Готическая скульптура

Деталь главного алтаря Чартерхауса Мирафлорес, Испания. Жиль де Силоэ . Полихромное дерево, 1496–1499 гг.

Готическая скульптура — стиль скульптуры , который процветал в Европе в средние века , примерно с середины 12 века до 16 века. развиваясь из романской скульптуры и растворяясь в скульптуре эпохи Возрождения и маньеризме .

Когда классические ценности снова начали цениться в эпоху Возрождения , скульптура предыдущих веков считалась бесформенной и грубой и получила название готики, поскольку считалось, что она пришла из культуры готов , люди считали ее варварской и варварской. предположительно ответственный за исчезновение Римской империи .

Но люди готского периода никогда не называли себя этим именем и не считали себя варварами. Напротив, с момента своего появления готическое искусство рассматривалось как новаторское и называлось opus Modernum («современное произведение»), поскольку скульптура была одним из самых важных и сложных его выражений. Однако негативная оценка продолжалась до середины 19 века, когда появилось движение возрождения , названное неоготикой , которое вернуло свои ценности. На самом деле известно, что готическое искусство не имеет ничего общего с готами — но деноминация осталась, освященная употреблением.

Готическая скульптура родилась в тесной связи с архитектурой — в результате украшения великих соборов и других религиозных зданий — но со временем обрела независимость и стала рассматриваться как автономное искусство. Он начался в Париже , Франция , и получил свое первое важное выражение в реформе базилики Сен-Дени между 1137 и 1144 годами. впечатление духовности, довольно далекое от реальной анатомии тела.

С 13 века стиль начал развиваться в сторону большего натурализма и реализма, с постепенным поглощением классических влияний и большим наблюдением за природой. Изменения в религиозном учении, приведшие к сближению Бога с человеком и смягчению его ранее недоступного и негибкого характера, также способствовали влиянию на эволюцию предпочитаемых форм и тем. К 14 веку готический стиль распространился далеко за пределы Франции, сформировались важные региональные школы, а к 15 веку он доминировал в большей части Европы, затем начался упадок, который в разных регионах следовал разным закономерностям. Готическая скульптура на позднем этапе своего развития продолжала широко использоваться в архитектурном декоре, но к этому времени скульпторы уже экспериментировали с самыми разнообразными материалами и исследовали самые разнообразные варианты использования рельефов и статуй, образуя коллекции необычайного богатства и разнообразия.

В истории готической скульптуры до сих пор много неясностей и серых зон, и ее изучение далеко от завершения. В разные периоды истории происходили массовые разрушения средневековых памятников и произведений искусства (например, в иконоборческом вопросе во время Реформации и во время Французской революции ), и поэтому определение хронологии, генеалогии и географического распространения стиля представляет собой многие пробелы невозможно заполнить. К этому следует добавить тот факт, что, когда во второй половине XIX века готический стиль был окончательно переоценен, из-за отсутствия более глубоких знаний было сделано множество неадекватных реставраций сохранившихся памятников. Даже несмотря на столь многочисленные трудности, наследие готической скульптуры по-прежнему огромно и продолжает жить в зданиях, коллекциях, музеях, широко распространенных учебниках и других формах.

Обзор и хронология

Смотрите также: Каролингский ренессанс , романское искусство и готическую архитектуру.

Теоретическая основа

Готический стиль во многом стал результатом определения нового визуального словаря для изображения изображений, сопровождавшего дискуссию, проходившую по поводу некоторых концепций христианской религии. Одним из важнейших вопросов в этой дискуссии был вопрос о обоснованности изображения священных изображений — проблема, восходящая к самым истокам христианства и еще недостаточно выясненная. Раннее христианство питало отвращение к изображению священных изображений, оговорку, унаследованную от иудаизма , запрещавшего создание изображений для богослужения, опасаясь идолопоклонства . Явное повеление против изображения священных изображений содержится в Десяти заповедях , третья из которых гласит:

«Не делай себе кумира».

С другой стороны, древняя классическая языческая традиция, обеспечившая необходимые элементы для формирования новой веры, полностью поддерживала изображение богов, и оба течения оставались в постоянном трении на протяжении всего Средневековья.

Одно из первых последовательных христианских заявлений в пользу изображения священных изображений исходило от Папы Григория I , который в письмах к епископу Марселя , написанных около 600 года, заложил основу для последовавших за этим споров. В них папа говорил, что изображениям, как и другим материальным вещам, не следует поклоняться, но и не следует их уничтожать, поскольку изображения сцен из священной истории и библейских персонажей полезны для преподавания доктрины неграмотным массам, которые « могли прочитать в них то, чего они не могли прочесть в книгах », и их созерцание могло привести благочестивых к созерцанию Бога .

Григорий I при этом обратился к мнению Василия Великого , который столетиями ранее заявил, что « честь, оказанная изображению, восходит к его прообразу » . Доктора Церкви , как и Василий, — вместе с вкладом Иоанна Дамаскина — были мощными аргументами в иконоборческом вопросе, который волновал христиан с самого начала и сильно бушевал в Византийской империи .

Хотя этот вопрос был официально решен в 787 году на Втором Никейском соборе , который узаконил почитание изображений, дебаты продолжались, и в течение следующих столетий различные другие прелаты писали тексты, защищающие сакральное искусство , и оба текста ранней церкви и древние философы продолжали цитироваться как авторитеты.

С возникновением готики были особенно связаны тексты Псевдо-Дионисия Ареопагита , автора, который пил из Платонического источника через Плотина и пользовался большим уважением во Франции с IX-X веков и далее, оказав влияние на Сугер , создатель первой возведенной готической церкви. К этому времени иконоборческая проблема была, наконец, преодолена рядом других теоретических достижений, и сакральное искусство окончательно консолидировалось, хотя протесты все еще раздавались кое-где, и стало не только biblia pauperum («книги для необразованных людей»). «), но также предлагались как авторизованные версии под контролем официальной церковной иерархии для исправления устных традиций, которые искажали или чрезмерно приукрашивали священную историю.

Ранняя готика

Романский пример: портал аббатства Сен-Пьер , 11 век.

Доказательством этого успеха является большое распространение священных изображений, которое произошло на заключительном этапе романского периода , между 11 и 12 веками, создав совокупность тематических мотивов и форм, подходящих для передачи религиозной доктрины.

Что касается скульптуры, то основная романская иконография осталась в украшении тимпанов над главными входами церквей и соборов, задуманных как визуальное введение и духовная подготовка к богослужению , которое должно было совершаться внутри, что совпадает с появлением храма. первые образцы готики в 12 веке.

Фактически, романские иконографические программы, естественно, оказали большое влияние на готику, причем последняя представляла собой естественную эволюцию первой. Таким образом, стилистическое различие между романской и ранней готической скульптурой часто становится тонким. Наиболее очевидными новациями ранней готики были применение скульптуры к архивольтам и боковым колоннам порталов, растущая тенденция к менее компактной, более открытой и рациональной организации сцен, удлинение пропорций фигур, сопровождающее большую вертикальность зданий.

Ранний образец готического стиля: голова Пророка, 1137–1140 гг., первоначально находилась в базилике Сен-Дени.

В общих чертах распределение изображений, происходящих из консолидированного романского наследия, производилось по следующей схеме:

• Над главным входом неизменно располагалась сцена с Христом , часто Страшного суда , Христа в величии или Распятия .
• В архивольтах вокруг него были фигуры святых и ангелов , на колоннах и фризах внизу — апостолы и другие фигуры Ветхого Завета , а иногда и аллегории , такие как Благоразумные Девы и Неразумные Девы, олицетворения Свободных Искусств или более. недавние исторические персонажи, например, какой-нибудь поборник веры или набожный покровитель.
• Если бы в церкви были второстепенные входы, ее перемычки могли быть украшены сценой из жизни Марии, матери Иисуса , чей культ в этот период значительно возрос, а также каким-нибудь событием из жизни святого покровителя церкви.

Изображения иконографии готического фасада не были произвольным выбором: изображения иконографии готического фасада были тщательно отобраны, чтобы сформировать для наблюдателя последовательную дидактическую программу, иллюстрирующую эволюцию веры от ее основания еврейскими патриархами до пришествия воплощенного Христа с его доктриной искупления. и, наконец, представляя свое телеологическое следствие в виде апокалиптического осуждения злых и апофеоза добра в Царстве Божием .

Западный портал Шартрского собора , 1145-1155 гг.

Колонные статуи западного портала Шартрского собора , 1145-1155 гг.

В то же время стал меняться и подход к мотивам, встречающимся в романской иконографической традиции. До этого на церковных порталах чаще всего встречалась сцена Страшного суда с упором на муки, ожидающие неверных в аду .

С середины 11-го века Париж стал крупнейшим теологическим и культурным центром в Европе, благодаря присутствию великих философов и педагогов, таких как Пьер Абеляр и Гюго Сен-Викторский , а также действию нескольких школ, которые слились, чтобы сформировать около 1170 г. Парижский университет . В этой более либеральной академической среде, относительно независимой от Церкви, получила распространение гуманистическая философия, и была структурирована доктрина Чистилища , предлагающая путь к бегству из ада через стадию очищения перед восхождением на Небеса .

В то же время Мария, мать Иисуса, как и другие святые, стала считаться великими защитницами человечества перед справедливостью Христа. При этом старая тенденция христианской веры исправлять грешника посредством страха и угрозы вечного проклятия была смягчена видениями, которые подчеркивали милосердие , а не божественный гнев , и которые больше учитывали присущую человеческой природе ошибочность.

Таким образом, сцены Страшного суда продолжали оставаться частым мотивом, но теперь они были задуманы, чтобы подчеркнуть порядок, надежду и справедливость, показывая пути спасения через покаяние и сострадательное заступничество святых. Очень выраженная вертикальность готических соборов и обилие больших окон, обеспечивающих большое проникновение света в интерьер — в отличие от гораздо более тяжелых «квадратных» форм и темного окружения романской архитектуры — интерпретировались как формальная особенность, отражающая этот новый, оптимистичный духовный импульс.

Ранняя готика оставалась, по сути, французским явлением, сосредоточенным в районе Парижа , и первым важным памятником, включавшим скульптуру, была базилика Сен-Дени , чей аббат Сугер приказал перестроить уже существовавшее романское здание между 1137 и 1144 годами и украсить его. это с большим богатством. Особое значение Сен-Дени заключалось в том, что здесь был освящен Карл Великий , и это была могила Карла Мартелла , Карла Лысого и других основателей королевства. Таким образом, это был памятник династии Каролингов , который в то же время стал символом консолидации французской монархии — процесса, в котором Сугерий сыграл заметную роль в качестве советника короля и регента Франции во время Второй мировой войны. Крестовый поход .

Кроме того, базилика была монументальным реликварием Сен-Дени Парижского , мученика и апостола Франции, покровителя Парижа и защитника королевства, и Сугерий желал сделать ее важнейшим центром французского паломничества. Таким образом, оно было облачено в духовный и политический смысл.

Для Сугерия, находившегося под влиянием сочинений Псевдо-Дионисия, украшение церкви золотыми предметами и драгоценными камнями, витражами, картинами и скульптурами было ценным образовательным инструментом, способом наглядно представить учение людям. и сделать его более понятным. Четкая организация тимпанной сцены отличалась от компактного расположения романских декораций, и ее колонные статуи также были новшеством.

Новшества, предложенные Сугерием в архитектуре и отделке фасадов, подкрепленные большим престижем Парижа как культурного, художественного и университетского центра, немедленно начали распространяться, появившись затем в Шартрском соборе , начатом в 1145 году, западный портал которого представляет собой важнейший скульптурный ансамбль в хорошем состоянии первой фазы готики. Его колонные скульптуры имеют очень вытянутую форму и служат отголоском вертикального акцента здания, а их формы все еще свидетельствуют о романском наследии в линейной обработке костюмов и в их жесткой позе. Лица, однако, демонстрируют очень натуралистическую обработку, контрастирующую с романской схематизацией.

И скульптуры Сен-Дени, и скульптуры на других фасадах Шартра были в значительной степени разрушены, изуродованы, заменены или плохо реставрированы в более поздние времена, что помешало всестороннему пониманию их иконографических программ, но Лаонский собор , сохранившийся без особых повреждений , дает полный обзор ранней готики. Другими хорошими примерами более позднего времени являются соборы Буржа , Ле-Мана и Анжера с разной степенью сохранности. Производство скульптуры в период готики было настолько обширно и разнообразно (только в Шартре фасад насчитывает более двух тысяч экспонатов), что о ее детальном изучении здесь не может быть и речи, а можно лишь проследить ее основные линии эволюции и ее развитие. более общие характеристики.

Высокая готика

Деталь портретов Эккехарда II и Уты фон Мейсен в Наумбургском соборе , все еще в оригинальной полихромии, 1240-1260 гг.

Около 1200 года его первобытный язык уже модифицировался прогрессирующим интересом к натурализму , породив вторую стадию его эволюции, названную высокой готикой.

Художники из долины Мааса сыграли важную роль в этом переходе, особенно Николай Верденский и Ренье де Уи , первые великие мастера, оставившие свой след в истории готической скульптуры, посвятившие себя работам в области ювелирного дела и бронзы . В соборах Реймса , Амьена и Нотр-Дам де Пари готический стиль уже свободен от романского влияния, а их статуи представляют собой весьма развитый натурализм.

Статуи уже независимы от колонн, и, возможно, впервые в средние века контрапост используется, чтобы придать изображениям больше изящества и движения, дополненный более динамичными положениями конечностей и обработкой анатомических объемов, что во многих чехлы больше не скрываются одеждой. Однако готическая контрапоста отличается от классической тем, что она кажется скорее внешне навязанной, чем результатом правильного понимания анатомии, и носит скорее декоративный, чем органический характер.

Адам, приписываемый Пьеру де Монтрей , первоначально находился на фасаде собора Парижской Богоматери в Париже. Мрамор, 1260 год.

Хотя гуманизм, преподаваемый в философских школах, переопределил фундаментальные принципы веры, он также сделал возможным поглощение элементов классической античности в искусстве, ослабил строгую этику, которая руководила моральной мыслью в предыдущие века, и направил культурную атмосферу в сторону большей секуляризации . в пользу смещения интереса от сверхъестественного к обыденному и человеческому. Оно также спасло ценность чистой красоты форм, утраченную со времен античности, учитывая, как и Фома Аквинский , что Красота была тесно связана с Добродетелью и производилась от координации частей объекта друг с другом в правильных пропорциях и от полного выражения своей сущностной природы.

Хотя на протяжении XIII века общая тенденция скульптуры, с технической точки зрения, заключалась в том, чтобы освободиться от архитектуры и обрести автономию, она по-прежнему сохраняла тесную связь со своим контекстом, так что ансамбли имели тенденцию сохранять удивительное чувство единства и гармонии. Что касается формы, то она перешла к более детальному изучению природы, стремясь воспроизвести эффекты света и тени, фактуры тканей, тонкие нюансы выражения, свежесть молодости и следы старости. Казалось, что все предметы стали прекрасными и достойными изображения средствами передвижения.

По словам Хаузера :

«[...] великий переход европейского духа [осуществился здесь] от Царства Божия к Природе, от вечных вещей к непосредственной среде, от огромных эсхатологических тайн к более безобидным тайнам тварного мира. (...) Органическая жизнь, которая после конца античности потеряла всякую ценность и значение, снова становится почитаемой, и отдельные вещи чувственной реальности отныне рассматриваются как предметы искусства, которое больше не требует сверхъестественных оправданий. Не является лучшей иллюстрацией этого развития, чем слова св. Фомы Аквинского: «Бог радуется всему, каждой вещи по ее сущности». Они являются воплощением теологического оправдания натурализма. Все вещи, какими бы малыми и эфемерными они ни были, имеют непосредственную связь с Богом; все по-своему выражает божественную природу и, таким образом, приобретает ценность и значение также и для искусства».

В этом процессе повышения ценности естественного человеческое тело получило особую пользу, поскольку до тех пор оно рассматривалось скорее как «масса гнили, пыли и пепла», как сказал Петр Дамиан в 11 веке. Это отвращение к телу было повсеместной нотой в предыдущей религиозной культуре, а изображение мужчины характеризовалось стилизацией, сводившей к минимуму его плотскую сущность. Но теперь от символического схематизма романского стиля и ранней готики окончательно отказались, чтобы за короткое время достичь натурализма, невиданного со времен греко-римского искусства . Фигура самого Христа, ранее представленная главным образом как Судья, Царь и Бог, была очеловечена, и поклонение Его человечности стало считаться первым шагом к познанию истинной божественной любви. Достижение натурализма было одним из самых фундаментальных достижений всего готического периода. Достижение натурализма было одним из самых фундаментальных достижений всего готического периода и сделало возможным столетия спустя еще более замечательные достижения эпохи Возрождения в отношении художественного искусства. мимесис и достоинство человека в его идеальной красоте. Как сказал Ладнер,

[...] к концу XI века одухотворение достигло апогея, дальше которого было невозможно двигаться; и поэтому первая половина XII века явилась переломным моментом в истории изображения человека в христианском искусстве, а также в развитии учения о подобии образа человека и образа Божия.

Экклесия и синагога , статуи на фасаде Страсбургского собора ,

Но было бы заблуждением предполагать, что натурализм к этому времени представлял собой освобождение от диктата Церкви и радикальное уничтожение интереса к духу, а скульптура, как и другие искусства, проявляла постоянный дуализм, ища компромиссную формулу между тем и другим. крайности.

В то время как внимание к природе привело к огромному развитию скульптурной техники, позволившей ей имитировать естественные формы с большим сходством, существовала тенденция фрагментировать произведение в целом, при этом частям уделялось больше внимания, чем целому, и возникало чувство единства. будет достигнуто снова только в конце этого этапа.

Прежде всего, фундаментальными данными в этой смене фокуса было то, что часть культурного консерватизма растворилась и появился подлинный интерес ко всему новому. Летописцы того времени выражали энтузиазм по поводу появления нового порядка ценностей, который позволил бы построить более сбалансированное общество, в котором материальное благополучие стало действительной целью, хотя оно должно было подготовить к спасению духа. . А поскольку идея о том, что человечество было обновлено во Христе, укрепилась, людям больше не приходилось жить под таким угнетением бремени смертности и греха , и они могли выражать свою красоту, жизненную силу и радость без чувства вины.

Во-вторых, старый духовный односторонность , отвергавший имитацию реальности в искусстве и искавший в ней только подтверждения религиозной доктрины, был сломан, уступив место видению, требовавшему подтверждения абстрактных принципов посредством чувственного опыта, с веры вступлением в диалог . с причиной .

При этом старая концепция искусства изменилась. Хотя желание создать фигуры, которые могли бы адекватно иллюстрировать духовные принципы, сохранялось, эмпиризм того времени требовал, чтобы изображения были также формально правильными в соответствии с природой. Эти натуралистические тенденции проявились не сразу и не везде, и надо, конечно, учитывать постоянство глубоко укоренившихся местных традиций, придающих постановке иной, порой более архаичный или экзотический оттенок. Кроме того, присутствие какого-то важного мастера с более определенной художественной личностью могло склонить стиль к тому или иному аспекту, хотя основная готическая скульптура, по крайней мере до следующего этапа, была по существу анонимной и коллективной.

Однако необходимо сказать несколько слов об изображениях — особенно в церковном убранстве — реальных или фантастических животных, поскольку они занимали важное место в средневековой мысли.

Наряду с чисто орнаментальным оформлением растительных мотивов нередки изображения ягненка и рыбы, заместителей Христа, голубя, олицетворявшего Святой Дух , животных, связанных с евангелистами, — орла , быка и льва , — а также изображения мифических зверей, таких как грифон , дракон и василиск , передающие символические значения, связанные с каким-то моральным уроком.

Горгулья в Ульмском соборе

Форма горгульи часто использовалась в архитектуре соборов в качестве водоотвода. Согласно некоторым традициям, он обладал силой отгонять злых духов, но его интерпретация до сих пор неясна. Более того, изображение фантастических животных представляло собой поле, свободное от церковной цензуры , и в нем скульпторы могли дать волю своей фантазии и юмору, создавая большое разнообразие экстравагантных форм с большим пластическим эффектом.

К 1250 году архитектурная скульптура уже проявляла признаки упадка, заменяясь абстрактным или цветочным орнаментом, при этом значение приобретали независимые скульптуры, реликварии и особенно погребальные памятники и гробницы элиты. Двумя новаторскими особенностями этого конкретного жанра было создание небольших фигурок, установленных в нишах , обычно в траурной позе, а другой - акцент на чучелах , стремящихся приблизиться к реальной физиономии мертвых.

К концу 13 века готический стиль уже распространился в Германии , Испании , Англии , Италии и Скандинавии , проложив путь к следующему этапу: международной готике.

Международная готика

Основная статья: Международная готика

Международная готика охватывает период с середины 14 века до середины 15 века, с пиком своего развития примерно в 1400 году. Именно тогда этот стиль стал лингва -франка европейского искусства, с большим обращением художников и обменом между региональными школами. Но когда мы говорим об интернационализации, это не означает, что стиль стал однородным. Напротив, появление крупных городских центров в разных странах, каждый со своими традициями, создало панораму большого разнообразия, а существование богатых покровителей во многих местах позволило культивировать широкий спектр новых художественных возможностей.

Аноним: Мадонна Крузловей , Краков, Польша. Полихромное дерево, 1400 год.

Скульптура этого периода больше не является монументальной, за исключением спорадических случаев, и концентрируется на переносных предметах, ретаблах и алтарях .

XIII век, как мы видели, характеризовался появлением натуралистической риторики, основанной на оценке поверхностных проявлений объектов в мире, хотя ее основа была метафизической . Если интернациональная готическая скульптура, с одной стороны, несла эту тенденцию вперед, с другой, она придавала ей новый подход, который служил своеобразной атмосфере devotio Moderna , движения религиозного возрождения , которое началось среди нищенствующих орденов и вскоре распространилось среди мирян .

Эта «современная преданность» была более интроспективной и интимной, но могла легко перерасти в коллективные вспышки мистического рвения. Неудивительно, что перед лицом этой более эмоционально склонной веры умножение произведений с драматическими темами, таких как сцены Страстей Иисуса и Пьеты , которые имели более непосредственную аффективную привлекательность и исповедальный и покаянный характер, который имел до тех пор не исследованы и которые были связаны с популяризацией учений об индульгенциях и чистилище, а также с пониманием спасения как существенно индивидуальной и субъективной проблемы, в отличие от представлений о коллективной эсхатологии . господствовавших ранее

Сформировавшаяся новая иконография, где образы смерти и страданий стали обыденностью, была также зеркалом нестабильной социальной ситуации, полной парадоксов, когда войны были частыми, повседневная жизнь народа была отмечена беспричинным насилием, голод был постоянным В тени частые народные восстания против чрезмерных налогов жестко подавлялись, а эпидемии . население опустошало Та же толпа, которая следовала за процессией со слезами скорби на глазах, могла собраться на городской площади и насладиться публичной казнью , не лишенной жестокости.

Аноним: Пьета Крживакова , Богемия или Моравия. Полихромное дерево, 1390–1400 гг.

Но другие факторы способствовали разнообразию международной готики, периода, который ознаменовал, как сказал Хейзинга , «начало конца средневекового мира».

Средний класс рос и становился организованным и начал управлять крупными секторами государственных дел. Феодальная система пришла в упадок и постепенно была заменена протокапиталистической экономической моделью, в которой доминировали ценности буржуазии , которая фактически стала культурным авангардом того периода и взяла на себя ведущую роль в покровительстве искусству.

Более того, индивидуализм, который характеризовал эту новую экономику, вместе с рождением новой городской культуры, которая отошла от традиционных ценностей, формулируя более динамичные ценности и отдав предпочтение большому переходу между социальными классами, были отражены в искусстве таким образом, что привилегированные реалисты аспекты, светские интересы и частные предпочтения, где образцовым в этом отношении является распространение портретов, часто переходящих в беспрецедентные психологические характеристики.

В то же время сохранение утонченной куртуазной культуры, характерной для дворов Дома Валуа во Франции, которые были одними из величайших покровителей того периода и которые были вдохновлены традициями рыцарства и идеалами куртуазной любви , дало большая часть произведений этого этапа носила ярко выраженный орнаментальный характер, подчеркивая декоративность костюмов, богатство фактур и элегантность жестов, хотя преобладание этого кода также кристаллизовало искусство, потребляемое при дворах, в традиционализированные формулы.

В этом смысле показательно создание типологии Прекрасной Богородицы, одной из самых почитаемых в интернациональной готике. Его точная функция и происхождение являются предметом споров, но, похоже, оно вошло в орбиту как куртуазной, так и популярной культуры, воплощая вечный идеал красоты и сочетая ученую грацию двора с сентиментальным благочестием людей.

Еще один аспект художественно-религиозной практики, о котором следует упомянуть, касается возрождения формул более ранних периодов. Как уже упоминалось, во время большой религиозной волны, которая произошла в период интернациональной готики, производство реликвариев и культовых скульптур было чрезвычайно интенсифицировано, и многие из созданных тогда священных изображений были производными или прямыми копиями знаменитого прототипа , почитание которого было древним. Это сделало их связь с первоначальным изображением очевидным, придало новому архаичный характер и, что более важно, придало ему более подлинную сакральность, тем более, когда оно подкреплялось какой-нибудь наводящей на размышления народной легендой , такой как те, которые ходили в то время, говоря: что некоторые знаменитые статуи и иконы чудесным образом размножались и творили чудеса также посредством своих копий. Даже если копии не были связаны с каким-либо конкретным фольклором, ожидалось, что они будут пользоваться теми же привилегиями и теми же полномочиями, что и оригинал. Этот историзм стал еще более заметным при переходе к поздней готике.

Поздняя готика

Ретабль Старого собора Коимбры , 1498–1502, работа Оливье де Ганда с полихромией Жана д'Ипра.

Поздняя готика — заключительная фаза стиля, но это не была фаза декаданса. Напротив, именно тогда готический период создал одни из самых впечатляющих, богатых и сложных произведений.

Эта фаза примерно ограничивается серединой 15-го и серединой 16-го веков и представляет собой следствие того, что было достигнуто на предыдущей фазе в отношении натурализма и интернационализма. Но в европейском обществе того времени существовали существенные различия, которые могут помочь объяснить художественную трансформацию.

В экономике открытие новых торговых путей в эпоху Великих географических открытий сместило ось международной торговли в сторону стран Западной Европы. Португалия и Испания становились военно-морскими державами вместе с Францией, Англией и Нидерландами . Золото и другие богатства из американских , африканских и азиатских колоний текли в них в беспрецедентных количествах, поддерживая их политическое влияние и делая возможным настоящий всплеск развития искусств.

В политике вторжения в Италию Франции, Германии и Испании привели к радикальному изменению баланса сил на континенте, кульминацией которого стало разграбление Рима в 1527 году , что заставило многих итальянских художников и интеллектуалов бежать в другие места. Это явление означало масштабное распространение итальянской классико - ренессансной традиции, поскольку в Италии уже давно сменился готический период, увенчавший уже имевшее место в течение некоторого времени интенсивное распространение итальянских произведений искусства и классических текстов.

Точно так же печатная машина с подвижным шрифтом недавно изобретенная Гутенбергом позволила гораздо эффективнее, широко и быстро распространять культуру вообще и гуманистические тексты в частности среди всех стран. Таким образом, различные итальянские эстетические элементы стали присутствовать в искусстве большинства мест, где готический стиль оставался сильным, порождая множество эклектичных течений, которые часто описываются уже как часть международного маньеризма .

Ретабль в церкви Святого Петра в Дортмунде, 1521 г.

Эрхард Шен: гравюра, изображающая эпизод иконоборчества, 1530 г.

Другой очевидной тенденцией того периода было развитие вкуса к сложному и ультра-утонченному, что ярко проявляется в больших ретаблах с несколькими соседствующими сценами, которые заменили старые фасадные порталы как форма дидактической иллюстрации доктрины в большом повествовательная панель. Сама структура ретаблей, обрамлявших сцены в сложные архитектурные сооружения, часто напоминала церковный фасад.

Как и порталы, эти крупные сооружения имели четко организованную иконографическую программу, иллюстрирующую божественные иерархии, нашедшие отражение на Земле в форме установленной Церкви с Наместником Христа в качестве ее лидера, а также группой служителей и его паствой. верный. Такие ретабли обычно предлагались общиной и поэтому имели значение, помимо доктринального и социального, поскольку служили символами идентичности этой общины. Чем богаче и сложнее они были, тем больше престижа они приносили городу или общине.

Большинство ретаблей имели откидные боковые панели, и во время больших праздников створки открывались, и большой ансамбль оставался свободным для обозрения. Театральный эффект открытия произведения принял характер священного прозрения и в то же время коллективного светского торжества, поскольку рядом с Христом, ангелами и святыми часто были представлены деятели народа и гражданской иерархии.

Готический период завершил свой цикл на мрачной ноте: иконоборческий кризис, вызванный Реформацией .

Реформаторы, помимо того, что положили конец единству христианства, которое до тех пор было одним из самых сильных элементов культурного единства в Европе, предложили новые религиозные концепции, которые повлияли на репрезентативные способы, фактически склоняясь к суммарному осуждению сакральной репрезентации и вызывая несколько эпизодов массового уничтожения священных изображений, лишивших бесчисленные христианские храмы, обращенные в протестантизм, бесценных художественных сокровищ. Свидетель, писавший в Генте в 1566 году, сообщил, что пожары, поглотившие изображения, можно было увидеть на расстоянии более 15 км.

Католические страны не имели этой проблемы, поскольку Тридентский собор подтвердил важность сакрального искусства , но они не смогли уклониться от международной дискуссии, сложившейся вокруг роли культовых изображений, сумев найти компромисс между их религиозной и замещающей функцией. божественный образ и их характер как самостоятельных произведений искусства. Хотя Лютер пытался придерживаться примирительной позиции, допуская возможность сохранения некоторых изображений как свидетельств священной истории, другие реформатские лидеры были бескомпромиссны.

Это масштабное разрушение религиозного искусства является одним из факторов, делающих изучение этого периода особенно трудным; но, с другой стороны, оно привело к формулировке новой эстетической теории, которая явилась одной из основ современной концепции искусства .

По словам Белтинга :

«Лютер, который просто выступал за обоснование религии в жизни, безусловно, был скорее свидетелем, чем причиной того, что было названо «рождением современной эпохи из духа религии». Религия, как бы воинственно ни утверждала себя, уже не была прежней. Она боролась за то место, которое занимала до сих пор, но, наконец, ей было предоставлено то сегрегированное место в обществе, к которому мы теперь привыкли, иногда допускалось в это место, иногда. исключен из него, но перестал быть религиозным явлением сам по себе. В области искусства образы символизировали новые, секуляризованные требования культуры и эстетического опыта. В этом смысле единое понятие образа было отброшено, но утрачено. было замаскировано ярлыком «искусство», который обычно применяется к нему сегодня».

Региональные школы

Франция

Готический стиль первых двух периодов был по сути французским художественным выражением. С середины 14 века, следуя общей европейской тенденции, монументальная скульптура пришла в упадок, но процветала скульптура меньшего размера. Точно так же преобладающей нотой была тенденция к натурализму.

В рамках темы появилось множество религиозных статуй, демонстрирующих изящные, изящные линии и орнаментальный характер. Гробницы остались более или менее похожими на гробницы 13-го века, за исключением того, что теперь на них были более точные портреты мертвых, особенно Карла V Французского и двух его непосредственных преемников, сделанные Андре Боневе . Карл V был даже одним из величайших покровителей своего времени, что сделало Париж одним из важнейших центров скульптуры и привлекло фламандских художников, таких как Жан де Льеж , которого поддерживал в этом его брат Иоанн, герцог Беррийский , чей двор попеременно обосновался в Пуатье. и Бурж , среди прочих скульпторов Жана де Камбре и вышеупомянутого Боневе.

При Филиппе II герцогство Бургундское , в которое в его время входила Фландрия , заняло видное место как культурный центр, гордясь несколькими известными фламандскими скульпторами, такими как Клаус Слютер и Жан де Марвиль . После смерти герцога престиж бургундской школы стал падать, но в конце XV века стоит вспомнить Антуана ле Муюрье , традиционно считающегося автором знаменитой гробницы Филиппа Пота .

В тот же период франко-фламандцы были ответственны за определенное возрождение архитектурного декора, тенденция, которая продолжалась и в 16 веке и оставила важные свидетельства в Руанском соборе и Амьенском соборе , включая детали фасада и рельефы в интерьерах. возникло плодотворное движение, известное как разрядка Также в 15 веке в долине Луары , спасающее старый идеализм 13 века, смягченный некоторыми элементами итальянского Возрождения, который начинал давать о себе знать. Его темы были популярными, поэтому он имел большой успех среди низших классов , но он также культивировал священное, особенно Мадонны и группы Гроба Господня.

К концу 15 века это движение повлияло на все скульптурное производство во Франции, и среди его представителей были Мишель Коломб и Жак Башо .

• 
  Аноним: Диптих Страстей Христовых , Париж. Слоновая кость с полихромными следами, начало 14 века.
• 
  Аноним: Статуи Карла V и Иоанны Бурбонской , Париж, середина 14 века.
• 
  Аноним: Реликварий пупка Христова , Париж, позолоченное серебро, 1407 г.
• 
  Антуан ле Муюрье: Могила Филиппа Пота , Бургундия, 1494 г.

• 
  Школа Мишеля Коломба : Погребение Христа , Аббатство Солесмес , Сарт. Мрамор, конец 15 века.
• 
  Деталь фасада часовни Сен-Юбер замка Амбуаз. 1491-96
• 
  Портик Руанского собора , 16 век.
• 
  Аноним: Алтарь в соборе Бург-ан-Бресс . Мрамор, 1532 год.

Германия и Центральная Европа

В Германии готический стиль появился около 1220 года и был принят через скульпторов, прошедших обучение во Франции, и хотя скульптуры широко используются в фасадах, они в целом менее богаты, чем их французские модели, но французское влияние всегда оставалось сильным. С другой стороны, натурализм вскоре стал более подчеркнутым, возможно, из-за постоянства более классических элементов в его традиции, сохраненных Каролингским Возрождением 8-го века и контактами с Византийской империей .

Иллюминированные рукописи, сохранившиеся с поздней античности в монастырях и церковных коллекциях, также могли оказать влияние на представление классических моделей скульпторам. XIII века были статуи В Бамбергском соборе , которые уже можно считать настоящими портретами, например, знаменитый Бамбергский всадник , и то же самое произошло в Наумбургском соборе с несколькими очень живыми фигурами. Кроме того, с конца века наблюдается более явная тенденция к драматическому усилению и гуманизации священных тем, что можно увидеть в увеличении количества таких сцен, как « Пляска смерти» , «Скорбящая Богоматерь » и «Христос как человек Печали. типология Пьеты , Там же сформулирована предназначенной для частного поклонения. Лучшие немецкие монументальные образцы находятся в соборах Страсбурга (франко-германского), Фрайберга , Бамберга , Магдебурга и Наумбурга .

На протяжении всей интернациональной готики любые региональные различия растворялись, и стиль имел тенденцию к гомогенизации, но общий уровень качества претерпел медианное выравнивание. Стандартизацию можно также увидеть в характеристиках персонажей: традиционные стереотипы больше не обладают индивидуальностью предыдущего этапа. На этом этапе немецкая готика отличается от французской только выбором местных этнических черт в дизайне персонажей.

Однако этот же выбор, поначалу носивший лишь косвенный, поверхностный характер, впоследствии породил искусство с безошибочными национальными особенностями. Но в отличие от Франции, которая начинала отказываться от монументальной скульптуры, этот жанр продолжал широко практиковаться и в различных городах имеется множество церквей, имеющих хорошие примеры: Ксантен , Кёльн , Эрфурт , Вормс , Ульм , Аугсбург , Вюрцбург, Нюрнберг . Но из всех родов наиболее важными на этом этапе были небольшие фрагменты частного поклонения, особенно Мадонны и гробницы, изображения которых до сих пор демонстрируют весьма индивидуальные черты.

В поздней готике более заметными стали итальянские классические маньеристы и фламандские влияния, но типично германские тенденции заявили о себе мощно, сформулировав часто жестокий и драматический реализм, который опирается не на точное анатомическое описание, а на экстравагантные движения тел, скопление персонажей, часто сжатых в крошечном пространстве, запутанные складки одежд, приобретающих ценность сами по себе, без учета лежащих в основе телесных объемов, и избыточное вспомогательное украшение, которое порой становится исчерпывающим в своих деталях. Швабская школа , в частности, славилась достижением трогательной интенсивности своих религиозных произведений.

Однако общий характер этой постановки, несмотря на ее очевидную виртуозность, буржуазен, ибо человеческие типы народны, без идеализма, а склонность к преувеличенному, живописному и выразительному иногда приближает пьесы к карикатуре . Но во многих случаях отказ от эмоциональности достигал поистине грандиозных результатов, и великие ретабли, созданные на этом заключительном этапе, представляют собой произведения огромного визуального воздействия и изысканного мастерства.

Среди множества мастеров, прославившихся в этот период и работавших в различных регионах Германии, можно выделить Тильмана Рименшнайдера , Михаэля Пахера , Бернта Нотке , Файта Штоса и Адама Крафта .

Немецкая готическая школа была после французской наиболее важной для распространения стиля на остальную Европу. Многие из ее художников много путешествовали по континенту, оставив работы в Польше , Чехии , Англии , Швеции , Дании и других странах.

• 
  Аноним: Три мудрые девы , фасад Магдебургского собора , Германия. Камень, 1250 г.
• 
  Аноним: Круцификс Джжево , Церковь Св. Иакова, Торунь, Польша. Полихромное дерево и металл, конец 14 века.
• 
  Аноним: Погребение Христа , Вормсский собор.
• 
  Вейт Стосс : Алтарь в церкви Святой Марии, Краков. Полихромное дерево, 1477-1489 гг.

• 
  Йорг Сюрлин Младший : Пророк Иисус Навин , монастырь Блаубойрен , хоровой зал. Мадейра, 1493 г.
• 
  Мастер SW: Пьета , Замковый музей, Линц, Австрия. Полихромное дерево, 1499 год.
• 
  Мастерская Никлауса Векмана : Взятие Христа . Полихромное дерево, 1520 г.
• 
  Грегор Эрхарт : Мария Магдалина . Полихромное дерево, первая половина 16 века.

Англия, Скандинавия и Нидерланды

В Англии готический стиль возник несколько позже, чем во Франции, но концепция «большого портала» там никогда не прижилась, как правило, и появляется лишь в нескольких случаях — например, в Рочестерском соборе , — хотя и там она более распространена. упрощенный. Скорее, английская готическая скульптура была сконцентрирована в других частях здания, как это видно в Уэллсском соборе , где она появляется в нишах фасада и в некоторых частях интерьера, например, в хорах и залах капитула , и ее качество сравнимо с французскими моделями. .

Между 14 и 15 веками фасадная скульптура почти полностью исчезла, и ее место заняли абстрактные или растительные мотивы. Там уже действовали несколько немецких и фламандских художников, и интерес переключился на другие типологии, такие как гробницы, среди которых гробница Эдуарда II выделяется , и несколько других в Вестминстерском аббатстве . Также на заключительных этапах заметна реинтеграция скульптуры с архитектурой, опять же в интерьерах, часовнях и хоровых панно, где статуи обрамлены богатым орнаментом архитектурных форм. Часовня Генриха VII в Вестминстере является важнейшим примером этого жанра.

Однако наиболее оригинальными достижениями английской готической скульптуры являются гробницы. Некоторые из более старых из них изображают не покоящихся мертвецов, а героев, павших в бою, в скрюченных позах, испускающих свой последний вздох. Другие, переходные между интернациональной готикой и поздней готикой, изображают их как трупы, изъеденные червями, с тошнотворной утонченностью реализма, напоминая об эфемерности мирских вещей. Кажется очевидным, что по всей Англии также производилось много религиозных скульптур, обладающих совершенно уникальными чертами и огромным пластическим богатством, но массовые разрушения, произошедшие, когда Генрих VIII порвал с Римом и основал англиканскую церковь, затрудняют изучение ее хронологии и эволюции. Тем не менее, несколько сохранившихся предметов, экспортированных в Скандинавию, позволяют предположить, что французское влияние всегда оставалось сильным.

В случае Скандинавии готический стиль проник в страну, начиная с 13 века, на нескольких фронтах — во Франции, Англии и Германии — и созданная там скульптура продемонстрировала большое разнообразие и жизнеспособность в различных региональных школах. Есть прекрасные произведения из слоновой и моржовой кости , а дерево было материалом, из которого остались самые интересные предметы, такие как монументальные распятия, найденные на Готланде и в других городах. В любом случае, было построено несколько соборов со значительным скульптурным декором, например, в Уппсале , Скаре и Тронхейме . Между 14 и 15 веками активизировалась торговля с членами Ганзейского союза , и на этом этапе в скандинавской скульптуре преобладало влияние школы Любека.

Кажется, что на ранних этапах готического периода скульптура в Нидерландах не имела большого значения , и все, что там было, должно быть, было французским и рейнским происхождением.

Реформация нанесла здесь огромный ущерб, а во время Первой мировой войны многие памятники также исчезли, поэтому о нем мало что известно. Однако несомненно, что к 14 веку в Турне была основана важная школа , и влияние фламандских мастеров ощущалось в скульптуре Англии, Франции и Германии, что делает этот период несколько менее неясным.

Школа Турне оставила свое лучшее отражение в гробницах, эстетика которых была одновременно строгой и натуралистической. В 15 веке фламандцы, наконец, оказали большое влияние на все европейское искусство: такие художники, как Клаус Слютер , Жан де Льеж , Жак де Берзе и многие другие, распространили свое искусство в другие регионы. Эта великая группа творцов немного работала с камнем, но оставила свои наиболее важные произведения в жанре полихромного деревянного столика, с фигурой, тяготеющей к драматизму и динамике.

• 
  Уэллсский собор , Англия, 1250 г.
• 
  Горгулья, Линкольнский собор , Англия, между 1185 и 1311 годами.
• 
  Деталь фасада Эксетерского собора , Англия, 1258-1400 гг.
• 
  Аноним: Вестминстерская Богоматерь , Вестминстерское аббатство , Лондон, Англия. Алебастр, 1450 г.

• 
  Аноним: Триумфальный крест , церковь Оя , Готланд, Швеция. Полихромное дерево, 1275-1290 гг.
• 
  Жак де Берз : Деталь алтаря Распятия , Дижон, Франция. Полихромное дерево, 1390 г.
• 
  Клаус Слютер : Деталь колодца Моисея , Дижон, Франция. Полихромный камень, 1395–1403 гг.
• 
  Клаус Берг : Резной деревянный алтарь Страстей, собор Оденсе , Дания. Полихромное дерево, 1515-1525 гг.

Пиренейский полуостров

В Испании переход от романского стиля к готике проявился в Портике Славы собора Сантьяго -де-Компостела , который особенно интересен тем, что до сих пор сохраняет следы своей полихромии . На протяжении всей ранней эволюции испанской готики французское влияние оставалось преобладающим, и хотя в целом оно было менее богатым, чем во Франции, оно приобрело весьма оригинальную особенность, проявляющуюся в ассимиляции мавританских влияний, в повторяющейся тенденции к архаизму и во вкусе. для пышного цветочного орнамента.

Яркими примерами полного готического стиля являются Леонский собор и Бургосский собор , которые были на маршрутах паломничества того времени и были украшены важными скульптурами. На протяжении 13 века остальные регионы Испании более или менее не обращали внимания на готический стиль, а церкви продолжали строиться в романском стиле. Между тем, импорт небольших произведений французской готики для частного поклонения был большим, и несколько французских художников работали над этим жанром во многих местах.

Наконец, в XIV веке французский стиль восторжествовал в большинстве регионов, за исключением Галисии и Эстремадуры , а главными центрами монументальной скульптуры стали Наварра , Каталония и Арагон . Хорошими примерами этого этапа являются собор Барселоны и собор-базилика Богоматери на Колонне , и в то же время скульптура стала применяться во множестве других пространств, таких как гробницы, залы капитулов и хоры.

Начиная с 15 века, французское влияние уступило место фламандскому и немецкому влиянию, которое преобладало до вливания классицизма эпохи Возрождения во время правления Карла V в 16 веке. На этом этапе интерес к монументальному декору снизился, как и везде в Европе, и переключился на портативные произведения и столы. Последние великие примеры фасадной скульптуры в чистом готическом стиле находятся в соборе Овьедо , соборе Севильи и частях еще незавершенного собора Толедо .

К переходу к XVI веку итальянские классические элементы уже получили широкое распространение, породив эклектическую маньеристскую школу под названием платереск , которая разработала стиль оформления фасадов скульптурами, обрамленными огромной сложностью геометрических и растительных мотивов. Тот же платереск применялся и к ретаблам , чья изысканность и богатство превосходят таковые из Северной Европы того же периода, но чей внешний вид явно отличается. Одним из наиболее известных создателей ретаблей был Жиль де Силоэ , а ярким представителем независимой скульптуры был Хуан де Жуни .

В Португалии свой цикл начался примерно в 1250 году, но скульптура никогда не пользовалась особым уважением. Его основными примерами являются некоторые гробницы знати, среди которых выделяются изысканные гробницы Петра I и Инес де Кастро в монастыре Алькобаса . Крупнейшими центрами производства были Коимбра , Лиссабон , Сантарен и Эвора .

Между концом 15-го века и началом 16-го века процветал стиль мануэлино — маньеристское происхождение готики, включающее классические элементы. Его главным памятником является монастырь Жеронимуш в Лиссабоне с порталом, спроектированным Жуаном де Кастильо , богато украшенным скульптурами и различными орнаментами.

• 
  Апостолы косяков Портика да Глория , собор Сантьяго-де-Компостела , 13 век
• 
  Дверь дель Сарменталь собора Бургоса , Испания, 13 век.
• 
  Аноним: Могила Инес де Кастро , Алкобаса, Португалия. Мрамор, 1358–1367 гг.
• 
  Пьер Данкар: Алтарь из Севильского собора , Испания. Полихромное дерево, 1480 г.

• 
  Фасад колледжа Сан-Грегорио , Вальядолид, Испания. До 1492 г.
• 
  Алтарь Страстей, испанско-фламандский, Базилика Успения Богоматери Лекейтио, Бискайя, Испания. Полихромное дерево, 1495–1500 гг.
• 
  Жуан де Кастильо : Южный портал монастыря Жеронимуш , Лиссабон, Португалия. 1502–1517 гг.
• 
  Хуан де Джуни : Священное захоронение , Национальный музей скульптуры , Вальядолид, Испания. Полихромное дерево, середина 16 века.

Италия

Развитие итальянской готики, пожалуй, самое нетипичное из всех. Классическая традиция всегда оставалась здесь относительно живой благодаря многочисленным руинам с рельефами, саркофагами и надгробиями , сохранившимися со времен древней Римской империи , и ее принципы видны с самого начала готической традиции. На них же приходится и его кратчайшее проявление.

В Италии традиция больших порталов не получила значительного развития, больше работ в нишах, гробницах и погребальных памятниках, кафедрах и рельефах. Этот стиль впервые появился в центральном регионе, в начале 13 века, благодаря работам Николы Пизано и его сына Джованни Пизано произведения высокого качества , которые оставили в Пизе и Сиене , возможно, вдохновленные фигурами существовавших римских саркофагов. в Кампосанто в Пизе . Их обращение с человеческой фигурой вполне классицизирует, но костюмы составлены скорее по французскому образцу и акцент делается на драматургию сцен.

Стиль обоих оказал большое влияние на последующие поколения, особенно на Арнольфо ди Камбио , Андреа Орканья , Бонино да Кампионе , Тино ди Камайно , Лоренцо Майтани и Джованни ди Бальдуччио , которые перенесли его в другие регионы, такие как Милан и Неаполь , и представили индивидуальные интерпретации. Другим важным мастером был Андреа Пизано , автор знаменитых рельефов для баптистерия Иоанна Крестителя во Флоренции .

К началу 14 века классические элементы уже преобладали, и начинался цикл Возрождения, но готические влияния все еще можно обнаружить в скульптурах Лоренцо Гиберти и Донателло , а также в нескольких второстепенных художниках, действовавших на периферии между 14 и 15 веками. .

• 
  Никола Пизано : кафедра Сиенского собора . Мрамор, 1265–1268 гг.
• 
  Арнольфо ди Камбио : Мадонна , ранее находившаяся на фасаде церкви Санта-Репарата во Флоренции. Мрамор, 1294–1295 гг.
• 
  Аноним: Фронтиспис Феррарского собора , 1300 г.
• 
  Тино ди Камайно : Могила Антонио д'Орсо в Санта-Мария-дель-Фьоре , Флоренция. Мрамор, до 1323 г.

• 
  Манно Бандини да Сиена: Бонифаций VIII , Болонья. Бронза и дерево, начало 14 века.
• 
  Джованни ди Бальдуччо : Ковчег Святого мученика Петра , Базилика Сант-Эусторджио , Милан. Мрамор, 1336–1339 гг.
• 
  Бонино да Кампионе : Конный памятник Бернабо Висконти , Милан. Мрамор, 1363 г.
• 
  Лоренцо Гиберти : Жертвоприношение Исаака , Баптистерий Святого Иоанна , Флоренция. Позолоченная бронза, 1401 г.

Методы работы

См. также: Скульптура

В период готики ни одна из различных техник скульптуры не претерпела каких-либо существенных нововведений, хотя во многих из них наблюдалась большая и прогрессивная утонченность, но концентрация работы с камнем и деревом является характерной чертой этого периода, поскольку большие изделия из бронзы - по своей стоимости и технической сложности — стали непомерно высокими.

Техника непрямого литья по выплавляемым моделям , в результате которой получаются полые скульптуры, что значительно удешевляет производство и позволяет создавать крупные произведения, была вновь открыта только в середине 15 века. Таким образом, важнейшими практическими аспектами ее в истории готической скульптуры являются ее коллективный характер, роль гильдий и производственных мастерских.

Когда в XII веке зародился готический стиль, основным жанром скульптуры стал фасад, находившийся в тесной зависимости от архитектуры. Для строительства великого собора – на строительство которого могли уйти столетия, а многие так и не были построены – была создана своего рода компания, опус, с иерархией, организованной под общим руководством Церкви, и армией мастеров под командованием magister operis , главный строитель (который отвечал за управление поставками материалов и командой) и magister lapidum ( который был эквивалентен функции главного архитектора, и его деятельность можно сравнить с деятельностью продюсера и режиссера). фильма ) . Рабочие и ремесленники не играли важной и решающей роли, их подчинение мастерам было практически абсолютным, а те, в свою очередь, работали непосредственно под церковным руководством.

Хотя имена нескольких готических архитекторов известны, независимая творческая личность и мастер, поднявшиеся до уровня художника , как мы теперь понимаем этот термин, появились только в 14 веке, когда урбанизация достигла достаточного уровня, чтобы привлечь лучших творцов для создания частные мастерские в крупных городах.

Таким образом, до середины 14 века практически вся готическая скульптура была анонимной и являлась произведением многих рук. Но даже когда такие частные мастерские начали множиться, правилом было то, что мастер нанимал ряд помощников, участвовавших в исполнении произведений, — система, которая воспроизводила великие предприятия соборов, хотя и в меньшем масштабе — и даже если сейчас творческая личность мастера была яснее и он мог лучше контролировать результаты, конечный продукт все же был по большей части коллективным.

С другой стороны, существование растущего числа автономных художников требовало их организации в классовые объединения, гильдии , которые обладали значительной властью в распределении контрактов, в методах обучения учеников, а иногда даже в определении эстетических параметров. . Хотя цеховые предписания обычно имели гораздо меньшее влияние на эту последнюю тему и за отдельным мастером сохранялась значительная свобода выбора и действий, поскольку работы всегда выполнялись на заказ – спонтанного производства не было – решающим был вкус покровителей.

Упадок, возрождение и современное признание

Смотрите также: Готическое возрождение

Неоготический фасад Флорентийского собора , Флоренция, Италия, со скульптурным оформлением

С интенсивной переоценкой классицизма в эпоху Возрождения готическая скульптура канула в забвение и оставалась таковой до середины 18 века, когда возник новый интерес к средневековым сюжетам в целом.

В этом новом открытии важную роль сыграли английские, немецкие и французские ученые, такие как Уолпол , Гете и Шатобриан . но этот интерес, все еще ограниченный интеллектуальной элитой, не помешал бесчисленным другим реликвиям и памятникам готического искусства погибнуть во время Французской революции , подвергшейся вандализму со стороны людей, которых поощряли к этому декреты революционного правительства, такие как изданный Парижская Коммуна приказала убрать и обезглавить все статуи королей с фасада собора Парижской Богоматери как символ свергнутой монархии.

Ранние исследования готического периода были сосредоточены на архитектуре, уделяя мало внимания скульптуре, которая тогда считалась просто декоративным аксессуаром зданий и должна была конкурировать с огромным престижем, которым пользовалась классическая греко-римская скульптура. В 1822 году Лепсиус первым подробно изучил скульптуры Наумбургского собора, но сам был склонен к классицизму и поэтому проанализировал готическое производство сравнительно, в ущерб ему.

Тем не менее Лепсиус обратил внимание на эту тему и оценил ее как важный исторический и культурный ресурс. Впоследствии стали появляться новые исследования с более частыми упоминаниями о скульптуре, но все еще в рамках общего анализа средневековой истории. Историография начала консолидироваться как современная наука, используя методологию, основанную на документации и более объективных подходах, и вехой в этом процессе стало влиятельное исследование Франца Клюгера «Handbuch der Kunstgeschichte» (1842 г.), в котором впервые была представлена ​​вся разделы были посвящены скульптуре, хотя он признавал, что почву еще предстоит изучить.

Другой важный вклад был сделан Карлом Шнаасе в его книге Geschichte der bildenden Künste (1842-1864), состоящей из пяти томов, посвященных Средневековью и посвященных изучению памятников в социальном, интеллектуальном и историческом контексте. Основная важность этого исследования заключалась в том, чтобы поставить под сомнение общую тенденцию анализировать средневековое художественное производство на основе критериев, используемых для оценки классического искусства .

В то же время развитие христианской археологии привело к определению готики как стиля христианства по преимуществу, и с середины XIX века появилось несколько специализированных журналов со статьями, посвященными отдельным произведениям или группам готической скульптуры, но обычно они имели тенденцию отделить произведения от их контекста и больше заниматься иконографическими аспектами и богословскими интерпретациями, без синтетического взгляда.

Неоготический образ Непорочного Зачатия, часовня Носсо-Сеньор-дус-Пасос , Порту-Алегри, начало 20 века.

К тому времени интерес к Средневековью в целом и готическому периоду в частности вырос настолько, что неоготического возрождения, имевшая отклик главным образом в архитектуре, литературе и живописи. сформировалась настоящая волна

Некоторые исследования показывают, что в период неоготики, который длился до середины 20 века и распространился по всему Западу, было возведено больше «готических» зданий, чем за весь период расцвета оригинального стиля. Между тем, неоготика оказалась эклектичной, включив в одно произведение элементы неоклассической и романтической школ , а также нескольких отдельных фаз исторической готики, и, таким образом, вместо археологического возрождения она приобрела силу нового и автономного стиля. . Этот интерес также способствовал формированию коллекций готического искусства и инициированию многих проектов по реставрации древних памятников, хотя и не всегда с соблюдением строгой исторической достоверности.

Более тщательная и научная трактовка готической скульптуры появилась только в конце XIX века, когда появилась Вильгельма Любке » «История пластика (1863-1871). В нем Любке впервые составил «полный» обзор истории скульптуры от древних цивилизаций Ближнего Востока до наших дней, а также множество иллюстраций и признал, что средневековой скульптурой неоправданно пренебрегали. В то же время работы Вильгельма Бодена , Франца фон Ребера и особенно Вильгельма Фёге окончательно определили готическую скульптуру как определенную область исследования, в то время как Джованни Морелли , Эмиль Мале , Луи Куражо и другие посвятили себя вопросам регионализма, иконографии, конкретных периодов. , генеалогия и интерпретация стиля.

Новое использование фотографии как средства научной документации также оказало фундаментальную помощь ученым и сделало готические памятники известными широкой публике. Еще одним фактором, способствовавшим переоценке готической скульптуры, стал тот факт, что с конца XVIII века в разных странах было распущено несколько религиозных орденов и разобраны или отремонтированы многие средневековые постройки, декоративная скульптура которых оказалась в музейных коллекциях. Благодаря этому, независимо от своей функции, их можно было оценить как « произведения искусства », независимые от культа и его мистического аспекта.

В 20 веке были внесены важные — и часто противоречивые — вклады в различные аспекты стиля:

• Вильгельм Воррингер , чьи идеи о готическом периоде оказали влияние на экспрессионизм и другие модернистские авангардисты, а также на донацистский германский национализм .
• Ганс Зельдмайер и Эрвин Панофски , определяющие готический собор как «тотальное произведение искусства» ( Gesamtkunstwerk ).
• А еще Йохан Хейзинга и Арнольд Хаузер , соотносящие искусство и общество.

Но, несмотря на значительный прогресс, достигнутый в последнее время в медиевистике, и уже опубликованную значительную библиографию по соборной архитектуре, готическая скульптура как самостоятельная единица все еще остается предметом, относительно не затронутым современными исследователями.

Внешние ссылки

• «Западная скульптура: готика» . Британская энциклопедия онлайн
• «Готическое искусство». Хайльбрунн. Хронология истории искусств. Нью-Йорк : Метрополитен-музей, 2000. Основная статья и меню с несколькими связанными статьями, в том числе на темы скульптуры.
• Готическое искусство - Скульптура