 м), разрушенный молнией, но не приводит дальнейших подробностей. Он во многих местах ссылается на другие переносные произведения, но не описывает их технику. Наконец, делается ссылка на иллюстрации рукописей , известные как иллюминированные рукописи . Эта практика нанесения пигментов (обычно в технике темперы ) на пергамент была широко распространена уже в позднем эллинизме. В Риме известны примеры с I века, появившиеся в книге vel de imaginibus Hebdomades Марка Теренция Варрона . Другой относится к V или VI веку и представляет собой копию « Илиады» , но его стиль предполагает вдохновение из более древних источников. Сохранились две копии произведений Вергилия V века с иллюстрациями. Что касается христианского текста, то единственным известным ранним примером до распада империи является Кведлимбургской Италы фрагмент , от которого остался только один фрагмент.

Композиция, копирование и изобретение

Геркулес и Телефос. Базилика Геркуланума

В композиции настенных росписей римляне проявили ту же эклектическую склонность, которую они проявляли и в других искусствах. Из большого репертуара фигур и мотивов, оставленных греками и эллинистами, они смело копировали готовые формальные элементы из различных источников для создания новой композиции или видоизменяли их по своему желанию, чтобы удовлетворить вкус своих покровителей. и это придает им зачастую единый характер, что особенно заметно в Третьем и Четвертом стилях. Таким образом, их общий стиль имеет тенденцию быть непоследовательным и фрагментарным, с обилием цитат других авторов и малой заботой о мощном композиционном единстве. Картина «Геркулес и Телеф» в базилике Геркуланума часто приводится как превосходный пример этой характеристики. Можно также найти несколько примеров сцен, которые, очевидно, основаны на одной и той же модели, но со значительными различиями между ними и с разными областями, получающими совершенно разную обработку. Однако помните, что этот многогранный аспект является современным пониманием, и римляне, вероятно, видели вещи по-другому.

Фактически, они в целом очень положительно относились к копированию и гордились своей ролью подражателей традиции, которую они считали великой. По мнению Кларка, большая часть эстетической критики вплоть до первой Империи была направлена ​​на поиск лучших методов хорошего подражания устоявшимся моделям, и этот поиск имел как этическую, так и эстетическую основу. Гриффин говорит, что мифологические изображения имели прежде всего педагогическую и морализаторскую функцию, потому что «они были образцовыми, потому что они иллюстрировали и объясняли кое-что из устройства мира и отношений между людьми и богами». Плиний говорил, что лучшая картина — это та, которая идеально имитирует природу, и должна быть максимально реалистичной и иллюзионистской. Витрувий, однако, сетовал на то, что в его время от подражания природе отказались в пользу фантазии. Возможно, это была консервативная точка зрения, поскольку другие писатели, такие как его современник Квинтилиан, утверждали, что подражание само по себе, хотя и имеет большую ценность, еще не все и должно быть дополнено у зрелого и творческого художника личным размышлением. Фантазия была необходима, так как, например, при изображении богов, для которых не было известных подлинных прототипов, не было «реального» объекта, которому можно было бы подражать, и поэтому прибегали как к воображению, так и к авторам античности, ставившим канонические типы были обязательными. Несмотря на разные мнения, эстетическая атмосфера в целом по всей Империи, по-видимому, продолжала придавать большое значение подражанию древним для изучения формального словаря, проверенного временем и эффективности, понятного каждому в огромном регионе. Таким образом, создание произведения, в котором знания о крупных авторах раскрывались в наглядных цитатах из различных источников, было признаком эрудиции художника и служило увеличению его известности.

Поздняя имперская живопись и ее потомки

Смотрите также: Раннехристианское искусство и архитектура.

После разрушения Помпеи и Геркуланума в конце I века нашей эры римская декоративная живопись продолжила линию, просто разнообразившую пластические решения позднего Четвертого стиля. Ко времени правления Адриана , который родился за несколько лет до того, как Везувий уже практиковалось другое искусство похоронил эти два города, кажется, что в регионе Остия Антика , действовавшее как авангард параметров, которые позже получили широкое распространение, хотя дефицит Из-за большого количества примеров позднеимперской настенной живописи говорить что-либо с большой уверенностью рискованно. Среди наиболее ярких особенностей остийской коллекции — явное пренебрежение к строгости отвеса и квадрата , которые в прежние времена создавали убедительные иллюзии перспективы и довольно точную архитектуру, уступив место рисованию свободных линий, совершенно выходящих за рамки ортогональных координат. . В любом случае, к концу второго века чувство солидности и рациональности фигуративной архитектуры исчезло. Это привело к тому, что некоторые современные критики увидели на этом этапе снижение качества, но трансформация, возможно, просто отражала изменения в эстетических ценностях того времени. Отмечалась также тенденция к удлинению и схематизации силуэтов, использованию более резких контрастов, частичному возврату к абстрактным формулам, напоминающим Первый стиль. На потолках, куполообразная крыша стала популярной, что привело к развитию схем росписи, основанных на диагоналях или более сложной геометрии, с прекрасными примерами в Доме расписных куполов в Остии III века. Коллекция живописных реликвий, начиная со 2-го века и до конца 5-го века, знаменующего конец Западной Римской империи , довольно скудна, но в последние годы в различных местах Европы появились новые изображения по мере археологических исследований. повысился. Один из лучших сохранившихся примеров позднеимперской живописи не является языческим, он принадлежит еврейскому контексту и датируется III веком. Он найден в синагоге Дура -Европос в провинции Сирии и демонстрирует самые ранние известные изображения Сцены Ветхого Завета .

Но главной новинкой на этом этапе является развитие новой религиозной иконографии с появлением христианства . Палеохристианские картины приобрели значимую известность только после второго века. Во-первых, потому, что вначале они были всего лишь ритмами, созданными небольшой и, как правило, необразованной группой со скудными художественными ресурсами, но также и потому, что раннее христианство во многом разделяло еврейское отвращение к созданию изображений. Паулин из Нолы , богатый христианин третьего века, все же должен был оправдать себя за то, что на стенах восстановленных им церквей были нарисованы изображения живых существ, говоря, что:

Большая часть присутствующих здесь не умеет читать. Эти люди, давно привыкшие к светским культам, в которых их чрево было их Богом, в конце концов обращаются в прозелитов Христовых, восхищаясь делами Христовых угодников, явленными (картинами) всеобщему взору. Посмотрите, как столько людей собирается со всех концов и как они теперь с удивлением взирают на происходящее своим благочестивым, но грубым умом (...) Поэтому нам показалось полезным делом радостно украсить дома (св.) Феликса картины со всех сторон...

Более того, временами эта религия сталкивалась с гонениями, которые препятствовали художественному процветанию, и даже когда империя официально признала ее, самые выдающиеся христиане все еще ценили классическую культуру и ее формальные модели, заимствованные из язычества . Для них было относительно легко переосмыслить древние мифы в форме аллегорий и применить их к новому культу, и в этом смысле языческие представления все еще были приемлемы как средство распространения морализирующих максим и как связь с язычниками в распространенная вера в загробную жизнь. Эта связь между христианством и язычеством уже была завуалированно видна в сочинениях св. Павла , где изобилуют намеки на величие Христа и которые представляли собой явный перенос в новый контекст имперских апологий времен Августа . Неудивительно, что в палеохристианской образности Христос мог быть представлен так же, как Аполлон , бог Солнца, освещающий мир, как Орфей, усмиряющий «зверей» (язычников) своей «музыкой» (доктриной), или как классический философ обучая своих учеников тайнам новой философии. С постепенным ростом престижа христианства эти элементы приобрели больший вес в позднеимперской римской культуре. Первые образцы палеохристианской живописи встречаются в катакомбах , причем мотивы те же, что и в языческих украшениях: гирлянды цветов, животных, амуров, аллегории и человеческие фигуры неоднозначного значения. Некоторые из них более четкие: на них изображены молящиеся люди и символические фигуры рыбы и Доброго Пастыря. В третьем веке появляются сцены из Евангелий , Ветхого Завета и христианских сказаний , но стиль и качество их весьма неравномерны. В конце третьего века легкость и изящество уступают место переделке классических канонов, и в следующем столетии уже намечается иная эстетика, более тяжелая, схематичная и с абстрактной тенденцией, которая приведет к формированию Византийский стиль с Константинополем в качестве главного центра иррадиации. Когда христианство получило официальную поддержку Миланским эдиктом 313 года, началась программа строительства множества церквей и базилик , внутреннее убранство которых представляет собой важнейшее художественное достижение позднего имперского периода. Хотя их стены и купола часто были покрыты мозаика , техника, которая быстро вошла в общий вкус к украшению христианских храмов, в других предпочтение отдавалось фреске, а поскольку такие храмы возводились под покровительством элиты, если не самой императорской семьи, уровень качества далеко превосходил примитивная роспись катакомб, и следует сожалеть, что практически все подобные произведения исчезли в ходе позднейших реформ.

• 
  Катакомбы Марцеллина и Петра , Рим.
• 
  Иисус как добрый пастырь, катакомбы Калликста , Рим.
• 
  Христос учит апостолов, повторяя языческие сцены философов со своими учениками, Катакомбы Домитиллы , Рим
• 
  Самсон, разбивающий филистимлян, Катакомбы Латинской дороги, Рим

Наследие

Позднеримская имперская живопись была формирующей основой византийской живописи, и ее отголоски остаются живыми и по сей день благодаря художественным традициям, сохраненным Православной церковью , в то время как на Западе она продолжала служить источником вдохновения для разработки формальных элементов и декоративных схем живописи. раннее средневековье , особенно в эпоху Каролингского Возрождения . Живопись Древнего Рима продолжала оказывать немалое влияние на протяжении всего европейского Средневековья, а также оказывала влияние на романский и готический стили. К этому времени образцы фресок и переносные картины были практически потеряны для средневековья, но многие древние мозаики все еще можно было изучать, которые представляли собой перенос принципов изображения на другой материал, и все еще существовала хорошая коллекция древних рукописей с отчетами о римское искусство, которое продолжало будоражать воображение художников, особенно когда случайное присутствие иллюстраций в иллюминированных рукописях давало немедленные ссылки. Ее большое значение в эпоху Возрождения уже обсуждалось ранее, и нет необходимости повторять, но стоит упомянуть, наконец, что в 18 веке, с возобновлением интереса к культуре классической античности и новыми археологическими открытиями в районе Везувия, римская живопись снова оказался в центре внимания. Раскопанные образцы вызвали важные дебаты, особенно во Франции , где доминировал стиль рококо , по поводу его строгих и объективных качеств, которые считались средством от предполагаемых недостатков легкомыслия и чувственности преобладающей школы, став важным элементом конституции. неоклассической живописи, выраженный историзм которой часто граничил с археологической точностью. Ее влияние продолжалось до 19 века, и в романтической атмосфере образцы римской античности все еще были источником вдохновения для художников и декораторов, и эта мода сохранялась до конца века, когда она сосуществовала с первыми проявлениями доисторического искусства. модернистский авангард .

Примеры римской живописи, найденные за пределами Италии.

• 
  Трир , Германия
• 
  Будапешт , Венгрия
• 
  Сарагоса , Испания
• 
  Эфес , Турция

Примеры римского влияния на протяжении веков

• 
  Salus Populi Romani — одна из старейших известных византийских икон Богородицы. См. примечание:
• 
  Четыре евангелиста, Евангелие от Акисграно, Каролингское Возрождение, 9 век.
• 
  Гротеск на вилле Эмо , Ренессанс, 16 век.
• 
  Гротескный потолок на вилле Карлотта , поздний романтизм, ок. 1910 год