Портретная живопись

Смотрите портрет для получения дополнительной информации об общей теме портретов.

Самопортрет Николаса Рейнье рисует портрет Винченцо Джустиниани , 1623–24, Художественный музей Фогг .

Портретная живопись - это жанр живописи , где намерение состоит в том, чтобы представлять конкретный человеческий субъект. Термин «портретная живопись» также может описать фактический нарисованный портрет. Портребисты могут создавать свою работу по комиссии, для государственных и частных лиц, или они могут быть вдохновлены восхищением или привязанностью к этому предмету. Портреты часто служат важными государственными и семейными записями, а также воспоминаниями.

Исторически, портретные картины в основном увековечивали увековечивание богатых и могущественных. Однако со временем покровители среднего класса стали более распространенным явлением, чтобы занимать портреты своих семей и коллег. Сегодня портретные картины по -прежнему заказаны правительствами, корпорациями, группами, клубами и частными лицами. В дополнение к живописи, портреты также могут быть сделаны в других средствах массовой информации, таких как отпечатки (включая травление и литографию ), фотографии , видео и цифровые медиа .

Frans Hals , позже закончил Питер Кодде . Де Магер Компагни . 1637. Масло на холсте, 209 × 429 см. Групповые портреты были важны на рисунке голландского золотого века

Сегодня может показаться очевидным, что нарисованный портрет предназначен для достижения сходства с няней, которая узнаваемой с теми, кто их видел, и в идеале является очень хорошей записью их внешности. На самом деле эта концепция была медленно расти, и художникам в разных традициях потребовалось века, чтобы приобрести различные навыки для рисования хорошего сходства.

Техника и практика

Энтони Ван Дейк , Чарльз I в трех позициях , 1635–1636, показывает профиль, полное лицо и три четверти, чтобы отправить в Бернини в Риме, который должен был лепить бюст из этой модели.

Ожидается, что хорошо выполненный портрет покажет внутреннюю сущность субъекта (с точки зрения художника) или лестное представление, а не просто буквальное сходство. Как заявил Аристотель : «Цель искусства состоит в том, чтобы представить не внешнее внешний вид вещей, а их внутреннее значение; для этого, а не внешнее манеру и детали, представляют собой истинную реальность». Художники могут стремиться к фотографическому реализму или импрессионистскому сходству с изображением своего предмета, но это отличается от карикатуры , которая пытается выявить характер посредством преувеличения физических особенностей. Художник, как правило, пытается предпринимать представитель, как заявил Эдвард Берн-Джонс : «Единственное выражение, допустимое в великой портретной живописи,-это выражение характера и морального качества, а не что-то временное, мимолетное или случайное».

В большинстве случаев это приводит к серьезным, закрытым взглядам на губы, и все, что не хватало, исторически редко улыбается. Или, как сказал Чарльз Диккенс : «Есть только два стиля портретной живописи: серьезная и ухмылка». Даже учитывая эти ограничения, полный диапазон тонких эмоций возможен от тихой угрозы до мягкого удовлетворения. Однако с относительно нейтральным ртом большая часть выражения лица должна быть создана глазами и бровями. Как утверждает автор и художник Гордон С. Аймар, «глаза - это место, где можно найти самую полную, надежную и уместную информацию» по этому вопросу. И брови могут зарегистрироваться: «Почти в одиночку удивление, жалость, страх, боль, цинизм, концентрация, задумчивость, неудовольствие и ожидания, в бесконечных вариациях и комбинациях».

Портретная живопись может изобразить предмет " Полнометральный "(все тело)," Половина длины "(от головы до талии или бедер )" голова и плечи "( бюст ), или только голова. Голова субъекта может повернуться" полное лицо "(вид спереди) до Просмотр профиля (вид сбоку); А " Три четверти вида »(« Вид на две трети ») где-то посередине, от почти фронтального до почти профиля (дробь-это сумма профиля [половина лица] плюс« четверть раздела другой стороны ". "; В качестве альтернативы, это количественно 2 ⁄ 3 , также означает, что этот частичный вид составляет более половины лица). Иногда художники создавали композиты с видами с разных направлений, как и в случае с I Энтони Ван Дейка тройным портретом Чарльза в трех позициях . Есть даже несколько портретов, где передняя часть субъекта вообще не видно. Уайет Андрея Мир Кристины (1948) - известный пример, в котором поза женщины -инвалида - с ее спиной обратилась к зрителю - интегрируется с обстановкой, в которой она должна передать интерпретацию художника.

Май. Чарпентье и ее дети , 1878, Метрополитен -музей искусств , Нью -Йорк

Среди других возможных переменных субъект может быть одет или обнажен; в помещении или вне; стоять, сидеть, откидываться; Даже на лошади. Портретные картины могут быть отдельными лицами, парами, родителями и детьми, семьями или коллегиальными группами. Они могут быть созданы в различных носителях, включая масла , акварель , ручку и чернила , карандаш , уголь , пастель и смешанные носители . Художники могут использовать широкомасштабную палитру цветов, как и с Pierre-Auguste Renoir MME . Чарпентье и ее дети , 1878 или ограничивают себя в основном белым или черным, как в случае с портретом Гилберта Стюарта Джорджа Вашингтона (1796).

Иногда общий размер портрета является важным соображением. Чака Блоза Огромные портреты , созданные для музейного дисплея Часто художник учитывает, где будет висеть последний портрет, а цвета и стиль окружающего декора.

Создание портрета может занять значительное время, обычно требуя нескольких заседаний. Сезанн, на одном случае, настоял на более чем 100 заседаниях от своего предмета. Гойя, с другой стороны, предпочитал один долгий день. Среднее составляет около четырех. Портребисты иногда представляют своих ситтеров портфолио рисунков или фотографий, из которых няня выберет предпочтительную позу, как и сэр Джошуа Рейнольдс . Некоторые, такие как Ганс Холбейн младший, делают рисунок лица, а затем завершают остальную часть картины без няни. В 18 -м веке обычно требуется около года, чтобы доставить завершенный портрет клиенту.

Управление ожиданиями и настроением ситтера - серьезная проблема для художника -портрета. Что касается верности портрета на внешность няни, портретисты, как правило, последовательны в своем подходе. Клиенты, которые искали сэра Джошуа Рейнольдса, знали, что они получат лестный результат, в то время как ситтерс Томаса Икинса знал, что ожидают реалистичного, неуместного портрета. Некоторые субъекты озвучивают сильные предпочтения, другие позволяют художнику полностью решить. Оливер Кромвелл , как известно, потребовал, чтобы его портретное шоу «Все эти шероховатости, прыщи, бородавки и все, как вы меня видите, иначе я никогда не заплачу за это».

После того, как Стаж успокоился и поощряя естественную позу, художник изучает свой субъект, ищет одно выражение лица, из многих возможностей, которое удовлетворяет его концепции сущности няни. Поза предмет также тщательно рассматривается, чтобы раскрыть эмоциональное и физическое состояние няни, как и костюм. Чтобы поддерживать и мотивированную няню, умелый художник часто сохраняет приятное поведение и разговор. Элисабет Видес-Лебрун посоветовала коллегам по лестникам и похвалить их внешность, чтобы получить их сотрудничество на сидении.

Центральным в успешном исполнении портрета является мастерство человеческой анатомии . Человеческие лица являются асимметричными и умелыми портретными художниками воспроизводят это с тонкими прежними влево-правым различиями. Художники должны быть осведомлены о основной структуре кости и ткани, чтобы сделать убедительный портрет.

Томас Гейнсборо , мистер и миссис Эндрюс в их поместье, ок. 1750.

Для сложных композиций художник может сначала сделать полный карандаш, чернила, уголь или масляный эскиз, что особенно полезно, если доступное время няни ограничено. В противном случае, общая форма, тогда на карандаш, уголь или тонкое нефть нарисовано грубое сходство. Во многих случаях лицо завершается первым, а впоследствии остальное. В студии многих великих художников портрета мастер будет делать только голову и руки, в то время как основные ученики будут завершены. Были даже внешние специалисты, которые занимались конкретными предметами, такими как драпировка и одежда, такие как Джозеф Ван Акен Некоторые художники в прошлые времена использовали непрофессиональные фигуры или куклы, чтобы помочь установить и выполнить позу и одежду. Использование символических элементов, расположенных вокруг няни (включая знаки, домашние объекты, животные и растения), часто использовалось для кодирования картины с моральным или религиозным характером субъекта или с символами, представляющими оккупацию, интересы или социальные сети. статус Фон может быть совершенно черным и без контента или полной сцены, которая помещает няню в их социальную или развлекательную среду.

Самопортреты обычно производятся с помощью зеркала, и законченный результат-портрет зеркала, разворота того, что происходит в нормальном портрете, когда няня и художник противоположны друг другу. В автопортрете практическое художник, похоже, держит кисть в левой руке, если только художник не будет умышленно исправляет изображение или не использует второе обратное зеркало во время живописи.

Иногда клиент или семья клиента недовольны полученным портретом, и художник обязан повторно нанести его или сделать это или уйти из комиссии без оплаты, страдая от унижения неудачи. Жак-Луи Дэвид отметил портрет мадам Рекамье , дико популярный на выставках, был отвергнут нянкой, как и Джон Сингер Сарджент печально известный портрет мадам X. . Джона Трумбулла Полный портрет , генерал Джордж Вашингтон в Трентоне , был отвергнут комитетом, который заказал его. Повестный колючий Гилберт Стюарт однажды ответил на неудовлетворенность клиентом портретом своей жены, отвечая: «Вы принесли мне картофель, и вы ожидаете персика!»

Успешный портрет, однако, может получить благодарность клиента на протяжении всей жизни. Граф Балтазар был настолько доволен портретом, который был создан из своей жены, что он сказал художнику: «Ваш образ… один может осветлить мои заботы. Этот образ - мое восхищение; я направляю свои улыбки на него, это моя радость».

История

Древний мир

Римский египетский похоронный портрет женщины

Корни портрета, вероятно, встречаются в доисторические времена, хотя сегодня они сохранились. В искусстве древних цивилизаций плодородного полумесяца , особенно в Египте, изображения правителей и правителей, как богатые богами. Тем не менее, большинство из них были сделаны в высоко стилизованном виде, и большинство в профиле, как правило, на камне, металле, глине, гипсе или кристалле. Египетская портретная животная уделяется относительно мало внимания на сходство, по крайней мере, до периода Ахнатена в 14 веке до нашей эры. Портретная живопись известных в Китае, вероятно, восходит к более чем 1000 г. до н.э., хотя никто не выживает с этого возраста. Существующие китайские портреты возвращаются к 1000 году нашей эры, но не уделял особого внимания сходству до некоторое время после этого.

Из литературных доказательств мы знаем, что древнегреческая живопись включала портретную живопись, часто очень точную, если верить похвалам писателей, но не осталось нарисованных примеров. Скульпленные головы правителей и известных личностей, таких как Сократ, выживают в некотором количестве, и, как индивидуальные бюсты эллинистических правителей на монетах, показывают, что греческая портретная живопись может достичь хорошего сходства, и субъекты, по крайней мере, литературные фигуры, были изображены с относительно маленькой лестницей - Портреты Сократа показывают, почему он имел репутацию уродливой. Преемники Александра Великого начали практику добавления своей головы (как обожженную фигуру) в свои монеты и вскоре использовали свою собственную.

Roman portraiture adopted traditions of portraiture from both the Etruscans and Greeks, and developed a very strong tradition, linked to their religious use of ancestor portraits, as well as Roman politics. Again, the few painted survivals, in the Fayum portraits, Tomb of Aline and the Severan Tondo, all from Egypt under Roman rule, are clearly provincial productions that reflect Greek rather than Roman styles, but we have a wealth of sculpted heads, including many individualized portraits from middle-class tombs, and thousands of types of coin portraits.

Much the largest group of painted portraits are the funeral paintings that survived in the dry climate of Egypt's Fayum district (see illustration, below), dating from the 2nd to 4th century AD. These are almost the only paintings of the Roman period that have survived, aside from frescos, though it is known from the writings of Pliny the Elder that portrait painting was well established in Greek times, and practiced by both men and women artists. In his times, Pliny complained of the declining state of Roman portrait art, "The painting of portraits which used to transmit through the ages the accurate likenesses of people, has entirely gone out…Indolence has destroyed the arts." These full-face portraits from Roman Egypt are fortunate exceptions. They present a somewhat realistic sense of proportion and individual detail (though the eyes are generally oversized and the artistic skill varies considerably from artist to artist). The Fayum portraits were painted on wood or ivory in wax and resin colors (encaustic) or with tempera, and inserted into the mummy wrapping, to remain with the body through eternity.

While free-standing portrait painting diminished in Rome, the art of the portrait flourished in Roman sculptures, where sitters demanded realism, even if unflattering. During the 4th century, the sculpted portrait dominated, with a retreat in favor of an idealized symbol of what that person looked like. (Compare the portraits of Roman Emperors Constantine I and Theodosius I) In the Late Antique period the interest in an individual likeness declined considerably, and most portraits in late Roman coins and consular diptychs are hardly individualized at all, although at the same time Early Christian art was evolving fairly standardized images for the depiction of Jesus and the other major figures in Christian art, such as John the Baptist, and Saint Peter.

Middle Ages

The small private Wilton Diptych for Richard II of England, c. 1400, with stamped gold backgrounds and much ultramarine.

Most early medieval portraits were donor portraits, initially mostly of popes in Roman mosaics, and illuminated manuscripts, an example being a self-portrait by the writer, mystic, scientist, illuminator, and musician Hildegard of Bingen (1152). As with contemporary coins, there was little attempt at a likeness. Stone tomb monuments spread in the Romanesque period. Between 1350 and 1400, secular figures began to reappear in frescos and panel paintings, such as in Master Theodoric's Charles IV receiving fealty, and portraits once again became clear likenesses.

Around the end of the century, the first oil portraits of contemporary individuals, painted on small wood panels, emerged in Burgundy and France, first as profiles, then in other views. The Wilton Diptych of ca. 1400 is one of two surviving panel portraits of Richard II of England, the earliest English king for whom we have contemporary examples.

At the end of the Middle Ages in the 15th century, Early Netherlandish painting was key to the development of the individualized portrait. Masters included Jan van Eyck, Robert Campin and Rogier van der Weyden, among others. Rather small panel painting portraits, less than half life-size, were commissioned, not only of figures from the court, but what appear from their relatively plain dress to be wealthy townspeople. Miniatures in illuminated manuscripts also included individualized portraits, usually of the commissioner. In religious paintings, portraits of donors began to be shown as present, or participate in the main sacred scenes shown, and in more private court images subjects even appeared as significant figures such as the Virgin Mary.

• 
  Robert Campin (c. 1375 – 1444), Portrait of a Young Woman (paired with her husband), 1430–1435. Van der Weyden's style was founded on Campin's.
• 
  Arnolfini Portrait, by Jan van Eyck, 1434
• 
  Jean Wauquelin presenting his 'Chroniques de Hainaut' to Philip the Good, presentation miniature by Rogier van der Weyden, 1448
• 
  Rogier van der Weyden, Portrait of a Lady, c. 1460
• 
  One of the earliest stand-alone self-portraits, Jean Fouquet, c. 1450

Renaissance

If the poet says that he can inflame men with love…
the painter has the power to do the same…
in that he can place in front of the lover
the true likeness of one who is beloved,
often making him kiss and speak to it.

–Leonardo da Vinci

Leonardo's Ginevra de' Benci (c. 1474–8) is one of the first known three-quarter-view portraits in Italian art.

Partly out of interest in the natural world and partly out of interest in the classical cultures of ancient Greece and Rome, portraits—both painted and sculpted—were given an important role in Renaissance society and valued as objects, and as depictions of earthly success and status. Painting in general reached a new level of balance, harmony, and insight, and the greatest artists (Leonardo, Michelangelo, and Raphael) were considered "geniuses", rising far above the tradesman status to valued servants of the court and the church.

Many innovations in the various forms of portraiture evolved during this fertile period. The tradition of the portrait miniature began, which remained popular until the age of photography, developing out of the skills of painters of the miniatures in illuminated manuscripts.

Diptych of Bassista Sforza and Federico de Montefeltro by Piero della Francesca (1465) - early Renaissance Italian profile portraits

Profile portraits, inspired by ancient medallions, were particularly popular in Italy between 1450 and 1500. Medals, with their two–sided images, also inspired a short-lived vogue for two-sided paintings early in the Renaissance. Classical sculpture, such as the Apollo Belvedere, also influenced the choice of poses used by Renaissance portraitists, poses that have continued in use through the centuries.

Northern European artists led the way in realistic portraits of secular subjects. The greater realism and detail of the Northern artists during the 15th century was due in part to the finer brush strokes and effects possible with oil colors, while the Italian and Spanish painters were still using tempera. Among the earliest painters to develop oil technique was Jan van Eyck. Oil colors can produce more texture and grades of thickness, and can be layered more effectively, with the addition of increasingly thick layers one over another (known by painters as ‘fat over lean’). Also, oil colors dry more slowly, allowing the artist to make changes readily, such as altering facial details. Antonello da Messina was one of the first Italians to take advantage of oil. Trained in Belgium, he settled in Venice around 1475, and was a major influence on Giovanni Bellini and the Northern Italian school. During the 16th century, oil as a medium spread in popularity throughout Europe, allowing for more sumptuous renderings of clothing and jewelry. Also affecting the quality of the images, was the switch from wood to canvas, starting in Italy in the early part of the 16th century and spreading to Northern Europe over the next century. Canvas resists cracking better than wood, holds pigments better, and needs less preparation―but it was initially much scarcer than wood.

Early on, the Northern Europeans abandoned the profile, and started producing portraits of realistic volume and perspective. In the Netherlands, Jan van Eyck was a leading portraitist. The Arnolfini Marriage (1434, National Gallery, London) is a landmark of Western art, an early example of a full-length couple portrait, superbly painted in rich colors and exquisite detail. But equally important, it showcases the newly developed technique of oil painting pioneered by van Eyck, which revolutionized art, and spread throughout Europe.

Hans Holbein the Younger, Portrait of Sir Thomas More, 1527

Albrecht Dürer, Self-Portrait, 1500

Leading German portrait artists including Lucas Cranach, Albrecht Dürer, and Hans Holbein the Younger who all mastered oil painting technique. Cranach was one of the first artists to paint life-sized full-length commissions, a tradition popular from then on. At that time, England had no portrait painters of the first rank, and artists like Holbein were in demand by English patrons. His painting of Sir Thomas More (1527), his first important patron in England, has nearly the realism of a photograph. Holbein made his great success painting the royal family, including Henry VIII. Dürer was an outstanding draftsman and one of the first major artists to make a sequence of self-portraits, including a full-face painting. He also placed his self-portrait figure (as an onlooker) in several of his religious paintings. Dürer began making self-portraits at the age of thirteen. Later, Rembrandt would amplify that tradition.

In Italy, Masaccio led the way in modernizing the fresco by adopting more realistic perspective. Filippo Lippi paved the way in developing sharper contours and sinuous lines and his pupil Raphael extended realism in Italy to a much higher level in the following decades with his monumental wall paintings. During this time, the betrothal portrait became popular, a particular specialty of Lorenzo Lotto. During the early Renaissance, portrait paintings were generally small and sometimes covered with protective lids, hinged or sliding.

During the Renaissance, the Florentine and Milanese nobility, in particular, wanted more realistic representations of themselves. The challenge of creating convincing full and three-quarter views stimulated experimentation and innovation. Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi, and Leonardo da Vinci and other artists expanded their technique accordingly, adding portraiture to traditional religious and classical subjects. Leonardo and Pisanello were among the first Italian artists to add allegorical symbols to their secular portraits.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa or La Gioconda, 1503–1505/1507

One of best-known portraits in the Western world is Leonardo da Vinci's painting entitled Mona Lisa, named for Lisa del Giocondo, a member of the Gherardini family of Florence and Tuscany and the wife of wealthy Florentine silk merchant Francesco del Giocondo. The famous "Mona Lisa smile" is an excellent example of applying subtle asymmetry to a face. In his notebooks, Leonardo advises on the qualities of light in portrait painting:

A very high degree of grace in the light and shadow is added to the faces of those who sit in the doorways of rooms that are dark, where the eyes of the observer see the shadowed part of the face obscured by the shadows of the room, and see the lighted part of the face with the greater brilliance which the air gives it. Through this increase in the shadows and the lights, the face is given greater relief.

Leonardo was a student of Verrocchio. After becoming a member of the Guild of Painters, he began to accept independent commissions. Owing to his wide-ranging interests and in accordance with his scientific mind, his output of drawings and preliminary studies is immense though his finished artistic output is relatively small. His other memorable portraits included those of noblewomen Ginevra de’ Benci and Cecilia Gallerani.

Raphael's surviving commission portraits are far more numerous than those of Leonardo, and they display a greater variety of poses, lighting, and technique. Rather than producing revolutionary innovations, Raphael's great accomplishment was strengthening and refining the evolving currents of Renaissance art. He was particularly expert in the group portrait. His masterpiece the School of Athens is one of the foremost group frescoes, containing likenesses of Leonardo, Michelangelo, Bramante, and Raphael himself, in the guise of ancient philosophers. It was not the first group portrait of artists. Decades earlier, Paolo Uccello had painted a group portrait including Giotto, Donatello, Antonio Manetti, and Brunelleschi. As he rose in prominence, Raphael became a favorite portraitist of the popes. While many Renaissance artists eagerly accepted portrait commissions, a few artists refused them, most notably Raphael's rival Michelangelo, who instead undertook the huge commissions of the Sistine Chapel.

In Venice around 1500, Gentile Bellini and Giovanni Bellini dominated portrait painting. They received the highest commissions from the leading officials of the state. Bellini's portrait of Doge Loredan is considered to be one of the finest portraits of the Renaissance and ably demonstrates the artist's mastery of the newly arrived techniques of oil painting. Bellini is also one of the first artists in Europe to sign their work, though he rarely dated them. Later in the 16th century, Titian assumed much the same role, particularly by expanding the variety of poses and sittings of his royal subjects. Titian was perhaps the first great child portraitist. After Titian, Tintoretto and Veronese became leading Venetian artists, helping the transition to Italian Mannerism. The Mannerists contributed many exceptional portraits that emphasized material richness and elegantly complex poses, as in the works of Agnolo Bronzino and Jacopo da Pontormo. Bronzino made his fame portraying the Medici family. His daring portrait of Cosimo I de' Medici, shows the austere ruler in armor with a wary eye gazed to his extreme right, in sharp contrast to most royal paintings which show their sitters as benign sovereigns. El Greco, who trained in Venice for twelve years, went in a more extreme direction after his arrival in Spain, emphasizing his "inner vision" of the sitter to the point of diminishing the reality of physical appearance. One of the best portraitists of 16th-century Italy was Sofonisba Anguissola from Cremona, who infused her individual and group portraits with new levels of complexity.

Court portraiture in France began when Flemish artist Jean Clouet painted his opulent likeness of Francis I of France around 1525. King Francis was a great patron of artists and an avaricious art collector who invited Leonardo da Vinci to live in France during his later years. The Mona Lisa stayed in France after Leonardo died there.

• 
  Pisanello, perhaps Ginevra d'Este, c. 1440
• 
  Young Man by Sandro Botticelli, c. 1483. An early Italian full-face pose.
• 
  Possibly Raphael, c. 1518, Isabel de Requesens. The High Renaissance style and format were enormously influential for later grand portraits.
• 
  Christiane von Eulenau by Lucas Cranach the Elder, 1534
• 
  Lucrezia Panciatichi, by Agnolo Bronzino, 1540
• 
  Pope Paul III and His Grandsons, Titian, 1546
• 
  Maarten van Heemskerck (1498–1574), Family of Pieter Jan Foppesz, prior to c.1532, considered the first family portrait, in Dutch portraiture.
• 
  Charles V by Titian, 1548, a seminal equestrian portrait.
• 
  The Armada Portrait of Elizabeth I of England, c. 1588. The stylised portraiture of Elizabeth I of England was unique in Europe.
• 
  Portrait of a cardinal, probably Fernando Niño de Guevara, El Greco, c. 1600

Baroque and Rococo

Rembrandt group portrait of the Syndics of the Drapers' Guild, 1662.

During the Baroque and Rococo periods (17th and 18th centuries, respectively), portraits became even more important records of status and position. In a society dominated increasingly by secular leaders in powerful courts, images of opulently attired figures were a means to affirm the authority of important individuals. Flemish painters Sir Anthony van Dyck and Peter Paul Rubens excelled at this type of portraiture, while Jan Vermeer produced portraits mostly of the middle class, at work and play indoors. Rubens’ portrait of himself and his first wife (1609) in their wedding attire is a virtuoso example of the couple portrait.

Rubens' fame extended beyond his art—he was a courtier, diplomat, art collector, and successful businessman. His studio was one of the most extensive of that time, employing specialists in still-life, landscape, animal and genre scenes, in addition to portraiture. Van Dyck trained there for two years. Charles I of England first employed Rubens, then imported van Dyck as his court painter, knighting him and bestowing on him courtly status. Van Dyck not only adapted Rubens’ production methods and business skills, but also his elegant manners and appearance. As was recorded, "He always went magnificently dress’d, had a numerous and gallant equipage, and kept so noble a table in his apartment, that few princes were not more visited, or better serv’d." In France, Hyacinthe Rigaud dominated in much the same way, as a remarkable chronicler of royalty, painting the portraits of five French kings.

One of the innovations of Renaissance art was the improved rendering of facial expressions to accompany different emotions. In particular, Dutch painter Rembrandt explored the many expressions of the human face, especially as one of the premier self-portraitists (of which he painted over 60 in his lifetime). This interest in the human face also fostered the creation of the first caricatures, credited to the Accademia degli Incamminati, run by painters of the Carracci family in the late 16th century in Bologna, Italy.

Velázquez, Pope Innocent X, c. 1650, Doria Pamphilj Gallery, Rome.

Group portraits were produced in great numbers during the Baroque period, particularly in the Netherlands. Unlike in the rest of Europe, Dutch artists received no commissions from the Calvinist Church which had forbidden such images or from the aristocracy which was virtually non-existent. Instead, commissions came from civic and businesses associations. Dutch painter Frans Hals used fluid brush strokes of vivid color to enliven his group portraits, including those of the civil guards to which he belonged. Rembrandt benefitted greatly from such commissions and from the general appreciation of art by bourgeois clients, who supported portraiture as well as still-life and landscapes painting. In addition, the first significant art and dealer markets flourished in Holland at that time.

With plenty of demand, Rembrandt was able to experiment with unconventional composition and technique, such as chiaroscuro. He demonstrated these innovations, pioneered by Italian masters such as Caravaggio, most notably in his famous Night Watch (1642). The Anatomy Lesson of Dr. Tulp (1632) is another fine example of Rembrandt's mastery of the group painting, in which he bathes the corpse in bright light to draw attention to the center of the painting while the clothing and background merge into black, making the faces of the surgeon and the students standout. It is also the first painting that Rembrandt signed with his full name.

In Spain, Diego Velázquez painted Las Meninas (1656), one of the most famous and enigmatic group portraits of all time. It memorializes the artist and the children of the Spanish royal family, and apparently the sitters are the royal couple who are seen only as reflections in a mirror. Starting out as primarily a genre painter, Velázquez quickly rose to prominence as the court painter of Philip IV, excelling in the art of portraiture, particularly in extending the complexity of group portraits.

Rococo artists, who were particularly interested in rich and intricate ornamentation, were masters of the refined portrait. Their attention to the details of dress and texture increased the efficacy of portraits as testaments to worldly wealth, as evidenced by François Boucher's famous portraits of Madame de Pompadour attired in billowing silk gowns.

Thomas Gainsborough, The Blue Boy, c.1770, Huntington Library, San Marino, California

Louis XIV of France and his family portrayed as Roman gods in a 1670 painting by Jean Nocret.

The first major native portrait painters of the British school were English painters Thomas Gainsborough and Sir Joshua Reynolds, who also specialized in clothing their subjects in an eye-catching manner. Gainsborough's Blue Boy is one of the most famous and recognized portraits of all time, painted with very long brushes and thin oil color to achieve the shimmering effect of the blue costume. Gainsborough was also noted for his elaborate background settings for his subjects.

The two British artists had opposite opinions on using assistants. Reynolds employing them regularly (sometimes doing only 20 percent of the painting himself) while Gainsborough rarely did. Sometimes a client would extract a pledge from the artist, as did Sir Richard Newdegate from portraitist Peter Lely (van Dyck's successor in England), who promised that the portrait would be "from the Beginning to ye end drawne with my owne hands." Unlike the exactitude employed by the Flemish masters, Reynolds summed up his approach to portraiture by stating that, "the grace, and, we may add, the likeness, consists more in taking the general air, than in observing the exact similitude of every feature." Also prominent in England was William Hogarth, who dared to buck conventional methods by introducing touches of humor in his portraits. His "Self-portrait with Pug" is clearly more a humorous take on his pet than a self-indulgent painting.

In the 18th century, female painters gained new importance, particularly in the field of portraiture. Notable female artists include French painter Élisabeth Vigée-Lebrun, Italian pastel artist Rosalba Carriera, and Swiss artist Angelica Kauffman. Also during that century, before the invention of photography, miniature portraits―painted with incredible precision and often encased in gold or enameled lockets―were highly valued.

In the United States, John Singleton Copley, schooled in the refined British manner, became the leading painter of full-size and miniature portraits, with his hyper-realistic pictures of Samuel Adams and Paul Revere especially well-regarded. Copley is also notable for his efforts to merge portraiture with the academically more revered art of history painting, which he attempted with his group portraits of famous military men. Equally famous was Gilbert Stuart who painted over 1,000 portraits and was especially known for his presidential portraiture. Stuart painted over 100 replicas of George Washington alone. Stuart worked quickly and employed softer, less detailed brush strokes than Copley to capture the essence of his subjects. Sometimes he would make several versions for a client, allowing the sitter to pick their favorite. Noted for his rosy cheek tones, Stuart wrote, "flesh is like no other substance under heaven. It has all the gaiety of the silk-mercer's shop without its gaudiness of gloss, and all the softness of old mahogany, without its sadness." Other prominent American portraitists of the colonial era were John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale, and Rembrandt Peale.

• 
  Philip IV in Brown and Silver, Diego Velázquez, 1632
• 
  Sir Kenelm Digby by Anthony van Dyck, c. 1640
• 
  Rembrandt van Rijn, Portrait of Jan Six, 1654
• 
  Gerrit Sichterman, by Cornelis Troost, 1725
• 
  Pastel of Madame de Pompadour, Maurice Quentin de La Tour, mid-18th century
• 
  Thomas Kerrich (1748-1828), by Pompeo Batoni
• 
  Джон Дюран, дети Rapalje , 1768, Нью-Йорк Историческое общество , Нью-Йорк
• 
  Джон Синглтон Копли , Пол Ревер , 1770

19 -й век

Мадам Рекамье (1800), в разгар неоклассической моды, Жак-Луи Дэвид

В конце 18 -го и начале 19 -го века неоклассические художники продолжили традицию изображения предметов в последних модах, которые к тому времени для женщин означали диафанные платья, полученные из древнегреческих и римских стилей одежды. Художники использовали направленный свет, чтобы определить текстуру и простую округлость лиц и конечностей. Французские художники Жак-Луи Дэвид и Жан-Аугуст-доминик Ингрес продемонстрировали виртуозность в этой дракообразной технике, а также убедительный взгляд на характер. Ингрес, ученик Давида, известен своими портретами, на которых зеркало нарисовано позади субъекта, чтобы имитировать вид заднего вида предмета. Его портрет Наполеона на его Имперском престоле - это сила Регальной портретной живописи. (См. Галерею ниже)

Романтические художники, которые работали в первой половине 19 -го века, нарисовали портреты вдохновляющих лидеров, красивых женщин и взволнованных предметов, используя живые мазки и драматичные, иногда капризные, освещение. Французские художники Eugène Delacroix и Théodore Géricault нарисовали особенно прекрасные портреты такого типа, особенно лихой всадников. Примечательным примером художника романтического периода в Польше , который практиковал портрет хрена, был Петр Михаловски (1800–1855). Также заслуживает внимания серия портретов психических пациентов Géricault (1822–1824). Испанский художник Франциско де Гойя нарисовал некоторые из самых поисковых и провокационных изображений того периода, в том числе La Maja Desnuda (ок. 1797–1800), а также знаменитые портреты суда Чарльза IV .

Томас Икинс , Грубая клиника , 1875

художники Реалистические 19-го века, такие как Гюстав Курбе , создали объективные портреты, изображающие людей нижнего и среднего класса. Демонстрируя свой романтизм, Курбе нарисовал несколько автопортретов, демонстрирующих себя в различных настроениях и выражениях. Другие французские реалисты включают в себя Honoré Daumier , который произвел много карикатур своих современников. Анри де Тулуз-Лаврек записал некоторых из известных исполнителей театра, включая Джейн Аврил, захватив их в движение. Французский художник Эдуарда Мане , был важным переходным художником, чья работа колеблется между реализмом и импрессионизмом . Он был портретистом выдающейся понимания и техники, а его картина Стефана Малларме была хорошим примером его переходного стиля. Его современный Эдгар Дега был в первую очередь реалистом, а его портрет по рисованию семьи Беллелли - проницательный визит несчастной семьи и одного из его лучших портретов.

В Америке Томас Икинс царствовал в качестве главного художника -портрета, перенесли реализм на новый уровень откровенности, особенно с двумя его портретами хирургов на работе, а также спортсменами и музыкантами в действии. Во многих портретах, таких как «Портрет миссис Эдит Махон», Икинс смело передает нелестные эмоции печали и меланхолии.

Винсент Ван Гог , автопортрет , 1887

Реалисты в основном уступили импрессионистам к 1870 -м годам. Отчасти из-за их скудных доходов многие из импрессионистов полагались на семью и друзей, чтобы они могли моделировать для них, и они нарисовали интимные группы и отдельные фигуры на открытом воздухе или в световых интерьерах. Отмеченные своими мерцающими поверхностями и богатыми краскими, импрессионистские портреты часто обезоруживающие интимные и привлекательные. Французские художники Клод Моне и Пьер-Огуст Ренуар создали некоторые из самых популярных изображений отдельных ситтеров и групп. Американский художник Мэри Кассатт , которая обучалась и работала во Франции, популярна даже сегодня за ее привлекательные картины матерей и детей, как и Ренуар. Пол Гоген и Винсент Ван Гог , оба постмампрессиониста , нарисовали раскрывающие портреты людей, которых они знали, кружатся в цвете, но не обязательно лестно. Они одинаково, если не более, отмечаются своими мощными автопортретами.

Джон Сингер Сарджент также охватывал смену века, но он отверг явный импрессионизм и постимпрессионизм. Он был самым успешным портретным художником своей эпохи, используя в основном реалистичную технику, часто задуманную с блестящим использованием цвета. Он был в равной степени уклонен к индивидуальным и групповым портретам, особенно семьям высшего класса. Сарджент родился во Флоренции, Италия, у американских родителей. Он учился в Италии и Германии, а также в Париже. Сарджент считается последним крупным экспонентом британской портретной традиции, начиная с Ван Дейка. Другим выдающимся американским портретистом, который обучался за границей, был Уильям Мерритт Чейз . Художник Американского общества Сесилия Бокс , называемая «Сарджент», родилась от французского отца, училась за границей и получила успех дома, придерживаясь традиционных методов. Другим портретистом по сравнению с Сарджентом для его пышной техники был парижский художник итальянский парижский художник Джованни Болдини , друг Дега и Уистлер .

Джеймс Эбботт Макнил Уистлер , Аранжировка в сером и черном: мать художника (1871), широко известная как мать Уистлера

Американский интернационалист Джеймс Эбботт Макнил Уистлер был хорошо связан с европейскими артистами , а также нарисовал несколько исключительных портретов, наиболее известных его аранжировки в сером и черном, мать художника (1871), также известная как мать Уистлера . Даже с его портретами, как и в случае с его тональными пейзажами, Уистлер хотел, чтобы его зрители сосредоточились на гармоническом расположении формы и цвета на своих картинах. Уистлер использовал приглушенную палитру, чтобы создать свои предполагаемые эффекты, подчеркивая цветовой баланс и мягкие тона. Как он заявил, «как музыка-это поэзия звука, так же как и поэзия зрения, а предметная область не имеет ничего общего с гармонией звука или цвета». Форма и цвет также были центральными для портретов Сезанны , в то время как еще более экстремальный цвет и техника удара кисти доминировали на портретах Андре ДеРэйн и Анри Матисса .

Разработка фотографии в 19 -м веке оказала значительное влияние на портретную живопись, вытесняя более раннюю камеру обскуру , которая также была ранее использована в качестве помощи в живописи. Многие модернисты стекались в фото студий, чтобы сделать свои портреты, в том числе Бодлер , который, хотя он провозгласил фотографию «врагом искусства», оказался привлеченным к откровенности и власти фотографии. Предоставляя дешевую альтернативу, фотография вытеснила большую часть самого низкого уровня портретной живописи. Некоторые реалистические художники, такие как Томас Икинс и Эдгар Дега , были в восторге от фотосъемки камеры и обнаружили, что это полезной помощи композиции. От импрессионистов, портретные художники обнаружили множество способов переосмыслить портрет, чтобы эффективно конкурировать с фотографией. Сарджент и Уистлер были среди тех, кто стимулирован для расширения своей техники, чтобы создать эффекты, которые камера не могла захватить.

• 
  Франциско де Гойя , Чарльз IV из Испании и его семья , 1800–1801 гг.
• 
  Жан Огюст Доминик Ингрес , Портрет Наполеона на своем имперском престоле , 1806, армейский музей , Париж
• 
  Жак Луи Дэвид , император Наполеон в своем исследовании в Tuileries (1812), Национальная галерея искусств , Вашингтон, округ Колумбия
• 
  Густав Курбе , портрет Чарльза Бодлера , 1848
• 
  Пьер-Огюст Ренуар , портрет Альфреда Сисли , 1868
• 
  Педро Америко , речь трона . Портрет Педро II из Бразилии в открытии Генеральной Ассамблеи, 1872 г., Имперский музей Бразилии , Петрополис
• 
  Эдгар Дега , портрет мисс Кассатт , сидя, удерживает карты , 1876-1878
• 
  Джон Сингер Сарджент , портрет Роберта Луи Стивенсона , 1887
• 
  Пол Гоуген , художник подсолнечников , Портрет Винсента Ван Гога , 1888
• 
  Винсент Ван Гог , Портрет Доктора Гахет , (первая версия), 1890

20 -й век

Портрет Гертруды Стейн , 1906, Музей Метрополитен , Нью -Йорк. Когда кто -то прокомментировал, что Стейн не похож на ее портрет, Пикассо ответил: «Она будет».

Другие художники начала 20-го века также расширили репертуар портретной живописи в новых направлениях. Фависта Художник Анри Матисс создал мощные портреты, используя неатуралистские, даже яркие цвета для оттенков кожи. Сезанн полагался на высокопрофессиональные формы в своих портретах, избегая деталей, при этом подчеркивая цветные сопоставления. австрийского Густава Климта Уникальный стиль применял византийские мотивы и золотую краску к его запоминающимся портретам. Его ученик Оскар Кокошка был важным портретистом Венского высшего класса. Плодолюбивый испанский художник Пабло Пикассо нарисовал много портретов, в том числе несколько кубистских визуализаций его любовниц, в которых подобие субъекта крайне искажено, чтобы достичь эмоционального утверждения, далеко за пределами обычной карикатуры. Выдающейся женской портретной художником на рубеже 20 -го века, связанной с французским импрессионизмом , была Ольга Бознаньская (1865–1940). Экспрессионистские художники предоставили некоторые из самых призрачных и убедительных психологических исследований, когда -либо продуманных. Немецкие художники, такие как Отто Дикс и Макс Бекманн, привлекли примеры экспрессионистской портретной живописи. Бекманн был плодовитым автопортреттером, производящим не менее двадцати семи. Амедео Модильяни нарисовал много портретов в своем удлиненном стиле, которые обесценивали «внутреннего человека» в пользу строгого изучения формы и цвета. Чтобы помочь достичь этого, он снял в виду обычно выразительные глаза и брови до точки почерневших прорези и простых арков.

Британское искусство было представлено вихрями , которые нарисовали несколько заметных портретов в начале 20 -го века. Дада Фрэнсис Художник Пикабия выполнил многочисленные портреты в своем уникальном виде. Кроме того, Тамары де Лемпицки портреты успешно захватили эпоху ар -деко с ее обтекаемыми изгибами, богатыми цветами и острыми углами. В Америке Роберт Анри и Джордж Беллоус были прекрасными портретистами 1920 -х и 1930 -х годов Американской реалистической школы. Макс Эрнст выпустил пример современного коллегиального портрета со своей картиной в 1922 году вместе .

Русские художники внесли значительный вклад в развитие портретной живописи 1930–2000 гг. Среди них следует называться Исааком Бродски , Николай Фечин , Абрама Аркипирова и других.

Портретное производство в Европе (за исключением России) и Америки, как правило, снижалось в 1940 -х и 1950 -х годах, что является результатом растущего интереса к абстракции и нефигуративному искусству. Однако одним исключением был Эндрю Уайет , который превратился в ведущего американского реалистического художника. С Уайтом реализм, хотя и открытый, является вторичным по отношению к тональным качествам и настроению его картин. Это удачно продемонстрировано его знаковой серией картин, известных как картинки «Хельга», самая большая группа портретов одного человека любым крупным художником (247 Исследования его соседа Хельги Тесторф, одетая и обнаженная, в различной обстановке, нарисованные во время Период 1971–1985).

К 1960 -м и 1970 -м годам произошло возрождение портретной живописи. Английские художники, такие как Люциан Фрейд (внук Сигмунда Фрейда ) и Фрэнсис Бэкон, создали мощные картины. Портреты бекона примечательны их кошмарным качеством. В мае 2008 года руководитель от портрета Фрейда в 1995 году Sleecksor Sleepwors Sleepsed был продан аукциона Christie's в Нью -Йорке за 33,6 миллиона долларов, что установило мировой рекорд для продажи живописи живого художника.

Многие современные американские художники, такие как Энди Уорхол , Алекс Кац и Чак Клоуз , сделали человеческое лицо в центре своей работы.

Уорхол был одним из самых плодовитых портретных художников 20 -го века. Картина Уорхола Orange Shot Мэрилин из Мэрилин Монро является культовым ранним примером своей работы 1960 -х годов, а оранжевый принц (1984) из поп -певца Принца - позже, оба демонстрируют уникальный графический стиль портрета Уорхола.

Специальность Close была огромной, гиперреалистичной «головой» на стену, основанными на фотографических изображениях. Джейми Уайет продолжает реалистичную традицию своего отца Эндрю, создавая знаменитые портреты, чьи предметы варьируются от президентов до свиней.

• 
  Анри Матисс , зеленая полоса , портрет мадам Матисс , 1905
• 
  Ольга Бознаньская , автопортрет , 1906 г., Национальный музей в Варшаве
• 
  Умберто Боччони , автопортрет , 1906
• 
  Густав Климт , портрет Адель Блох-Бауэр I , 1907
• 
  Пабло Пикассо , Портрет Даниэля-Хенри Канвейлер , 1910, Арт-институт Чикаго
• 
  Хуан Гри , портрет Пабло Пикассо , 1912
• 
  Amedeo Modigliani , Портрет Чайма Соутина , 1916
• 
  Boris Grigoriev , Portrait of Vsevolod Meyerhold , 1916
• 
  Boris Kustodiev , Kapitsa and Semyonov , 1921

Исламский мир и Южная Азия

Император Моголов Джахангир часто изображал с ореолом беспрецедентных размеров. калифорнийский 1620

Персидская миниатюрная традиция не давала фигур индивидуализированные черты лица в течение длительного времени, частично по религиозным причинам, чтобы избежать какого -либо намека на идолопоклонство . Правители в исламском мире никогда не ставят свои образы на свои монеты, и их внешность не стала частью их усилий по связям с общественностью так, как это было на Западе. Даже там, где ясно, что сцена показывает суд принца, вводя в эксплуатацию работы, особенности главной фигуры имеют те же самые довольно китайские черты, что и все остальные. Это долговечное соглашение, по-видимому, происходит с начала миниатюрной традиции под монгольскими илханидами , но давно пережила их.

Когда персидская традиция развивалась как миниатюра Моголов в Индии, все изменилось. В отличие от своих персидских предшественников, покровители Моголов уделяют большое внимание подробным натуралистским сходствам всех незнакомых природных форм их новой империи, таких как животные, птицы и растения. Они имели такое же отношение к человеческому портретной живописи, и индивидуальные портреты, обычно в профиле, стали важной особенностью традиции. Это получило особое внимание у императора Акбара Великого , который, кажется, был дислексией и едва мог читать или написать сам. У него был большой альбом ( Муракка ), сделанный с портретами всех ведущих членов его огромного суда, и использовал это при рассмотрении назначений по Империи со своими советниками.

Более поздние императоры, особенно Джахангир и Шах Джахан , широко использовали идеализированные миниатюрные портреты в качестве формы пропаганды, распространяя их для значительных союзников. Они часто показывают ореолы больше, чем те, которые дают любым религиозным фигурам. Такие образы распространяют идею портрета линейки в более мелкие суды, так что к 18 -м веку многие маленькие раджа поддерживали судебных художников, чтобы изобразить их, наслаждаясь княжескими занятиями в довольно стилизованных изображениях, которые сочетают в себе чувства неформальности и величества.

Османские миниатюры, как правило, имели фигуры с лицами, даже менее индивидуальными, чем его персидские эквиваленты, но развивался жанр мелких портретов мужчин из Императорского семейства. Они имели очень индивидуальные и довольно преувеличенные особенности, некоторые границы на карикатурах ; Они, вероятно, видели только очень ограниченным кругом.

Персидская династия Каджар с 1781 года вышла на крупные королевские портреты в маслах, а также на миниатюры и текстильные ковры. В них, как правило, преобладают великолепные костюмы и длинные бороды шах.

• 
  Османский султан Селим II , c. 1570
• 
  Леди от Нейзинха , художник -суде в маленьком Раджпут штате Джасроты , 1750 -е годы. Пахари живопись .
• 
  Шах отец Али Шах - Али , с. 1813

Китайская портретная живопись

Дополнительная информация: китайская живопись § Sui, _tang_and_five_dynasties_ (581–979)

Китайская портретная живопись была медленной, чтобы желать или достичь реального сходства. Многие «портреты» были из известных фигур из прошлого и показали представление о том, как должен выглядеть этот человек. Буддийское духовенство, особенно в скульптуре, стало чем -то вроде исключения из этого. Портреты императора долго никогда не видели на публике, отчасти из -за страха, что их плохое обращение может позорить императора или даже вызвать неудачу. Самым старшим министрам было разрешено раз в год, чтобы отдать дань уважения изображениям в имперской галерее портретов предков , в качестве особой чести.

В династии (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.)

Во время династии Хань рост конфуцианства , который рассматривал человека как центр вселенной и общества, привел к акценту на психологическом исследовании. Тем временем даосские ученые начали изучение физиогномии . Комбинированные интересы в психологических и физических особенностях человека вызвали рост биографии и портретной живописи. Портретные картины, созданные во время династии Хань, считались прототипами самых ранних китайских портретных картин, большинство из которых были найдены на стенах дворцовых залов, гробниц и предложения святынь. Например, гравированная фигура человека, найденного в гробнице от западного Хенана, датируемого третьим веком до нашей эры, указывает на наблюдение художника и желание создавать живые фигуры. Тем не менее, предметами большинства настенных портретов являются анонимные фигуры, участвующие в разговоре. Несмотря на яркое изображение физических особенностей и выражения лица, из -за отсутствия идентичности и тесного связанного с повествовательным контекстом, многие ученые классифицируют эти настенные живописи Хань как «фигуры персонажей в действии» вместо реальных сходств конкретных людей.

Династия Джин (265–410 гг.

Династия Джин была одним из самых бурных периодов в истории древней Китая. После десятилетий войн между тремя государствами Вей , Шу и Ву с 184 по 280 г. н.э. Сима Ян в конечном итоге основала династию Западной Цзинь в 266 году нашей эры. Нестабильная социально-политическая среда и ухудшающаяся имперская власть привели к переходу от конфуцианства к нео-даоизму . Поскольку отношение нарушения социальной иерархии и приличия процветала, самовыражение и индивидуализм начали расти среди интеллигенции.

Семь мудрецов бамбуковой рощи и Ронга Цики -это картина с рельефом на плите, найденную в кирпичной гробнице династии Джин в Нанкине . Облегчение составляет 96 дюймов в длину и 35 дюймов в ширину, с более чем 300 кирпичами. Это одна из самых хорошо сохранившихся картин с рельефом из династии Джин, которые отражают высококачественное мастерство. Есть две части рельефа, и каждая содержит четыре фигурных портрета. Согласно именам, вписанным рядом с фигурами, сверху вниз, а слева направо, восемь фигур - Ронг Цики , Руан Сянь , Лю Лин , Сян Сю , Джи Кан , Руан Джи , Шан Тао , и Ван Ронг . Помимо Ронга Цики, остальные семь человек были известными нео-даостскими учеными династии Джин и были известны как « Семь мудрецов бамбуковой рощи ». Это были выдающиеся интеллигенции, достигнутые в литературе, музыке или философии. Облегчение изображает повествовательную сцену восьми культивируемых джентльменов, сидящих на земле в роще, выполняющей различные действия. Фигуры были изображены в расслабленной и погруженной в себя осанки в свободной одежде с босыми ногами.

Исторически записанные надписи имени рядом с фигурами вызывают функции оказания помощи, поскольку «портретная живопись представляет конкретных людей». Кроме того, иконографические детали каждой фигуры на основе биографии делают степень индивидуализации. Например, биография Лю Линга в книге Джин записывает свою одержимость алкоголем. В оправке, фигура Лю Лин находится в повседневной позе с изогнутым коленом и держит эрбеи , сосуд для алкоголя, в то же время окунув другую руку в чашку, чтобы почувствовать вкус напитка. Портрет отражает сущность характеристик и темперамента Лю Линга. Фигура Руан Сянь, которая была известна музыкальными талантами, согласно книге Джин, играет флейту в портрете.

Гу Кайжи , один из самых известных художников восточной династии Цзинь, проинструктировал, как отразить характеристики няни посредством точного изображения физических особенностей в своей книге о живописи . Он также подчеркнул захват духа няни через яркое изображение глаз.

Династия Тан (618–907)

Во время династии Тан в портретной живописи наблюдалось увеличение гуманизации и персонализации. Из -за притока буддизма портрет живописи принял более реалистичное подобие, особенно для портретов монахов. Вера в «временную несоответствия» бессмертного тела в буддизме Махаяны связывала присутствие в образе с присутствием в реальности. Портрет считался визуальным воплощением и заменой реального человека. Таким образом, истинное подобие было высоко ценилось в картинах и статуях монахов. Портретная картина династии династии Тан ценит духовное качество - «анимация через духовную концепцию» ( Ци Юн Шен Тонг ).

С точки зрения имперского портрета, император Тайзонг , второй император династии Тан, использовал портреты для узакофикации преемственности и усиления власти. Он заказал портрет императоров преемственности, который содержит портреты 13 императоров в предыдущих династиях в хронологическом порядке. Обыльца среди выбранных императоров заключалась в том, что они были сыновьями основателей династий. С тех пор, как отец императора Тайзонга, император Гаузу , был основателем династии Тан, выбором императора Тайзонга предыдущих императоров в аналогичной позиции самого себя служил политическим намеком. Его преемственность была под сомнением и критикой с тех пор, как он убил двух своих братьев и заставил своего отца передать его трон. Благодаря вводу в эксплуатацию коллективных портретов предыдущих императоров, он нацелился на узаконю передачи правления. Кроме того, разница в костюмах изображенных императоров подразумевала мнение императора Тайзонга о них. Императоры, изображенные в неформальных костюмах, считались плохими примерами правителя, такого как слабые или жестокие, в то время как те, кто в официальных платьях, считался либо гражданскими, либо военными достижениями. Комиссия была косвенным методом императора Тайзонга для провозглашения его достижений, превзошли прецедентные императоры. Император Тайзонг также заказал серию портретных картин известных ученых и интеллектуалов, прежде чем стал императором. Он попытался подружиться с интеллектуалами, поставив портреты на стену павильона Пиньян в качестве сигнала уважения. Портреты также служили доказательством того, что он получил политическую поддержку от изображенных знаменитых ученых, чтобы напугать его противников. Во время своего правления император Тайзонг заказал портреты самого себя, получавшего предложения от послов завоеванных зарубежных стран, чтобы отпраздновать и рекламировать его военные достижения.

Династия Сун (960–1279)

Портрет дзен буддийского Учхун Шифан , 1238 г. н.э.

Во время династии Сун портреты Конфуция Император Гаозонг заказал и семьдесят два ученика ( Шенг Сянь Ту ) на пустой земле с его рукописной надписью. Цифры были изображены в ярких линиях, анимированных жестах, а выражения лица стали качеством повествования. Портрет святых и его учеников был найден на каменной табличке на стене имперского университета как моральный кодекс для обучения студентов. Тем не менее, ученые утверждали, что истинная цель Императора Гаозонга в Комиссии состояла в том, чтобы объявить, что его политика была поддержана конфуцианством, а также его контроль над конфуцианским наследием.

Династия Юаней (1271–1368)

Династия Юань была переломным моментом в истории Китая. После того, как монгольская империя завоевала китайский материк и закончила династию Сун, традиционная китайская интеллигенция осталась в дилемме по выбору отшельника со стороны иностранного правительства или преследованием новой политической карьеры. Портретные картины «Мужчины культуры» ( Вэнь Рен Хуа ) в тот период отражают эту дилемму. Например, портрет Ян Цянь изобразил его стоящего в бамбуковом лесу. В то время как бамбук символизирует его моральную справедливость, полуселенное и наполовину открытое пространство на заднем плане ссылается на его потенциал выбора между отклонением и служить в правительстве Монгола.

С точки зрения имперского портрета, портрет Кубли и портрет Чаби Монгольским имперским художником Араника в 1294 году отражает слияние традиционных китайских имперских техник и эстетической ценности Гималайской монголы. Кублай Хан изображался как старший человек, в то время как императрица Чаби была изображена в молодости, оба носили традиционные монгольские имперские костюмы. Аранико принял китайскую портретную технику, такую ​​как обрисовать форму чернилами и усиление формы цветом, тогда как основные моменты на ювелирных изделиях Чаби с тем же оттенком, но более легкая ценность оказалось продолжением гималайского стиля. Полная фронтальная ориентация ситтеров и их учеников с центром добавляет конфронтационного воздействия зрителям, который отражает эстетику и стиль непальцев. Очень симметричная композиция и жесткое описание волос и одежды отличались от предыдущего стиля живописи династии. Существует мало последствий для моральных достоинств ситтеров или их личности, что указывает на отряд художника от няни, который противоречит акценту династии Сун на захват духа.

Династия Цин (1636–1912)

Во время династии Цин европейская портретная животная европейская суда в восемнадцатом веке, которая изображала аристократов, занимающихся различными видами деятельности в различных костюмах, была импортирована в Китай. Император Юнжжэна и его сын, Император Цяньлонга , заказали ряд портретных картин маскарада с различными политическими последствиями. На большинстве портрета маскарада Императора Юнжжэна он носит экзотические костюмы, такие как костюм европейского джентльмена. Отсутствие надписи на портретной живописи оставляет его намерение неясным, но некоторые ученые считают, что экзотический костюм отражает его интерес к иностранной культуре и желание управлять миром. По сравнению с неоднозначным отношением Императора Юнжжэна Император Цяньлонга написал надписи о своих маскарадных портретах, чтобы объявить о своей философии «способа решения», который должен был скрыть и обмануть, чтобы его подчиненные и враги не могли отслеживать его стратегии. По сравнению с энтузиазмом Императора Юнжжэна в экзотическом костюме император Цяньлонга проявил больший интерес к китайскому традиционному костюму, таким как одевание в качестве конфуцианского ученого, даос -священник и буддийского монаха, который проявляет его желание в завоевание традиционного китайского наследия.

Император Цяньлонга заказал мирное послание весны после того, как он унаследовал трон от своего отца, который является двойной портретной картиной его и его отца, одетой в конфуцианские ученые одежды вместо традиционных маньчжурских одежды, стоящих рядом рядом с бамбуком. Ученые считают, что Комиссия стремилась узаконить его преемственность престола, подчеркнув физическое сходство между ним и его отцом, таким как структура лица, идентичный костюм и прическа. Бамбуковый лес на заднем плане указывает на их моральную праведность, предложенную традиционным конфуцианством. Портрет изображает императора Юнжжэна, который в более широком масштабе, передавая цветущую ветвь императору Цяньлонга как политическую метафору имперской власти. Император Цяньлонга также рекламировал свое сырное благочестие, предложенное конфуцианством, позируя в скромном жесте.

Художник -иезуит провел 50 лет в Имперском суде до Джузеппе Кастильоне своей смерти в 1766 году и был придворным художником для трех императоров. В своих портретах, как и в других жанрах, он объединил аспекты китайского традиционного стиля с современной западной живописью.

Портретная живопись женщин из династии Хань до династии Цин

Судный портрет императрицы Ренхуаи (1016–1079) (жена императора Цинзонга ), Династия Сун

Портретная живопись женщин в древнем Китае от династии Хань до династии Цин (206 г. до н.

В династии Хань (206 г. до н.э. - 220 г. н.э.) женщины на портретной живописи были в основном типом, а не конкретным человеком. Основным субъектом были идеализированные образцовые женщины ( ложь Nü ) с достоинствами, вызванными конфуцианством, такими как целомудрие, трехкратное послушание ( Сан-Конг ) отцу, мужу, сыну. Примерные женщины Gu Kaizhi ( Lie Nü Tu) , которая была создана вскоре после того, как династия Хань представляет этот жанр.

В династии Тан (618–906) дворцовые женщины ( Ши -ню ), выполняющие ежедневные обязанности или развлечения, стали популярным предметом. Женская красота и очарование дам дворца были оценены, но субъект оставался неспецифическим под названием «Паласские дамы». Характеристики, поощряемые конфуцианством, включая покорное и приятное, были охвачены стандартами красоты и подчеркиваются на портрете. Художники преследовали правильность и подобие няни и стремились раскрыть чистоту души.

В династии Сун (960–1279) портретные картины женщин были созданы на основе стихов любви, написанных поэтами суда. Несмотря на то, что они изображены как живые в роскошном моде и комфортном жилье, женщины на картине обычно изображались как одинокие и меланхоличные, потому что они чувствуют себя пустынными или оказавшись в ловушке в домашних делах, в то время как их мужья оставались на улице и продолжали свою карьеру. Общие настройки включают пустой садовой путь и пустой диван платформ, который намекает на отсутствие мужских фигур. Общий фон включает цветущие деревья, которые были связаны с красотой и банановыми деревьями, которые символизировали уязвимость женщин.

В династии Мин (1368–1644) литературная живопись ( Wenren Hua ), которая объединила живопись, каллиграфию и поэзию, стала популярной тенденцией среди элит. Большинство женщин в литературной живописи были абстрактными фигурами, служащими визуальной метафорой и оставались ничтожными. В династии Цин (1644–1912) картина литературы получила больше разнообразных мазков и использования яркого цвета.

• 
  Портрет Ho Bun (何斌), династия Мин ученый- -Бюреакрат , с конца 16 века до начала 17-го века, китайский
• 
  Три красавица современности Утамаро , 1793

Смотрите также

• Иерархия жанров
• Портрет сейчас
• Королевское общество портретных художников

Ссылки и примечания

Ссылки

Примечания

• Колонка «Испытания искусства» от New Age от 28 февраля 1918 года представляет собой тщательно обоснованный анализ обоснования и эстетики портрета BH Dias (псевдоним Эзры Паунд ), проницательной структуры ссылки для просмотра любого портрета, древнего или современного.

Дальнейшее чтение

• Вудолл, Джоанна . Портрета: лицом к предмету . Издательство Манчестерского университета , Манчестер, 1997.
• Западный S. Portraiture (Оксфордская история искусства) , Оксфорд: издательство Оксфордского университета , 2004
• Brilliant, R. Portraiture (эссе в искусстве и культуре) , Кембридж: издательство Гарвардского университета , 1991
• Christiansen, K. и Weppelmann, S., Eds. Портрет Ренессанса: от Донателло до Беллини , Метрополитен -музей искусств, Нью -Йорк, распространяемый издательством Йельского университета, 2011.

Внешние ссылки

• Джоанна Вудолл читает лекции о торговле идентификаторах, изображение торговца в колледже Грешам.