Джеймс Макнил Уистлер

Джеймс Макнил Уистлер
Композиция в сером: Портрет художника (автопортрет, ок. 1872 г.), Детройтский институт искусств.
Рожденный	10 июля 1834 г. Лоуэлл, Массачусетс , США
Умер	17 июля 1903 г. (1903-07-17) (69 лет) Лондон, Англия, Великобритания
Национальность	Американский
Образование	Военная академия США, Вест-Пойнт, Нью-Йорк
Известный	Рисование
Заметная работа	Мать Уистлера
Движение	Основатель тонализма
Супруг	Беатрис Годвин ( м. 1888; умер в 1896 г.)
Родители	Джордж Вашингтон Уистлер Анна Макнил Уистлер
Награды	1884 г. избран почетным членом Королевской академии изящных искусств, Мюнхен , Бавария, Германия. 1892 г. — кавалер Ордена Почётного легиона , Франция. 1898 г., член-учредитель и первый президент Международного общества скульпторов, художников и граверов.

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер RBA ( / ˈ w ɪ s l ər / ; 10 июля 1834 — 17 июля 1903) — американский художник, работавший маслом и акварелью , а также гравер , работавший во время американского позолоченного века и проживавший в основном в Соединенном Королевстве. . Он избегал сентиментальности и моральных намеков в живописи и был ведущим сторонником кредо « искусство ради искусства ».

Его подпись на картинах имела форму стилизованной бабочки с длинным жалом вместо хвоста. Символ сочетал в себе оба аспекта его личности: его искусство отмечено тонкой деликатностью, а его публичный образ был воинственным. Он нашел параллель между живописью и музыкой и назвал многие свои картины «аранжировками», «гармониями» и «ноктюрнами» , подчеркивая примат тональной гармонии. Его самая известная картина «Композиция в сером и черном № 1» (1871), широко известная как «Мать Уистлера» , представляет собой почитаемый и часто пародируемый портрет материнства. Уистлер повлиял на мир искусства и более широкую культуру своего времени своими эстетическими теориями и дружбой с другими ведущими художниками и писателями.

Ранний период жизни

Наследство

Джеймс Эбботт Уистлер родился в Лоуэлле, штат Массачусетс , 10 июля 1834 года. первый ребенок Анны Макнил Уистлер и Джорджа Вашингтона Уистлера и старший брат хирурга Конфедерации Уильяма Макнила Уистлера .

В последующие годы Уистлер разыгрывал связь своей матери с американским Югом и его корнями и представлял себя обедневшим южным аристократом , хотя остается неясным, в какой степени он действительно сочувствовал южному делу во время Гражданской войны в США . Он принял девичью фамилию своей матери после ее смерти, используя ее как дополнительное второе имя.

Новая Англия

Его отец был инженером путей сообщения, а Анна была его второй женой. Джеймс прожил первые три года своей жизни в скромном доме на Уортен-стрит, 243 в Лоуэлле, штат Массачусетс. Сейчас в этом доме находится Дом-музей Уистлера , посвященный ему. Во время суда над Раскином он заявил, что местом его рождения является Санкт-Петербург, Россия : «Я родлюсь, когда и где захочу, и я не выбираю родиться в Лоуэлле».

Уистлер был капризным ребенком, склонным к вспышкам гнева и наглости, и после приступов болезни у него часто наступали периоды лени. Его родители обнаружили, что рисование часто успокаивало его и помогало сосредоточить внимание.

Семья переехала из Лоуэлла в Стонингтон, штат Коннектикут , в 1837 году, где его отец работал на Стонингтонской железной дороге . За этот период трое детей пары умерли в младенчестве. Их состояние значительно улучшилось в 1839 году, когда его отец стал главным инженером железной дороги Бостона и Олбани . и семья построила особняк в Спрингфилде, штат Массачусетс , где сейчас стоит Музей истории дерева . Они жили в Спрингфилде, пока в конце 1842 года не уехали из США в Россию.

Россия и Англия

Уистлер около 1847–1849 гг.

В 1842 году его отец был нанят Николаем I для проектирования железной дороги в России. Император узнал об изобретательности Джорджа Уистлера в проектировании Кантонского виадука для железной дороги Бостона и Олбани и предложил ему должность инженера железной дороги Санкт-Петербург-Москва . Остальные члены семьи переехали в Петербург, чтобы присоединиться к нему зимой 1842/43 года.

Переехав в Петербург, юный Уистлер брал частные уроки рисования, а затем поступил в Императорскую Академию художеств . в одиннадцать лет Юный художник следовал традиционной программе рисования с гипсовых слепков , а иногда и с живых моделей, наслаждался атмосферой художественных бесед со старшими сверстниками и радовал родителей первоклассной оценкой по анатомии. В 1844 году он познакомился с известным художником сэром Уильямом Алланом , приехавшим в Россию с заказом написать историю жизни Петра Великого . Мать Уистлера записала в своем дневнике: «Великий художник заметил мне: «У вашего маленького мальчика необыкновенный талант, но не побуждайте его выходить за пределы его склонностей».

В 1847–1848 годах его семья провела некоторое время в Лондоне у родственников, а отец остался в России. Шурин Уистлера Фрэнсис Хейден , врач, который также был художником, подстегнул его интерес к искусству и фотографии. Хейден водил Уистлера в гости к коллекционерам и на лекции и подарил ему набор акварелей с инструкцией.

Уистлер уже мечтал о художественной карьере. Он начал собирать книги по искусству и изучал техники других художников. Когда его портрет был написан сэром Уильямом Боксаллом в 1848 году, молодой Уистлер воскликнул, что портрет «очень похож на меня и очень красивая картина. Мистер Боксалл — прекрасный колорист… У него красивая кремовая поверхность, и он выглядит такой богатый». В своем расцвете энтузиазма к искусству в пятнадцать лет он сообщил отцу письмом о своем будущем направлении: «Надеюсь, дорогой отец, ты не будешь возражать против моего выбора». Однако его отец умер от холеры в возрасте 49 лет, и семья Уистлеров вернулась в родной город его матери Помфрет, штат Коннектикут .

Семья жила скромно и сумела выжить на ограниченный доход. Его художественные планы оставались туманными, а будущее неопределенным. Его двоюродный брат сообщал, что Уистлер в то время был «худощавым, с задумчивым, нежным лицом, оттененным мягкими каштановыми кудрями... он имел несколько иностранную внешность и манеры, что, чему способствовали природные способности, делало его очень обаятельным даже на такого возраста».

Вест-Пойнт

Уистлера отправили в школу Крайст-Черч-Холл с надеждой его матери, что он станет священником. Уистлер редко оставался без своего альбома для рисования и пользовался популярностью среди одноклассников своими карикатурами . Однако стало ясно, что карьера религиозного деятеля ему не подходит, поэтому он подал заявление в Военную академию США в Вест-Пойнте, где его отец преподавал рисование и посещали другие родственники. Он был принят в это учреждение строгого отбора в июле 1851 года на основании своей фамилии, несмотря на крайнюю близорукость и плохую историю болезни. Однако за три года пребывания там его оценки были едва удовлетворительными, а в строевой подготовке и одежде он представлял собой жалкое зрелище, прозванный «Кудрявым» из-за длины волос, превышавшей установленные правила. Уистлер пренебрегал авторитетами, высказывал саркастические комментарии и получал недостатки . Полковник Роберт Э. Ли был суперинтендантом Вест-Пойнта, и после значительной снисходительности к Уистлеру у него не было другого выбора, кроме как уволить молодого кадета. Главным достижением Уистлера в Вест-Пойнте было обучение рисованию и созданию карт у американского художника Роберта В. Вейра .

Его отъезд из Вест-Пойнта, судя по всему, был вызван провалом на экзамене по химии, где его попросили описать кремний , и он начал со слов: «Кремний — это газ ». Как он сам позже выразился: «Если бы кремний был газом, я бы однажды стал генералом». Однако отдельный анекдот предполагает, что причиной ухода Уистлера было проступок на уроке рисования.

Первая работа

После Вест-Пойнта Уистлер работал чертежником всего побережья США в военных и морских целях. Работа находила его скучной, он часто опаздывал или отсутствовал. Большую часть свободного времени он проводил, играя в бильярд и бездельничая, всегда был разорен и, хотя и был обаятельным, мало знаком с женщинами. После того, как было обнаружено, что он рисовал на полях карт морских змей, русалок и китов, его перевели в отдел офорта Береговой службы США . Он продержался там всего два месяца, но освоил технику офорта , которая впоследствии оказалась ценной для его карьеры.

Portrait of Whistler with Hat (1858), a self-portrait at the Freer Gallery of Art, Washington, D.C.

В этот момент Уистлер твердо решил, что искусство — его будущее. Несколько месяцев он жил в Балтиморе с богатым другом Томом Винансом, который даже предоставил Уистлеру студию и немного денег на расходы. Молодой художник завел несколько ценных контактов в художественном сообществе, а также продал Винансу несколько ранних картин. Уистлер отклонил предложения своей матери о другой, более практичной карьере и сообщил ей, что на деньги Винанса он намеревается продолжить свое художественное образование в Париже. Уистлер так и не вернулся в Соединенные Штаты.

Art study in France

Whistler arrived in Paris in 1855, rented a studio in the Latin Quarter, and quickly adopted the life of a bohemian artist. Soon he had a French girlfriend, a dressmaker named Héloise. He studied traditional art methods for a short time at the Ecole Impériale and at the atelier of Charles Gleyre. The latter was a great advocate of the work of Ingres, and impressed Whistler with two principles that he used for the rest of his career: that line is more important than color and that black is the fundamental color of tonal harmony. Twenty years later, the Impressionists would largely overthrow this philosophy, banning black and brown as "forbidden colors" and emphasizing color over form. Whistler preferred self-study and enjoying the café life.

While letters from home reported his mother's efforts at economy, Whistler spent freely, sold little or nothing in his first year in Paris, and was in steady debt. To relieve the situation, he took to painting and selling copies from works at the Louvre and finally moved to cheaper quarters. As luck would have it, the arrival in Paris of George Lucas, another rich friend, helped stabilize Whistler's finances for a while. In spite of a financial respite, the winter of 1857 was a difficult one for Whistler. His poor health, made worse by excessive smoking and drinking, laid him low.

Conditions improved during the summer of 1858. Whistler recovered and traveled with fellow artist Ernest Delannoy through France and the Rhineland. He later produced a group of etchings known as "The French Set", with the help of French master printer Auguste Delâtre. During that year, he painted his first self-portrait, Portrait of Whistler with Hat, a dark and thickly rendered work reminiscent of Rembrandt. But the event of greatest consequence that year was his friendship with Henri Fantin-Latour, whom he met at the Louvre. Through him, Whistler was introduced to the circle of Gustave Courbet, which included Carolus-Duran (later the teacher of John Singer Sargent), Alphonse Legros, and Édouard Manet.

Also in this group was Charles Baudelaire, whose ideas and theories of "modern" art influenced Whistler. Baudelaire challenged artists to scrutinize the brutality of life and nature and to portray it faithfully, avoiding the old themes of mythology and allegory. Théophile Gautier, one of the first to explore translation qualities among art and music, may have inspired Whistler to view art in musical terms.

London

Reflecting his adopted circle's banner of the Realism art movement, Whistler painted his first exhibited work, La Mère Gérard in 1858. He followed it by painting At the Piano in 1859 in London, which he adopted as his home, while also regularly visiting friends in France. At the Piano is a portrait composed of his niece and her mother in their London music room, an effort which clearly displayed his talent and promise. A critic wrote, "[despite] a recklessly bold manner and sketchiness of the wildest and roughest kind, [it has] a genuine feeling for colour and a splendid power of composition and design, which evince a just appreciation of nature very rare amongst artists." The work is unsentimental and effectively contrasts the mother in black and the daughter in white, with other colors kept restrained in the manner advised by his teacher Gleyre. It was displayed at the Royal Academy the following year, and in many exhibits to come.

In a second painting executed in the same room, Whistler demonstrated his natural inclination toward innovation and novelty by fashioning a genre scene with unusual composition and foreshortening. It later was re-titled Harmony in Green and Rose: The Music Room. This painting also demonstrated Whistler's ongoing work pattern, especially with portraits: a quick start, major adjustments, a period of neglect, then a final flurry to the finish.

After a year in London, he produced a set of etchings in 1860 called Thames Set, as counterpoint to his 1858 French set, as well as some early impressionistic work including The Thames in Ice. At this stage, he was beginning to establish his technique of tonal harmony based on a limited, predetermined palette.

Early career

Symphony in White, No. 1: The White Girl (1862), The National Gallery of Art, Washington, D.C.

James Abbott McNeill Whistler, Paris, c.1863, albumen print by Etienne Carjat, Department of Image Collections, National Gallery of Art Library, Washington, D.C.

In 1861, after returning to Paris for a time, Whistler painted his first famous work, Symphony in White, No. 1: The White Girl. The portrait of his mistress and business manager Joanna Hiffernan was created as a simple study in white; however, others saw it differently. The critic Jules-Antoine Castagnary thought the painting an allegory of a new bride's lost innocence. Others linked it to Wilkie Collins's The Woman in White, a popular novel of the time, or various other literary sources. In England, some considered it a painting in the Pre-Raphaelite manner. In the painting, Hiffernan holds a lily in her left hand and stands upon a wolf skin rug (interpreted by some to represent masculinity and lust) with the wolf's head staring menacingly at the viewer. The portrait was refused for exhibition at the conservative Royal Academy, but was shown in a private gallery under the title The Woman in White. In 1863, it was shown at the Salon des Refusés in Paris, an event sponsored by Emperor Napoleon III for the exhibition of works rejected from the Salon.

Whistler's painting was widely noticed, although upstaged by Manet's more shocking painting Le déjeuner sur l'herbe. Countering criticism by traditionalists, Whistler's supporters insisted that the painting was "an apparition with a spiritual content" and that it epitomized his theory that art should be concerned essentially with the arrangement of colors in harmony, not with a literal portrayal of the natural world.

Two years later, Whistler painted another portrait of Hiffernan in white, this time displaying his newfound interest in Asian motifs, which he entitled The Little White Girl. His Lady of the Land Lijsen and The Golden Screen, both completed in 1864, again portray his mistress, in even more emphatic Asian dress and surroundings.

During this period Whistler became close to Gustave Courbet, the early leader of the French realist school, but when Hiffernan modeled in the nude for Courbet, Whistler became enraged and his relationship with Hiffernan began to fall apart.

In January 1864, Whistler's very religious and very proper mother arrived in London, upsetting her son's bohemian existence and temporarily exacerbating family tensions. As he wrote to Henri Fantin-Latour, "General upheaval!! I had to empty my house and purify it from cellar to eaves." He also immediately moved Hiffernan to another location.

From 1866, Whistler made his home in Chelsea, London, an area popular with artists, firstly in Cheyne Walk, then an ill-fated move to Tite Street, and finally Upper Church Street.

Mature career

Nocturnes

Further information: Nocturne (painting)

Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge (1872), Tate Britain, London

In 1866, Whistler decided to visit Valparaíso, Chile, a journey that has puzzled scholars, although Whistler stated that he did it for political reasons. Chile was at war with Spain and perhaps Whistler thought it a heroic struggle of a small nation against a larger one, but no evidence supports that theory. What the journey did produce was Whistler's first three nocturnal paintings (which he originally termed "moonlights"): night scenes of the harbor painted with a blue or light green palette.

After he returned to London, he painted several more nocturnes over the next ten years, many of the River Thames and of Cremorne Gardens, a pleasure park famous for its frequent fireworks displays, which presented a novel challenge to paint. In his maritime nocturnes, Whistler used highly thinned paint as a ground with lightly flicked color to suggest ships, lights, and shore line. Some of the Thames paintings also show compositional and thematic similarities with the Japanese prints of Hiroshige.

In 1872, Whistler credited his patron Frederick Leyland, an amateur musician devoted to Chopin, for his musically inspired titles.

I say I can't thank you too much for the name 'Nocturne' as a title for my moonlights! You have no idea what an irritation it proves to the critics and consequent pleasure to me—besides it is really so charming and does so poetically say all that I want to say and no more than I wish!

At that point, Whistler painted another self-portrait and entitled it Arrangement in Gray: Portrait of the Painter (c. 1872), and he also began to re-title many of his earlier works using terms associated with music, such as a "nocturne", "symphony", "harmony", "study" or "arrangement", to emphasize the tonal qualities and the composition and to de-emphasize the narrative content. Whistler's nocturnes were among his most innovative works. Furthermore, his submission of several nocturnes to art dealer Paul Durand-Ruel after the Franco-Prussian War gave Whistler the opportunity to explain his evolving "theory in art" to artists, buyers, and critics in France.

His good friend Fantin-Latour, growing more reactionary in his opinions, especially in his negativity concerning the emerging Impressionist school, found Whistler's new works surprising and confounding. Fantin-Latour admitted, "I don't understand anything there; it's bizarre how one changes. I don't recognize him anymore." Their relationship was nearly at an end by then, but they continued to share opinions in occasional correspondence.

When Edgar Degas invited Whistler to exhibit with the first show by the Impressionists in 1874, Whistler turned down the invitation, as did Manet, and some scholars attributed this in part to Fantin-Latour's influence on both men.

Portraits

The Franco-Prussian War of 1870 fragmented the French art community. Many artists took refuge in England, joining Whistler, including Camille Pissarro and Claude Monet, while Manet and Degas stayed in France. Like Whistler, Monet and Pissarro both focused their efforts on views of the city, and it is likely that Whistler was exposed to the evolution of Impressionism founded by these artists and that they had seen his nocturnes. Whistler was drifting away from Courbet's "damned realism" and their friendship had wilted, as had his liaison with Joanna Hiffernan.

Whistler's Mother

Main article: Whistler's Mother

Arrangement in Grey and Black No.1 (1871), popularly known as Whistler's Mother, Musée d'Orsay, Paris

By 1871, Whistler returned to portraits and soon produced his most famous painting, the nearly monochromatic full-length figure entitled Arrangement in Grey and Black No.1, but usually referred to as Whistler's Mother. A model failed to appear one day, according to a letter from his mother, so Whistler turned to his mother and suggested that he do her portrait. He had her stand at first, in his typically slow and experimental way, but that proved too tiring so the seated pose was adopted. It took dozens of sittings to complete.

Whistler's mother Anna Whistler, c. 1850s

The austere portrait in his normally constrained palette is another Whistler exercise in tonal harmony and composition. The deceptively simple design is in fact a balancing act of differing shapes, particularly the rectangles of curtain, picture on the wall, and floor which stabilize the curve of her face, dress, and chair. Whistler commented that the painting's narrative was of little importance, yet the painting was also paying homage to his pious mother. After the initial shock of her moving in with her son, she aided him considerably by stabilizing his behavior somewhat, tending to his domestic needs, and providing an aura of conservative respectability that helped win over patrons.

The public reacted negatively to the painting, mostly because of its anti-Victorian simplicity during a time in England when sentimentality and flamboyant decoration were in vogue. Critics thought the painting a failed "experiment" rather than a work of art. The Royal Academy rejected it, but then grudgingly accepted it after lobbying by Sir William Boxall—but they hung it in an unfavorable location at their exhibition.

From the start, Whistler's Mother sparked varying reactions, including parody, ridicule, and reverence, which have continued to today. Some saw it as "the dignified feeling of old ladyhood", "a grave sentiment of mourning", or a "perfect symbol of motherhood"; others employed it as a fitting vehicle for mockery. It has been satirized in endless variations in greeting cards and magazines, and by cartoon characters such as Donald Duck and Bullwinkle the Moose. Whistler did his part in promoting the picture and popularizing the image. He frequently exhibited it and authorized the early reproductions that made their way into thousands of homes. The painting narrowly escaped being burned in a fire aboard a train during shipping. It was ultimately purchased by the French government, the first Whistler work in a public collection, and is now housed in the Musée d'Orsay in Paris.

Whistler's Mother

Issue of 1934

During the Great Depression in the United States, the picture was billed as a "million dollar" painting and was a big hit at the 1933–34 Chicago World's Fair. It was accepted as a universal icon of motherhood by the worldwide public, which was not particularly aware of or concerned with Whistler's aesthetic theories. In recognition of its status and popularity, the United States issued a postage stamp in 1934 featuring an adaptation of the painting.

In 2015, New Yorker critic Peter Schjeldahl wrote that it "remains the most important American work residing outside the United States." Martha Tedeschi writes:

Whistler's Mother, Wood's American Gothic, Leonardo da Vinci's Mona Lisa and Edvard Munch's The Scream have all achieved something that most paintings—regardless of their art historical importance, beauty, or monetary value—have not: they communicate a specific meaning almost immediately to almost every viewer. These few works have successfully made the transition from the elite realm of the museum visitor to the enormous venue of popular culture.

Other portraits

Whistler in his Studio 1865, self-portrait

Other important portraits by Whistler include those of Thomas Carlyle (historian, 1873), Maud Franklin (his mistress, 1876), Cicely Alexander (daughter of a London banker, 1873), Lady Meux (socialite, 1882), and Théodore Duret (critic, 1884). In the 1870s, Whistler painted full-length portraits of his benefactor Frederick Leyland and his wife Frances. Leyland subsequently commissioned the artist to decorate his dining room (see Peacock Room below).

Whistler had been disappointed over the irregular acceptance of his works for the Royal Academy exhibitions and the poor hanging and placement of his paintings. In response, Whistler staged his first solo show in 1874. The show was notable and noticed, however, for Whistler's design and decoration of the hall, which harmonized well with the paintings, in keeping with his art theories. A reviewer wrote, "The visitor is struck, on entering the gallery, with a curious sense of harmony and fitness pervading it, and is more interested, perhaps, in the general effect than in any one work."

Alice Butt, c. 1895, National Gallery of Art

Whistler was not so successful a portrait painter as the other famous expatriate American John Singer Sargent. Whistler's spare technique and his disinclination to flatter his sitters, as well as his notoriety, may account for this. He also worked very slowly and demanded extraordinarily long sittings. William Merritt Chase complained of his sitting for a portrait by Whistler, "He proved to be a veritable tyrant, painting every day into the twilight, while my limbs ached with weariness and my head swam dizzily. 'Don't move! Don't move!' he would scream whenever I started to rest." By the time he gained widespread acceptance in the 1890s, Whistler was past his prime as a portrait painter.

Technique

Whistler's approach to portraiture in his late maturity was described by one of his sitters, Arthur J. Eddy, who posed for the artist in 1894:

He worked with great rapidity and long hours, but he used his colours thin and covered the canvas with innumerable coats of paint. The colours increased in depth and intensity as the work progressed. At first the entire figure was painted in greyish-brown tones, with very little flesh colour, the whole blending perfectly with the greyish-brown of the prepared canvas; then the entire background would be intensified a little; then the figure made a little stronger; then the background, and so on from day to day and week to week, and often from month to month. ... And so the portrait would really grow, really develop as an entirety, very much as a negative under the action of the chemicals comes out gradually—light, shadows, and all from the very first faint indications to their full values. It was as if the portrait were hidden within the canvas and the master by passing his wands day after day over the surface evoked the image.

Printmaking

Zaandam, the Netherlands, c. 1889 – etching by James McNeill Whistler

Whistler produced numerous etchings, lithographs, and dry-points. His lithographs, some drawn on stone, others drawn directly on "lithographie" paper, are perhaps half as numerous as his etchings. Some of the lithographs are of figures slightly draped; two or three of the very finest are of Thames subjects—including a "nocturne" at Limehouse; while others depict the Faubourg Saint-Germain in Paris, and Georgian churches in Soho and Bloomsbury in London.

The Doorway, etching and drypoint, 1879–80, Metropolitan Museum of Art

The etchings include portraits of family, mistresses, and intimate street scenes in London and Venice. Whistler gained an enormous reputation as an etcher. Martin Hardie wrote "there are some who set him beside Rembrandt, perhaps above Rembrandt, as the greatest master of all time. Personally, I prefer to regard them as the Jupiter and Venus, largest and brightest among the planets in the etcher's heaven." He took great care over the printing of his etchings and the choice of paper. At the beginning and end of his career, he placed great emphasis on cleanness of line, though in a middle period he experimented more with inking and the use of surface tone.

Butterfly signature and painting settings

Whistler's famous butterfly signature first developed in the 1860s out of his interest in Asian art. He studied the potter's marks on the china he had begun to collect and decided to design a monogram of his initials. Over time this evolved into the shape of an abstract butterfly. By around 1880, he added a stinger to the butterfly image to create a mark representing both his gentle, sensitive nature and his provocative, feisty spirit. He took great care in the appropriate placement of the image on both his paintings and his custom-made frames. His focus on the importance of balance and harmony extended beyond the frame to the placement of his paintings to their settings, and further to the design of an entire architectural element, as in the Peacock Room.

The Peacock Room

Main article: The Peacock Room

The Princess from the Land of Porcelain, in situ in The Peacock Room, Freer Gallery of Art, Washington, D.C.

Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room is Whistler's masterpiece of interior decorative mural art. Painted in 1876–1877, it is now considered a high example of the Anglo-Japanese style.

Frederick Leyland left the room in Whistler's care to make minor changes, "to harmonize" the room whose primary purpose was to display Leyland's china collection. He painted over the original paneled room designed by Thomas Jeckyll (1827–1881), in a unified palette of brilliant blue-greens with over-glazing and metallic gold leaf.

Whistler let his imagination run wild, however: "Well, you know, I just painted on. I went on—without design or sketch—putting in every touch with such freedom ... And the harmony in blue and gold developing, you know, I forgot everything in my joy of it." He completely painted over 16th-century Cordoba leather wall coverings first brought to Britain by Catherine of Aragon that Leyland had paid £1,000 for.

Having acquired the centerpiece of the room, Whistler's painting of The Princess from the Land of Porcelain, American industrialist and aesthete Charles Lang Freer purchased the entire room in 1904 from Leyland's heirs, including Leyland's daughter and her husband, the British artist Val Prinsep. Freer then had the contents of the Peacock Room installed in his Detroit mansion. After Freer's death in 1919, The Peacock Room was permanently installed in the Freer Gallery of Art at the Smithsonian in Washington, D.C. The gallery opened to the public in 1923. A large painted caricature by Whistler of Leyland portraying him as an anthropomorphic peacock playing a piano, and entitled The Gold Scab: Eruption in Frilthy Lucre – a pun on Leyland's miserliness and fondness for frilly shirt fronts – is in the permanent collection of the Fine Arts Museums of San Francisco.

Ruskin trial

In 1877 Whistler sued the critic John Ruskin after the critic condemned his painting Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket. Whistler exhibited the work in the Grosvenor Gallery, an alternative to the Royal Academy exhibition, alongside works by Edward Burne-Jones and other artists. Ruskin, who had been a champion of the Pre-Raphaelites and J. M. W. Turner, reviewed Whistler's work in his publication Fors Clavigera on July 2, 1877. Ruskin praised Burne-Jones, while he attacked Whistler:

For Mr. Whistler's own sake, no less than for the protection of the purchaser, Sir Coutts Lindsay [founder of the Grosvenor Gallery] ought not to have admitted works into the gallery in which the ill-educated conceit of the artist so nearly approached the aspect of willful imposture. I have seen, and heard, much of Cockney impudence before now; but never expected to hear a coxcomb ask two hundred guineas for flinging a pot of paint in the public's face.

Whistler, seeing the attack in the newspaper, replied to his friend George Boughton, "It is the most debased style of criticism I have had thrown at me yet." He then went to his solicitor and drew up a writ for libel, which was served to Ruskin. Whistler hoped to recover £1,000 plus the costs of the action. The case came to trial the following year after delays caused by Ruskin's bouts of mental illness, while Whistler's financial condition continued to deteriorate. It was heard in the Exchequer Division of the High Court on November 25 and 26, 1878, before Baron Huddleston and a special jury. Counsel for John Ruskin, Attorney General Sir John Holker, cross-examined Whistler:

Holker: "What is the subject of Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket?"

Whistler: "It is a night piece and represents the fireworks at Cremorne Gardens."

Holker: "Not a view of Cremorne?"

Whistler: "If it were A View of Cremorne it would certainly bring about nothing but disappointment on the part of the beholders. It is an artistic arrangement. That is why I call it a nocturne. ..."

Holker: "Did it take you much time to paint the Nocturne in Black and Gold? How soon did you knock it off?"

Whistler: "Oh, I 'knock one off' possibly in a couple of days – one day to do the work and another to finish it ..." [the painting measures 24 3/4 x 18 3/8 inches]

Holker: "The labour of two days is that for which you ask two hundred guineas?"

Whistler: "No, I ask it for the knowledge I have gained in the work of a lifetime."

Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket (1874),
Detroit Institute of Arts

Whistler had counted on many artists to take his side as witnesses, but they refused, fearing damage to their reputations. The other witnesses for him were unconvincing and the jury's own reaction to the work was derisive. With Ruskin's witnesses more impressive, including Edward Burne-Jones, and with Ruskin absent for medical reasons, Whistler's counterattack was ineffective. Nonetheless, the jury reached a verdict in favor of Whistler, but awarded a mere farthing in nominal damages, and the court costs were split. The cost of the case, together with huge debts from building his residence ("The White House" in Tite Street, Chelsea, designed with E. W. Godwin, 1877–8), bankrupted him by May 1879, resulting in an auction of his work, collections, and house. Stansky notes the irony that the Fine Art Society of London, which had organized a collection to pay for Ruskin's legal costs, supported him in etching "The Stones of Venice" (and in exhibiting the series in 1883), which helped recoup Whistler's costs.

Whistler published his account of the trial in the pamphlet Whistler v. Ruskin: Art and Art Critics, included in his later The Gentle Art of Making Enemies (1890), in December 1878, soon after the trial. Whistler's grand hope that the publicity of the trial would rescue his career was dashed as he lost rather than gained popularity among patrons because of it. Among his creditors was Leyland, who oversaw the sale of Whistler's possessions. Whistler made various caricatures of his former patron, including a biting satirical painting called The Gold Scab, just after Whistler declared bankruptcy. Whistler always blamed Leyland for his financial downfall.

Later years

Mother of Pearl and Silver: The Andalusian (1888–1900), National Gallery of Art, Washington, D.C. (Model: Ethel Whibley)

"It is always a delight to remember that actually once Mr. Whistler was really shy! Those who had the pleasure of hearing his first Ten O'Clock must remember that when he came before his rather puzzled and distinguished audience, there were a few minutes of very palpable stage fright." – Anna Lea Merritt

The Life of James McNeill Whistler, by E. R. and J. Pennell, Volume 2 (1908)

After the trial, Whistler received a commission to do twelve etchings in Venice. He eagerly accepted the assignment, and arrived in the city with girlfriend Maud Franklin, taking rooms in a dilapidated palazzo they shared with other artists, including John Singer Sargent. Although homesick for London, he adapted to Venice and set about discovering its character. He did his best to distract himself from the gloom of his financial affairs and the pending sale of all his goods at Sotheby's. He was a regular guest at parties at the American consulate, and with his usual wit, enchanted the guests with verbal flourishes such as "the artist's only positive virtue is idleness—and there are so few who are gifted at it."

His new friends reported, on the contrary, that Whistler rose early and put in a full day of effort. He wrote to a friend, "I have learned to know a Venice in Venice that the others never seem to have perceived, and which, if I bring back with me as I propose, will far more than compensate for all annoyances delays & vexations of spirit." The three-month assignment stretched to fourteen months. During this exceptionally productive period, Whistler finished over fifty etchings, several nocturnes, some watercolors, and over 100 pastels—illustrating both the moods of Venice and its fine architectural details.Furthermore, Whistler influenced the American art community in Venice, especially Frank Duveneck (and Duveneck's "boys") and Robert Blum who emulated Whistler's vision of the city and later spread his methods and influence back to America.

Back in London, the pastels sold particularly well, and he quipped, "They are not as good as I supposed. They are selling!" He was actively engaged in exhibiting his other work but with limited success. Though still struggling financially, he was heartened by the attention and admiration he received from the younger generation of English and American painters who made him their idol and eagerly adopted the title "pupil of Whistler". Many of them returned to America and spread tales of Whistler's provocative egotism, sharp wit, and aesthetic pronouncements—establishing the legend of Whistler, much to his satisfaction.

In January 1881, his mother Anna Whistler died. In her honour, he publicly adopted her maiden name McNeill as a middle name.

Whistler published his first book, Ten O'Clock lecture in 1885, a major expression of his belief in "art for art's sake". At the time, the opposing Victorian notion reigned, namely, that art, and indeed much human activity, had a moral or social function. To Whistler, however, art was its own end and the artist's responsibility was not to society, but to himself, to interpret through art, and to neither reproduce nor moralize what he saw. Furthermore, he stated, "Nature is very rarely right", and must be improved upon by the artist, with his own vision.

Though differing with Whistler on several points, including his insistence that poetry was a higher form of art than painting, Oscar Wilde was generous in his praise and hailed the lecture as a masterpiece:

not merely for its clever satire and amusing jests ... but for the pure and perfect beauty of many of its passages ... for that he is indeed one of the very greatest masters of painting, in my opinion. And I may add that in this opinion Mr. Whistler himself entirely concurs.

Whistler, however, thought himself mocked by Oscar Wilde, and from then on, public sparring ensued leading to a total breakdown of their friendship, precipitated by a report written by Herbert Vivian. Later, Wilde "symbolically murdered Whistler", basing Basil Hallward, the murdered artist in his novel The Picture of Dorian Gray on Whistler.

The Barrow, Brussels, 1887, etching and drypoint

Whistler joined the Society of British Artists in 1884, and on June 1, 1886, he was elected president. The following year, during Queen Victoria's Golden Jubilee, Whistler presented to the Queen, on the Society's behalf, an elaborate album including a lengthy written address and illustrations that he made. Queen Victoria so admired "the beautiful and artistic illumination" that she decreed henceforth, "that the Society should be called Royal." This achievement was widely appreciated by the members, but soon it was overshadowed by the dispute that inevitably arose with the Royal Academy of Arts. Whistler proposed that members of the Royal Society should withdraw from the Royal Academy. This ignited a feud within the membership ranks that overshadowed all other society business. In May 1888, nine members wrote to Whistler to demand his resignation. At the annual meeting on June 4, he was defeated for re-election by a vote of 18–19, with nine abstentions. Whistler and 25 supporters resigned, while the anti-Whistler majority (in his view) was successful in purging him for his "eccentricities" and "non-English" background.

With his relationship with Maud Franklin unraveling, Whistler suddenly proposed to Beatrice Godwin (also called Beatrix or Trixie), a former pupil and the widow of his late friend, architect Edward William Godwin. Through his friendship with Godwin, Whistler had become close to Beatrice, whom Whistler painted in the full-length portrait titled Harmony in Red: Lamplight (GLAHA 46315). By the summer of 1888 Whistler and Beatrice appeared in public as a couple. At a dinner Louise Jopling and Henry Labouchère insisted that they should be married before the end of the week.

The marriage ceremony was quickly arranged; as a member of Parliament, Labouchère arranged for the Chaplain to the House of Commons to marry the couple. No publicity was given to the ceremony to avoid the possibility of a furious Maud Franklin interrupting the marriage ceremony. The marriage took place on August 11, 1888, with the ceremony attended by a reporter from the Pall Mall Gazette, so that the event received publicity. The couple left soon after for Paris, to avoid any risk of a scene with Maud.

Whistler's reputation in London and Paris was rising and he gained positive reviews from critics and new commissions. His book The Gentle Art of Making Enemies was published in 1890 with mixed success, but it afforded helpful publicity.

Композиция в розовом, красном и фиолетовом цветах , 1883–1884, Художественный музей Цинциннати , Цинциннати, Огайо.

В 1890 году он встретил Чарльза Ланга Фрира , который стал ценным покровителем в Америке и, в конечном итоге, его самым важным коллекционером. Around this time, in addition to portraiture, Whistler experimented with early colour photography and with lithography, creating a series featuring London architecture and the human figure, mostly female nudes. He contributed the first three of his Songs of Stone lithographs to The Whirlwind, a Neo-Jacobite magazine published by his friend Herbert Vivian. Whistler had met Vivian in the late 1880s when both were members of the Order of the White Rose, the first of the Neo-Jacobite societies.

В 1891 году с помощью его близкого друга Стефана Малларме « Мать Уистлера» была куплена французским правительством за 4000 франков. Это было намного меньше, чем мог бы заплатить американский коллекционер, но, по подсчетам Уистлера, это было бы не так престижно.

После равнодушного приема его персональной выставки в Лондоне, на которой в основном были представлены его ноктюрны, Уистлер внезапно решил, что с него достаточно Лондона. Он и Трикси переехали в Париж в 1892 году и проживали на улице Рю дю Бак, 110 в Париже , а его студия располагалась на вершине улицы Нотр-Дам де Шамп, 86 на Монпарнасе .

Его приветствовали его старые парижские друзья Моне, Огюст Роден , Анри де Тулуз-Лотрек , а также Стефан Малларме, и он открыл себе большую студию. Он был на пике своей карьеры, когда выяснилось, что его жена Трикси больна раком. Они вернулись в Лондон в феврале 1896 года, сняв номера в отеле «Савой» на время лечения. Он рисовал на литографической переводной бумаге вид на Темзу из окна или с балкона отеля, когда сидел с ней. Через несколько месяцев она умерла.

В 1899 году Чарльз Фрир познакомил Уистлера со своим другом и коллегой-бизнесменом Ричардом Альбертом Кэнфилдом , который стал личным другом и покровителем Уистлера. Кэнфилд владел рядом модных игорных домов в Нью-Йорке и Род-Айленде, включая Саратога-Спрингс и Ньюпорт, а также был человеком культуры с утонченным вкусом в искусстве. До своей смерти в 1914 году он владел ранней американской мебелью и мебелью Чиппендейла , гобеленами, китайским фарфором и бронзой Бари , а также второй по величине и самой важной коллекцией Уистлера в мире.

В мае 1901 года Кэнфилд заказал Уистлеру портрет; он начал позировать для Портрета Ричарда А. Кэнфилда (YMSM 547) в марте 1902 года. По словам Александра Гардинера, Кэнфилд вернулся в Европу, чтобы позировать Уистлеру на Новый год в 1903 году, и сидел каждый день до 16 мая 1903 года. в это время был болен и немощен, и эта работа была его последним завершенным портретом. Обманчивый вид респектабельности, который придавал Кэнфилду портрет, заставил Уистлера назвать его «Его преподобие». Эти двое мужчин переписывались с 1901 года до смерти Уистлера. За несколько месяцев до своей смерти Кэнфилд продал свою коллекцию гравюр, литографий, рисунков и картин Уистлера американскому торговцу произведениями искусства Роланду Ф. Кнодлеру за 300 000 долларов. Три картины Кэнфилда Уистлера висят в Музее Фрика в Нью-Йорке.

В последние семь лет своей жизни Уистлер написал несколько минималистских морских пейзажей акварелью и последний автопортрет маслом. Он переписывался со своими многочисленными друзьями и коллегами. Уистлер основал художественную школу в 1898 году, но его слабое здоровье и нечастые выступления привели к ее закрытию в 1901 году. Он умер в Лондоне 17 июля 1903 года, через шесть дней после своего 69-летия. Он похоронен на старом кладбище Чизвик в западном Лондоне, примыкающем к церкви Святого Николая в Чизвике .

Уистлер был предметом биографии 1908 года его друзей, мужа и жены Джозефа Пеннелла и Элизабет Робинс Пеннелл , гравера и искусствоведа соответственно. Обширная коллекция материалов Уистлера, принадлежащая семье Пеннеллов, была завещана Библиотеке Конгресса . Все состояние художника осталось его невестке Розалинде Бирни Филип . Оставшуюся часть своей жизни она провела, защищая его репутацию и управляя его искусством и эффектами, большая часть которых в конечном итоге была пожертвована Университету Глазго .

Офорт модели Уистлера, Джоанны Хиффернан (ок. 1860 г.)

Личные отношения

Симфония в белом № 2 (Белая девочка) , полная версия

Композиция Мод Франклин в белом и черном , 1876 год. Художественная галерея Фрира , Вашингтон, округ Колумбия.

«Гармония в красном»: «Лэмплайт» использовал Беатрис Годвин . в качестве модели

У Уистлера была характерная внешность: невысокий и худощавый, с пронзительными глазами и вьющимися усами, часто носил монокль и яркую одежду денди. Он изображал позу самоуверенности и эксцентричности. Он часто был высокомерным и эгоистичным по отношению к друзьям и покровителям. Постоянный саморекламатор и эгоист, он любил шокировать друзей и врагов. Хотя он мог быть забавным и легкомысленным в социальных и политических вопросах, он всегда серьёзно относился к искусству и часто вызывал публичные споры и дебаты, чтобы аргументировать свои твёрдые теории.

У Уистлера был высокий, протяжный голос и уникальная манера речи, полная расчетливых пауз. Один друг сказал: «Через секунду вы обнаруживаете, что он не разговаривает — он делает словесные зарисовки, производя звуковые и смысловые впечатления, которые слушатель может интерпретировать».

Уистлер был хорошо известен своим острым остроумием, особенно в спорах со своим другом и соперником Оскаром Уайльдом . Оба были фигурами в обществе парижских кафе , и о них часто говорили в городе. они часто появлялись в «Панче» К их взаимному удовольствию, в карикатурном виде. Однажды молодой Оскар Уайльд присутствовал на одном из ужинов Уистлера и, услышав, как хозяин сделал какое-то блестящее замечание, очевидно, сказал: «Хотел бы я сказать это», на что Уистлер ответил: «Сделаешь, Оскар, сделаешь!» Фактически Уайльд публично повторил многие остроты, придуманные Уистлером. Их отношения испортились к середине 1880-х годов, когда Уистлер выступил против Уайльда и эстетического движения. Когда в 1895 году Уайльд был публично признан гомосексуалистом, Уистлер открыто высмеивал его.

Уистлер получал удовольствие от подготовки и проведения своих общественных собраний. Как заметил гость:

Там можно было встретить все лучшее в обществе — людей с мозгами и тех, у кого было достаточно, чтобы их оценить. Уистлер был неподражаемым хозяином. Он любил быть Солнцем, вокруг которого вращались мы, меньшие светила... Все попало под его влияние, и в результате никому не было скучно, никому не скучно.

В Париже Уистлер дружил с членами кружка символистов художников, писателей и поэтов- , в который входил Стефан Малларме. и Марсель Швоб . Швоб познакомился с Уистлером в середине 1890-х годов через Стефана Малларме; у них были и другие общие друзья, в том числе Оскар Уайльд (пока они не поссорились) и зять Уистлера Чарльз Уибли .

Уистлер дружил со многими французскими художниками, в том числе с Анри Фантен-Латуром , Альфонсом Легро и Гюставом Курбе . Он иллюстрировал книгу Les Chauves-Souris с Антонио де ла Гандара . Он также знал Эдуарда Мане и импрессионистов , особенно Клода Моне и Эдгара Дега . Будучи молодым художником, он был близким другом Данте Габриэля Россетти , члена Братства прерафаэлитов . Его близкая дружба с Моне и поэтом Стефаном Малларме, который перевел лекцию «Десять часов» на французский язык, помогла укрепить уважение к Уистлеру со стороны французской публики. Уистлер дружил со своими сокурсниками по студии Глейра, в том числе с Игнасом Шоттом , чей сын Леон Дабо Уистлер позже стал наставником.

Возлюбленная Уистлера и модель для «Белой девушки » Джоанна Хиффернан также позировала Гюставу Курбе. Историки предполагают, что Курбе использовал ее в качестве модели для своих эротических картин «Соммель» и «Происхождение мира» , что, возможно, привело к разрыву дружбы между Уистлером и Курбе.

В 1870-е и большую часть 1880-х годов он жил со своей моделью и любовницей Мод Франклин. Ее способность выдерживать долгое и повторяющееся сидение помогла Уистлеру развить свои портретные навыки. Он не только сделал несколько отличных ее портретов, но и была полезной заменой другим натурщикам. У Уистлера было две дочери от Мод Франклин: Иона (род. около 1877 г.) и Мод Макнил Уистлер Франклин (род. 1879 г.). Мод иногда называла себя «миссис». Уистлер', и в переписи 1881 года она дала ей имя «Мэри М. Уистлер».

У Уистлера было несколько внебрачных детей, из которых лучше всего известен Чарльз Джеймс Уистлер Хэнсон (1870–1935). После того, как Уистлер расстался со своей любовницей Джоанной Хиффернан, она помогала воспитывать Хэнсона, хотя его матерью была горничная Луиза Фанни Хэнсон.

В 1888 году Уистлер женился на Беатрис Годвин, которую называл Беатрикс или Трикси. Она была вдовой его друга Э. У. Годвина , архитектора, спроектировавшего Белый дом Уистлера , и дочерью скульптора Джона Бирни Филипа. и его жена Фрэнсис Блэк. Беатрикс и ее сестры Розалинда Бирни Филип и Этель Уибли позировала для многих картин и рисунков Уистлера; с Этель Уибли моделировала « Перламутр и серебро: Андалузия» (1888–1900). Первые пять лет их брака были очень счастливыми, но ее дальнейшая жизнь стала для пары временем страданий из-за ее болезни и возможной смерти от рака. Ближе к концу она большую часть времени лежала в коме, полностью подавленная морфием, назначаемым для облегчения боли. Ее смерть стала тяжелым ударом, который Уистлер так и не смог преодолеть.

Наследие

Уистлер Уильяма Меррита Чейза , 1885 год; Метрополитен-музей

Уистлер был вдохновлен и включил в свое искусство множество источников, в том числе работы Рембрандта , Веласкеса и древнегреческую скульптуру, чтобы разработать свой собственный очень влиятельный и индивидуальный стиль. Он был знатоком многих средств массовой информации, написал более 500 картин, а также гравюр, пастелей, акварелей, рисунков и литографий. Уистлер был лидером Эстетического движения , продвигая, писая и читая лекции по философии «искусства ради искусства». Своим ученикам он пропагандировал простой дизайн, экономию средств, отказ от чрезмерно трудоемкой техники и тональную гармонию конечного результата.

Уистлер был предметом многих крупных музейных выставок, исследований и публикаций. Как и импрессионисты, он использовал природу как художественный ресурс. Уистлер настаивал на том, что обязанность художника интерпретировать то, что он видит, не быть рабом реальности и «вызывать из хаоса славную гармонию».

За свою жизнь он оказал влияние на многих художников англоязычного мира. Уистлер имел значительные контакты и обменивался идеями и идеалами с художниками-реалистами, импрессионистами и символистами. Его учеником был художник Уолтер Сикерт . и писатель Оскар Уайльд был его другом. Его тонализм оказал глубокое влияние на многих американских художников, включая Джона Сингера Сарджента, Уильяма Меррита Чейза , Генри Салема Хаббелла , Уиллиса Сивера Адамса (с которым он подружился в Венеции ) и Артура Фрэнка Мэтьюза , с которым Уистлер познакомился в Париже в конце 1890-х годов и который привез «Тонализм» Уистлера в Сан-Франциско, положив начало широкому использованию этой техники среди калифорнийских художников начала века. Уистлер также оказал большое влияние на движение Гейдельбергской школы 1880-х годов в Австралии, также известное как австралийский импрессионизм. Как писал американский критик Чарльз Каффин в 1907 году:

Он добился большего, чем привлек несколько последователей и подражателей; он повлиял на весь мир искусства. Сознательно или бессознательно его присутствие ощущается в бесчисленных студиях; его гений пронизывает современную художественную мысль.

Во время четырнадцатимесячного пребывания в Венеции в 1879 и 1880 годах Уистлер создал серию гравюр и пастелей, которые не только оживили его финансы (это было после того, как он объявил о банкротстве после суда над Раскином), но и вдохнули новую жизнь в то, как художники и фотографы интерпретировали город, уделяя особое внимание переулкам, боковым каналам, подъездам и архитектурным образцам, и запечатлевали уникальную атмосферу города.

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер
Награжден в выпуске 1940 г.

В 1940 году память Уистлера была отмечена на почтовой марке США, когда почтовое отделение США выпустило серию из 35 марок, посвященных известным американским авторам, поэтам, педагогам, ученым, композиторам, художникам и изобретателям: серия «Знаменитые американцы» .

Гилберта и Салливана Оперетта «Терпение » высмеивает эстетическое движение, а главного героя Реджинальда Банторна часто называют пародией на Оскара Уайльда, хотя Банторн, скорее, представляет собой смесь нескольких выдающихся художников, писателей и эстетических деятелей. Банторн носит монокль и имеет заметные белые пряди в темных волосах, как и Уистлер.

Писатель Генри Джеймс «достаточно хорошо познакомился с Уистлером, чтобы создать несколько вымышленных персонажей на основе «странного маленького лондонизированного южанина», особенно в «Родерике Хадсоне» и «Трагической музе ». Уистлер «также появился как один из самых привлекательных второстепенных персонажей Генри Джеймса, скульптор Глориани в «Послах» , чья личность, образ жизни и даже дом во многом основаны на Уистлере».

В романе Жоржа дю Морье 1894 года «Трилби» есть персонаж, Джо Сибли, «праздный ученик», который должен был изобразить Уистлера. «Уистлер пригрозил подать в суд, и в последующих выпусках персонаж был заменен другим». Уистлер также послужил прототипом персонажа Марселя Пруста романа « В поисках утраченного времени» — художника Эльстира.

Уистлер был любимым артистом певицы и актрисы Дорис Дэй . » Уистлера Она владела и демонстрировала оригинальную гравюру « Ротерхит и две его оригинальные литографии: «Ступеньки, Люксембургский сад, Париж и Пантеон» с террасы Люксембургского сада .

Лоуэлл, штат Массачусетс, дом, в котором родился Уистлер, сейчас сохранился как Дом-музей Уистлера . Он похоронен в церкви Святого Николая в Чизвике .

Почести

Уистлер добился мирового признания еще при жизни:

• 1884: избран почетным членом Королевской академии изящных искусств в Мюнхене.
• 1892 г.: произведен в офицеры Ордена Почетного легиона во Франции.
• 1898: стал членом-учредителем и первым президентом Международного общества скульпторов, художников и граверов .

Статуя Джеймса Макнила Уистлера работы Николаса Димблби была установлена ​​в 2005 году на северном конце моста Баттерси на реке Темзе в Соединенном Королевстве.

Галерея

• 
  Ротерхит
  1860
  офорт на бумаге
• 
  Темза во льду
  1860
  холст, масло
• 
  Принцесса из страны фарфора
  1863–1865
  холст, масло
• 
  Гавань Вальпараисо
  1866
  холст, масло
• 
  Три фигуры, розовый и серый
  1868–1878
  холст, масло
• 
  Вариации розового и серого цвета — Челси
  1870–1871
  холст, масло
• 
  Ноктюрн в сером и золотом, Вестминстерский мост
  1874
  холст, масло
• 
  Ноктюрн
  1870–1877
  холст, масло
• 
  Золотая парша: извержение в грязной наживе
  1879
  холст, масло
• 
  Рыбацкая лодка
  1879–1880
  офорт на клееной бумаге
• 
  Ноктюрн в розовом и сером, Портрет леди Ме
  1881
  холст, масло
• 
  Амстердам Ноктюрн
  1883–1884
  акварель на коричневой бумаге
• 
  Оранжевая нота
  1884
  масло по дереву
• 
  Зеленый и серебряный – Болье, Турень
  1888
  акварель на льне
• 
  Канал Амстердам
  1889
  масло по дереву
• 
  Купальные посты, Бретань
  1893
  масло по дереву
• 
  Гармония синего и золотого - Маленькая голубая девочка
  1894–1902
  холст, масло
• 
  Синий и коралловый The Little Blue Bonnet
  1898
  холст, масло

Аукционные записи

27 октября 2010 года Swann Galleries установила рекордную цену за гравюру Уистлера на аукционе, когда «Ноктюрн» , гравюра и сухая игла, напечатанная черным цветом на теплой кремовой японской бумаге 1879–1880 годов, была продана за 282 000 долларов.

См. также

• Джон Уорлтон Банни
• Западная живопись

Ссылки

• Андерсон, Рональд; Коваль, Анна (1995). Джеймс Макнил Уистлер: За пределами мифа . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Кэрролл и Граф. ISBN  978-0-7867-0187-2 . OCLC   613244627 . ; Лондон: Джон Мюррей, 1994. ISBN   978-0-7195-5027-0
• Куксон, Брайан (2006), Пересечение реки , Эдинбург: Mainstream, ISBN  978-1-84018-976-6 , OCLC   63400905
• Харди, Мартин (1921). Британская школа офорта . Лондон: Клуб коллекционеров гравюр.
• Пеннелл, Джозеф; Пеннелл, Элизабет Робинс (1911). Жизнь Джеймса Макнила Уистлера (5-е изд.). Лондон: Уильям Хайнеманн.
• Питерс, Лиза Н. (1996). Джеймс Макнил Уистлер . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Смитмарк. ISBN  978-0-7651-9961-4 . OCLC   36587931 . Также опубликовано в Нью-Йорке: Todtri Productions Limited. ISBN   1-880908-70-0 .
• Снодин, Майкл и Джон Стайлс. Дизайн и декоративное искусство, Великобритания, 1500–1900 гг . Публикации Виктории и Альберта: 2001. ISBN   1-85177-338-X
• Спенсер, Робин (1994). Уистлер . Лондон: Студийные издания. ISBN   1-85170-904-5
• Сазерленд, Дэниел Э. (2014). Уистлер: Жизнь ради искусства . Издательство Йельского университета. ISBN  978-0-300-13545-9 .
• Уэдмор, Фредерик (1911). «Уистлер, Джеймс Эбботт Макнил» . В Чисхолме, Хью (ред.). Британская энциклопедия . Том. 28 (11-е изд.). Издательство Кембриджского университета. стр. 596–597.
• Вайнтрауб, Стэнли (1974). Уистлер: Биография . Нью-Йорк, штат Нью-Йорк: Вейбрайт и Тэлли. ISBN  0-679-40099-0 .

Первоисточники

• «Документы Джорджа А. Лукаса» . Балтиморский художественный музей. Архивировано из оригинала 19 апреля 2015 года.
• Торп, Найджел, изд. Уистлер об искусстве: Избранные письма и сочинения Джеймса Макнила Уистлера . Манчестер: Каркане Пресс; Вашингтон, округ Колумбия: Smithsonian Institution Press, 1994. Включает «Десять часов», стр. 79–95, и выдержки из обзоров прессы, стр. 95–102.
• Уистлер, Джеймс Эбботт Макнил, Нежное искусство наживать врагов, 3-е изд., Сыновья Г.П. Патнэма, Нью-Йорк, 1904 [1890].
• Уайльд, Оскар (21 февраля 1885 г.). «Десять часов мистера Уистлера»

Дальнейшее чтение

• Бендикс, Дина Марон (1995). Дьявольские замыслы: картины, интерьеры и выставки Джеймса Макнила Уистлера . Вашингтон, округ Колумбия: Издательство Смитсоновского института. ISBN   1-56098-415-5 .
• Берман, Авис (1993). Джеймс Макнил Уистлер: Первые впечатления. Нью-Йорк: Harry N. Abrams, Inc. ISBN   0-8109-3968-1 .
• Корбачо, Анри-Пьер (2018). Краткая биография Джеймса Эбботта Макнила Уистлера . Карлайл, Массачусетс: Benna Books. ISBN   978-1-944038-43-4 .
• Кокс, Девон (2015). Улица чудесных возможностей: Уистлер, Уайльд и Сарджент на Тайт-стрит . Лондон: Фрэнсис Линкольн. ISBN  9780711236738 .
• Карри, Дэвид Парк (1984). Джеймс Макнил Уистлер в Художественной галерее Фрира . Нью-Йорк: Художественная галерея WW Norton и Freer. ISBN   9780393018479 .
• Денкер, Эрик (2003). Уистлер и его окружение в Венеции . Лондон: Издательство Меррелл. ISBN   1-85894-200-4 .
• Дормент, Ричард , и Макдональд, Маргарет Ф. (1994). Джеймс Макнил Уистлер . Лондон: Галерея Тейт. ISBN   1-85437-145-2 . При участии Николая Циковского-младшего, Рут Файн, Женевьевы Лакамбр .
• Флеминг, Гордон Х. (1991). Джеймс Эбботт Макнил Уистлер: Жизнь . Адлестроп: Виндраш. ISBN  0-900075-61-9 . .
• Флеминг, Гордон Х. (1978). Молодой Уистлер, 1834–1866 гг . Лондон: Аллен и Анвин. ISBN  0-04-927009-5 . .
• Глейзер, Ли и др. (2008). Джеймс Макнил Уистлер в контексте . Вашингтон, округ Колумбия: Смитсоновский институт. ISBN   978-0-934686-09-9 .
• Глейзер, Ли и Меррилл, Линда, ред. (2013). Дворцы искусств: Уистлер и художественные миры эстетизма. Вашингтон, округ Колумбия: Научная пресса Смитсоновского института. ISBN   978-1-935623-29-8 .
• Грегори, Гораций (1961). Мир Джеймса Макнила Уистлера . Лондон: Хатчинсон. ISBN  0-04-927009-5 .
• Грив, Аластер (1984). Венеция Уистлера . Издательство Йельского университета. ISBN   0-300-08449-8 .
• Хейбрук, Дж. Э. и Макдональд, Маргарет Ф. (1997). Уистлер и Холланд . Рейксмузеум Амстердам. ISBN   90-400-9183-8 .
• Хонор, Хью , и Флеминг, Джон (1991). Венецианские часы Генри Джеймса, Уистлера и Сарджента . Булфинч Пресс/Литтл Браун.
• Лейвер, Джеймс (1930). Уистлер . Нью-Йорк: Cosmopolitan Book Corporation.
• Леви, Мервин , изд. (1975). Литографии Уистлера: иллюстрированный каталог-резонне . Лондон: Книги Юпитера.
• Локнан, Кэтрин А. (1984). Офорты Джеймса Макнила Уистлера . Издательство Йельского университета. ISBN   0-300-03283-8 .
• Макдональд Маргарет Ф. (2001). Дворцы в ночи: Уистлер и Венеция . Издательство Калифорнийского университета. ISBN   0-520-23049-3 .
• Макдональд, Маргарет Ф., изд. (2003). Мать Уистлера: американская икона . Олдершот: Лунд Хамфрис. ISBN   0-85331-856-5 .
• Макдональд, Маргарет Ф., Галасси, Сьюзан Грейс и Рибейро, Эйлин (2003). Уистлер, женщины и мода . Коллекция Фрика/Йельский университет. ISBN   0-300-09906-1 .
• Макдональд, Маргарет Ф. и де Монфор, Патрисия (2013). Американец в Лондоне: Уистлер и Темза . Лондон: Издательство Philip Wilson. ISBN   978-1-78130-022-0 .
• Макдональд, Маргарет Ф. и др. (2020). Женщина в белом: Джоанна Хиффернан и Джеймс Макнил Уистлер . Вашингтон, округ Колумбия: Национальная галерея искусств и Лондон: Королевская академия искусств / Издательство Йельского университета. ISBN   978-0-300-25450-1 .
• Макканн, Джастин, изд. (2015). Уистлер и мир: Коллекция Ландера Джеймса Макнила Уистлера . Уотервилл, Мэн: Художественный музей колледжа Колби. ISBN   978-0972848411 .
• Меррилл, Линда (1992). Горшок с краской: эстетика на суде по делу Уистлер против Раскина . Вашингтон, округ Колумбия: Издательство Смитсоновского института. ISBN   1-56098-300-0 .
• Меррилл, Линда (1998). Павлинья комната: культурная биография . Вашингтон, округ Колумбия: Художественная галерея Фрира / Издательство Йельского университета. ISBN   0-300-07611-8 .
• Меррилл, Линда и Ридли, Сара (1993) Принцесса и павлины, или История [павлиньей] комнаты . Нью-Йорк: Книги Гипериона для детей, совместно с Художественной галереей Фрира. ISBN   1-56282-327-2 .
• Меррилл, Линда и др. (2003) После Уистлера: Художник и его влияние на американскую живопись . Издательство Йельского университета. ISBN   0-300-10125-2 .
• Манхолл, Эдгар (1995). Уистлер и Монтескью : Бабочка и летучая мышь . Нью-Йорк и Париж: Коллекция Фрика / Фламмарион . ISBN   2-08013-578-3 .
• Мерфи, Пол Томас (2023). Падающая ракета: Джеймс Уистлер, Джон Раскин и битва за современное искусство . Нью-Йорк: Pegasus Books, Ltd. ISBN   978-1-63936-491-6 .
• Пирсон, Хескет (1978) [1952]. Человек Уистлер . Лондон: Макдональд и Джейн. ISBN  0-354-04224-6 .
• Петри, Гришка (2011). Организация в бизнесе: арт-рынки и карьера Джеймса Макнила Уистлера . Хильдесхайм: Г. Олмс. ISBN   978-3-487-14630-0 .
• Робинс, Анна Груцнер (2007). Хрупкий модернизм: Уистлер и его последователи-импрессионисты . Издательство Йельского университета. ISBN   978-0-300-13545-9 .
• Сполдинг, Фрэнсис (2-е изд. 1994 г. [1979]). Уистлер . Лондон и Нью-Йорк: Phaidon Press.
• Спенсер, Робин (1991). Уистлер: Ретроспектива . Нью-Йорк: Wing Books. ISBN   0-517-05773-5 .
• Стаббс, Бернс А. (1950). Джеймс Макнил Уистлер: биографический очерк, иллюстрированный из коллекций Художественной галереи Фрира . Вашингтон, округ Колумбия: Издательство Смитсоновского института.
• Сазерленд, Дэниел Э. и Тутзиари, Джорджия (2018). Мать Уистлера: Портрет необыкновенной жизни . Издательство Йельского университета. ISBN   978-0300229684 .
• Саттон, Денис (1966). Джеймс Макнил Уистлер: картины, офорты, пастель и акварель . Лондон: Phaidon Press.
• Томпсон, Дженнифер А. (2017). « Пурпур и роза: Ланге Лейцен шести марок» Джеймса Эбботта Макнила Уистлера (кат. 1112) В коллекции Джона Дж. Джонсона: история и избранные произведения. , под редакцией Кристофера Д.М. Аткинса. Бесплатное цифровое издание Художественного музея Филадельфии. ISBN   978-0-87633-276-4 .
• Тухиг, Эдвард (2018). Бунтовщики печати: Хейден, Палмер, Уистлер и истоки RE (Королевского общества художников-граверов). Лондон: Королевское общество художников-граверистов. ISBN   978-1-5272-1775-1 .
• Тейлор, Хилари (1978). Джеймс Макнил Уистлер . Лондон: Студия Виста. ISBN  0-289-70836-2 .
• Уолден, Сара (2003). Уистлер и его мать: неожиданные отношения: тайны американского шедевра . Лондон: Гибсон-сквер; Линкольн, Небраска: Издательство Университета Небраски. ISBN   1903933285 .
• Уокер, Джон (1987). Джеймс Макнил Уистлер . Нью-Йорк: Harry N. Abrams, Inc. совместно с Национальным музеем американского искусства Смитсоновского института. ISBN   978-0810917866 .
• Янг, Эндрю Макларен; Макдональд, Маргарет; Спенсер, Робин; при содействии Хэмиша Майлза (1980). Картины Джеймса Макнила Уистлера . Издательство Йельского университета. ISBN   0-300-02384-7 .

Внешние ссылки

• 111 произведений Джеймса Макнила Уистлера или после него на Art UK сайте
• Работы Джеймса Макнила Уистлера в Project Gutenberg
• Работы Джеймса Макнила Уистлера или о нем в Internet Archive
• Работы Джеймса Макнила Уистлера в Открытой библиотеке
• Переписка Джеймса Макнила Уистлера, Университет Глазго под редакцией М. Ф. Макдональда, П. де Монфора, Н. Торпа.
• Резонне-каталог гравюр Джеймса Макнила Уистлера. Архивировано 9 апреля 2021 года в Wayback Machine М. Ф. Макдональдом, Дж. Петри, М. Хаусбергом, Дж. Микоком.
• Джеймс Макнил Уистлер: Картины, каталог-резонне, Университет Глазго, 2014 , М. Ф. Макдональд, Дж. Петри.
• Каталоги выставок Джеймса Макнила Уистлера
• Художественная галерея Фрира , в которой находится главная коллекция работ Уистлера, включая Павлинью комнату.
• Отчет о деле Уистлера и Раскина
• Официальный сайт художественного музея Дома Уистлера
• Работы Джеймса Эбботта Макнила Уистлера в Художественном музее Мичиганского университета
• Коллекция Рудольфа Вундерлиха каталогов выставок Джеймса Макнила Уистлера в Смитсоновском архиве американского искусства Тексты в Wikisource:
  • « Джеймс Макнейл Уистлер », стихотворение Флоренс Эрл Коутс
  • « Уистлер, Джеймс Эбботт Макнил ». Справочник нового студента . 1914.
  • « Уистлер, Джеймс Эбботт Макнил ». Британская энциклопедия (11-е изд.). 1911.
• Общество Уистлера, Лондон. Основан в 2012 году.
• Дженнифер А. Томпсон, «Пурпур и роза: Ланге Лейцен из шести марок Джеймса Эбботта Макнила Уистлера (кат. 1112)» в коллекции Джона Дж. Джонсона: история и избранные произведения , бесплатное цифровое издание Художественного музея Филадельфии.
• Женщина Уистлера в белом: Джоанна Хиффернан , Королевская академия художеств, Лондон, 26 февраля – 22 мая 2022 г.
• Женщина в белом: Джоанна Хиффернан и Джеймс Макнил Уистлер , Национальная художественная галерея, мезонин восточного здания, 3 июля – 10 октября 2022 г.
• Уистлер: уличные пейзажи, городские изменения в Художественном музее колледжа Колби , 3 июня – 22 октября 2023 г.
• Уистлер: уличные пейзажи, городские изменения в художественной галерее Freer , 18 ноября 2023 г. – 4 мая 2024 г.