История балета

Рекламное фото к премьере балета Чайковского «Спящая красавица» (1890).

Балет — формализованная форма танца, зародившаяся при дворах итальянского Возрождения 15 и 16 веков. Балет распространился из Италии во Францию ​​с помощью Екатерины Медичи , где под ее аристократическим влиянием балет получил еще большее развитие. Ранним примером развития балета Екатериной является «Рай любви», произведение, представленное на свадьбе ее дочери Маргариты де Валуа с Генрихом Наваррским . Аристократические деньги были ответственны за начальные этапы развития «придворного балета», поскольку именно королевские деньги диктовали идеи, литературу и музыку, используемые в балетах, которые создавались в первую очередь для развлечения аристократов того времени. Первый официальный «придворный балет», когда-либо признанный, был поставлен в 1573 году «Балет Полоне». «Балет Полоне», являющийся настоящей формой королевского развлечения, был заказан Екатериной Медичи в честь польских послов, посетивших Париж после восшествия Генриха Анжуйского на польский престол . В 1581 году Екатерина Медичи заказала еще один придворный балет. Ballet Comique de la Reine был ее соотечественник Бальтазар де Божуайоль , однако организатором балета . Екатерина Медичи и Бальтазар де Божуайоль были ответственны за представление первого придворного балета, когда-либо применявшего принципы Академии Баифа, объединяя поэзию, танец, музыку и сценографию, чтобы передать единую драматическую сюжетную линию. Более того, ранняя организация и развитие «придворного балета» финансировалась, находилась под влиянием и производилась аристократами того времени, удовлетворяя как их личные развлекательные потребности, так и потребности политической пропаганды.

В конце 17 века Людовик XIV основал Королевскую академию музыки ( Парижская опера ), в рамках которой возникла первая профессиональная театральная балетная труппа — Балет Парижской оперы . Преобладание французского языка в балетной лексике отражает эту историю. Театральный балет вскоре стал самостоятельным видом искусства, хотя часто сохранял тесную связь с оперой и распространился из сердца Европы в другие страны. Королевский датский балет и Императорский балет Российской империи были основаны в 1740-х годах и начали процветать, особенно примерно после 1850 года. В 1907 году русский балет, в свою очередь, вернулся во Францию, где выступали «Русские балеты» Сергея Дягилева и его преемников. особенно влиятельный. Вскоре балет распространился по всему миру с образованием новых трупп, в том числе лондонского Королевского балета (1931), Балета Сан-Франциско (1933), Американского театра балета (1937), Королевского балета Виннипега (1939), Австралийского балета (1940). как предшественник балета Борованского), Нью-Йоркский городской балет (1948), Кубинский национальный балет (1948), Национальный балет Канады (1951), Национальная академия балета и Фонд Индии (2002).

В 20-м веке стили балета продолжали развиваться и сильно влиять на более широкий концертный танец , например, в Соединенных Штатах хореограф Джордж Баланчин разработал то, что сейчас известно как неоклассический балет , последующие разработки включали современный балет и постструктурный , например, балет. видел в работах Уильяма Форсайта в Германии.

Этимология . слова «балет» отражает его историю Слово «балет» пришло из французского языка и было заимствовано в английский язык примерно в 17 веке. Французское слово, в свою очередь, происходит от итальянского balletto , уменьшительного слова ballo (танец). Балет в конечном итоге восходит к итальянскому ballare , что означает «танцевать» .

Происхождение

Ренессанс – Италия и Франция.

Основная статья: Танец эпохи Возрождения

Гравюра второй сцены «Комического балета королевы» , поставленного в Париже в 1581 году для французского двора.

Балет зародился при эпохи Возрождения дворе как результат придворного зрелища в Италии . где аристократические свадьбы были роскошными торжествами. Пачки , балетки и пуанты еще не использовались. Хореография была адаптирована из шагов придворного танца. Артисты одеты по моде того времени. Для женщин это означало официальные платья, закрывающие ноги до щиколотки. Ранний балет был коллективным, зрители присоединялись к танцу ближе к концу.

Доменико да Пьяченца (ок. 1400–1470) был одним из первых мастеров танцев. Вместе со своими учениками Антонио Корнаццано и Гульельмо Эбрео да Пезаро он обучался танцу и отвечал за обучение этому искусству дворян. Да Пьяченца оставил одну работу: De arte saltandi etchoreus ducendi (Об искусстве танца и проведения танцев), которую составили его ученики.

В 1489 году Галеаццо, герцог Миланский , женился на Изабелле Арагонской в ​​Тортоне . Роскошное танцевальное развлечение устроил для торжеств итальянский мастер танцев Бергонцио Ботта . Танцы были связаны тонким повествованием о Ясоне и аргонавтах , и каждый соответствовал разному блюду на ужине. Тристано Калько из Милана написал об этом событии, и оно было сочтено настолько впечатляющим, что многие подобные зрелища были организованы в других местах.

Дальнейшее развитие балета оказал французский балет де кур , который состоял из общественных танцев, исполняемых дворянством в тандеме с музыкой, речью, стихами, песнями, театрализованными представлениями, декором и костюмами. Когда Екатерина Медичи , итальянская аристократка, интересовавшаяся искусством, вышла замуж за французского наследника Генриха II , она привезла свой энтузиазм по поводу танца во Францию ​​и оказала финансовую поддержку. Блестящие развлечения Екатерины поддерживали цели придворной политики и обычно были организованы на мифологические темы. Первым балетом де кур был « Полонский балет». Этот балет был исполнен в 1573 году по случаю визита польского посла. Хореография была поставлена ​​Бальтазаром де Божуайелем и включала часовой танец для шестнадцати женщин, каждая из которых представляла французскую провинцию. Комический балет королевы (1581), хореографию и постановку которого также поставил Бальтазар де Божуайолькс , был заказан Луизой Лотарингской , королевой-консортом короля Генриха III , сына Екатерины, чтобы отпраздновать свадьбу фаворита Генриха, герцога де Жуайез , с Маргарита Лотарингская, сестра королевы Луизы. Балет длился более пяти часов, его танцевали двадцать четыре танцора: двенадцать наяд и двенадцать пажей.

В том же году публикация Фабрицио Карозо » «Баларино , технического руководства по придворным танцам, как исполнительским, так и социальным, помогла Италии стать центром развития технического балета.

17 век – Франция и придворный танец

Основная статья: французский балет

Людовик XIV в Люлли » «Королевском ночном балете (1653).

Балет как форма искусства, ориентированная на перформанс, развился во Франции во время правления Людовика XIV , который был страстно увлечен танцем. Его интерес к балету был политически мотивирован. Он установил строгий социальный этикет посредством танцев и превратил его в один из наиболее важных элементов придворной общественной жизни, эффективно удерживая власть над дворянством и управляя государством. Начинания Людовика привели к усовершенствованию и совершенствованию социальных танцев среди аристократов как способа продемонстрировать королевскую власть, что еще больше объединило искусство классического балета с недавно установленными правилами и протоколами.

В 1661 году Людовик XIV решил реализовать свои амбиции по контролю над дворянством. и обратить вспять упадок танцевальных стандартов, начавшийся в 17 веке, основал Королевскую академию танца . До этого аристократы считали танец, а также верховую езду и военную подготовку тремя основными дисциплинами, позволяющими продемонстрировать свое благородство. Тем не менее, основание Людовиком академии отвлекло их внимание от военного искусства к придворным социальным функциям, от войны к балету, что еще больше ужесточило правила вокруг них.

Чтобы расширить влияние французской культуры по всей Европе, Людовик заказал Пьеру Бошану , личному учителю танцев короля и любимому партнеру по балету де кур в 1650-х годах, создать «способ сделать танец понятным на бумаге». Бошан также был назначен интендантом королевского балета , а в 1680 году стал директором танцевальной академии и занимал эту должность до 1687 года. Этот заказ привел к интенсивным исследованиям в этой области многими балетмейстерами, однако признание получила только система танцевальных обозначений Бошана. В своей системе он систематизировал пять основных положений ног в балете. Рауль Оже Фейе, парижский балетмейстер, позже принял его систему и опубликовал свои работы в 1700 году. Его система обозначений стала очень популярной в Европе.

Фейе сосредоточил свои усилия на самом влиятельном придворном танце, названном «La belle danse», или также известном как «Французский благородный стиль». Этот вид танца был популярен на балах и кортах, где требовалось более требовательное мастерство. «Entrée Grae», как одна из высших форм la belle danse , обычно исполнялась одним или двумя мужчинами с изящными и величественными движениями, сопровождаемыми медленной и элегантной музыкой. В настоящее время только мужчины исполняли la belle danse и entrée Grave . Женщины выступали в балетах королевы и на других светских мероприятиях, но не в королевских балетах, при дворах или на сценах Парижа, только в 1680-х годах. В то время мужчины считались чемпионами и мастерами искусства, демонстрируя свой мужской, достойный и благородный танец, танец короля. Это также послужило образцом для классического балета.

Придворные балеты имели долгую историю сочетания танца и этикета со времен Возрождения, но когда дело дошло до la belle danse , этикет в балете поднялся на совершенно новую высоту. Каждое правило этикета при дворе Людовика было детально изложено в la belle danse , и по их танцам, несомненно, можно было увидеть благородный статус других. Пять положений тел, систематизированные Бошаном, а затем Фейе, описывали тело как миниатюрный двор с головой в качестве центральной точки, координирующей свои конечности, как король, управляющий своим государством. Танцор, исполняющий настоящего дворянина, будет исполнять пять позиций, отличные от танцора, исполняющего крестьянина или персонажей более низкого ранга. Доказательство благородства также указывалось в использовании масок, макияжа, костюмов, особенно обуви в la belle danse .

Жан-Батист Люлли , итальянский скрипач, танцор, хореограф и композитор, присоединившийся ко двору Людовика XIV в 1652 году. сыграл значительную роль в определении общего направления, которому будет следовать балет в следующем столетии. Поддерживаемый и восхищавшийся королем Людовиком XIV, Люлли часто использовал короля в своих балетах. Титул Короля-Солнца для французского монарха возник благодаря роли Людовика XIV в « Ночном балете» Люлли (1653). Четырнадцатилетний Людовик XIV станцевал в этом 12-часовом балете пять партий. Этот балет был роскошным и включал сцену, где сгорела часть дома, включая ведьм, оборотней, цыган, пастухов, воров и богинь Венеру и Диану. Однако главной темой балета были не тьма и ночные ужасы, а Людовик, который появился в конце как Солнце (Бог Солнца, Аполлон), положивший конец ночи. Главным вкладом Люлли в балет стали его детальные композиции. Его понимание движения и танца позволило ему сочинять музыку специально для балета, используя музыкальные фразы, дополняющие физические движения. Люлли также сотрудничал с французским драматургом Мольером . Вместе они взяли итальянский театральный стиль, комедию дель арте , и адаптировали его в своей работе для французской публики, создав комедию-балет . Среди их величайших постановок с Бошаном в качестве хореографа: был Le Bourgeois Gentilhomme (1670).

В 1669 году Людовик XIV основал Академию оперы под Пьера Перрена . руководством Людовик XIV ушел из танцора в 1670 году, в основном из-за чрезмерного набора веса. Ранее, в 1661 году, он основал школу Adacemie Royale de danse . Бошан был первым балетмейстером Оперы и создал танцы для первой постановки новой труппы « Помоне» на музыку Роберта Камбера . Позже, после того как Перрен обанкротился, король восстановил Оперу как Королевскую академию музыки и назначил Люлли ее директором. Бошан был одним из главных хореографов. На этой позиции Люлли вместе со своим либреттистом Филиппом Кино создал новый жанр — трагедию в музыке , каждый акт которой представлял собой дивертисмент , представлявший собой миниатюрную балетную сцену. Почти во всех своих важных творениях Жан-Батист Люлли соединил музыку и драму с элементами итальянского и французского танца. Его работы создали наследие, которое определит будущее балета.

Популярность по всей Европе

Королевский балет вдовы Бильбао , 1626 год. Большого бала

Французский двор в некотором смысле был ведущим источником модной культуры для многих других королевских дворов Европы. Подражались стилям развлечений, в том числе королевским балетам. Придворные в Испании, Португалии, Польше, Германии и других странах становились зрителями и участниками балетов. Помимо Франции, большое влияние на этот вид искусства оказала Италия, преимущественно Венеция .

Профессиональные балетные труппы начали организовываться и гастролировать по Европе, выступая перед аристократической публикой. В Польше король Владислав IV Ваза (1633–1648) ставил итальянские оперные постановки, в некоторых сценах которых участвовали артисты балета. Среди знаменитых европейских балетмейстеров, работавших при польском дворе, — Жан Фавье , Антуан Питро , Антонио Сакко и Франческо Казелли .

18 век

Франция и развитие как форма искусства

XVIII век был периодом развития технических стандартов балета и периодом, когда балет стал серьезным видом драматического искусства наравне с оперой. Центральное место в этом прорыве занимала плодотворная работа Жана-Жоржа Новерра « Письма о дансе и балетах» (1760), в которой основное внимание уделялось развитию балета действия , в котором движения танцоров призваны выразить характер и помочь в повествование. Новерр считал, что балет должен быть техническим, но в то же время эмоционально волновать публику, сюжеты должны быть едиными, декорации и музыка должны поддерживать сюжет и быть едиными внутри истории, а пантомима должна быть простой и понятной.

Реформы в балетную композицию внесли такие композиторы, как Кристоф Виллибальд Глюк . Наконец, балет был разделен на три формальные техники: sérieux , demi-caractère и comique . Балет также стал использоваться в операх в виде интермедий, называемых дивертисментами.

За пределами Франции

Венеция продолжала оставаться центром танца в Европе, особенно во время Венецианского карнавала , когда танцоры и гости со всего континента приезжали в город для оживленного культурного обмена. Городской театр Сан-Бенедетто стал известной достопримечательностью во многом благодаря исполняемым там балетам. Итальянские балетные техники оставались доминирующим влиянием в большей части южной и восточной Европы, пока русские техники не вытеснили их в начале 20 века.

Балетные представления распространились по Восточной Европе в XVIII веке, в такие регионы, как Венгрия, где они проводились в частных театрах аристократических замков. Были созданы профессиональные труппы, которые выступали по всей Венгрии, а также гастролировали за рубежом. Будапештский национальный театр все чаще становится домом для танцоров.

Среди ведущих танцоров того времени, выступавших по всей Европе, были Луи Дюпре , Шарль Ле Пик с Анной Бинетти , Гаэтано Вестрис и Жан-Жорж Новерр .

19 век

Польские артисты балета на Венецианском карнавале 1827 года . Танцовщица слева исполняет «травести» в роли женщины, исполняющей мужскую роль.

Балерина . стала самой популярной исполнительницей танцев в Европе в первой половине XIX века, постепенно отвлекая внимание от танцоров-мужчин Во многих спектаклях героев балета играла женщина, как Принципиального мальчика в пантомиме .

Профессионализм балетных трупп стал центром внимания нового поколения балетмейстеров и танцоров. Вена была важным источником влиятельных балетных педагогов. Первым балетмейстером Национального театра и Королевской оперы Венгрии стал Вены уроженец Фридьес Кампилли , проработавший в Будапеште 40 лет.

XIX век был периодом больших социальных перемен, которые отразились в балете в отходе от аристократических чувств, которые доминировали в более ранние периоды, в романтическом балете . Такие балерины, как Женевьева Госслен , Мари Тальони и Фанни Эльсслер, экспериментировали с новыми техниками, такими как работа на пуантах , что придало балерине известность как идеальной сценической фигуры. Тальони была известна как «христианская танцовщица», поскольку ее образ был светлым и чистым (связанным с ее ролью сильфиды в «Сильфиде»). Ее тренировал в основном ее отец, Филиппо Тальони. В 1834 году Фанни Эльсслер прибыла в Парижскую оперу и стала известна как «Языческая танцовщица» из-за зажигательных качеств танца Качуча , которые сделали ее знаменитой. Профессиональные либреттисты начали создавать сюжеты в балетах. Такие учителя, как Карло Блазис, систематизировали балетную технику в базовой форме, которая используется до сих пор. Балетки с закрытым носком были изобретены для поддержки работы на пуантах.

Романтическое движение

Основная статья: Романтический балет

Мария Тальони в роли Флоры в Шарля Дидло балете «Флора и Зефир» (ок. 1831 г.). Она была пионером пуантинга .

Романтическое движение в искусстве, литературе и театре было реакцией на формальные ограничения и механику индустриализации. Дух времени побудил хореографов сочинять романтические балеты, которые казались легкими, воздушными и свободными, что контрастировало с распространением редукционистской науки во многих аспектах повседневной жизни, которая, по словам Эдгара Аллана По, «вытеснила гамадриаду из леса». В этих «нереальных» балетах женщины изображались как хрупкие неземные существа, неземные существа, которых можно было поднять без усилий и которые, казалось, словно парили в воздухе. Балерины стали носить костюмы с пастельными струящимися юбками, обнажающими голени. Истории вращались вокруг сверхъестественных фольклорных духов. Примером одного из таких романтических балетов является «Сильфида» , один из старейших романтических балетов, которые до сих пор исполняются.

Одним из направлений романтического движения было новое исследование фольклора и традиционной этнической культуры. Это влияние проявилось в появлении европейских народных танцев и западных изображений народов Африки, Азии и Ближнего Востока на европейских сценах. В балетах этого периода неевропейские персонажи часто создавались как злодеи или глупые развлечения, соответствующие восточному западному пониманию мира. Национальная опера Украины , театр исполнительского искусства с постоянной оперной труппой, была основана в Киеве в 1867 году. В ее состав также входила небольшая постоянная труппа артистов балета, которые во время оперных постановок исполняли в основном танцы в народном стиле. К 1893 году труппа выросла до достаточно большой, чтобы ставить большие балеты. Среди первых постановок были народные танцы и балеты на украинские сюжеты.

Многие ведущие европейские профессиональные балетные труппы, сохранившиеся до наших дней, были созданы в новых театрах европейских столиц в середине-конце XIX века, в том числе Киевский балет , Венгерский национальный балет , Национальный театральный балет (Прага) и Венский государственный балет. (бывший балет Венской государственной оперы ). Эти театры обычно объединяли под одной крышей крупные оперные, драматические и балетные труппы. Композиторы, драматурги и хореографы затем смогли создавать произведения, в которых использовалась возможность сотрудничества между этими труппами.

Россия

Основная статья: Русский балет

Михаил Мордкин в роли принца Зигфрида и Аделаида Джури в роли Одетты со студентами в роли маленьких лебедей в постановке Императорского Большого театра Москвы « Лебединое озеро» Петипа/Иванова/Чайковского . 1901 год

В то время как Франция сыграла важную роль в раннем балете, другие страны и культуры вскоре переняли этот вид искусства, особенно Россия. В России есть признанная балетная традиция, и русский балет имел большое значение в своей стране на протяжении всей истории. После 1850 года балет в Париже начал приходить в упадок, но он процветал в Дании и России благодаря таким мастерам, как Огюст Бурнонвиль , Жюль Перро , Артюр Сен-Леон , Энрико Чекетти и Мариус Петипа . В конце девятнадцатого века ориентализм в моде был . Колониализм принес осознание азиатской и африканской культур, но был искажен дезинформацией и фантазиями. Восток часто воспринимался как далекое место, где возможно все, лишь бы оно было роскошным, экзотическим и декадентским. Петипа обратился к популярному вкусу своими произведениями «Дочь фараона» (1862 г.), а затем «Талисман» (1889 г.) и «Баядерка» (1877 г.). Петипа больше всего помнят за его сотрудничество с Чайковским . Он использовал свою музыку для хореографии « Щелкунчик» (1892, хотя среди историков это вызывает споры). «Спящая красавица» (1890 г.) и окончательное возрождение « Лебединого озера» (1895 г., со Львом Ивановым ). Все эти произведения были взяты из европейского фольклора.

танцовщиц Классическая пачка , как ее называют сегодня, начала появляться в это время. Оно состояло из короткой жесткой юбки, поддерживаемой слоями кринолина или тюля, открывавших акробатические движения ног, в сочетании с широкой ластовицей, служившей для сохранения скромности.

Аргентина

В середине 19 века балетные труппы из Европы начали прибыльные гастроли по театрам Северной, Центральной и Южной Америки. Престижный театр Колон в Буэнос-Айресе, Аргентина, принимал на своей сцене иностранных артистов балета, а гастроли из Европы представляли полные балеты еще в 1867 году. К 1880-м годам в театре Колон появилась собственная профессиональная балетная труппа. Однако пройдет еще несколько десятилетий, прежде чем большинство стран за пределами Европы смогут претендовать на свои собственные профессиональные балетные труппы.

20 век и модернизм

Россия и русские балеты

Анна Павлова в роли вакханки в «Вакханалия» опере Михаила Мордкина .

Сергей Дягилев вернул балет в Париж, открыв свою труппу Ballets Russes . В его состав вошли танцоры из русской эмигрантской общины Парижа после революции.

Дягилев и композитор Игорь Стравинский объединили свои таланты, чтобы оживить русский фольклор в «Жар-птице» и «Петрушке» в хореографии Фокина. Следующие хореографические заказы Дягилева достались Нижинскому. Его первым балетом стал «Послеполуденный отдых фавна » на музыку Дебюсси. Он отличался двумерными формами и отсутствием балетной техники. Это вызвало споры, изображая фавна, натирающего себя шарфом одной из девушек, симулируя мастурбацию. Однако самой противоречивой работой «Русского балета» была «Весна священная » в постановке Нижинского на музыку Стравинского. Современная музыка балета, топот голубей на носках и тема человеческих жертвоприношений настолько шокировали публику, что она взбунтовалась.

После «золотого века» Петипа Михаил Фокин начал свою карьеру в Санкт-Петербурге, но переехал в Париж и работал с Дягилевым и «Русским балетом».

Вацлав Нижинский в фильме «Призрак розы» , 1911 год.

Русский балет продолжал развиваться и при советской власти. После революции в стране осталось мало талантов, но этого было достаточно, чтобы посеять новое поколение. После застоя 1920-х годов к середине 1930-х годов на сцене появилось новое поколение танцоров и хореографов. Техническое совершенство и точность танца пропагандировала (и требовала) Агриппина Ваганова , которая обучалась у Петипа и Чекетти и возглавляла Академию балета Вагановой , школу по подготовке танцоров для Кировского балета в Санкт-Петербурге/Ленинграде.

Балет пользовался популярностью у публики. Действули как московский Большой театр, так и балетные труппы Кирова в Санкт-Петербурге (тогда Ленинграде). Идеологическое давление вынудило создать множество соцреалистических пьес, большинство из которых не произвело большого впечатления на публику и впоследствии было исключено из репертуара обеих трупп.

Однако некоторые произведения той эпохи были замечательными. « Ромео и Джульетта» и Прокофьева Лавровского — шедевр. «Пламя Парижа» , хотя и показывает все недостатки искусства соцреализма, но положило начало активному использованию кордебалета в спектакле и требовало потрясающей виртуозности. балетная версия поэмы Пушкина « Бахчисарайский фонтан» на музыку Бориса Асафьева и хореографию Ростислава Захарова Также хитом стала .

Известный балет «Золушка» , музыку к которому написал Прокофьев, также является продуктом советского балета. В советское время эти произведения были в основном неизвестны за пределами Советского Союза , а затем и за пределами Восточного блока . Однако после распада Советского Союза они получили большее признание.

североамериканская премьера «Бахчисарайского фонтана» Например, с выдающимся успехом имела Кировского балета в Нью-Йорке в 1999 году. Советская эпоха русского балета уделяла большое внимание технике, виртуозности и силе. Это требовало силы, обычно превышающей норму современных западных танцоров. Среди известных прима-балерин Галина Уланова , Наталья Дудинская и Майя Плисецкая , а также такие хореографы, как Петр Гусев .

Российские труппы, особенно после Второй мировой войны, совершили многочисленные гастроли по всему миру, которые возродили балет на Западе.

Девичья башня по сценарию Афрасияба Бадалбейли – первый балет на мусульманском Востоке.

Соединенные Штаты

После переезда «Русского балета» во Францию ​​балет стал иметь более широкое влияние, особенно в Соединенных Штатах Америки.

Из Парижа, после разногласий с Дягилевым, Фокин уехал в Швецию, а затем в США и поселился в Нью-Йорке. Дягилев считал, что традиционный балет предлагает не что иное, как красоту и спортивную зрелищность. Для Фокина этого было недостаточно. Помимо технической виртуозности он требовал драматизма, экспрессии и исторической достоверности. Хореограф должен изучить период и культурный контекст обстановки и отказаться от традиционной пачки в пользу точных костюмов того времени.

Фокин поставил «Шехерезаду» и «Клеопатру» . Он также переработал «Петрушку» и «Жар-птицу» . Одним из самых известных его произведений стал «Умирающий лебедь » в исполнении Анны Павловой . Помимо таланта балерины, Павлова обладала театральным даром, способным воплотить в жизнь представление Фокина о балете как о драме. Легенда гласит, что Павлова настолько отождествляла себя с ролью лебедя, что попросила свой костюм лебедя со своего смертного одра.

Джордж Баланчин разработал в Америке современную технику, открыв школу в Нью-Йорке. Он адаптировал балет к новым средствам массовой информации, кино и телевидению. Плодовитый работник, Баланчин пересоздал классику, такую ​​как «Лебединое озеро» и «Спящая красавица», а также создал новые балеты. Он создал оригинальные интерпретации драм Уильяма Шекспира, таких как «Ромео и Джульетта» и «Сон в летнюю ночь» Франца Лехара , а также «Веселой вдовы» .

Баланчина В 1967 году «Драгоценности» порвали с повествовательной традицией и драматизировали тему, а не сюжет. Этот фокус соответствует спонсируемым государством источникам финансирования в Соединенных Штатах, которые стремились поощрять «свободу и свободомыслие» в отличие от танца, основанного на повествовании, который считался слишком тесно связанным с социализмом, особенно советским коммунизмом . Сегодня, отчасти благодаря Баланчину, балет является одним из наиболее хорошо сохранившихся танцев в мире.

Барбара Каринская была русской эмигранткой и искусной швеей, которая сотрудничала с Баланчиным, чтобы поднять искусство дизайна костюмов из второстепенной роли в неотъемлемую часть балетного спектакля. Она представила косой крой и упрощенную классическую пачку, которая давала танцовщице больше свободы движений. С тщательным вниманием к деталям она украсила свои пачки вышивкой, бисером, крючком и аппликациями.

Балет во время холодной войны в США

Холодная война характеризовалась идеологической конкуренцией между капиталистическими Соединенными Штатами и коммунистическим Советским Союзом. Балетные постановки часто использовались для демонстрации художественной и творческой свободы, преобладающей в западных обществах, в отличие от предполагаемых ограничений художественного самовыражения в Советском Союзе. Многие балетные труппы, такие как Большой балет Советского Союза и Американский театр балета из США, считались послами своих стран. Они выступали в международных турах, включая обмены между Советским Союзом и Соединенными Штатами, демонстрируя свое артистическое мастерство и способствуя культурному взаимопониманию. По словам Энн Сирси , доцента Музыкальной школы, в своей книге « Балет в холодной войне », «Гастроли в эпоху холодной войны были не только посвящены балетным представлениям, но также служили для правительств США и СССР средством утверждения своего влияния в глобальном масштабе. Сирси утверждает, что эти гастроли имели под собой политические мотивы, поскольку обе страны боролись за глобальный контроль и попытка сформировать восприятие остального мира. Далее она подчеркивает, что зрители в обеих странах отреагировали неожиданно, и, несмотря на идеологические различия, балет в Соединенных Штатах и ​​Советском Союзе имел больше общего, чем обе стороны. признать готов был . ​Запад.

Спартак Балет

Однако во время культурного обмена между Соединенными Штатами и Советским Союзом культурные недопонимания обычно препятствовали балетным выступлениям. Постановка Большого театра « Спартака » в Штатах вызвала конфликт с американцами, так как они не рассматривали спектакль как балет. По совпадению, только что вышел голливудский фильм с таким же названием, что привело зрителей в замешательство. Советские продюсеры надеялись передать в балете идею пролетарского бунта, но американские зрители сочли постановку незнакомой и нетрадиционной. Танцоры носили римские сандалии на плоской подошве вместо традиционных пуантов, а доступность билетов в кино вызвала разочарование и неодобрение публики. Это вызвало множество негативных реакций, и, к сожалению, балет был снят с запланированных представлений, что вызвало еще больше конфликтов и ненависти между русскими и американцами.

Petruchka by Igor StravinskyUnidentified dancer (Yura Lazovsky?) as Petrushka Sydney, March 1940

Помимо заблуждений и конфликтов, балет использовался как инструмент мягкой силы , средство проецирования культурного влияния и идеалов. — «Русский балет» парижская труппа, состоящая из русского преподавателя и русских танцоров — повлияла на то, как Америка позитивно воспринимает Россию. Они продемонстрировали свои художественные достижения и культурное наследие, пытаясь завоевать сердца и умы и помогая России добиться признания в балете в западном мире. Эти балетные постановки рассматривались как символы национальной гордости и культурного превосходства. Эта труппа привнесла в свои выступления множество элементов русской культуры. Сюда вошли русские композиторы, хореографы, художники , традиционные костюмы, мелодии и рассказы. Примечательно, что балет, который продемонстрировал наибольшее влияние русских, например «Петрушка» , также были самыми популярными среди публики. Хотя эти спектакли не обязательно отражали реальную Россию того времени, они способствовали восприятию России в западном сознании как символа прогрессивности и исключительного художественного таланта. После влияния «Русского балета» русский балет был принят в американскую культуру и вдохновил Америку включить балет в свою собственную культуру.

В 1963 году Линкольна Кирстейна » «Американский балет , который стал первым балетом, поставленным в Америке, добился значительного успеха благодаря поддержке Фонда Форда , который сделал неоклассический стиль Джорджа Баланчина выдающимся национальным институтом. Изучая усилия Нью-Йоркского балета в области культурной дипломатии, Стало очевидно, что Баланчин занимал выгодную позицию в сетях, сформированных между правительством, частными и корпоративными фондами и искусством во время культурной холодной войны, однако сотрудничество между балетной труппой и правительством является сложным, поскольку артисты часто считали, что различные политические мотивы со стороны государства. Холодная война произвела революционный сдвиг в финансировании, организации и управлении искусством, основанный на вере в социальное влияние искусства, которая взращивалась в 1930-х годах.

Во время холодной войны балетные постановки иногда были наполнены политической символикой. Хореографы и танцоры использовали эту среду для выражения политических идей или комментариев по социальным проблемам. Эти выступления могли положить начало дискуссиям и дебатам о политике, обществе и роли искусства в формировании общественного мнения. В целом, знакомство с балетом во время холодной войны повлияло на американскую культуру, расширив художественные горизонты и представив новые стили. и техники. Это способствовало развитию американских балетных трупп, росту танцевального образования и популяризации балета как вида искусства в США.

Неоклассический балет

Основная статья: Неоклассический балет

«Русский балет с Аполлоном» (1928) в постановке Джорджа Баланчина . Танцоры — Александрова Данилова и Серж Лифарь .

Джорджа Баланчина часто считают первым пионером того, что сейчас известно как неоклассический балет , стиль танца, промежуточный между классическим балетом и современным балетом. Тим Шолль, автор книги «От Петипа до Баланчина» Баланчина , считает «Аполлона» (1928) первым неоклассическим балетом. Это было возвращение к форме в ответ на Сержа Дягилева абстрактные балеты . «Аполлон» и другие произведения до сих пор исполняются преимущественно балетом Нью-Йорка . Однако другие компании могут заплатить гонорар за права на исполнение произведений Джорджа Баланчина.

Фредерик Эштон – еще один выдающийся хореограф, связанный с неоклассическим стилем. Три его произведения стали стандартными произведениями в международном репертуаре: «Сильвия» (1952), «Ромео и Джульетта» (1956) и «Ундина» (1958), последняя из которых была создана как средство демонстрации Марго Фонтейн .

Современный

Основная статья: Современный балет

Спектакль Тассембедо Ирен современного балета в «Аллах Гарибу» 2010 году .

Одним из танцоров, который тренировался у Баланчина и впитал большую часть этого неоклассического стиля, был Михаил Барышников . После назначения Барышникова художественным руководителем Американского театра балета в 1980 году он работал с различными современными хореографами, в первую очередь с Твайлой Тарп . Тарп поставил хореографию «Push Comes To Shove» для ABT и Барышникова в 1976 году; в 1986 году она создала In The Upper Room для своей собственной компании. Оба эти произведения считались новаторскими из-за использования в них отчетливо современных движений в сочетании с использованием пуантов и танцоров с классической подготовкой - из-за использования современного балета.

Тарп также работал с труппой Joffrey Ballet , основанной в 1957 году Робертом Джоффри . В 1973 году она поставила для них хореографию Deuce Coupe , используя поп-музыку и сочетание современных и балетных техник. Балет Джоффри продолжал исполнять многочисленные современные пьесы, многие из которых были поставлены соучредителем Джеральдом Арпино .

Сегодня существует множество современных балетных трупп и хореографов. К ним относятся Мадридский балет ; Королевский балет Фландрии ; Алонзо Кинг и его труппа Alonzo King LINES Ballet ; Начо Дуато и Compañia Nacional de Danza ; Уильям Форсайт, который много работал с Франкфуртским балетом и сегодня руководит труппой Форсайт ; и Иржи Килиан , бывший художественный руководитель Нидерландского театра танца . Традиционно «классические» труппы, такие как Кировский балет и Балет Парижской оперы , также регулярно исполняют современные произведения.

Развитие балетного метода

Основная статья: Балетное обучение

Несколько известных балетных методов названы в честь их создателей. Например, две преобладающие системы в России известны как метод Вагановой в честь Агриппины Вагановой и метод Легата в честь Николая Легата . Метод Чеккетти был изобретен итальянским танцором Энрико Чекетти (1850–1928), а метод Бурнонвиля, изобретенный Августом Бурнонвилем (1805–1879), используется в основном в родной стране Бурнонвиля, Дании.

См. также

• Список балетов по названию
• Балетная музыка
• История танца
• Чернокожие женщины в балете

Дальнейшее чтение

• Андерсон, Джек (1992). Балет и современный танец: краткая история (2-е изд.). Принстон, Нью-Джерси: Princeton Book Company, Издательство. ISBN  0-87127-172-9 .
• Андре, Пол; Аркадьев, В. (1999) Великая история русского балета: его искусство и хореография (1999).
• Бланд, Александр (1976). История балета и танца в западном мире . Нью-Йорк: Издательство Praeger. ISBN  0-275-53740-4 .
• Кэдди, Давиния. (2012). Русский балет и не только: музыка и танец в Париже в стиле Бель-Эпок. Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
• Коэн, Сельма Жанна , изд. (1998). Международная энциклопедия танца . Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета.
• Кросс, Сэмюэл Х. (1944) «Русский балет до Дягилева». Славянское и восточноевропейское обозрение. Американская серия 3.4 (1944): 19–49. в JSTOR
• Эзрахи, Кристина. (2012) Лебеди Кремля: балет и власть в Советской России (Университет Питтсбурга); исследуется устойчивость художественного творчества в истории балетов Большого театра и Мариинского/Кировского театра.
• Франко, Марк (1993). Танец как текст: идеологии барочного тела . Кембридж: Издательство Кембриджского университета.
• Хоманс, Дженнифер (2010). Ангелы Аполлона: История балета . Нью-Йорк: Рэндом Хаус.
• Джонсон, Альфред Эдвин. (1913) Русский балет (Хоутон Миффлин) онлайн
• Кассинг, Гейл. (2007). История танца: подход интерактивного искусства . Шампейн, Иллинойс: Кинетика человека. ISBN  9780736060356 .
• Ли, Кэрол (2002). Балет в западной культуре: история его происхождения и эволюции . Нью-Йорк: Рутледж. ISBN  0-415-94256-Х .
• Лифарь, Серж. (1954). История русского балета от истоков до наших дней (Хатчинсон)
• Макгоуэн, Маргарет М. (1978). Искусство придворного балета во Франции, 1581–1643 . Париж: Национальный центр научных исследований.
• Проперт, Уолтер Арчибальд. (1972) Русский балет в Западной Европе, 1909-1920. Б. Блом
• Рославлева Наталья . (1966). Эра русского балета, Нью-Йорк: EP Dutton & Co., Inc.
• Сэди, Стэнли, изд. (1992). Новый оперный словарь Гроува (4 тома). Лондон: Макмиллан. ISBN  978-1-56159-228-9 .
• Суриц, Е. Я и Е. И. А. Суриц. (1990) Советские хореографы в 1920-е годы (Duke Univ Press, 1990).
• Уайли, Роланд Джон. (1990) Век русского балета: документы и отчеты, 1810-1910 (Oxford University Press)