Итальянское искусство
С древних времен греки , этруски и кельты населяли соответственно юг, центр и север итальянского полуострова. Очень многочисленные наскальные рисунки в Валькамонике датируются 8000 годом до нашей эры, и здесь есть богатые остатки этрусского искусства из тысяч гробниц, а также богатые останки греческих колоний в Пестуме , Агридженто и других местах. Древний Рим наконец стал доминирующей итальянской и европейской державой. Римские руины в Италии необычайно богаты: от великих императорских памятников самого Рима до сохранившихся исключительно хорошо сохранившихся обычных зданий в Помпеях и соседних местах. После падения Римской империи в средние века Италия оставалась важным центром не только искусства Каролингов , оттоновского искусства Священной Римской империи , нормандского искусства , но и византийского искусства Равенны императоров и других мест.
Италия была главным центром художественного развития на протяжении всего периода Возрождения (1300–1600), начиная с Проторенессанса Джотто , и достигая особого пика в Высоком Возрождении Антонелло да Мессина Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэля , чьи работы вдохновляли поздняя фаза Возрождения, известная как маньеризм . Италия сохраняла свое художественное доминирование в 17 веке с барокко (1600–1750) и в 18 веке с неоклассицизмом (1750–1850). В этот период культурный туризм стал важной опорой итальянской экономики. И барокко, и неоклассицизм зародились в Риме. [1] [2] и распространилось на все западное искусство . Италия поддерживала присутствие на международной художественной сцене с середины 19-го века, благодаря таким движениям, как Маккьяйоли , Футуризм , Метафизика , Новеченто Итальяно , Пространство , Арте Повера и Трансавангард .
Итальянское искусство на протяжении веков оказало влияние на несколько крупных движений и породило несколько великих художников, в том числе художников, архитекторов и скульпторов. Сегодня Италия занимает важное место на международной художественной сцене с несколькими крупными художественными галереями, музеями и выставками; Крупнейшие художественные центры страны включают Рим, Флоренцию, Венецию, Милан, Турин, Геную, Неаполь, Палермо, Сиракузы и другие города. Италия является домом для 58 объектов всемирного наследия , это наибольшее количество среди всех стран мира.
Этрусское искусство
[ редактировать ]
Этрусские бронзовые фигуры и терракотовые погребальные рельефы являются примерами энергичной традиции Центральной Италии, которая пришла в упадок к тому времени, когда Рим начал строить свою империю на полуострове.
Этрусские росписи, сохранившиеся до нового времени, представляют собой в основном настенные фрески из могил, и главным образом из Тарквинии . Это самый важный пример доримского изобразительного искусства Италии, известный ученым.
Фрески состоят из росписи поверх свежей штукатурки, так что, когда штукатурка высыхает, картина становится частью штукатурки и неотъемлемой частью стены, что помогает ей так хорошо сохраняться (действительно, почти вся сохранившаяся этрусская и римская живопись находится на фреске). Краски делались из камней и минералов разных цветов, которые измельчались и смешивались в среде, а тонкие кисти делались из волос животных (даже самые лучшие кисти изготавливаются из бычьего волоса). С середины IV века до нашей эры светотени стали использовать для изображения глубины и объема. Иногда изображаются сцены повседневной жизни, но чаще традиционные мифологические сцены. Понятие пропорции не встречается ни в одной из сохранившихся фресок, и мы часто находим изображения животных или людей с непропорциональными некоторыми частями тела. Одна из самых известных этрусских фресок — «Гробница Львицы» в Тарквинии.
Римское искусство
[ редактировать ]
Этруски были ответственными за строительство первых монументальных зданий Рима. Римские храмы и дома были основаны на этрусских моделях. Элементы этрусского влияния в римских храмах включали подиум и акцент передней части за счет остальных трех сторон. Большие этрусские дома были сгруппированы вокруг центрального зала почти так же, как и римские города. Большие дома позже были построены вокруг атриума . Влияние этрусской архитектуры постепенно уменьшалось во время республики перед лицом влияний (особенно греческих ) из других мест. Этрусская архитектура сама находилась под влиянием греков, поэтому, когда римляне переняли греческий стиль, это не была полностью чуждая культура. Во времена республики, вероятно, происходило устойчивое поглощение архитектурных влияний, в основном из эллинистического мира, но после падения Сиракуз в 211 г. до н.э. греческие произведения искусства хлынули в Рим. Во II веке до нашей эры поток этих работ, и что более важно, греческих мастеров продолжался, что оказало решающее влияние на развитие Римская архитектура . К концу республики, когда Витрувий написал свой трактат об архитектуре, греческая архитектурная теория и пример стали доминировать. С расширением империи римская архитектура распространилась на обширную территорию и использовалась как для общественных зданий, так и для некоторых более крупных частных. Во многих областях на элементы стиля повлияли местные вкусы, особенно в декоре, но архитектура оставалась узнаваемо римской. На стили народной архитектуры в разной степени повлияла римская архитектура, и во многих регионах римские и местные элементы сочетаются в одном здании.
К I веку нашей эры Рим стал самым большим и развитым городом в мире. Древние римляне придумали новые технологии для улучшения городских санитарных систем, дорог и зданий. Они разработали систему акведуков, по которым в город поставлялась пресная вода, и построили канализацию, которая удаляла городские отходы. Самые богатые римляне жили в больших домах с садами. Однако большая часть населения жила в многоквартирных домах из камня, бетона или известняка. Римляне разработали новые методы и использовали такие материалы, как вулканическая почва из Поццуоли, деревни недалеко от Неаполя, чтобы сделать цемент тверже и прочнее. Этот бетон позволил им построить большие многоквартирные дома, называемые островками .
Настенные росписи украшали дома богатых людей. На картинах часто изображались садовые пейзажи, события из греческой и римской мифологии, исторические сцены или сцены повседневной жизни. Римляне украшали полы мозаикой — изображениями или узорами, созданными из маленьких цветных плиток. Богато раскрашенные картины и мозаика помогали комнатам в римских домах казаться больше и светлее и подчеркивали богатство владельца. [3]
В христианскую эпоху поздней Империи, с 350 по 500 годы нашей эры, процветали настенные росписи, мозаичные потолочные и напольные работы, а также погребальная скульптура, тогда как полноразмерная круглая и панельная скульптура вымерла, скорее всего, по религиозным причинам. [4] Когда Константин перенес столицу империи в Византию (переименованную в Константинополь ), римское искусство включило в себя восточные влияния, чтобы создать византийский стиль поздней империи. Когда Рим был разграблен в V веке, ремесленники переехали в восточную столицу и нашли там работу. В церкви Святой Софии в Константинополе работало около 10 000 рабочих и ремесленников, что стало последним всплеском римского искусства при императоре Юстиниане I , который также приказал создать знаменитые мозаики Равенны . [5]
Средневековое искусство
[ редактировать ]
На протяжении всего Средневековья итальянское искусство состояло преимущественно из архитектурных украшений (фресок и мозаики). Византийское искусство в Италии представляло собой весьма формальное и изысканное украшение со стандартизированной каллиграфией и замечательным использованием цвета и золота. До 13 века искусство Италии было почти полностью региональным, находившимся под влиянием внешних европейских и восточных течений. После ц. 1250 г. искусство различных регионов приобрело общие черты, так что можно наблюдать определенное единство, а также большую оригинальность.
Итало-византийское искусство
[ редактировать ]После падения своей западной столицы Римская империя еще 1000 лет продолжала существовать под руководством Константинополя . [6] Византийские мастера использовались в важных проектах по всей Италии, а так называемые итало-византийские стили живописи можно встретить вплоть до 14 века.
Итало-византийский стиль изначально охватывает религиозные картины, копирующие или имитирующие стандартные типы византийских икон , но написанные художниками без обучения византийским техникам. Это версии византийских икон, большей части Мадонны с Младенцем , но также и других сюжетов; по сути, они представили в Западной Европе относительно небольшую портативную картину в рамке. Очень часто они находятся на золотой почве . Это был доминирующий стиль в итальянской живописи до конца 13 века , когда Чимабуэ и Джотто начали выводить итальянскую или, по крайней мере, флорентийскую живопись на новую территорию. Но этот стиль сохранялся до 15 века и позже в некоторых областях и контекстах. [7]
Двести
[ редактировать ]
Дуеченто — итальянский термин, обозначающий культуру 13 века. В этот период готическая архитектура , зародившаяся в Северной Европе, распространилась на юг, в Италию, по крайней мере, на север. Доминиканский соответственно , и францисканский ордены монахов , основанные святым Домиником и святым Франциском Ассизским стали популярными и хорошо финансируемыми в этот период и приступили к реализации крупных строительных программ, в основном с использованием более дешевой и менее богато украшенной версии готики. Большие схемы фресок были дешевы и могли использоваться для наставления прихожан. Базилика Святого Франциска Ассизского , по сути, две большие церкви, расположенные одна над другой на холмистой местности, является одним из лучших примеров, начатая в 1228 году и расписанная фресками Чимабуэ , Джотто , Симоне Мартини , Пьетро Лоренцетти и, возможно, Пьетро. Каваллини , большинство ведущих художников того периода.
Триста
[ редактировать ]
Треченто — итальянский термин, обозначающий культуру 14 века. Этот период считается началом итальянского Возрождения или, по крайней мере, Проторенессанса в истории искусства. Среди художников Треченто были Джотто ди Бондоне , а также художники сиенской школы , которая стала самой важной в Италии в течение столетия, в том числе Дуччо ди Буонинсенья , Симоне Мартини , Липпо Мемми , Амброджо Лоренцетти и его брат Пьетро . Среди важных скульпторов были два ученика Джованни Пизано : Арнольфо ди Камбио и Тино ди Камайно , а также Бонино да Кампионе .
Искусство эпохи Возрождения
[ редактировать ]В средние века художники и скульпторы пытались придать своим произведениям духовность. Они хотели, чтобы зрители сосредоточились на глубоком религиозном значении их картин и скульптур. Но художники и скульпторы эпохи Возрождения, как и писатели эпохи Возрождения, хотели реалистично изображать людей и природу. Средневековые архитекторы проектировали огромные соборы, чтобы подчеркнуть величие Бога и смирить человеческий дух. Архитекторы эпохи Возрождения проектировали здания, пропорции которых основывались на пропорциях человеческого тела, а орнамент имитировал древние конструкции.
Раннее Возрождение
[ редактировать ]
В начале 14 века флорентийский художник Джотто стал первым художником, реалистично изображавшим природу после падения Римской империи. Он создал великолепные фрески (картины по влажной штукатурке) для церквей в Ассизи, Флоренции, Падуе и Риме. Джотто пытался создать реалистичные фигуры, передающие настоящие эмоции. Многие из своих фигур он изобразил в реалистической обстановке.
замечательная группа флорентийских архитекторов, художников и скульпторов В начале 15 века работала . Среди них были художник Мазаччо , скульптор Донателло и архитектор Филиппо Брунеллески .
Лучшей работой Мазаччо была серия фресок, которые он написал около 1427 года в капелле Бранкаччи церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции. Фрески реалистично изображают эмоциональные библейские сцены. В этих картинах Мазаччо использовал систему Брунеллески для достижения линейной перспективы.
В своих скульптурах Донателло старался изобразить достоинства человеческого тела в реалистичных и зачастую драматических деталях. Среди его шедевров — три статуи библейского героя Давида. В версии, законченной в 1430-х годах, Донателло изобразил Давида изящным обнаженным юношей спустя несколько мгновений после того, как он убил гиганта Голиафа. Работа высотой около 5 футов (1,5 метра) была первой большой отдельно стоящей обнаженной фигурой, созданной в западном искусстве со времен классической античности.
Брунеллески был первым архитектором эпохи Возрождения, возродившим древнеримский стиль архитектуры. В своих проектах он использовал арки, колонны и другие элементы классической архитектуры. Одно из его самых известных зданий — красивая и гармоничная капелла Пацци во Флоренции. Часовня, строительство которой было начато в 1442 году и завершено около 1465 года, была одним из первых зданий, построенных в стиле нового ренессанса. Брунеллески также был первым художником эпохи Возрождения, освоившим линейную перспективу — математическую систему, с помощью которой художники могли показывать пространство и глубину на плоской поверхности.
Высокое Возрождение
[ редактировать ]
В искусстве конца 15 и начала 16 веков доминировали трое мужчин. Это были Леонардо да Винчи , Микеланджело и Рафаэль .
Леонардо да Винчи написал два самых известных произведения искусства эпохи Возрождения: настенную живопись «Тайная вечеря» и портрет Моны Лизы . Леонардо обладал одним из самых пытливых умов за всю историю. Он хотел знать, как устроено все, что он видел в природе. На более чем 4000 страницах блокнотов он нарисовал подробные схемы и записал свои наблюдения. Леонардо тщательно зарисовывал человеческие скелеты и мышцы, пытаясь понять, как устроено тело. Благодаря своему пытливому уму Леонардо стал символом ренессансного духа обучения и интеллектуальной любознательности. [8]
Микеланджело преуспел как художник, архитектор и поэт. Кроме того, его называли величайшим скульптором в истории. [9] Микеланджело был мастером изображения человеческой фигуры. Например, его знаменитая статуя израильского вождя Моисея (1516 г.) производит ошеломляющее впечатление физической и духовной силы. Ватикана Эти качества также проявляются во фресках библейских и классических сюжетов, которые Микеланджело нарисовал на потолке Сикстинской капеллы . Фрески, написанные с 1508 по 1512 год, входят в число величайших произведений искусства эпохи Возрождения.
Картины Рафаэля мягче по очертанию и поэтичнее, чем у Микеланджело. Рафаэль умел создавать перспективу и деликатно использовать цвет. Он написал ряд картин Мадонны (Девы Марии) и множество выдающихся портретов. Одна из его величайших работ — фреска «Афинская школа» . Картина создана под влиянием классических греческих и римских моделей. На нем изображены великие философы и ученые Древней Греции в окружении классических арок. Таким образом, Рафаэль установил связь между культурой классической античности и итальянской культурой своего времени.
Создателем архитектуры Высокого Возрождения был Донато Браманте , который приехал в Рим в 1499 году, когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, представляет собой централизованную купольную структуру, напоминающую классическую храмовую архитектуру. Папа Юлий II выбрал Браманте папским архитектором, и вместе они разработали план замены Старого собора Святого Петра IV века новой церковью гигантских размеров. Однако проект был завершен лишь спустя много времени после смерти Браманте.
маньеризм
[ редактировать ]
Маньеризм – элегантный, куртуазный стиль. Оно процветало во Флоренции, Италия, где его ведущими представителями были Джорджо Вазари и Бронзино . Стиль был представлен французскому двору Россо Фьорентино и Франческо Приматиччо . Венецианский художник Тинторетто находился под влиянием этого стиля.
Маньеристский подход к живописи оказал влияние и на другие виды искусства. работы Джулио Романо В архитектуре ярким примером являются . Итальянец Бенвенуто Челлини и фламандец Джамболонья были главными представителями этого стиля в скульптуре. [10]
Некоторые историки рассматривают этот период как вырождение классицизма Высокого Возрождения или даже как интерлюдию между Высоким Возрождением и барокко, и в этом случае даты обычно относятся к ок. с 1520 по 1600 год, и это считается завершенным позитивным стилем.
Искусство барокко и рококо
[ редактировать ]
В начале 17 века Рим стал центром возобновления итальянского доминирования в искусстве. В Парме Антонио да Корреджо украсил церковные своды живыми фигурами, мягко плывущими в облаках – схема, которая оказала глубокое влияние на потолочные росписи в стиле барокко. Бурные картины светотени Караваджо и мощные иллюзионистские картины семьи Болоньезе Карраччи положили начало периоду барокко в итальянском искусстве. Доменикино , Франческо Альбани , а позже Андреа Сакки были среди тех, кто реализовал классические подтексты в искусстве Карраччи.
С другой стороны, Гвидо Рени , Гверчино , Орацио Джентилески , Джованни Ланфранко , а позднее Пьетро да Кортона и Андреа Поццо , будучи основательно обученными классически-аллегорическому модулю, поначалу были склонны писать в манере динамичные композиции, полные жестикулирующих фигур. ближе к Караваджо. Выдающимся виртуозом барочного изобилия и величия в скульптуре и архитектуре был Джан Лоренцо Бернини . К 1640 году многие художники склонялись к классическому стилю, который был выдвинут на первый план в Риме французским эмигрантом Николя Пуссеном . Скульпторы Алессандро Альгарди и Франсуа Дюкенуа также тяготели к классике. Известные художники позднего барокко включают генуэзца Джованни Баттиста Гаулли и неаполитанцев Луку Джордано и Франческо Солимену .
Великие светила 18 века были выходцами из Венеции. Среди них были блестящий представитель стиля рококо Джованни Баттиста Тьеполо ; художники-архитекторы Франческо Гварди , Каналетто , Джованни Баттиста Пьяццетта и Бернардо Беллотто ; и гравер римских древностей Джованни Баттиста Пиранези .
Неоклассическое искусство и искусство XIX века
[ редактировать ]
Итальянский неоклассицизм был самым ранним проявлением общего периода, известного как неоклассицизм , и просуществовал дольше, чем другие национальные варианты неоклассицизма. Он развился в противоположность стилю барокко около ок. 1750 г. и продолжалось до ок. 1850. Неоклассицизм зародился примерно в период повторного открытия Помпеи и распространился по всей Европе, когда поколение студентов-художников вернулось в свои страны из Гранд-тура по Италии с заново открытыми греко-римскими идеалами.
Как и в других частях Европы, итальянское неоклассическое искусство в основном основывалось на принципах древнеримского и древнегреческого искусства и архитектуры, а также на архитектуре итальянского Возрождения и ее основах, например, на вилле Капра «Ла Ротонда» . [11] Классицизм и неоклассицизм в итальянском искусстве и архитектуре развивались в эпоху итальянского Возрождения , особенно в произведениях и проектах Леона Баттисты Альберти и работах Филиппо Брунеллески .
Он делает упор на симметрию , пропорции , геометрию и правильность частей, как они продемонстрированы в архитектуре классической древности и, в частности, в архитектуре Древнего Рима , от которой сохранилось множество примеров. Упорядоченное расположение колонн , пилястр и перемычек , а также использование полукруглых арок, полусферических куполов , ниш и эдикул заменили более сложные пропорциональные системы и неправильные профили средневековых зданий. Этот стиль быстро распространился на другие итальянские города, а затем и на остальную часть континентальной Европы.
Сначала он сосредоточился в Риме, где такие художники, как Антонио Канова и Жак-Луи Давид, действовали во второй половине 18 века, прежде чем переехать в Париж. Художники Ведуте , такие как Каналетто и Джованни Паоло Панини , также пользовались огромным успехом во время Гранд-тура. Скульптор Антонио Канова был ведущим представителем неоклассического стиля. Всемирно известный, он считался самым блестящим скульптором Европы. [12] Франческо Айес — величайший представитель романтизма в Италии: многие из его работ, обычно средневековых , содержат зашифрованное патриотическое послание Рисорджименто . Неоклассицизм был последним стилем итальянского происхождения после Ренессанса и барокко , который распространился на все западное искусство.
Маккиайоли
[ редактировать ]
Италия создала свою собственную форму импрессионизма , художников Маккиайоли , которые на самом деле были там первыми, до более известных импрессионистов: Джованни Фаттори , Сильвестро Лега , Телемако Синьорини , Джузеппе Аббати . Художники Маккиайоли были предшественниками импрессионизма во Франции. Они считали, что области света и тени, или макки (буквально пятна или пятна), являются главными компонентами произведения искусства. Слово маккиа обычно использовалось итальянскими художниками и критиками в 19 веке для описания блестящего качества рисунка или картины, будь то из-за схематичного и спонтанного исполнения или из-за гармоничной широты его общего эффекта.
Враждебная рецензия, опубликованная 3 ноября 1862 года в журнале Gazzetta del Popolo , знаменует собой первое появление в печати термина Маккьяйоли. [13] Этот термин имел несколько значений: он насмешливо подразумевал, что готовые работы художников были не более чем эскизами, и напоминал фразу «darsi alla macchia», идиоматически означающую «прятаться в кустах или кустарниках». Фактически, художники написали большую часть своих работ в этих диких местах. Это значение названия также отождествляло художников с преступниками, отражая точку зрения традиционалистов о том, что новая школа художников работала вне правил искусства, в соответствии со строгими законами, определявшими художественное выражение того времени.
Итальянское современное искусство
[ редактировать ]
В начале 20-го века представители футуризма разработали динамичное видение современного мира, в то время как Джорджо де Кирико выразил странное метафизическое спокойствие, а Амедео Модильяни присоединился к парижской школе. Одаренные современные художники более позднего периода включают скульпторов Джакомо Манцу , Марино Марини , художника-натюрморта Джорджио Моранди и художника-иконоборца Лучио Фонтана . Во второй половине 20-го века итальянские дизайнеры, особенно миланские, своими творческими и гениальными функциональными работами оказали глубокое влияние на международный стиль.
Футуризм
[ редактировать ]
Футуризм был итальянским художественным движением, которое процветало с 1909 по 1916 год. Это было первое из многих художественных движений, которые пытались порвать с прошлым во всех сферах жизни. Футуризм прославлял мощь, скорость и азарт, которые характеризовали век машин. У французских художников-кубистов и фотографии с многократной экспозицией футуристы научились разбивать реалистичные формы на несколько изображений и перекрывающихся фрагментов цвета. Такими средствами они попытались изобразить энергию и скорость современной жизни. В литературе футуризм требовал отмены традиционных структур предложений и стихотворных форм. [15]
Впервые о футуризме было заявлено 20 февраля 1909 года, когда парижская газета «Фигаро» опубликовала манифест итальянского поэта и редактора Филиппо Томмазо Маринетти . (См. « Манифест футуризма» .) Маринетти придумал слово «футуризм», чтобы отразить свою цель — отказаться от искусства прошлого и прославить изменения, оригинальность и инновации в культуре и обществе. Манифест Маринетти прославлял новую технологию автомобиля и красоту его скорости, мощности и движения. Восхваляя насилие и конфликты, он призвал к радикальному отказу от традиционных ценностей и разрушению культурных учреждений, таких как музеи и библиотеки. Риторика манифеста была страстно напыщенной; его агрессивный тон был намеренно призван вызвать общественный гнев и вызвать споры.
Манифест Маринетти вдохновил группу молодых художников в Милане применить идеи футуризма в изобразительном искусстве. Умберто Боччони , Карло Карра , Луиджи Руссоло , Джакомо Балла и Джино Северини опубликовали в 1910 году несколько манифестов о живописи. Как и Маринетти, они прославляли оригинальность и выражали презрение к унаследованным художественным традициям.
Боччони также заинтересовался скульптурой , опубликовав манифест на эту тему весной 1912 года. Считается, что наиболее полно он реализовал свои теории в двух скульптурах « Развитие бутылки в космосе» (1912), в которых он изобразил как внутреннее и внешние контуры бутылки, а также «Уникальные формы непрерывности в пространстве» (1913), в которых человеческая фигура не изображается как одна твердая форма, а вместо этого состоит из множества плоскостей в пространстве, через которые движется фигура.Реалистические принципы распространились и на архитектуру. Антонио Сант'Элия сформулировал футуристический манифест по архитектуре в 1914 году. Его дальновидные рисунки высокомеханизированных городов и смелых современных небоскребов являются прообразом некоторых из самых творческих архитектурных планов 20-го века.
Боччони, который был самым талантливым художником в группе, [16] и Сант'Элия оба умерли во время военной службы в 1916 году. Смерть Боччони в сочетании с расширением штата группы и отрезвляющей реальностью разрушений, вызванных Первой мировой войной , фактически положила конец футуристическому движению как важной исторической силе в изобразительное искусство.
Метафизическое искусство
[ редактировать ]Метафизическая живопись — итальянское художественное движение, зародившееся в 1917 году благодаря работам Карло Карра и Джорджо де Кирико в Ферраре. Слово «метафизический», принятое самим Де Кирико, является ядром поэтики движения.
Они изображали сказочные образы, фигуры и предметы, казалось, застыли во времени. Художники метафизической живописи принимают изображение видимого мира в традиционном перспективном пространстве, но необычное расположение людей в виде манекенов, объектов в странных, нелогичных контекстах, нереальные свет и цвета, неестественную статику неподвижных фигур.
Итальянский двадцатый век.
[ редактировать ]
Движение Новеченто , группа итальянских художников, образованная в 1922 году в Милане, выступала за возвращение к великому итальянскому изобразительному искусству прошлого.
Основателями движения Новеченто ( итал . 20 век) были критик Маргерита Сарфатти и семь художников: Ансельмо Буччи , Леонардо Дюдревиль , Ахилле Фуни , Джан Эмилио Малерба, Пьеро Маруссиг, Убальдо Оппи и Марио Сирони. Под руководством Сарфатти группа стремилась обновить итальянское искусство, отвергая европейские авангардные движения и принимая художественные традиции Италии.
Среди других художников, связанных с Новеченто, были скульпторы Марино Марини и Артуро Мартини , а также художники Оттоне Розаи , Массимо Кампильи , Карло Карра и Феличе Казорати .
Пространство
[ редактировать ]Движение, основанное итальянским художником Лучио Фонтана как Пространство , его принципы повторялись в манифестах между 1947 и 1954 годами.
Сочетая элементы конкретного искусства, дадаизма и тахизма, приверженцы движения отвергли станковую живопись и приняли новые технологические разработки, стремясь включить время и движение в свои работы. Картины Фонтаны с разрезами и пирсингами служат примером его тезисов.
Плохое искусство
[ редактировать ]| Часть серии о |
| Культура Италии |
|---|
 |
| Люди |
| Традиции |
Arte Povera — художественное движение, зародившееся в Италии в 1960-х годах, сочетающее в себе аспекты концептуального, минималистского искусства и перформанса и использующее бесполезные или обычные материалы, такие как земля или газета, в надежде подорвать коммерциализацию искусства. Эта фраза итальянская и буквально означает «обедненное искусство».
Трансавангард
[ редактировать ]Термин «Трансавангард» — изобретение итальянского критика Ахилле Бонито Олива . Он определил трансавангардное искусство как традиционное по формату (то есть в основном живопись или скульптуру); аполитичный; и, прежде всего, эклектичен.
Список основных музеев и галерей Италии
[ редактировать ]Пропаганда и ограничения
[ редактировать ]Согласно поправкам 2017 года к Кодексу итальянского культурного наследия и ландшафтов , [17] [18] произведение искусства может быть по закону признано представляющим общественный и культурный интерес, если оно было создано не менее 70 лет назад. Предыдущий лимит составлял 50 лет. Чтобы облегчить экспорт и международную торговлю предметами искусства как средством сбережения , частным владельцам и их дилерам впервые была предоставлена возможность самостоятельно подтверждать коммерческую стоимость менее 13 500 евро, чтобы быть имеет право вывозить товары за пределы страны в Европейский Союз без необходимости получения разрешения государственной администрации. [19] [20] Законопроект принят и вступил в силу 29 августа 2017 года. [18] Государственное разрешение должно быть предоставлено для археологических находок, обнаруженных под землей или ниже уровня моря. [17]
См. также
[ редактировать ]
Ссылки
[ редактировать ]- ^ Стивенсон, Ангус (19 августа 2010 г.). Оксфордский словарь английского языка . ОУП Оксфорд. ISBN 978-0-19-957112-3 .
- ^ «Дорога из Рима в Париж. Рождение современного неоклассицизма» . Архивировано из оригинала 14 июля 2015 года . Проверено 5 января 2016 г.
- ^ Алекс Т. Найс, доктор философии, бывший приглашенный доцент кафедры классики программы классических исследований Университета Уилламетт.
Приятно, Алекс Т. «Рим, древний». Всемирная книга продвинутого уровня. Мировая книга, 2011. Интернет. 30 сентября 2011 г. - ^ Пайпер, с. 261.
- ^ Пайпер, с. 266.
- ^ [1] Архивировано 17 августа 2011 года в Wayback Machine Byzantium. Фордэмский университет. Веб. 6 октября 2011 г.
- ^ Драндаки, Анастасия, «Maniera Greca: содержание, контекст и трансформация термина» Исследования по иконографии 35, 2014, стр. 39–41, 48–51.
- ^ Джеймс Хэнкинс, доктор философии, профессор истории Гарвардского университета.
Хэнкинс, Джеймс. «Ренессанс». Всемирная книга продвинутого уровня. Мировая книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г. - ^ Поуп-Хеннесси, Джон Виндхэм. Итальянская скульптура высокого Возрождения и барокко. Phaidon Press, 1996. с. 13. Паутина. 5 октября 2011 г.
Микеланджело был первым художником в истории, которого современники признали гением в нашем современном понимании. Канонизированный перед смертью, он остался величественным, грозным и далеким. Некоторые препятствия для установления тесного контакта с его разумом присущи его собственный бескомпромиссный характер; он был величайшим скульптором, когда-либо жившим, а величайший скульптор не обязательно является самым доступным » . - ^ Эрик М. Зафран, доктор философии, куратор отдела европейской живописи и скульптуры, Уодсворт Атенеум.
Зафран, Эрик М. «Маньеризм». Всемирная книга продвинутого уровня. Мировая книга, 2011. Интернет. 1 октября 2011 г. - ^ «илла Альмерико Капра, известная как «ла Ротонда, Виченца» (на итальянском языке) . Проверено 30 декабря 2023 г.
- ^ Розенблюм, Роберт; Янсон, Хорст Вольдемар. Искусство 19 века. Архивировано 27 октября 2022 года в Wayback Machine Abrams, 1984. с. 104. Паутина. 5 октября 2011 г.
« Антонио Канова (1757–1822) был не только величайшим скульптором своего поколения; он был самым известным художником западного мира с 1790-х годов и даже после своей смерти » . - ^ Броуд, с. 96.
- ^ «Женщины в искусстве, PDF» (PDF) . акционер.com . Проверено 7 сентября 2018 г. [ мертвая ссылка ]
- ^ Дуглас К.С. Хайланд, доктор философии, директор Художественного музея Сан-Антонио.
Хайланд, Дуглас К.С. «Футуризм». Всемирная книга продвинутого уровня. Мировая книга, 2011. Интернет. 4 октября 2011 г. - ^ Уайлдер, Джесси Брайант. История искусств для чайников. Джон Уайли и сыновья, 2007. с. 310. Паутина. 6 октября 2011 г.
- ^ Jump up to: а б «Кодекс культурного наследия и ландшафта» . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке). Архивировано из оригинала 20 ноября 2019 года . Проверено 14 сентября 2020 г.
- ^ Jump up to: а б «ЗАКОН от 4 августа 2017 года, № 124» . Официальный журнал (на итальянском языке). в статье н. 175.
- ^ «Обращение к Маттарелле – «Культурные ценности не являются коммерческими: президент не подписывает указ о конкурсе» » . Il Fatto Quotidiano (на итальянском языке). 4 августа 2017 г.
- ^ «Стенограмма заседания Парламента, состоявшегося 28 июня 2017 года» . Палата депутатов (Италия) (на итальянском языке).
