Европейская гравюра в 20 веке.

Союзники (1914), гравюра на дереве Рауля Дюфи , Центр Помпиду , Париж

Медленными и очаровательными жестами Клара приглаживала красное золото своих волос... (1902), картина Огюста Родена , напечатанная Огюстом Клотом , Метрополитен-музей , Нью-Йорк

Искусство двадцатого века претерпело глубокую трансформацию: в более материалистическом , более потребительском обществе искусство было направлено на чувства, а не на интеллект. Возникли авангардные . движения, стремившиеся интегрировать искусство в общество посредством большей взаимосвязи художника и зрителя, поскольку именно последний интерпретирует произведение, будучи способным открыть смыслы, о которых художник даже не догадывался

Наиболее часто используемыми графическими методами были гравюра на дереве, литография, офорт и шелкография, а также были разработаны новые методы, такие как цветная акватинта. Появилась также офсетная печать , которая произвела революцию в полиграфическом искусстве. Офсет — это процесс, аналогичный литографии, заключающийся в нанесении чернил на металлическую пластину, обычно алюминиевую. Это был параллельный продукт двух изобретателей: в 1875 году британец Роберт Барклай разработал версию для печати на металлах (олово), а в 1903 году американец Айра Вашингтон Рубель адаптировал ее для печати на бумаге.

Франция

Войяр

Основная статья: Амбруаз Воллар

На рубеже веков арт-дилер и галерист Амбруаз Воллар стал крупным издателем. В 1890 году он открыл галерею в Париже, где выставлял работы таких художников, как Поль Гоген , Анри Матисс , Поль Сезанн и Пьер-Огюст Ренуар . В 1901 году организовал первую выставку работ Пабло Пикассо . Воллар был особенно озабочен продвижением работ маргинальных художников, художников, отвергнутых официальными салонами. Настоящий любитель гравюр, его успехи в продаже картин позволяли ему субсидировать тиражи гравюр исключительно из личного интереса, поскольку это редко приносило ему прибыль. Он также заботился о качестве продукции, всегда стараясь использовать лучшие материалы и лучших технических специалистов.

Большая часть продукции Воллара была сосредоточена на ограниченных выпусках для коллекционеров, созданных лучшими художниками того времени. Еще одной областью издательской деятельности Воллара была иллюстрированная книга для библиофилов, двадцать два проекта которой он продвигал в период с 1900 по 1939 год. Воллар всегда выбирал художника, которому иногда позволял выбирать текст, который он хотел проиллюстрировать. Его первым изданием было «Параллельное произведение» Поля Верлена с иллюстрациями Пьера Боннара, которое имело коммерческий провал, как и следующее, «Дафнис и Хлоя» , также написанное Боннаром. Выполненная в литографии, для следующего издания он выбрал гравюру на дереве, более ценимую коллекционерами: «Подражание Христу » с иллюстрациями Мориса Дени имело успех в продажах. Среди его последующих изданий выделяются следующие: «Любовь» Пьера де Ронсара (1915, Эмиль Бернар ), «Цветы зла» Шарля Бодлера (1916, Бернар), «Œuvres de maistre Франсуа Вийон» (1919, Бернар), «Маленькие цветы». де Сен-Франсуа (1928, Бернар), Les âmes mortes Николая Гоголя (1924–1925, Марк Шагал ), «Басни» ( Лафонтена 1926–1931, Шагал), «Прекрасное дитя, или Любовь в сорок лет» Эжена Монфора (1930, Рауль Дюфи ), «Ветхий Завет» (1931–1939, Шагал) .

Иллюстрация к «Цветам зла» Шарля Бодлера (1916). Эмиля Бернара

Во время Первой мировой войны из-за трудности с поиском качественных материалов ему пришлось прибегнуть к фотогравюре для некоторых своих изданий. Несмотря на это, он добился качества продукции, особенно благодаря творческому сотрудничеству с Жоржем Руо . Первое сотрудничество Воллара с этим художником состоялось в 1912 году, когда Руо предложил ему отредактировать « Мизерере» , над которым он работал; Воллар купил ее в обмен на иллюстрации к книге, написанной самим дилером, «Reincarnations du Père Ubu» , которая увидела свет только в 1932 году. « Мизерере» (1916–1927) — одна из самых оригинальных и креативных серий гравюр 20 века, в котором художник сочетал разные техники: рисунок переносился на медные пластины посредством гелиогравюры , над которой Руо работал кислотой и инструменты для травления, позволяющие достичь уникальных тонов и ценностей в истории гравюры. В 1920-х годах Воллар возобновил издание оригинальных гравюр, публикуя произведения Жоржа Брака , Марка Шагала, Рауля Дюфи, Жюля Фландрена , Цугухару Фухиты , Аристида Майоля и Мориса де Вламинка . Его последние два издания перед смертью были произведениями Руо: Cirque de l'étoile filante (1938) и Passioné (1939).

Пикассо

Лучшим редакционным плодом Воллара, несомненно, было его сотрудничество с Пабло Пикассо , которое привело к созданию одной из лучших серий гравюр, созданных в столетии: « Сюита Воллара» . Пикассо начал заниматься гравюрами в Барселоне , где в 1899 году написал «Левшу» — работу, которая его не полностью удовлетворила. Он продолжил свою графическую работу в Париже, где на него повлиял Тулуз-Лотрек , что можно увидеть в его плакате для Els Quatre Gats или его иллюстрациях для журналов Joventut и Catalunya Artística . В 1904 году, установленный на Монмартре , он создал La comida frugal , оригинальную композицию, которую он разработал на медной пластине, где он изображает страдания бедной пары. В следующем году он разработал серию Saltimbanquis , одного из своих любимых сюжетов периода роз , набор из четырнадцати гравюр, опубликованных Волларом в 1913 году. С тех пор и до 1920 года он делал гравюры лишь время от времени и по заказу, в основном своими друзьями, такие как «Стихи ( Андре Сальмона» 1905), « Святая Маторель » Макс Якоб (109–1910) — уже в стиле кубизма — и «Осада Иерусалима» , также написанная Якобом (1914). В 1922 году он выпустил серию « Купальщицы » , опубликованную Марселем Гиа.

Le Comptoir (1920–1922), Луи Маркусси , Хьюстонский музей изящных искусств.

В 1920-х годах отношения Пикассо с Волларом стали более тесными: серия офортов, сделанных Пикассо в 1927 году на тему художника и его модели, была приобретена дилером для иллюстрации «Неизвестного шедевра Оноре де Бальзака» , опубликованного в 1931 году. затем Воллар заказал серию гравюр, созданных художником в период с 1930 по 1937 год и опубликованных в 1939: Сюита Воллара . Это набор из ста гравюр (большинство из которых гравюры, а некоторые — сухой иглой) различной тематики, разделенных на несколько последовательностей; самые большие (около сорока) вращаются вокруг темы «Мастерская скульптора» , посвященной отношениям между скульптором, его моделью и его работой, автобиографической ссылкой, в которой моделью является Мари-Тереза ​​Вальтер, его партнерша в то время; другая группа вращается вокруг темы «Изнасилование» , а есть несколько, посвященных фигуре Минотавра , среди которых выделяется «Слепой Минотавр в темноте », считающийся одним из лучших в серии; есть также три портрета Воллара. Одновременно в 1931 году он иллюстрировал для издателя Альберта Скира. «Метаморфозы Овидия » . В 1935 году он сделал «Минотавромакию» , гравюру на медной пластине, где снова изображает фигуру Минотавра ; его считают одним из стилистических прецедентов Герники . Между 1936 и 1937 годами он иллюстрировал «Естественную историю» ( Бюффона опубликованную в 1942 году), снова по заказу Воллара, набор из тридцати одной сахарной гравюры в реалистическом стиле. В 1937 году он сделал Sueño y mentira de Franco , набор из восемнадцати небольших изображений, похожих на виньетки, выгравированных на двух медных пластинах, в качестве обличения против гражданской войны в Испании и против Франсиско Франко ; тысяча экземпляров была напечатана и продана в Pabellón de la República Española того Парижской международной выставки же года.

После нескольких лет бездействия в графике, после Второй мировой войны, он занялся литографией, в основном на цинковых пластинах. Между 1945 и 1951 годами он сделал несколько портретов Франсуазы Жило , своей новой партнерши, матери его детей Клода и Паломы . В этот период он также занимался такими темами, как фавны, голуби и натюрморты, а также несколькими версиями « Кранаха » Сусанны в ванне . Среди его работ тех лет выделяются: «La mujer sendada y la mujer dormida » (1947), «Retrato de Góngora» (1947), «Los faunos músicos» (1948) и его знаменитая «Палома» (1949), которая была принята в качестве логотипа Всемирного Конгресс мира. С 1955 года его отношения с Жаклин Роке , его второй женой, привели его к стилистическому повороту, в результате чего он вернулся к экспрессионистской деформации, гротескным и эротическим темам. Его любовь к корриде вернулась, и в 1957 году он проиллюстрировал жизнь тореадора Пепе-Хилло , работая в основном с линолеумом. В 1966 году он вернулся к гравюре со все более сексуальной темой, в которой женщины представляют собой огромные толстые фигуры. Между 1970 и 1971 годами он создал серию из 156 гравюр для галереи Лейрис, в основном на которых изображены лежащие женщины и смотрящие на них мужчины.

Марсель ла Блондинка (1921), Хуан Грис

Пикассо был наиболее ярким представителем кубизма — движения, основанного на деформации действительности через разрушение пространственной перспективы ренессансного происхождения, через организацию пространства по геометрическому сюжету, с одновременным видением предметов и гаммой холодных и холодных оттенков. приглушенные цвета. Члены этой группы внесли новую концепцию произведения искусства благодаря использованию коллажа . Другими представителями этого движения в области графики были Жорж Брак , Хуан Грис , Луи Маркусси и Жак Вийон . Брак был вместе с Пикассо отцом кубизма. Его гравюра началась поздно, когда он уже отказался от кубизма и в неоклассическом стиле, что можно увидеть в его офортах к « Теогонии Гесиода » (1931). Испанец Хуан Грис начинал с юмористического рисунка в таких журналах, как Le Charivari и Le Cri de Paris . В 1912 году он перешел к кубизму, ортодоксальному стилю, но с ярко выраженной индивидуальностью. Он создал тридцать четыре литографии и гравюры по композициям, аналогичным его живописным работам. Он иллюстрировал несколько книг: «Ne coupez pas», «Mademoiselle, ou les erreurs des PTT» Макса Джейкоба (1920), «Mouchoir des nuages» Тристана Цары (1925), как у жены есть корова «Книга, завершающаяся любовной историей Гертруды Стайн, » (1920). 1925) и «Дениз» ( Раймона Радиге 1926). Он также сделал несколько портретов в литографии ( Марсель ла Брюнетка , Марсель ла Блондинка , Жан-Музыкант ). Прежде чем прийти к кубизму, Маркусси прошел через импрессионизм и фовизм. Виртуозный рисовальщик, он работал карикатуристом в нескольких газетах. Он начал заниматься гравюрой в 1912 году, но более интенсивно посвятил себя этому между 1930 и 1940 годами: «Аурелия» Жерара де Нерваля (1930), «Скрижали спасения» (1931), «Алкоголи» ( Аполлинера 1934–1935), а также сотня портретов ( Гертруда Стайн) . , 1934; Миро , 1938). Вийон, брат Марселя Дюшана , был посвящен в гравюру в возрасте шести лет своим дедом Эмилем Николем. Одаренный рисовальщиком, он работал в нескольких газетах и ​​журналах. С 1899 года гравировал для издателя Эдмона Саго; среди его первых работ — серии «Ванна Минни» (1907) и «Обнаженные» (1909–1910). Уже в период кубизма он создал свою «Эквилибристу» (1913), одну из лучших гравюр этого стиля. В 1920 году он сделал Tablero de ajedrez , репродукцию одноименной картины. В следующем году он проиллюстрировал « Архитектуру» Поля Валери . Между 1923 и 1930 годами он делал репродукции работ Пикассо, Матисса, Сезанна, Ренуара и Ван Гога, чтобы свести концы с концами. В 1939 году за ним «Три ордена последовала серия пейзажей «Сады» », среди которых выделяется серия (1940–1941). Позже Cuarto de buey (1941) и Globo celeste (1944). выделяются

Цветной танец (1933), Эрнст Людвиг Кирхнер , Музей Штеделя

Кубизм был одним из первых авангардных движений, наряду с фовизмом и экспрессионизмом . Фовизм включал эксперименты в области цвета, который был задуман субъективным и личным образом, к которому они применяли эмоциональные и выразительные значения, независимые от природы. Для этих художников цвета должны были вызывать эмоции посредством субъективной хроматической гаммы и блестящего мастерства. Видным среди их рядов был Анри Матисс , который занимался литографией, как правило, в сотрудничестве с гравером Огюстом Кло. Между 1906 и 1913 годами он создал серию литографий, в которых прямолинейным, плавным и элегантным языком отражает влияние Родена. Другими представителями были Андре Дерен , Рауль Дюфи и Морис де Вламинк . Дерен гравировал в основном на дереве, иллюстрируя такие книги, как «Гниющий чародей » Аполлинера (1909), «Бурлески и мистики брата Матореля» Макса Жакоба, «Смерть в монастыре Барселоны» (1912), » Андре Бретона ( «Монте-де-Пьедад 1916) и Антонена Арто » « Гелиогабало (1934). Дюфи начал с гравюры на дереве ( «Бестиарий Орфея» Аполлинера, 1910), а после Первой мировой войны перешел к литографии ( «La Belle Enfant ou L'Amour à quatre ans» Эжена Монфора, 1930, для издателя Воллара). Вламинк-самоучка создавал гравюры на дереве и литографии в стиле, похожем на его картины, которые трудно классифицировать в хронологическом порядке, поскольку он никогда их не датировал.

Германия

Экспрессионизм зародился в Германии. В качестве реакции на импрессионизм экспрессионисты выступали за более личное и интуитивное искусство, в котором внутреннее видение художника – «выражение» – преобладало над изображением реальности – «впечатлением». В своих работах они отразили личную и интимную тему со вкусом к фантастической, искажающей реальности, чтобы подчеркнуть выразительный характер произведения. Это было эклектичное движение со множеством тенденций в своей основе и разнообразными влияниями: от постимпрессионизма и символизма до фовизма и кубизма, а также с некоторыми аниконическими тенденциями, которые привели к абстрактному искусству ( Кандински ).

Сидящие и купальщики с деревом (1914–1918), картина Отто Мюллера.

Его первым упоминанием была группа Die Brücke , основанная в Дрездене в 1905 году Эрнстом Людвигом Кирхнером , Фрицем Блейлем , Эрихом Хеккелем и Карлом Шмидт-Ротлуффом ; позже к ним присоединились Эмиль Нольде , Макс Пехштейн и Отто Мюллер . Под влиянием немецкой готики Киршнер глубоко изучил гравюры на дереве Дюреро — африканское искусство , искусство и ремесла , модерн , наби и такие художники, как Ван Гог, Гоген и Мунк, были заинтересованы в типе предметов, сосредоточенных на жизни и природе, отраженных в спонтанно и инстинктивно, поэтому их основными темами являются обнаженные тела, как в помещении, так и на открытом воздухе, а также цирк и мюзик-холл. сцены, где они находят максимальную интенсивность, которую они могут извлечь из жизни. Особое значение Die Brücke придавала графическим работам: их основным средством выражения была гравюра на дереве, техника, которая позволяла им напрямую передать свое представление об искусстве, оставляя незавершенный, сырой, дикий вид, близкий к примитивизму, которым они так восхищались. . Эти гравюры на дереве представляют собой неровные поверхности, которые они не маскируют и выразительно используют, нанося цветовые пятна и подчеркивая извилистость форм. Они также использовали литографию, акватинту и офорт, придавая уменьшенный хроматизм и стилистическое упрощение.

Маленькие миры I (1922), Василий Кандинский , Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Главным его выразителем стал Кирхнер, темпераментный художник, оставивший одно из самых актуальных графических произведений первой половины века. Его ранние работы отражают влияние японской гравюры и Феликса Валлоттона : «Мужчина и женщина» (1904), «Купальщицы» (1906). В 1915 году он иллюстрировал книгу Питера Шлемила « Питер Шлемиль Шамиссо » . Плодовитый автор, он оставил 971 гравюру на дереве, 665 гравюр и 458 литографий, в основном пейзажи, обнаженные тела, портреты и автопортреты, а также значительные произведения явно эротического содержания.

Вторым этапом немецкого экспрессионизма стала группа Der Blaue Reiter , основанная в Мюнхене в 1911 году, где был сгруппирован ряд художников, которые, а не общий стилистический штамп, разделяли определенное видение искусства, в котором творческая свобода художника и преобладало личное и субъективное выражение его произведений. Его главным представителем в графическом искусстве был Василий Кандинский , русский художник, посвященный модерну и который с 1908 года развивался в сторону абстракции, в картинах, где важность произведения заключалась в форме и цвете, создавая живописные плоскости путем сопоставления цветов. . Он занимался в основном гравюрой на дереве и литографией, в основном цветной. Одной из первых его работ стал плакат для 1-й выставки «Фаланги» 1901 года — ассоциации художников, которую он основал в Мюнхене. За ним последовали такие гравюры на дереве, как «Певец» (1903 г.), «Прощание» (1903 г.) и «Ночь» (1903 г.). Между 1908 и 1912 годами он написал несколько лирических текстов, которые опубликовал в сопровождении гравюр на дереве ( Sonidos , 1913). В 1909 году он также сделал серии гравюр на дереве Poemas sin palabras и Xilografías . В 1911 году он написал и отредактировал De lo espititual en el arte , теоретическую книгу, которую сопровождал гравюрами на дереве, уже близкими к абстракции. В конце 1915 — начале 1916 года он создал в Стокгольме серию офортов гротескного тона, которые выставил в галерее Гуммесон. Во время своего пребывания в России, до 1921 года, он продолжал заниматься этой техникой. Вернувшись в Германию, где он преподавал в Баухаусе , он создал серию «Маленькие миры» (1922), состоящую из двенадцати гравюр (литографий, гравюр на дереве и офортов), имитирующих его живописную вселенную. Он также теоретизировал о гравюре в книге «Точка и линия на плоскости» (1926), где постулировал, что каждая из трех основных графических техник имеет определенные характеристики как формально, так и социологически.

Гравюра из серии «Вальпургиева ночь» (1923). Эрнста Барлаха

Другим членом Der Blaue Reiter был Франц Марк , художник, преждевременно погибший во время мировой войны. Особенно интересуясь изображением животных, которые символизировали его общение с природой, он оставил шестьдесят три гравюры, сделанные между 1908 и 1916 годами. Также стоит упомянуть скульптора Эрнста Барлаха , который также был гравером и драматургом. Его графические работы охватывали период с 1910 по 1930 год, в литографии и гравюре на дереве: в первой технике он иллюстрировал свои собственные драмы ( «Der Tote Tag» , 1912; «Der Arme Vetter» , 1919), а во второй — более стилизованные изображения ( «Der Kopf» , 1919; Вальпургиева ночь , 1923; «Ложь о Фрейде» , 1927). В Австрии выделился Оскар Кокошка , экспрессионист личного вдохновения, автор таких литографических серий, как « Сновидящие дети» (1908), «Король Лир» (1963), «Одиссея» (1963–1965), «Саул и Давид» (1966–1968) и «Троянцы». (1971–1972).

Мерц 3 (1923), Курт Швиттерс , Музей современного искусства , Нью-Йорк.

В Германии после Первой мировой войны возникла группа Neue Sachlichkeit («Новая объективность»), которая как реакционное движение против экспрессионизма вернулась к реалистической фигурации и объективному изображению окружающей действительности с выраженной социальной и мстительной составляющей. Ее основными представителями были Отто Дикс , Джордж Гросс и Макс Бекманн . Дикс в своих работах осуждал жестокость войны и порочность загнивающего общества. В своей серии офортов «Война » (1924) он выступил с мощным антивоенным призывом, используя грубые изображения сильного реализма. До войны Гросс работал карикатуристом, поэтому его стиль отражает свойства этого жанра, отмеченного линейностью. Его изображения осуждают социальное лицемерие, с уродливыми и карикатурными фигурами, как правило, в профиль. Он был автором серий Gott mit uns (1920) и Ecce homo (1923), в которых изобразил общество, в котором доминируют полоски, сюртуки, ряса и сейф . Бекманн продемонстрировал сильное влияние немецкой готики. В 1909 году выпустил литографическую серию « Возвращение Эвридики» , но вскоре перешёл на сухую иглу ( «Маленький автопортрет» , 1912). Во время войны он сделал серию гравюр, отражающих драму войны: «Объявление войны» (1914 г.), «Гранада» (1915 г.). После войны он придерживался реалистической линии, продолжая показывать драму войны, как в серии литографий « Viaje berlinés» (1922). Затем он создавал портреты, натюрморты, пейзажи, обнаженную натуру и цирковые темы ( Фунамбуло , 1921). В 1947 году он поселился в США, где развил свой собственный стиль символического и сказочного кроя ( Day and Dream , 1946).

Фигура H 2 (фигура сбоку) (1922 г.), автор Оскар Шлеммер.

Школа Баухаус была основана в 1919 году Вальтером Гропиусом , который взял на себя руководство Школой искусств и ремесел в Веймаре и переориентировал ее на междисциплинарную учебную программу, охватывающую как архитектуру, так и дизайн, а также декоративное искусство; Студенты школы изучали теории формы и дизайна, а также мастер-классы по камню, дереву, металлу, глине, стеклу, ткачеству и живописи. Школа переехала в Дессау в 1925 году и в Берлин в 1932 году, пока в следующем году она не была закрыта руководством школы перед лицом систематических преследований со стороны нацистских властей. В школе также была мастерская гравюры, которой с 1919 по 1924 год руководил Лайонел Файнингер , американский художник, живший в Германии. Вначале он работал карикатуристом в стиле модерн, вдохновленным Бердслеем , Тулуз-Лотреком и Стейнленом . Он также прошел через кубизм, экспрессионизм и футуризм. Он работал в основном в гравюре на дереве, технике, которая повлияла на пространственную организацию его живописных произведений. Его стиль характеризуется использованием больших черных масс и коротких нерегулярных линий, параллельных или сходящихся конфигураций, которые создают объемы. Он выпустил несколько сериалов, среди которых «Цвельф Хольцшинитте» выделяется (1923). После закрытия Баухауза он вернулся в свою страну, где занимался литографией, особенно пейзажами: Манхэттен II (1951), Дорфкирхе (1954). Еще одним учителем, занимавшимся гравюрой, был Йозеф Альберс , руководивший школьным подготовительным курсом и мастерской росписи по стеклу. Он практиковал гравюру на дереве, литографию, сухую иглу и линолеум, стилистическая эволюция которого варьировалась от экспрессионизма до абстракции конструктивистского влияния, в которой он уделял большое внимание прямой линии и черно-белому хроматизму. Позже он поселился в Соединенных Штатах, где преподавал в колледже Блэк-Маунтин и Йельском университете , где выпустил свою серию «Структурные созвездия» (1953–1958). Другим педагогом был Оскар Шлеммер , последовательно директор мастерских каменной скульптуры, настенной живописи и театра. Пройдя мимо экспрессионизма и кубизма, он эволюционировал в сторону абстракции, с изображениями, в которых он сводит человеческую фигуру к линейным очертаниям в геометрической композиции. В 1921 году гравюрная мастерская Баухауза выпустила пятиразовый почтовый альбом с произведениями преподавателей Баухауза, а также немецких, итальянских и русских художников. Он также производил работы по заказу, и многие художники, не входящие в школу, печатали там свои работы. В 1923 году они также основали издательство, которое среди других работ опубликовало книгу для выставки Баухауса того же года.

Италия и футуризм

Мать художника (1910), картина Умберто Боччони , Метрополитен-музей, Нью-Йорк.

Следующим возникшим авангардом стал футуризм , движение итальянского происхождения, которое превозносило ценности технического и промышленного прогресса 20-го века и подчеркивало такие аспекты реальности, как движение, скорость и одновременность действий. Его основные представители, Умберто Боччони , Джакомо Балла , Джино Северини и Карло Карра , весьма редко занимались гравюрой. В области графики стоит упомянуть Джорджио Моранди , художника, лишь временно отнесенного к футуризму и личной эволюции. Он сосредоточился в основном на изображении предметов — часто натюрмортов — в стиле, сочетающем классицизм и кубизм с определенным влиянием Сезанна . Он работал в области офорта, где продемонстрировал большое техническое мастерство, с помощью которого достиг эффектов вневременной, почти волшебной реальности. В Италии стоит упомянуть Gruppo Romano Incisori Artisti (Римскую группу художников-граверов), которая возникла в 1921 году по инициативе Федерико Херманина и объединила около двадцати пяти художников разных стилей, которые коллективно выставлялись на различных итальянских художественных конкурсах.

Россия и супрематизм

В России возник примерно в 1915 году супрематизм — стиль абстрактной огранки, основанный на фундаментальных геометрических формах, особенно квадрате и круге, с ограниченным хроматическим диапазоном, особенно чёрным и белым. Одним из его представителей был Эль Лисицкий , архитектор, художник, дизайнер, фотограф и типограф, создатель проуна ( «Проекты утверждения нового»), типа геометрического абстрактного дизайна, задуманного как синтез живописи и архитектуры, который он развивался в живописи, гравюрах и рисунках.

Победите белых красным клином (1919), Эль Лисицкий

Грудь

Следующим из новых стилей стал дадаизм , движение реакции на катастрофы Первой мировой войны, предполагавшее радикальный подход к концепции искусства, теряющий любые компоненты, основанные на логике и разуме, и претендующий на сомнение, случайность, абсурдность существования. Это переводилось на подрывной язык, где ставились под сомнение как темы, так и традиционные методы искусства, экспериментируя с новыми материалами и новыми формами композиции, такими как коллаж , фотомонтаж и реди-мейд . Среди его представителей — Жан Арп , художник, скульптор и поэт, один из основателей движения в Цюрихе . В 1916 году он проиллюстрировал Тристана Цары » « 25 стихотворений и выполнил серию на дереве «Этюды симметрии» абстрактных гравюр . С тех пор он продолжал создавать гравюры и, прежде всего, гравюры на дереве, со сдержанным стилем резьбы и резкостью чернил, с изображениями, которые перемещаются между абстракцией и морфологией. Он также иллюстрировал свои собственные тексты: «Парусник в лесу » (1957), «Рю Габриэль, 1» (1958), «На пути к бесконечной белизне» (1960). Также примечателен Курт Швиттерс , выпустивший в 1923 году серию из шести литографий своего произведения «Мерц » нумерованным тиражом в пятьдесят экземпляров. Он разработал его на бумаге разных цветов, так что получился вид коллажа . Другим представителем был Кристиан Шад , сотрудник журнала «Сириус» , для которого он создавал по одной гравюре на дереве в каждом выпуске и для издателя которого он создал буклет из десяти гравюр на дереве в 1915 году.

Сюрреализм

Ходячий цирк (1940), Пол Клее , Художественный музей Сан-Паулу

Между 1920-ми и 1940-ми годами развивался сюрреализм , движение, которое уделяло особое внимание воображению, фантазии и миру снов, с сильным влиянием психоанализа , с фигуративной и абстрактной тенденцией. Одним из его величайших представителей был Сальвадор Дали , который прошел путь от фазы становления, на которой он пробовал различные стили (импрессионизм, футуризм, кубизм, фовизм), до фигуративного сюрреализма, находящегося под сильным влиянием фрейдистской психологии . В области графики он преимущественно посвятил себя книжной иллюстрации, такой как «Песни Мальдорора» графа Лотреамона (1934), «Дон Кихот ( » Сервантеса 1957) и Божественная комедия» Данте « (1960). В 1957 году он перевел «Капричос Гойи » . Также заслуживает внимания его «Сюрреалистическая Тавромакия » 1976 года.

Жоан Миро особенно занимался литографией, так как стремился к результату, наиболее близкому к живописи — о нем говорили, что он рисовал так, как гравировал, и гравировал так, как писал . Особого внимания заслуживает его серия «Барселона» (1944), графическая версия его живописной серии «Созвездия» , набора из пятидесяти литографий, в которых он воссоздал свой личный мир, с в основном абстрактными изображениями, в которых время от времени воспринимаются фигуры людей или животных, а также некоторые из его обычных мотивов, таких как звезды и птицы. Декорации отличаются своей драматургией, мотивированной пессимизмом художника перед лицом войны. Он также иллюстрировал библиофильские книги: «Parler Seul» Тристана Цары (1948–1950), «À toutproof» Поля Элюара (1958), «Зеркало человека у зверей» Андре Френо (1972), «Ода и Жоан Миро» Жоана Бросса (1973).

Другими художниками-сюрреалистами, занимавшимися гравюрой, были Поль Клее , Макс Эрнст , Андре Массон и Ив Танги . Клее начинал в стиле модерн и был членом экспрессионистской группы Der Blaue Reiter , прежде чем обратиться к сюрреализму. Он воссоздал в своем творчестве фантастический и ироничный мир, близкий к миру детей или безумцев. В своих композициях его особенно интересовали такие аспекты, как цвет, свет, время и движение. Работал в основном в литографии: Sommeil d'hiver (1938), Tête d'enfant (1939). Эрнст прошел через экспрессионизм, дадаизм и сюрреализм, создав оригинальные работы сильной личности. Его первые гравюры (1911–1912), выполненные линогравюрой , связаны с группой Die Brücke . На своей дадаистской стадии он разработал серию литографий Fiat mode, pereat ars (1919), где показывает влияние метафизического Джорджо де Кирико . Позже он практиковал другие методы, такие как коллаж , фотомонтаж и фроттаж . Особо следует отметить его роман-коллаж Une semaine de bonté (1933), гравюренный на дереве, в реалистическом стиле, наполненный юмором и эротизмом, с определенным влиянием Гойя. Массон был посвящен в кубизм, пока не привел к сюрреализму, отмеченному графическим автоматизмом. Он иллюстрировал такие книги, как «Жюстина » маркиза де Сада (1928) и «Мартиника, чародейка змей» Андре Бретона (1941), а также различные произведения Малларме , Кольриджа и Мальро . Для Танги характерен тип образов пустынных равнин с бесконечным горизонтом и молочным светом, населенных биоморфными существами, которые он перенес в свои графические работы.

В Англии скульптор Генри Мур , который также был рисовальщиком и гравером. В 1931 году он выпустил серию гравюр на дереве « Скульптурные фигуры» . Во время Второй мировой войны, когда его назначили военным художником , он сделал серию рисунков на убежищах, которые перевел на литографии. В 1969 году он сделал двадцать восемь сухих точек, вдохновленных черепом слона, из которых воссоздал воображаемые пещеры, пейзажи и архитектуру, обозначающие влияние Пиранези . Запоздало приобщившись к сюрреализму, кубинец Вифредо Лам делал литографии, в которых соединял этот стиль с определенными кубистическими тенденциями.

Олень у Шарки (1917), автор Джордж Уэсли Беллоуз , Художественный музей Индианаполиса.

В межвоенный период во Франции возникла так называемая Парижская школа , неортодоксальная группа художников, связанных с различными художественными стилями, такими как постимпрессионизм, экспрессионизм, кубизм и сюрреализм. Этот термин охватывает самых разных художников, как французских, так и иностранных, проживавших во французской столице в период между двумя мировыми войнами. В области графики выделялся уроженец России Марк Шагал , который разработал стиль, отражающий влияние фовизма и кубизма, хотя и интерпретированный индивидуально, с работами сказочного тона и интенсивного хроматизма. Он начал заниматься гравюрой в возрасте тридцати шести лет, с иллюстраций к Поля Кассирера автобиографии «Mein Leben» (1923), двадцати шести гравюр и сухих игл . Уже обосновавшись в Париже, он выполнил несколько заказов для издателя Воллара: «Смертельные жизни» Николая Гоголя (1924–1925), «Басни» ( Лафонтена 1926–1931), «Старое завещание» (1931–1939). Сосланный в США между 1941 и 1948 годами, он создал здесь литографическую серию « Четыре сказки из одной и той же ночи» . Вернувшись во Францию, он выпустил несколько серий литографий: «Дафнис и Хлоя» (1961), «Цирк» (1967), «В стране богов» (1967); а также офорты, акватинты, монотипии и серия гравюр на дереве « Стихи» (1968). Также стоит упомянуть в этой школе: Луи Жу , посвятивший себя гравюре на дереве, предназначенной для иллюстрации книг роскошных изданий; Андре Дюнуайе де Сегонзак посвятил себя глубокой печати, в которой он был плодовитым автором (1600 листов), его основной работой были иллюстрации к « Георгикам Вергилия » (1947); Люк-Альбер Моро преуспел в литографии; в плакатном искусстве выделились Поль Колен , Жан Карлу и Кассандра , обновившие и модернизировавшие жанр.

Певец многодумбров (ок. 1910), картина Франсиско Итуррино , коллекция Гелонха-Виладегута, Лерида.

В 1930-е годы использование офсетной литографии для художественной печати стало приобретать всеобщий характер. Первопроходцем был французский художник, живший в США Луи Анри Жан Шарло , который в 1933 году опубликовал в Лос-Анджелесе свою книгу с картинками , состоящую из тридцати двух литографий на цинковой пластине, напечатанных офсетным способом. Гравёром был Линтон Кистлер , который работал со многими современными художниками, и к нему в Нью-Йорке присоединился Альберт Карман . Вскоре после этого оно попало в Соединенное Королевство, где его практиковали Барнетт Фридман , Пол Нэш и Джон Пайпер . Эти художники популяризировали офсет в 1930-х и 1940-х годах, неограниченными тиражами и по низкой цене, что, в свою очередь, привело к определенной дискредитации этой техники, которая считалась уступающей по художественному качеству кустарным методам традиционной гравюры.

В США также заслуживают внимания работы Джона Френча Слоана , художника и гравера школы Ашкан — реалистического направления, характеризующегося городскими жанровыми сценами. Он преимущественно рисовал сцены повседневной жизни Нью-Йорка, ориентируясь преимущественно на объективное описание, без критических и моральных оценок, хотя иногда и с определенной драматической составляющей. Хорошим примером является его офорт «Окна ночью» (1910). К этой же школе принадлежал Джордж Уэсли Беллоуз , автор городских сцен Нью-Йорка, отдавший предпочтение изображениям бокса и бейсбола. Он посвятил себя литографии — технике, в которой проиллюстрировал несколько книг, особенно Герберта Уэллса . Эдвард Хоппер был представителем так называемого американского реализма или американской сцены с городскими сценами анонимных и одиноких персонажей. В первые годы своей карьеры он работал иллюстратором, чтобы свести концы с концами, и этот период включает в себя серию офортов « Ночные тени» (1921) и «Поезд и купальщики» (1930).

Испания

В Испании первых десятилетий, помимо работ таких великих художников, как Пикассо, Дали и Миро, стоит вспомнить: Карлоса Вергера , художника, плакатиста и гравера, автора репродукций и оригинальных работ, таких как Бетховен , Кармен. , Лавандерас и Форо Романо ; Рикардо Бароха практиковал офорт и акватинту под влиянием Гойе, автор пейзажей и популярных тем; Франсиско Итуррино , стиль фовизма, ориентированный на изображения обнаженной натуры, лошадей и садов, с некоторым влиянием Регойо ; Ксавье Ногес , писавший в стиле новечентиста иллюстрация « Эль сомбреро де трес пикос » Педро Антонио де Аларкона ; , был известным акварелистом с определенной сатирической и карикатурной жилкой, среди его работ выделялась Даниэль Васкес Диас , находясь где-то между реализмом и кубизмом, создавал гравюры и литографии на тему Первой мировой войны, а также пейзажи и социальные сцены; Хосе Гутьеррес-Солана , связанный с экспрессионизмом, объединил традиционное и современное искусство с грубым и драматическим стилем, сосредоточив внимание на грязных и мрачных темах, вдохновленных España negra (популярные персонажи, шествия, коррида); Антони Клаве был художником, скульптором, гравером и сценографом и в равной степени занимался литографией, офортом и акватинтой, в основном в книжных иллюстрациях ( «Леттры Испании» Проспера Мериме , 1943; «Кандид , » Вольтера 1948; «Гаргантюа» Франсуа Рабле , 1950). . В 1910 году было основано Общество испанских граверов. Некоторые художники этого общества создали в 1928 году группу Los Veinticuatro, которую три года спустя переименовали в Agrupación Española de Artistas Grabadores.

Пост-был

Единорог (1975), шелкография Ади Хольцера.

После Второй мировой войны исторический авангард уступил место новой серии движений, варьирующихся от фигуративного искусства до абстрактного, от самого традиционного искусства до искусства действия или концептуального искусства . Одним из первых, в ближайший послевоенный период, был Информализм — совокупность течений, основанных на выразительности художника и отказе от любого рационального аспекта искусства (структуры, композиции, предвзятого применения цвета). Это был в высшей степени абстрактный стиль, в котором приобрело значение материальное обеспечение произведения, которое взяло на себя ведущую роль над любой темой или композицией. В то же время в Соединенных Штатах мы находим абстрактный экспрессионизм , также называемый живописью действия , — столь же абстрактный стиль, в котором выделяются жесты художника.

Среди его европейских представителей и в рамках графического искусства стоит назвать: Жана Дюбюффе , художника, который сочетал абстракцию с некоторыми биоморфными отсылками и намеками на граффити , как в его литографии «Стены» (1949); Лучио Фонтана , основоположник пространственизма , создал тип абстрактных изображений, которые он назвал «пространственными концепциями», характеризующимися их монохроматизмом и введением пространства в изображение через разрывы и дыры, которые он также перенес в гравюру; и Ганс Хартунг , создатель графической вселенной абстрактной резки, которую он разработал самоучкой, с работой, включающей около двухсот пластин, выполненных в различных техниках, особенно глубокой печати и литографии. В США стоит упомянуть: Джексона Поллока , создателя капающей или капающей краски на холсте, в основном в абстрактных композициях, хотя он производил и фигуративные или частично фигуративные работы в черно-белом исполнении ( Без названия , 1945, офорт); Марк Ротко , русский по происхождению, отличался прямоугольными форматами, насыщенным колоритом и размытыми контурами, которые он переносил в свои графические произведения; Виллем де Кунинг был одним из немногих живописцев, представивших в своих произведениях человеческую фигуру, хотя и погруженную в абстрактные сцены и с фрагментарными формами, как бы дислоцированными, в криволинейных, динамичных пространствах, в графическом произведении, сосредоточенном на офорте и литографии, в композициях. похоже на его живописные работы.

Антони Тапиес , создавший свой собственный стиль, в котором традиции и новаторство сочетались в абстрактном стиле, полном символизма, что придавало большое значение материальному субстрату работы. Он начинал в группе Dau al Set , некоторые из членов которой также занимались гравюрой, например, Модест Куишарт , Жоан Понс и Жоан-Жозеп Тарратс ; между 1948 и 1956 годами группа издавала одноименный журнал , в котором были показаны некоторые его работы. В одиночку Тапиес занимался гравюрой второстепенным способом по отношению к своей живописи, но он оставил работы отличного качества, выполненные в различных техниках: он практиковал литографию, глубокую и сериграфию , а также типографские трафареты. Его работы включают серию «Каталунья» с большими шелкографиями, а также иллюстрации к таким книгам, как «Великая ночь» Жака Дюпена (1967), «Воздух » Андре Буше (1971) и «La clau del foc» ( Пере Гимферрера 1973).

Другим представителем испанского неформального стиля был Антонио Саура , один из основателей группы Эль-Пасо (1957–1959), в которую также входили Маноло Милларес , Рафаэль Каногар , Луис Фейто , Хуана Франсес , Мануэль Ривера , Мартин Чирино , Мануэль Виола и скульптор Пабло Серрано все они были создателями гравюр. Саура был, пожалуй, самым выдающимся участником, автором жестовых, экспрессивных работ, сдержанных цветов — преимущественно черно-белых — в изображениях, где он не исключает фигуративности, каких-то деформированных фигур, напоминающих чудовищ. Стоит также упомянуть баскского скульптора Эдуардо Чиллиду , который также был известным гравером, автором около двухсот гравюр (некоторые из них фрески) и книжных иллюстраций: «Les chemins des devins suivi de menerbes» Андре Френо (1966), «Медитация в Kastilien Макса Хёльцера (1968), Die Kunst und der Мартина Raum Хайдеггера (1969), «Más allá» Хорхе Гильена (1973), «Le sujet est la clairiere de son corps» Шарля Расина (1975), «Adoración» Хосе Мигеля Уллана (1977). Почти все его творчество вращается вокруг пространственного отражения в скульптурной плоскости и объеме.

В качестве реакции на неформальную абстракцию возникла так называемая «Неофигурация» — движение, восстановившее фигуративное искусство с определенным экспрессионистским влиянием и полной свободой композиции. Хотя они были основаны на фигуративности, это не означает, что это было реалистично, но могло быть деформировано или схематизировано по вкусу художника. Среди его компонентов: Фрэнсис Бэкон , создатель вселенной, сосредоточенной на человеческих фигурах, изолированных или небольших группах, обычно деформированных, в закрытых, но неопределенных пространствах, которые он также перенес на гравюры; Бернар Бюффе иллюстрировал несколько публикаций, таких как «Песни Мальдорора» графа Лотреамона (1952), «Страсти Христовы» (1954), Жана Кокто » «Человеческий голос (1957), Сирано де Бержерака » «Фантастические путешествия (1958) или Данте » « Ад (1976); Люсьен Фрейд специализировался на портретах и ​​обнаженной натуре, с суровым реализмом, обычно работал в офорте, технике, которая позволяла ему оптимально развивать свои качества рисовальщика ( «Пара» , «Женская голова» , «Мать художника» , «Красивая» ); чилиец « Роберто Матта также преуспел в иллюстрации: «Песни Мальдорора» Лотреамона (1938), «Слово принадлежит Пере» Бенджамина Пере (1941), «Арканум 17» ( Андре Бретона 1945), Занятость времени» Мишеля Бутора (1956), «Сторожевые башни ». «На белом» Анри Мишо (1959). Члены группы CoBrA ( Карел Аппель , Асгер Йорн , Корнель , Пьер Алешинский , Констан Ньювенхейс ) также практиковали гравюру, особенно литографию, в произведениях, отличавшихся толстыми мазками и яркими красками.

С 1950 года развивается кинетическое искусство (также называемое оп-артом , «оптическим искусством») — стиль, подчеркивающий визуальный аспект искусства, особенно оптические эффекты, которые создавались либо с помощью оптических иллюзий (неоднозначные фигуры, затянувшиеся изображения, муарового узора) эффект . ), или через движение или игру света. Это был абстрактный, но рациональный композиционный стиль, в отличие от информализма. Среди его членов выделялись Виктор Вазарели и Эусебио Семпере . Вначале Вазарели работал графическим дизайнером в рекламных агентствах. Позже он создал замечательную графическую работу, в которой воссоздал свою кинетическую вселенную, основанную на оптических эффектах. Работал в основном в шелкографии: «Челл» (1949), «Альбом Васарели» (1958), «Альбом III» (1959), «Созвездия» (1967). Семпере сосредоточил свою работу на исследованиях света и оптических вибраций, иногда начиная с пейзажей или фигуративных элементов, которые он превращал в абстракции интенсивного лиризма. В 1969 году он сделал серию сериграфий на стихи Гонгоры .

Не поддающимся классификации художником, который начал добиваться успеха в 1950-х годах, был М. К. Эшер , создавший фантастические работы, в которых он воссоздал воображаемые миры и невозможные объекты . Он занимался гравюрой на дереве, литографией и меццо-тинто , имея около четырехсот оригиналов, из которых были сделаны десятки, сотни или тысячи репродукций, в зависимости от работы. Его изображения сочетают в себе геометрические и математические понятия, а также фигуры фантастических животных и другие продукты его воображения.

Между 1960-ми и 1970-ми годами произошла переоценка литографии, особенно в США. Под влиянием неортодоксального использования этой техники Пикассо в период с 1945 по 1950 годы, когда он рисовал и царапал на камне, многие художники работали с литографией нетрадиционными методами. В 1960 году Джун Уэйн основала в Лос-Анджелесе Мастерскую литографии Тамаринда, которая оказала глубокое влияние на американское графическое производство тех десятилетий. За ними последовали и другие компании, такие как Universal Limited Art Editions (ULAE) и Gemini GEL. С этими компаниями работали многие художники, такие как Йозеф Альберс , Джаспер Джонс , Роберт Раушенберг , Роберт Мазервелл , Элейн де Кунинг , Ричард Дибенкорн , Джим Дайн , Гего , Мел Рамос , Эдвард Руша , Сэм Фрэнсис , Руфино Тамайо , Луиза Невельсон , Филип Гастон. , и т. д.

В те годы поп-арт — стиль с заметной составляющей народного вдохновения, черпавший образы из мира рекламы, фотографии, комиксов и средств массовой информации. в США развивался Одним из главных его представителей был Энди Уорхол . Раньше он работал с шелкографией, начиная с портретов таких известных людей, как Элвис Пресли , Мэрилин Монро , Жаклин Кеннеди или Мао Цзэ-дуна , заканчивая ужасающими сериями «Катастрофы» , «Электрические стулья» и «Расовые беспорядки» , а также всевозможными объектами, такими как как его серия « Банки с супом Кэмпбелл» или «Кока-кола» , разработанная с ярким, резким колоризмом и чистым, безличным техника. Уорхол выбирал свои изображения из средств массовой информации, стереотипные изображения, которые он вырезал и оформлял в рамы, чтобы отправить в мастерскую шелкографии, где они увеличивались, выбирались формат и цвет и производился тираж на бумаге или холсте в ненумерованных сериях. Его работа холодна, безразлична, однообразна и механизирована, подходящая для индустриального общества, ориентированного на потребление. Даже к смерти относятся так же отстраненно и холодно, поскольку это все еще распространенный образ в средствах массовой информации. Другим американским представителем был Рой Лихтенштейн , который был вдохновлен комиксами с изображениями в виньетках, которые часто демонстрируют пунктирность, типичную для печатных изданий. Это тривиальные, почти вульгарные образы, но подчеркнутые так, чтобы передать эмоции героев, хотя и с холодным и механическим видом.

Поп-арт появился и в Великобритании, где Ричард Гамильтон и Дэвид Хокни особенно выделялись . Гамильтон разработал образы, основанные на популярной культуре, под влиянием рекламы, которой он придал критический характер. Обычно он работал в смешанной технике, например, над своей «Статуэткой» (1969–1970), литографической фотосеткой с шелкографией в коллаже , трафарете и косметике. Хокни отошел в своем творчестве от популярного и коммерческого аспекта своих современников, с изображениями внутреннего наполнения и фантастической составляющей, поэтическими и ироническими аллюзиями, а также с определенными отсылками к карикатуре и живописности .

В Испании реалистическая реакция возникла в 1960-х годах перед лицом неформального течения, выразителем которого была группа Estampa Popular , основанная в 1958 году в Мадриде Хосе Гарсией Ортегой вместе с выдающимися Агустином Ибарролой и Рикардо Саморано . Под влиянием поп-арта и французского нового реализма их стиль реалистичен, в простых изображениях, с ясной и простой композицией, отмечен их антифранкистской политической приверженностью . Отделением от предыдущего стала Equipo Crónica , основанная в 1964 году в Валенсии Маноло Вальдесом , Рафаэлем Сольбесом и Хуаном Антонио Толедо , с реалистичным стилем под влиянием поп-арта и средств массовой информации. Другими испанскими художниками этих лет, занимавшимися гравюрой, были: Луис Гордильо , Хуан Хеновес , Хоан Эрнандес Пихуан , Альберт Рафолс Касамада , Хосеп Мария Субиракс , Эдуардо Арройо , Хосе Эрнандес и Хавьер Марискаль .

В 1960-е годы зародилась постживописная абстракция , абстрагирующее движение, которое вскоре привело к минимализму , с произведениями подчеркнутой простоты, сведенными к минимальному мотиву. Одним из его представителей был Фрэнк Стелла , автор изображений плоского дизайна, основанных на геометрических фигурах, в печатной версии которого он использовал металлические и флуоресцентные чернила ( «Звезда Персии I» , 1967).

В качестве реакции на предыдущий одновременно возник гиперреализм , стиль, характеризующийся превосходным и преувеличенным видением реальности, которое запечатлено с большой точностью во всех ее деталях, с почти фотографическим аспектом. Одним из наиболее ярких ее представителей был Чак Клоуз . В своем «Автопортрете/белыми чернилами» (1978) он создал с помощью офорта и акватинты свой фотографический автопортрет, сделанный из сетки с сеткой, в которой он проработал каждую сетку отдельно на основе тонов акватинты. В Испании стоит упомянуть Антонио Лопеса Гарсию , который разработал работы почти фотографического реализма не без определенного лиризма и отголосков сюрреалистического тона. В основном он занимался литографией ( Rosa y Membrillo , 1992).

«Возвращение к нормальному состоянию» , шелкография Гектора Каттолики для Atelier Populaire в Париже (1968).

Также в 1960-е годы возникло так называемое акционное искусство, различные течения, основанные на акте художественного творчества, где главное — не само произведение, а творческий процесс, в который помимо художника часто вовлекается и публика, с большая составляющая импровизации. Оно охватывает различные художественные проявления, такие как хеппенинг , перформанс , среда или инсталляция . Хотя по своей природе оно не имело большого отражения в графическом искусстве, некоторые из его представителей практиковали гравюру, например, Йозеф Бойс , многогранный немецкий художник, живописец, скульптор, педагог и теоретик искусства. Занимался офортом, акватинтой и литографией: « Клятвенная рука: Теленок с детьми» (1980), «Клятвенная рука: Палатка и луч света» (1980), «Время обращения: Морские ангелы 2 печати» (1982), «Слёзы: Женское торосо» (1985).

С середины этого десятилетия появляются концептуальные художественные тенденции, ориентированные на дематериализацию искусства. Оно включает в себя такие направления, как арте повера , боди-арт и лэнд-арт , а также феминистское искусство и различные другие проявления. По своей природе это течение особенно не проявлялось в гравюрах, но некоторые его художники использовали его для распространения своих произведений, например, болгарин Христо , автор экологических инсталляций, многие из которых состояли из упаковки предметов или памятников. В своих графических работах он использовал смешанные техники, такие как «Завернутый памятник Витторио Эмануэле» (1975), где он использовал литографию и коллаж из ткани, фотографии, шпагата, скоб и ленты.

Во время студенческих протестов в мае 1968 года — группа студентов , возникла Atelier Populaire (популярная мастерская) в рамках Парижской школы изящных искусств отвечавшая за разработку пропагандистских плакатов своих акций, которые они размещали по всему городу. . Они разработали около трехсот пятидесяти плакатов, большинство из которых были выполнены методом шелкографии, которые выделялись своим визуальным воздействием и силой лозунгов и стали символами протестов.

С 1975 года искусство, свойственное постмодернизму или постмодернистскому искусству, развивалось в противовес так называемому современному искусству . Эти художники считали провал авангардных движений провалом современного проекта: авангард намеревался устранить дистанцию ​​между искусством и жизнью, универсализировать искусство; художники-постмодернисты, с другой стороны, самореференциальны, искусство говорит об искусстве, они не собираются заниматься социальной работой. Одним из его представителей с достижениями в графическом искусстве является Эрик Фишль , американский художник реалистического стиля с сильным экспрессивным характером, находившийся под влиянием Макса Бекмана , Люсьена Фрейда или Эдварда Хоппера . Его сюжеты были сосредоточены главным образом на сексуальности, с обильными изображениями обнаженных тел в эротических позах, но с определенной загадочной, мучительной, гнетущей атмосферой, которая подчеркивается его приглушенной, серовтой хроматической гаммой, с освещением странной интенсивности, подчеркивающим выразительный стиль его произведений. Испанец Микель Барсело разработал разностороннее творчество, в котором можно уловить множество влияний, среди которых выделяется африканское искусство, с использованием разнообразных художественных техник и приемов: от живописи, скульптуры и гравюр до керамики и литья. Он работал с офортом, акватинтой, сухой иглой, литографией и сериграфией в отдельных работах ( Suite Tres Caprichos , 1988) или в книжных иллюстрациях, таких как Божественная комедия» Данте « или La música callada del toreo Хосе Бергамина (2015).

В постмодернистском искусстве было несколько движений, таких как итальянский трансвавангард или немецкий неоэкспрессионизм . В первом стоит упомянуть Франческо Клементе , художника и поэта, находившегося под влиянием в своем творчестве Сая Твомбли и индийского искусства . И в своих картинах, и в гравюрах он сочетает абстракцию с фигуративностью. Во втором — такие художники, как Георг Базелиц , Зигмар Польке и А. Р. Пенк . Базелиц — художник, скульптор и гравёр, чье творчество сосредоточено на преодолении контраста между фигуративной и абстрактной живописью. Одной из его отличительных черт является инверсия изображений, видимых перевернутыми, с яркими и насыщенными цветами. Польке был художником и гравером, находившимся под влиянием поп-арта , со стилем, сочетающим современную живопись с элементами, взятыми из рекламы и средств массовой информации, с определенной тенденцией к китчу . Пенк — живописец, скульптор и график, под влиянием примитивного искусства он разработал стиль тотемического облика, в котором также можно проглядеть влияние Пауля Клее и Джексона Поллока .

В 1992 году Международный олимпийский комитет отпраздновал столетие со дня своего основания, опубликовав графическую работу под названием «Олимпийская столетняя сюита» , набор из пятидесяти литографий, созданных различными художниками со всего мира, в том числе: Эдуардо Чильида , Луис Гордильо , Антони Тапиес , Сол Левитт. , Антонио Лопес , Арман , Сезар , Иржи Георг Докупил , Нам Джун Пайк , Эрро , Деннис Оппенгейм , Миммо Паладино , Корнель , Жан Тэнгли , Вольф Фостелл , Хесус Рафаэль Сото и другие представители арт-сцены того времени.

В последние десятилетия века компьютерная революция привела к появлению новой техники — цифровой печати , при которой графический дизайн выполняется с помощью компьютера. Этот новый метод подвергся критике, поскольку он почти полностью основан на компьютерных технологиях и, следовательно, утратил ремесленный компонент традиционной гравюры. Однако его сторонники подчеркивают творческий акт, оригинальный замысел, которым отмечена работа художника. Как бы то ни было, с течением времени цифровая печать была принята в мире искусства в целом, и теперь многие художники используют эту технику либо отдельно, либо в гибридной форме с другими графическими процедурами. Кроме того, многие галереи и учреждения уже имеют в своих фондах и коллекциях цифровые произведения. В 1998 году Calcografía Nacional de España провела выставку под названием La Estampa Digital , на которой были показаны некоторые из основных новинок этой техники.

Ссылки

• Аскарате Ристори, Хосе Мария де; Перес Санчес, Альфонсо Эмилио; Рамирес Домингес, Хуан Антонио (1983). История искусства (на испанском языке). Мадрид: Анайя. ISBN  84-207-1408-9 .
• Бекс-Малорни, Ульрика (2007). Кандинский . Одеколон: Сумки. ISBN  -978-3-8228-3539-5 .
• Боррас Гуалис, Гонсало М.; Эстебан Лоренте, Хуан Франциско; Альваро Самора, Изабель (2010). Общее введение в искусство (на испанском языке). Мадрид: Акал. ISBN  978-84-7090-107-2 .
• История гравюры , ЭСТЕВЕ БОТЕЙ, Франциско, Барселона, Лейбористская партия, 1935 г.
• Рил, Хуан; Чека, Фернандо; Морда, Валериано (2001). Сумма искусств XXXI. Гравюра в Испании (15-18 вв.) (на испанском языке). Мадрид: Эспаса Кальпе. ISBN  84-239-5273-8 .

• Рил, Хуан; Вега, Хесуса (1993). Гравюра и графическое творчество (на испанском языке). Мадрид: История 16.
• Кассу, Жан (1976). Пикассо (на испанском языке). Барселона: Circulo de Lectores. ISBN  84-226-0868-5 .

• Чилверс, Ян (2007). Художественный словарь (на испанском языке). Мадрид: Редакционный альянс. ISBN  978-84-206-6170-4 .

• Сирло, Лурдес (1990). Последние тенденции в живописи (на испанском языке). Барселона: Висенс-Вивес. ISBN  84-316-2726-3 .
• от площади Эскудеро, Лоренцо; Моралес Гомес, Поклонение (2015). Визуальный словарь художественных терминов (на испанском языке). Мадрид: Председатель. ISBN  978-84-376-3441-8 .
• Демпси, Эми (2002). Стили, школы и движения (на испанском языке). Барселона: Блюм. ISBN  84-89396-86-8 .
• Энциклопедический словарь Ларусса (на испанском языке). Барселона: Планета. 1990. ISBN  84-320-6070-4 .

• Словарь живописи Ларусса (на испанском языке). Барселона: Планета-Агостини. 1988. ISBN  84-395-0976-6 .

• Дубе, Вольф-Дитер (1997). Экспрессионисты (на испанском языке). Барселона: Пункт назначения. ISBN  84-233-2909-7 .

• Энциклопедия искусства Гарзанти (на испанском языке). Мадрид: Ediciones B. 1991. ISBN.  84-406-2261-9 .

• Эстев Ботей, Франциско (1935). История гравюры (на испанском языке). Барселона: Труд.

• Фар-Беккер, Габриэле (2008). Эль модернизм . Потсдам: Ульманн. ISBN  978-3-8331-6377-7 .
• Фатас, Гильермо; Боррас, Гонсало М. (1990). Словарь художественных терминов и элементов археологии, геральдики и нумизматики (на испанском языке). Мадрид: Альянс. ISBN  84-206-0292-2 .

• Фернандес Поланко, Аврора (1989). Конец века: символизм и модерн (на испанском языке). Мадрид: История 16.
• Гальего, Антонио (1999). История гравюры в Испании (на испанском языке). Мадрид: Председатель. ISBN  84-376-0209-2 .
• Гарсиа Фельгера, Мария Сантос (1993). Искусство после Освенцима (на испанском языке). Мадрид: История 16.

• Гарсиа Фельгера, Мария Сантос (1993). Исторический авангард (и 2) (на испанском языке). Мадрид: История 16.

• Гибсон, Майкл (2006). Эль символизм . Колония: Сумки. ISBN  978-3-8228-5030-5 .

• Гонсалес, Антонио Мануэль (1991). Ключи к искусству. Последние тенденции (на испанском языке). Барселона: Планета. ISBN  84-320-9702-0 .
• Гутьеррес, Фернандо Г. (1967). Сумма искусств XXI. Искусство Японии (на испанском языке). Мадрид: Эспаса Кальпе.
• Хофштеттер, Ганс Х. (1981). История европейской модернистской живописи (на испанском языке). Барселона: Блюм. ISBN  84-7031-286-3 .

• Честь, Хью; Флеминг, Джон (2002). Всемирная история искусства (на испанском языке). Мадрид: Акал. ISBN  84-460-2092-0 .

• Ланейри-Даген, Надейе (2019). Leer la pintura (на испанском языке). Барселона: Ларусс. ISBN  978-84-17720-32-2 .

• Люси-Смит, Эдвард (1991). Символистское искусство (на испанском языке). Барселона: Пункт назначения. ISBN  84-233-2032-4 .

• Морант, Генри де (1980). История декоративного искусства (на испанском языке). Мадрид: Эспаса Кальпе. ISBN  84-239-5267-3 .

• Ривьер, Жан Роже (1966). Сумма Артис XX. Искусство Китая (на испанском языке). Мадрид: Эспаса Кальпе.
• Сурио, Этьен (1998). Эстетический словарь Акала (на испанском языке). Мадрид: Акал. ISBN  84-460-0832-7 .

• Стерджис, Александр; Клейсон, Холлис (2002). Понимание живописи (на испанском языке). Барселона: Блюм. ISBN  84-8076-410-4 .

• История искусства 26. Художественный авангард I (на испанском языке). Барселона: Сальват. 1991. ISBN  84-345-5361-9 .