Народная музыка

Чтобы узнать о других значениях, см. Народная музыка (значения) . Сюда перенаправляются «Народный певец» и «Традиционная музыка». Чтобы узнать о других значениях, см. Народный певец (значения) и Традиционная музыка (значения) .

Народная музыка
Бела Барток записывает крестьянских певцов в Зобордаразе, Венгерское королевство (ныне Нитра , Словакия ), 1907 год.
Традиции	Список народных музыкальных традиций
Музыканты	Список народных музыкантов
Инструменты	Народные инструменты
Other topics
Popular music roots revival Filk music Folk punk

Народная музыка — это музыкальный жанр , который включает в себя традиционную народную музыку и современный жанр , который развился из первого во время народного возрождения 20-го века . Некоторые виды народной музыки можно назвать мировой музыкой . Традиционную народную музыку определяют по-разному: как музыку, передаваемую устно, музыку неизвестных композиторов, музыку, исполняемую на традиционных инструментах, музыку о культурной или национальной самобытности, музыку, которая меняется от поколения к поколению (народный процесс), музыку, связанную с народным творчеством. фольклор , или музыка, исполняемая по обычаю на протяжении длительного периода времени. Его контрастировали с коммерческим и классическим стилями . Этот термин возник в 19 веке, но народная музыка выходит за рамки этого.

Starting in the mid-20th century, a new form of popular folk music evolved from traditional folk music. This process and period is called the (second) folk revival and reached a zenith in the 1960s. This form of music is sometimes called contemporary folk music or folk revival music to distinguish it from earlier folk forms. Подобные возрождения меньшего размера происходили и в других частях мира в другое время, но термин «фолк-музыка» обычно не применяется к новой музыке, созданной во время этих возрождений. К этому типу фолк-музыки также относятся такие жанры фьюжн, как фолк-рок , фолк-метал и другие. Хотя современная народная музыка - это жанр, обычно отличающийся от традиционной народной музыки, в американском английском она носит то же название и часто имеет тех же исполнителей и места проведения, что и традиционная народная музыка.

Traditional folk music

Traditional folk music
Stylistic origins	Traditional music
Cultural origins	Individual nations or regions
Derivative forms	Popular music Contemporary music
Subgenres
Contemporary folk music (Western) Contemporary folk music (non-Western) (complete list)
Fusion genres
Folk metal Folk rock Neofolk Anti-folk Skiffle
Other topics
Roots revival World music (term)

Definition

The terms folk music, folk song, and folk dance are comparatively recent expressions. They are extensions of the term folklore, which was coined in 1846 by the English antiquarian William Thoms to describe "the traditions, customs, and superstitions of the uncultured classes". The term further derives from the German expression Volk, in the sense of "the people as a whole" as applied to popular and national music by Johann Gottfried Herder and the German Romantics over half a century earlier. Though it is understood that folk music is the music of the people, observers find a more precise definition to be elusive. Some do not even agree that the term folk music should be used. Folk music may tend to have certain characteristics but it cannot clearly be differentiated in purely musical terms. One meaning often given is that of "old songs, with no known composers," another is that of music that has been submitted to an evolutionary "process of oral transmission... the fashioning and re-fashioning of the music by the community that give it its folk character."

Such definitions depend upon "(cultural) processes rather than abstract musical types...", upon "continuity and oral transmission...seen as characterizing one side of a cultural dichotomy, the other side of which is found not only in the lower layers of feudal, capitalist and some oriental societies but also in 'primitive' societies and in parts of 'popular cultures'". One widely used definition is simply "Folk music is what the people sing."

For Scholes, as well as for Cecil Sharp and Béla Bartók, there was a sense of the music of the country as distinct from that of the town. Folk music was already, "...seen as the authentic expression of a way of life now past or about to disappear (or in some cases, to be preserved or somehow revived)," particularly in "a community uninfluenced by art music" and by commercial and printed song. Lloyd rejected this in favor of a simple distinction of economic class yet for him, true folk music was, in Charles Seeger's words, "associated with a lower class" in culturally and socially stratified societies. In these terms, folk music may be seen as part of a "schema comprising four musical types: 'primitive' or 'tribal'; 'elite' or 'art'; 'folk'; and 'popular'."

Music in this genre is also often called traditional music. Although the term is usually only descriptive, in some cases people use it as the name of a genre. For example, the Grammy Award previously used the terms "traditional music" and "traditional folk" for folk music that is not contemporary folk music. Folk music may include most indigenous music.

Characteristics

Viljandi Folk Music Festival held annually within the castle ruins in Viljandi, Estonia.

From a historical perspective, traditional folk music had these characteristics:

• It was transmitted through an oral tradition. Before the 20th century, ordinary people were usually illiterate; they acquired songs by memorizing them. Primarily, this was not mediated by books or recorded or transmitted media. Singers may extend their repertoire using broadsheets or song books, but these secondary enhancements are of the same character as the primary songs experienced in the flesh.
• The music was often related to national culture. It was culturally particular; from a particular region or culture. In the context of an immigrant group, folk music acquires an extra dimension for social cohesion. It is particularly conspicuous in immigrant societies, where Greek Australians, Somali Americans, Punjabi Canadians, and others strive to emphasize their cultural identity. They learn songs and dances that originate in the countries their grandparents came from.
• They commemorate historical and personal events. On certain days of the year, including such holidays as Christmas, Easter, and May Day, particular songs celebrate the yearly cycle. Birthdays, weddings, and funerals may also be noted with songs, dances and special costumes. Religious festivals often have a folk music component. Choral music at these events brings children and non-professional singers to participate in a public arena, giving an emotional bonding that is unrelated to the aesthetic qualities of the music.
• The songs have been performed, by custom, over a long period of time, usually several generations.

As a side-effect, the following characteristics are sometimes present:

• There is no copyright on the songs. Hundreds of folk songs from the 19th century have known authors but have continued in oral tradition to the point where they are considered traditional for purposes of music publishing. This has become much less frequent since the 1940s. Today, almost every folk song that is recorded is credited with an arranger.
• Fusion of cultures: Because cultures interact and change over time, traditional songs evolving over time may incorporate and reflect influences from disparate cultures. The relevant factors may include instrumentation, tunings, voicings, phrasing, subject matter, and even production methods.

Tune

In folk music, a tune is a short instrumental piece, a melody, often with repeating sections, and usually played a number of times. A collection of tunes with structural similarities is known as a tune-family. America's Musical Landscape says "the most common form for tunes in folk music is AABB, also known as binary form."

In some traditions, tunes may be strung together in medleys or "sets."

Origins

Indians always distinguished between classical and folk music, though in the past even classical Indian music used to rely on the unwritten transmission of repertoire.

Indian Nepali folk musician Navneet Aditya Waiba

Throughout most of human prehistory and history, listening to recorded music was not possible. Music was made by common people during both their work and leisure, as well as during religious activities. The work of economic production was often manual and communal. Manual labor often included singing by the workers, which served several practical purposes. It reduced the boredom of repetitive tasks, it kept the rhythm during synchronized pushes and pulls, and it set the pace of many activities such as planting, weeding, reaping, threshing, weaving, and milling. In leisure time, singing and playing musical instruments were common forms of entertainment and history-telling—even more common than today when electrically enabled technologies and widespread literacy make other forms of entertainment and information-sharing competitive.

Some believe that folk music originated as art music that was changed and probably debased by oral transmission while reflecting the character of the society that produced it. In many societies, especially preliterate ones, the cultural transmission of folk music requires learning by ear, although notation has evolved in some cultures. Different cultures may have different notions concerning a division between "folk" music on the one hand and of "art" and "court" music on the other. In the proliferation of popular music genres, some traditional folk music became also referred to as "World music" or "Roots music".

The English term "folklore", to describe traditional folk music and dance, entered the vocabulary of many continental European nations, each of which had its folk-song collectors and revivalists. The distinction between "authentic" folk and national and popular song in general has always been loose, particularly in America and Germany – for example, popular songwriters such as Stephen Foster could be termed "folk" in America. The International Folk Music Council definition allows that the term can also apply to music that, "...has originated with an individual composer and has subsequently been absorbed into the unwritten, living tradition of a community. But the term does not cover a song, dance, or tune that has been taken over ready-made and remains unchanged."

The post–World War II folk revival in America and in Britain started a new genre, Contemporary Folk Music, and brought an additional meaning to the term "folk music": newly composed songs, fixed in form and by known authors, which imitated some form of traditional music. The popularity of "contemporary folk" recordings caused the appearance of the category "Folk" in the Grammy Awards of 1959; in 1970 the term was dropped in favor of "Best Ethnic or Traditional Recording (including Traditional Blues)", while 1987 brought a distinction between "Best Traditional Folk Recording" and "Best Contemporary Folk Recording". After that, they had a "Traditional music" category that subsequently evolved into others. The term "folk", by the start of the 21st century, could cover singer-songwriters, such as Donovan from Scotland and American Bob Dylan, who emerged in the 1960s and much more. This completed a process to where "folk music" no longer meant only traditional folk music.

Subject matter

Armenian traditional musicians

Assyrians playing a zurna and a davul, instruments typically used for Assyrian folk music and dance.

Traditional folk music often includes sung words, although folk instrumental music occurs commonly in dance music traditions. Narrative verse looms large in the traditional folk music of many cultures. This encompasses such forms as traditional epic poetry, much of which was meant originally for oral performance, sometimes accompanied by instruments. Many epic poems of various cultures were pieced together from shorter pieces of traditional narrative verse, which explains their episodic structure, repetitive elements, and their frequent in medias res plot developments. Other forms of traditional narrative verse relate the outcomes of battles or lament tragedies or natural disasters.

Sometimes, as in the triumphant Song of Deborah found in the Biblical Book of Judges, these songs celebrate victory. Laments for lost battles and wars, and the lives lost in them, are equally prominent in many traditions; these laments keep alive the cause for which the battle was fought. The narratives of traditional songs often also remember folk heroes such as John Henry or Robin Hood. Some traditional song narratives recall supernatural events or mysterious deaths.

Hymns and other forms of religious music are often of traditional and unknown origin. Western musical notation was originally created to preserve the lines of Gregorian chant, which before its invention was taught as an oral tradition in monastic communities. Traditional songs such as Green grow the rushes, O present religious lore in a mnemonic form, as do Western Christmas carols and similar traditional songs.

Work songs frequently feature call and response structures and are designed to enable the laborers who sing them to coordinate their efforts in accordance with the rhythms of the songs. They are frequently, but not invariably, composed. In the American armed forces, a lively oral tradition preserves jody calls ("Duckworth chants") which are sung while soldiers are on the march. Professional sailors made similar use of a large body of sea shanties. Love poetry, often of a tragic or regretful nature, prominently figures in many folk traditions. Nursery rhymes, children’s songs and nonsense verse used to amuse or quiet children also are frequent subjects of traditional songs.

Folk song transformations and variations

See also: List of folk music traditions

Korean traditional musicians

Music transmitted by word of mouth through a community, in time, develops many variants, since this transmission cannot produce word-for-word and note-for-note accuracy. In addition, folk singers may choose to modify the songs they hear.

For example, around 1970 the song Mullā Mohammed Jān spread from Herat to the rest of Afghanistan, and Iran where it was recorded. Due to its repetitive refrain and the predictability of the second half of each verse, it allowed for both its popularization, and for each singer to create their own version of the song without being overly-concerned for a melody or restrictive poetic rhythm.

Because variants proliferate naturally, there is generally no "authoritative" version of song. Researchers in traditional songs have encountered countless versions of the Barbara Allen ballad throughout the English-speaking world, and these versions often differ greatly from each other. The original is not known; many versions can lay an equal claim to authenticity.

Influential folklorist Cecil Sharp felt that these competing variants of a traditional song would undergo a process of improvement akin to biological natural selection: only those new variants that were the most appealing to ordinary singers would be picked up by others and transmitted onward in time. Thus, over time we would expect each traditional song to become more aesthetically appealing, due to incremental community improvement.

Literary interest in the popular ballad form dates back at least to Thomas Percy and William Wordsworth. English Elizabethan and Stuart composers had often evolved their music from folk themes, the classical suite was based upon stylised folk-dances, and Joseph Haydn's use of folk melodies is noted. But the emergence of the term "folk" coincided with an "outburst of national feeling all over Europe" that was particularly strong at the edges of Europe, where national identity was most asserted. Nationalist composers emerged in Central Europe, Russia, Scandinavia, Spain and Britain: the music of Dvořák, Smetana, Grieg, Rimsky-Korsakov, Brahms, Liszt, de Falla, Wagner, Sibelius, Vaughan Williams, Bartók, and many others drew upon folk melodies.

Regional forms

Naxi traditional musicians

The Steinegger brothers, traditional fifers of Grundlsee, Styria, 1880

While the loss of traditional folk music in the face of the rise of popular music is a worldwide phenomenon, it is not one occurring at a uniform rate throughout the world. The process is most advanced "where industrialization and commercialisation of culture are most advanced" but also occurs more gradually even in settings of lower technological advancement. However, the loss of traditional music is slowed in nations or regions where traditional folk music is a badge of cultural or national identity.

Early folk music, fieldwork and scholarship

Much of what is known about folk music prior to the development of audio recording technology in the 19th century comes from fieldwork and writings of scholars, collectors and proponents.

19th-century Europe

Starting in the 19th century, academics and amateur scholars, taking note of the musical traditions being lost, initiated various efforts to preserve the music of the people. One such effort was the collection by Francis James Child in the late 19th century of the texts of over three hundred ballads in the English and Scots traditions (called the Child Ballads), some of which predated the 16th century.

Contemporaneously with Child, the Reverend Sabine Baring-Gould and later Cecil Sharp worked to preserve a great body of English rural traditional song, music and dance, under the aegis of what became and remains the English Folk Dance and Song Society (EFDSS). Sharp campaigned with some success to have English traditional songs (in his own heavily edited and expurgated versions) to be taught to school children in hopes of reviving and prolonging the popularity of those songs. Throughout the 1960s and early to mid-1970s, American scholar Bertrand Harris Bronson published an exhaustive four-volume collection of the then-known variations of both the texts and tunes associated with what came to be known as the Child Canon. He also advanced some significant theories concerning the workings of oral-aural tradition.

Similar activity was also under way in other countries. One of the most extensive was perhaps the work done in Riga by Krisjanis Barons, who between the years 1894 and 1915 published six volumes that included the texts of 217,996 Latvian folk songs, the Latvju dainas. In Norway the work of collectors such as Ludvig Mathias Lindeman was extensively used by Edvard Grieg in his Lyric Pieces for piano and in other works, which became immensely popular.

Around this time, composers of classical music developed a strong interest in collecting traditional songs, and a number of composers carried out their own field work on traditional music. These included Percy Grainger and Ralph Vaughan Williams in England and Béla Bartók in Hungary. These composers, like many of their predecessors, both made arrangements of folk songs and incorporated traditional material into original classical compositions.

North America

Locations in Southern and Central Appalachia visited by the British folklorist Cecil Sharp in 1916 (blue), 1917 (green), and 1918 (red). Sharp sought "old world" English and Scottish ballads passed down to the region's inhabitants from their British ancestors. He collected hundreds of such ballads, the most productive areas being the Blue Ridge Mountains of North Carolina and the Cumberland Mountains of Kentucky.

The advent of audio recording technology provided folklorists with a revolutionary tool to preserve vanishing musical forms. The earliest American folk music scholars were with the American Folklore Society (AFS), which emerged in the late 1800s. Their studies expanded to include Native American music, but still treated folk music as a historical item preserved in isolated societies as well. In North America, during the 1930s and 1940s, the Library of Congress worked through the offices of traditional music collectors Robert Winslow Gordon, Alan Lomax and others to capture as much North American field material as possible. John Lomax (the father of Alan Lomax) was the first prominent scholar to study distinctly American folk music such as that of cowboys and southern blacks. His first major published work was in 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads. and was arguably the most prominent US folk music scholar of his time, notably during the beginnings of the folk music revival in the 1930s and early 1940s. Cecil Sharp also worked in America, recording the traditional songs of the Appalachian Mountains in 1916–1918 in collaboration with Maud Karpeles and Olive Dame Campbell and is considered the first major scholar covering American folk music. Campbell and Sharp are represented under other names by actors in the modern movie Songcatcher.

One strong theme amongst folk scholars in the early decades of the 20th century was regionalism, the analysis of the diversity of folk music (and related cultures) based on regions of the US rather than based on a given song's historical roots. Later, a dynamic of class and circumstances was added to this. The most prominent regionalists were literary figures with a particular interest in folklore. Carl Sandburg often traveled the U.S. as a writer and a poet. He also collected songs in his travels and, in 1927, published them in the book The American Songbag. Rachel Donaldson, a historian who worked for Vanderbilt, later stated this about The American Songbird in her analysis of the folk music revival. "In his collections of folk songs, Sandburg added a class dynamic to popular understandings of American folk music. This was the final element of the foundation upon which the early folk music revivalists constructed their own view of Americanism. Sandburg's working-class Americans joined with the ethnically, racially, and regionally diverse citizens that other scholars, public intellectuals, and folklorists celebrated their own definitions of the American folk, definitions that the folk revivalists used in constructing their own understanding of American folk music, and an overarching American identity".

Prior to the 1930s, the study of folk music was primarily the province of scholars and collectors. The 1930s saw the beginnings of larger scale themes, commonalities, and linkages in folk music developing in the populace and practitioners as well, often related to the Great Depression. Regionalism and cultural pluralism grew as influences and themes. During this time folk music began to become enmeshed with political and social activism themes and movements. Two related developments were the U.S. Communist Party's interest in folk music as a way to reach and influence Americans, and politically active prominent folk musicians and scholars seeing communism as a possible better system, through the lens of the Great Depression. Woody Guthrie exemplifies songwriters and artists with such an outlook.

Folk music festivals proliferated during the 1930s. President Franklin Roosevelt was a fan of folk music, hosted folk concerts at the White House, and often patronized folk festivals. One prominent festival was Sarah Gertrude Knott's National Folk Festival, established in St. Louis, Missouri in 1934. Under the sponsorship of the Washington Post, the festival was held in Washington, DC at Constitution Hall from 1937 to 1942. The folk music movement, festivals, and the wartime effort were seen as forces for social goods such as democracy, cultural pluralism, and the removal of culture and race-based barriers.

The American folk music revivalists of the 1930s approached folk music in different ways. Three primary schools of thought emerged: "Traditionalists" (e.g. Sarah Gertrude Knott and John Lomax) emphasized the preservation of songs as artifacts of deceased cultures. "Functional" folklorists (e.g. Botkin and Alan Lomax) maintained that songs only retain relevance when used by those cultures which retain the traditions which birthed those songs. "Left-wing" folk revivalists (e.g. Charles Seeger and Lawrence Gellert) emphasized music's role "in 'people's' struggles for social and political rights". By the end of the 1930s these and others had turned American folk music into a social movement.

Sometimes folk musicians became scholars and advocates themselves. For example, Jean Ritchie (1922–2015) was the youngest child of a large family from Viper, Kentucky that had preserved many of the old Appalachian traditional songs. Ritchie, living in a time when the Appalachians had opened up to outside influence, was university educated and ultimately moved to New York City, where she made a number of classic recordings of the family repertoire and published an important compilation of these songs.

In January 2012, the American Folklife Center at the Library of Congress, with the Association for Cultural Equity, announced that they would release Lomax's vast archive of 1946 and later recording in digital form. Lomax spent the last 20 years of his life working on an Interactive Multimedia educational computer project he called the Global Jukebox, which included 5,000 hours of sound recordings, 400,000 feet of film, 3,000 videotapes, and 5,000 photographs. As of March 2012, this has been accomplished. Approximately 17,400 of Lomax's recordings from 1946 and later have been made available free online. This material from Alan Lomax's independent archive, begun in 1946, which has been digitized and offered by the Association for Cultural Equity, is "distinct from the thousands of earlier recordings on acetate and aluminum discs he made from 1933 to 1942 under the auspices of the Library of Congress. This earlier collection—which includes the famous Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly, and Muddy Waters sessions, as well as Lomax's prodigious collections made in Haiti and Eastern Kentucky (1937) — is the provenance of the American Folklife Center" at the library of Congress.

National and regional forms

Africa

Main article: Music of Africa

The African lamellophone, thumb piano or mbira

Africa is a vast continent and its regions and nations have distinct musical traditions. The music of North Africa for the most part has a different history from Sub-Saharan African music traditions.

The music and dance forms of the African diaspora, including African American music and many Caribbean genres like soca, calypso and Zouk; and Latin American music genres like the samba, Cuban rumba, salsa; and other clave (rhythm)-based genres, were founded to varying degrees on the music of enslaved Africans, which has in turn influenced African popular music.

Asia

See also: Tamang Selo, Iranian folk music, Indian folk music, and Korean folk music

Paban Das Baul, baul singer at Nine Lives concert, 2009

Many Asian civilizations distinguish between art/court/classical styles and "folk" music. For example, the late Alam Lohar is an example of a South Asian singer who was classified as a folk singer.

Khunung Eshei/Khuland Eshei is an ancient folk song from India, a country of Asia, of Meiteis of Manipur, that is an example of Asian folk music, and how they put it into its own genre.

Folk music of China

Further information: Music of China § Folk music, Shijing, and Yuefu

Archaeological discoveries date Chinese folk music back 7000 years; it is largely based on the pentatonic scale.

Han traditional weddings and funerals usually include a form of oboe called a suona, and apercussive ensembles called a chuigushou. Ensembles consisting of mouth organs (sheng), shawms (suona), flutes (dizi) and percussion instruments (especially yunluo gongs) are popular in northern villages; their music is descended from the imperial temple music of Beijing, Xi'an, Wutai shan and Tianjin. Xi'an drum music, consisting of wind and percussive instruments, is popular around Xi'an, and has received some commercial popularity outside of China. Another important instrument is the sheng, a type of Chinese pipe, an ancient instrument that is ancestor of all Western free reed instruments, such as the accordion. Parades led by Western-type brass bands are common, often competing in volume with a shawm/chuigushou band.

In southern Fujian and Taiwan, Nanyin or Nanguan is a genre of traditional ballads. They are sung by a woman accompanied by a xiao and a pipa, as well as other traditional instruments. The music is generally sorrowful and typically deals with love-stricken people. Further south, in Shantou, Hakka and Chaozhou, zheng ensembles are popular. Sizhu ensembles use flutes and bowed or plucked string instruments to make harmonious and melodious music that has become popular in the West among some listeners. These are popular in Nanjing and Hangzhou, as well as elsewhere along the southern Yangtze area. Jiangnan Sizhu (silk and bamboo music from Jiangnan) is a style of instrumental music, often played by amateur musicians in tea houses in Shanghai. Guangdong Music or Cantonese Music is instrumental music from Guangzhou and surrounding areas. The music from this region influenced Yueju (Cantonese Opera) music, which would later grow popular during the self-described "Golden Age" of China under the PRC.

Folk songs have been recorded since ancient times in China. The term Yuefu was used for a broad range of songs such as ballads, laments, folk songs, love songs, and songs performed at court. China is a vast country, with a multiplicity of linguistic and geographic regions. Folk songs are categorized by geographic region, language type, ethnicity, social function (e.g. work song, ritual song, courting song) and musical type. Modern anthologies collected by Chinese folklorists distinguish between traditional songs, revolutionary songs, and newly-invented songs. The songs of northwest China are known as "flower songs" (hua'er), a reference to beautiful women, while in the past they were notorious for their erotic content. The village "mountain songs" (shan'ge) of Jiangsu province were also well-known for their amorous themes. Other regional song traditions include the "strummed lyrics" (tanci) of the Lower Yangtze Delta, the Cantonese Wooden Fish tradition (muyu or muk-yu) and the Drum Songs (guci) of north China.

In the twenty-first century many cherished Chinese folk songs have been inscribed in the UNESCO Representative List of the Intangible Cultural Heritage of Humanity. In the process, songs once seen as vulgar are now being reconstructed as romantic courtship songs. Regional song competitions, popular in many communities, have promoted professional folk singing as a career, with some individual folk singers having gained national prominence.

Traditional folk music of Sri Lanka

Main article: Music of Sri Lanka

The art, music and dance of Sri Lanka derive from the elements of nature, and have been enjoyed and developed in the Buddhist environment. The music is of several types and uses only a few types of instruments. The folk songs and poems were used in social gatherings to work together. The Indian influenced classical music has grown to be unique. The traditional drama, music and songs of Sinhala Light Music are typically Sri Lankan.The temple paintings and carvings feature birds, elephants, wild animals, flowers, and trees, and the Traditional 18 Dances display the dancing of birds and animals. For example:

• Mayura Wannama – The dance of the peacock
• Hanuma Wannama – The dance of the monkey
• Gajaga Wannama – The dance of the elephant

Musical types include:

• Local drama music includes Kolam and Nadagam types. Kolam music is based on low country tunes primarily to accompany mask dance in exorcism rituals. It is considered less developed/evolved, true to the folk tradition and a preserving of a more ancient artform. It is limited to approximately 3–4 notes and is used by the ordinary people for pleasure and entertainment.
• Nadagam music is a more developed form of drama influenced from South Indian street drama which was introduced by some south Indian artists. Phillippu Singho from Negombo in 1824 performed "Harishchandra Nadagama" in Hnguranketha which was originally written in the Telingu language. Later "Maname", "Sanda kinduru" and others were introduced. Don Bastian of Dehiwala introduced Noorthy firstly by looking at Indian dramas and then John de Silva developed it as did Ramayanaya in 1886.
• Sinhala light music is currently the most popular type of music in Sri Lanka and enriched with the influence of folk music, kolam music, nadagam music, noorthy music, film music, classical music, Western music, and others. Some artists visited India to learn music and later started introducing light music. Ananda Samarakone was the pioneer of this and also composed the national anthem.

The classical Sinhalese orchestra consists of five categories of instruments, but among the percussion instruments, the drum is essential for dance.The vibrant beat of the rhythm of the drums form the basic of the dance. The dancers' feet bounce off the floor and they leap and swirl in patterns that reflect the complex rhythms of the drum beat. This drum beat may seem simple on the first hearing but it takes a long time to master the intricate rhythms and variations, which the drummer sometimes can bring to a crescendo of intensity. There are six common types of drums falling within 3 styles (one-faced, two-faced, and flat-faced):

• The typical Sinhala Dance is identified as the Kandyan dance and the Gatabera drum is indispensable to this dance.
• Yak-bera is the demon drum or the drum used in low country dance in which the dancers wear masks and perform devil dancing, which has become a highly developed form of art.
• The Daula is a barrel-shaped drum, and it was used as a companion drum with a Thammattama in the past, to keep strict time with the beat.
• The Thammattama is a flat, two-faced drum. The drummer strikes the drum on the two surfaces on top with sticks, unlike the others where you drum on the sides. This is a companion drum to the aforementioned Dawula.
• A small double-headed hand drum is used to accompany songs. It is primarily heard in the poetry dances like vannam.
• The Rabana is a flat-faced circular drum and comes in several sizes. The large Rabana - called the Banku Rabana - has to be placed on the floor like a circular short-legged table and several people (traditionally women) can sit around it and beat on it with both hands. This is used in festivals such as the Sinhalese New Year and ceremonies such as weddings. The resounding beat of the Rabana symbolizes the joyous moods of the occasion. The small Rabana is a form of mobile drum beat since the player carries it wherever the person goes.

Other instruments include:

• The Thalampata – 2 small cymbals joined by a string.
• The wind section, is dominated by an instrument akin to the clarinet. This is not normally used for dances. This is important to note because the Sinhalese dance is not set to music as the western world knows it; rhythm is king.
• The flutes of metal such as silver & brass produce shrill music to accompany Kandyan Dances, while the plaintive strains of music of the reed flute may pierce the air in devil-dancing. The conch-shell (Hakgediya) is another form of a natural instrument, and the player blows it to announce the opening of ceremonies of grandeur.
• The Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron or ravana hasta veena) is a bowed fiddle that was once popular in Western India. It is believed to have originated among the Hela civilisation of Sri Lanka in the time of King Ravana. The bowl is made of cut coconut shell, the mouth of which is covered with goat hide. A dandi, made of bamboo, is attached to this shell. The principal strings are two: one of steel and the other of a set of horsehair. The long bow has jingle bells

Australia

See also: Australian folk music and Indigenous music of Australia

Indigenous Australian music includes the music of Aboriginal Australians and Torres Strait Islanders, who are collectively called Indigenous Australians; it incorporates a variety of distinctive traditional music styles practiced by Indigenous Australian peoples, as well as a range of contemporary musical styles of and fusion with European traditions as interpreted and performed by indigenous Australian artists. Music has formed an integral part of the social, cultural and ceremonial observances of these peoples, down through the millennia of their individual and collective histories to the present day. The traditional forms include many aspects of performance and musical instruments unique to particular regions or Indigenous Australian groups. Equal elements of musical tradition are common through much of the Australian continent, and even beyond. The culture of the Torres Strait Islanders is related to that of adjacent parts of New Guinea and so their music is also related. Music is a vital part of Indigenous Australians' cultural maintenance.

Folk song traditions were taken to Australia by early settlers from England, Scotland and Ireland and gained particular foothold in the rural outback. The rhyming songs, poems and tales written in the form of bush ballads often relate to the itinerant and rebellious spirit of Australia in The Bush, and the authors and performers are often referred to as bush bards. The 19th century was the golden age of bush ballads. Several collectors have catalogued the songs including John Meredith whose recording in the 1950s became the basis of the collection in the National Library of Australia.

The songs tell personal stories of life in the wide open country of Australia. Typical subjects include mining, raising and droving cattle, sheep shearing, wanderings, war stories, the 1891 Australian shearers' strike, class conflicts between the landless working class and the squatters (landowners), and outlaws such as Ned Kelly, as well as love interests and more modern fare such as trucking. The most famous bush ballad is "Waltzing Matilda", which has been called "the unofficial national anthem of Australia".

Europe

See also: English folk music, French folk music, German folk music, Greek folk music, Italian folk music, and Music of Spain

Battlefield Band performing in Freiburg in 2012

Celtic traditional music

See also: Folk music of Ireland and Folk music of Scotland

Celtic music is a term used by artists, record companies, music stores and music magazines to describe a broad grouping of musical genres that evolved out of the folk musical traditions of the Celtic peoples. These traditions include Irish, Scottish, Manx, Cornish, Welsh, and Breton traditions. Asturian and Galician music is often included, though there is no significant research showing that this has any close musical relationship. Brittany's Folk revival began in the 1950s with the "bagadoù" and the "kan-ha-diskan" before growing to world fame through Alan Stivell's work since the mid-1960s.

In Ireland, The Clancy Brothers and Tommy Makem (although its members were all Irish-born, the group became famous while based in New York's Greenwich Village), The Dubliners, Clannad, Planxty, The Chieftains, The Pogues, The Corrs, The Irish Rovers, and a variety of other folk bands have done much over the past few decades to revitalise and re-popularise Irish traditional music. These bands were rooted, to a greater or lesser extent, in a tradition of Irish music and benefited from the efforts of artists such as Seamus Ennis and Peter Kennedy.

In Scotland, The Corries, Silly Wizard, Capercaillie, Runrig, Jackie Leven, Julie Fowlis, Karine Polwart, Alasdair Roberts, Dick Gaughan, Wolfstone, Boys of the Lough, and The Silencers have kept Scottish folk vibrant and fresh by mixing traditional Scottish and Gaelic folk songs with more contemporary genres. These artists have also been commercially successful in continental Europe and North America. There is an emerging wealth of talent in the Scottish traditional music scene, with bands such as Mànran, Skipinnish, Barluath and Breabach and solo artists such as Patsy Reid, Robyn Stapleton and Mischa MacPherson gaining a lot of success in recent years.

Central and Eastern Europe

See also: Music of Belarus, Hungarian folk music, Music of Moldova, Russian folk music, Ukrainian folk music, Music of Slovenia, and Czech folklore

During the Eastern Bloc era, national folk dancing was actively promoted by the state. Dance troupes from Russia and Poland toured non-communist Europe from about 1937 to 1990. The Red Army Choir recorded many albums, becoming the most popular military band. Eastern Europe is also the origin of the Jewish Klezmer tradition.

Duration: 2 minutes and 4 seconds.2:04

Ľubomír Párička playing bagpipes, Slovakia

The polka is a central European dance and also a genre of dance music familiar throughout Europe and the Americas. It originated in the middle of the 19th century in Bohemia. Polka is still a popular genre of folk music in many European countries and is performed by folk artists in Poland, Latvia, Lithuania, Czech Republic, Netherlands, Croatia, Slovenia, Germany, Hungary, Austria, Switzerland, Italy, Ukraine, Belarus, Russia and Slovakia. Local varieties of this dance are also found in the Nordic countries, United Kingdom, Republic of Ireland, Latin America (especially Mexico), and in the United States.

German Volkslieder perpetuated by Liederhandschriften manuscripts like Carmina Burana date back to medieval Minnesang and Meistersinger traditions. Those folk songs revived in the late 18th century period of German Romanticism, first promoted by Johann Gottfried Herder and other advocates of the Enlightenment, later compiled by Achim von Arnim and Clemens Brentano (Des Knaben Wunderhorn) as well as by Ludwig Uhland.

The Volksmusik and folk dances genre, especially in the Alpine regions of Bavaria, Austria, Switzerland (Kuhreihen) and South Tyrol, up to today has lingered in rustic communities against the backdrop of industrialisation—Low German shanties or the Wienerlied (Schrammelmusik) being notable exceptions. Slovene folk music in Upper Carniola and Styria also originated from the Alpine traditions, like the prolific Lojze Slak Ensemble. Traditional Volksmusik is not to be confused with commercial Volkstümliche Musik, which is a derivation of that.

The Hungarian group Muzsikás played numerous American tours and participated in the Hollywood movie The English Patient while the singer Márta Sebestyén worked with the band Deep Forest. The Hungarian táncház movement, started in the 1970s, involves strong cooperation between musicology experts and enthusiastic amateurs. However, traditional Hungarian folk music and folk culture barely survived in some rural areas of Hungary, and it has also begun to disappear among the ethnic Hungarians in Transylvania. The táncház movement revived broader folk traditions of music, dance, and costume together and created a new kind of music club. The movement spread to ethnic Hungarian communities elsewhere in the world.

Balkan music

Main article: Balkan music

See also: Balkan folk music and Romani music

The Mystery of the Bulgarian Voices

Balkan folk music was influenced by the mingling of Balkan ethnic groups in the period of the Ottoman Empire. It comprises the music of Bosnia and Herzegovina, Bulgaria, Croatia, Greece, Montenegro, Serbia, Romania, North Macedonia, Albania, some of the historical states of Yugoslavia or Serbia and Montenegro and geographical regions such as Thrace. Some music is characterised by complex rhythm.

A notable act is the Mystery of the Bulgarian Voices, which won the Grammy Award for Best Traditional Folk Recording at the 32nd annual ceremony.

An important part of the whole Balkan folk music is the music of the local Romani ethnic minority, which is called tallava and brass band music.

Nordic folk music

Latvian men's folk ensemble Vilki, performing at the festival of Baltic crafts and warfare Apuolė 854 in Apuolė, August 2009

Main article: Nordic folk music

See also: Traditional Nordic dance music, Joik, Nyckelharpa, and Baltic psaltery

Nordic folk music includes a number of traditions in Northern European, especially Scandinavian, countries. The Nordic countries are generally taken to include Iceland, Norway, Finland, Sweden, Denmark and Greenland. Sometimes it is taken to include the Baltic countries of Estonia, Latvia and Lithuania.

Maria Gasolina performing at 2008 Faces Festival in Raseborg, Finland

The many regions of the Nordic countries share certain traditions, many of which have diverged significantly, like Psalmodicon of Denmark, Sweden, and Norway. It is possible to group together the Baltic states (or, sometimes, only Estonia) and parts of northwest Russia as sharing cultural similarities, although the relationship has gone cold in recent years. Contrast with Norway, Sweden, Denmark and the Atlantic islands of Iceland and the Faroe Islands, which share virtually no similarities of that kind. Greenland's Inuit culture has its own unique musical traditions. Finland shares many cultural similarities with both the Baltic nations and the Scandinavian nations. The Sami of Sweden, Norway, Finland and Russia have their own unique culture, with ties to the neighboring cultures.

Swedish folk music is a genre of music based largely on folkloric collection work that began in the early 19th century in Sweden. The primary instrument of Swedish folk music is the fiddle. Another common instrument, unique to Swedish traditions, is the nyckelharpa. Most Swedish instrumental folk music is dance music; the signature music and dance form within Swedish folk music is the polska. Vocal and instrumental traditions in Sweden have tended to share tunes historically, though they have been performed separately. Beginning with the folk music revival of the 1970s, vocalists and instrumentalists have also begun to perform together in folk music ensembles.

Latin America

See also: Andean music, Cueca, and Nueva canción

The folk music of the Americas consists of the encounter and union of three main musical types: European traditional music, traditional music of the American natives, and tribal African music that arrived with slaves from that continent.

The particular case of Latin and South American music points to Andean music among other native musical styles (such as Caribbean and pampean), Iberian music of Spain and Portugal, and generally speaking African tribal music, the three of which fused together evolving in differentiated musical forms in Central and South America.

Andean music comes from the region of the Quechuas, Aymaras, and other peoples that inhabit the general area of the Inca Empire prior to European contact. It includes folklore music of parts of Bolivia, Ecuador, Chile, Colombia, Peru and Venezuela. Andean music is popular to different degrees across Latin America, having its core public in rural areas and among indigenous populations. The Nueva Canción movement of the 1970s revived the genre across Latin America and brought it to places where it was unknown or forgotten.

Nueva canción (Spanish for 'new song') is a movement and genre within Latin American and Iberian folk music, folk-inspired music, and socially committed music. In some respects its development and role is similar to the second folk music revival in North America. This includes evolution of this new genre from traditional folk music, essentially contemporary folk music except that that English genre term is not commonly applied to it. Nueva cancion is recognized as having played a powerful role in the social upheavals in Portugal, Spain and Latin America during the 1970s and 1980s.

Nueva cancion впервые появился в 1960-х годах как «Новая чилийская песня» в Чили. Вскоре после этого этот музыкальный стиль появился в Испании и некоторых регионах Латинской Америки, где он стал известен под похожими названиями. Nueva canción обновила традиционную латиноамериканскую народную музыку, и благодаря своим политическим текстам она вскоре стала ассоциироваться с революционными движениями, латиноамериканскими новыми левыми , теологией освобождения , хиппи и движениями за права человека. Он приобрел бы большую популярность во всей Латинской Америке и считается предшественником испанского рока .

Куэка — это семейство музыкальных стилей и связанных с ними танцев из Чили, Боливии и Перу .

Трова и Сон — это стили традиционной кубинской музыки, зародившиеся в провинции Ориенте и включающие в себя влияние испанских песен и танцев, таких как болеро и контраданса , а также афро-кубинские ритмы и элементы ударных инструментов.

Moda de viola — название бразильской народной музыки. Его часто исполняют на 6-струнной нейлоновой акустической гитаре, но самым традиционным инструментом является альт кайпира . В песнях в основном подробно описаны трудности жизни тех, кто работает в деревне. Темы обычно связаны с землей, животными, фольклором, невозможной любовью и разлукой. Хотя есть и оптимистичные песни, большинство из них ностальгические и меланхоличные.

Северная Америка

Канада

Франко-канадские лесорубы играют на скрипке с ударными палками в лесном лагере в 1943 году.

Основная статья: музыка канадских культур

Смотрите также: канадская народная музыка , Музыка Канады и французско-канадская музыка.

Традиционная народная музыка Канады особенно разнообразна. Даже до либерализации иммиграционного законодательства в 1960-х годах Канада была этнически разнообразной, и в ней присутствовали десятки различных групп коренных народов и европейцев. Что касается музыки, ученые говорят не о канадской традиции, а скорее об этнических традициях ( акадская музыка , ирландско-канадская музыка , музыка черноногих , музыка инну , музыка инуитов , скрипка метисов и т. д.), а позже и в региональных традициях Восточной Канады ( Музыка Ньюфаундленда , игра на скрипке Кейп-Бретона , музыка Квебека и т. д.)

Традиционная народная музыка европейского происхождения присутствовала в Канаде с момента прибытия первых французских и британских поселенцев в 16 и 17 веках... Они ловили рыбу в прибрежных водах и обрабатывали берега того, что впоследствии стало Ньюфаундлендом, Новой Шотландией, Нью-Брансуиком. , остров Принца Эдуарда и долина реки Святого Лаврентия в Квебеке.

Торговля мехом и ее путешественники продвинулись дальше на север и запад, в Канаду; позже лесозаготовительные работы и лесорубы продолжили этот процесс.

Аграрные поселения в восточном и южном Онтарио и западном Квебеке в начале 19 века создали благоприятную среду для выживания многих англо-канадских народных песен и баллад из Великобритании и США. Несмотря на массовую индустриализацию, традиции народной музыки сохранились во многих регионах и по сей день. На севере Онтарио большое франко-онтарианское население сохранило народную музыку французского происхождения.

Многочисленные акадские общины в атлантических провинциях внесли свои варианты песен в огромный корпус народной музыки французского происхождения, сосредоточенный в провинции Квебек. Богатый источник англо-канадской народной музыки можно найти в Атлантическом регионе, особенно на Ньюфаундленде. Завершают эту мозаику музыкального фольклора гэльская музыка шотландских поселений, особенно в Кейп-Бретоне, и сотни ирландских песен, присутствие которых в восточной Канаде датируется ирландским голодом 1840-х годов, который вызвал массовую миграцию ирландцев в Северную Америку.

«Знание истории Канады , — писала Изабель Миллс в 1974 году, — необходимо для понимания мозаики канадской народной песни. Частично эту мозаику составляют народные песни Канады, привезенные европейскими и англосаксонскими поселенцами на новые территории». земля." Она описывает, как французская колония в Квебеке привела к себе французских иммигрантов, за которыми вскоре последовали волны иммигрантов из Великобритании, Германии и других европейских стран, приносивших музыку со своей родины, некоторые из которых сохранились до наших дней. Этнограф и фольклорист Мариус Барбо подсчитал, что в Канаде было собрано более десяти тысяч французских народных песен и их вариантов. Многие из старых к тому времени вымерли во Франции.

Музыка как профессиональное платное развлечение относительно медленно развивалась в Канаде, особенно в отдаленных сельских районах, в течение 19 и начала 20 веков. В то время как в городских музыкальных клубах стали популярны танцевальные залы и водевили , а затем джаз, сельская Канада оставалась в основном страной традиционной музыки. Тем не менее, когда в 1920-х и 1930-х годах американские радиосети начали вещание на Канаду, аудитория канадской традиционной музыки постепенно сокращалась в пользу американской кантри-музыки в стиле Нэшвилла и городских стилей, таких как джаз. Американизация (CBC) в 1936 году . канадской музыки побудила Канадскую радиолигу лоббировать создание национальной общественной телерадиовещательной компании в 1930-х годах, что в конечном итоге привело к созданию Канадской радиовещательной корпорации CBC продвигала канадскую музыку, включая традиционную музыку, на своем радио. и позже телевизионные услуги, но увлечение середины века всем «современным» привело к упадку народной музыки по сравнению с роком и поп-музыкой. Однако на Канаду повлияло возрождение народной музыки 1960-х годов, когда местные площадки, такие как Монреальская народная мастерская и другие фольклорные клубы и кофейни по всей стране, стали горнилом для начинающих авторов песен и исполнителей, а также для обмена опытом с артистами, приезжавшими из за границей.

Соединенные Штаты

Смотрите также: американская народная музыка

Американскую традиционную музыку также называют музыкой корней. Музыка Roots - это широкая категория музыки, включающая мятлик , кантри , госпел , старинную музыку , джам-бэнды , аппалачский фолк , блюз , каджунскую музыку и музыку коренных американцев . Музыка считается американской либо потому, что она является родной для Соединенных Штатов, либо потому, что она развилась там, заимствовав иностранное происхождение, до такой степени, что показалась музыковедам чем-то совершенно новым. Ее считают «музыкой корней», поскольку она послужила основой музыки, позже развитой в Соединенных Штатах, включая рок-н-ролл , современную народную музыку, ритм-н-блюз и джаз . Некоторые из этих жанров считаются традиционной народной музыкой.

• Музыка Каджун , символическая музыка Луизианы , уходит корнями в баллады франкоязычных академиков Канады. Каджунская музыка часто упоминается в тандеме с креольской формой каджунской культуры с влиянием зидеко , обе из которых имеют акадианское происхождение. Эти звуки французской Луизианы на протяжении многих десятилетий влияли на американскую популярную музыку , особенно на музыку кантри , а также на поп-культуру через средства массовой информации, такие как телевизионная реклама.
• Аппалачская музыка — традиционная музыка региона Аппалачи на востоке США. Он происходит от различных европейских и африканских влияний, включая английские баллады , ирландскую и шотландскую традиционную музыку (особенно музыку для скрипки ), гимны и афро-американский блюз . Впервые записанные в 1920-х годах, музыканты Аппалачей оказали ключевое влияние на раннее развитие старинной музыки , музыки кантри и мятлика , а также были важной частью возрождения американской народной музыки . Инструменты, обычно используемые для исполнения музыки Аппалачей, включают банджо , американскую скрипку , резные цимбалы и гитару. Среди ранних записанных музыкантов из Аппалачей - Фиддлин Джон Карсон , Генри Уиттер , Баском Ламар Лансфорд , Семья Картер , Кларенс Эшли , Фрэнк Проффитт и Док Боггс , все из которых были первоначально записаны в 1920-х и 1930-х годах. Несколько аппалачских музыкантов получили известность во время народного возрождения 1950-х и 1960-х годов, в том числе Джин Ричи , Роско Холкомб , Ола Белль Рид , Лили Мэй Ледфорд и Док Уотсон . Исполнители кантри и мятлика, такие как Лоретта Линн , Рой Акафф , Долли Партон , Эрл Скраггс , Чет Аткинс и Дон Рино , находились под сильным влиянием традиционной музыки Аппалачей. Такие артисты, как Боб Дилан , Дэйв Ван Ронк , Джерри Гарсия и Брюс Спрингстин , исполнили песни Аппалачей или переписали версии песен Аппалачей.
• The Carter Family — традиционная американская фолк-музыкальная группа, которая записывалась между 1927 и 1956 годами. Их музыка оказала глубокое влияние на музыкантов мятлика , кантри , южного госпела , поп- и рок-музыкантов. Они были первой вокальной группой, ставшей звездами кантри; начало отделения музыки кантри от традиционной народной музыки. Их записи таких песен, как « Wabash Cannonball » (1932), « Will the Circle Be Unbroken » (1935), « Wildwood Flower » (1928) и « Keep On the Sunny Side » (1928), сделали их стандартами страны.
• Оклахома и равнины юга США: до письменной истории американские индейцы в этой области использовали песни и инструменты; музыка и танцы остаются основой церемониальной и общественной деятельности. « Топот-танец » остается по своей сути формой вызова и ответа ; Инструментарий представляет собой погремушки или кандалы, надеваемые на ноги женщин. «У других юго-восточных народов есть свои собственные комплексы священных и социальных песен, в том числе песни для танцев животных и танцев дружбы, а также песни, сопровождающие игры в мяч . Центральное место в музыке южных равнинных индейцев занимает барабан, который называют сердцебиением Музыка равнинных индейцев по большей части восходит к охоте и войне, на которых основывалась культура равнин». Барабан занимает центральное место в музыке индейцев южных равнин. В период резервации они использовали музыку, чтобы развеять скуку. Соседи собирались, обменивались песнями и танцами; это часть корней современного межплеменного пау-вау . Еще одним распространенным инструментом является флейта для ухаживания .
• Афро-американская народная музыка в этом районе уходит корнями в рабство и эмансипацию. Духовная музыка — а капелла и в инструментальном сопровождении — лежит в основе традиции. Ранние спиричуэлс формировали христианские верования в рамках местных обычаев и находились под сильным влиянием музыки и ритмов Африки». Спиритуалы занимают видное место и часто используют модель призыва и ответа. Евангелие . возникло после Гражданской войны (1861–1865). Оно во многом опиралось на библейский текст, а использование метафор и образов было обычным явлением. Евангелие — это «радостный шум», иногда сопровождаемый инструментами и почти всегда акцентированный хлопаньем в ладоши, постукиванием пальцев ног и движением тела». « Пение на шейп-ноте, или пение на священной арфе обучали церковным песням в сельских общинах. пению способ , с помощью которого странствующие инструкторы по , возникло в начале 19 века как форма с ее высотой звука. Пение священной арфы стало популярным во многих сельских общинах Оклахомы, независимо от этнической принадлежности». Позже развилась блюзовая традиция, имеющая корни и параллели с духовной музыкой. Затем развился джаз, рожденный из «смесь рэгтайма, госпела и блюза».
• Англо-шотландско-ирландские музыкальные традиции получили распространение в Оклахоме после земельного пробега 1889 года . Из-за своего размера и портативности скрипка была основой ранней англоязычной музыки Оклахомы, но позже были добавлены и другие инструменты, такие как гитара, мандолина , банджо и стальная гитара . Различные музыкальные традиции Оклахомы берут свое начало на Британских островах, включая ковбойские баллады , вестерн-свинг , а также современные кантри и вестерн ». Мексиканские иммигранты начали приезжать в Оклахому в 1870-х годах, привозя красивые кансионы и корридо с собой любовные песни, вальсы и баллады. Как и в общинах американских индейцев, каждый обряд посвящения в латиноамериканских общинах сопровождается традиционной музыкой. Акустическая гитара, струнный бас и скрипка являются основными инструментами мексиканской музыки, а маракасы , флейта, валторны или иногда аккордеон дополняют звук. Другие европейцы (например, богемцы и немцы) поселились в конце 19 века. Их общественная деятельность была сосредоточена в общественных залах, «где местные музыканты играли польки и вальсы на аккордеоне, фортепиано и духовых инструментах ». Позже в музыкальный микс внесли свой вклад азиаты. «Древние музыкальные и танцевальные традиции из храмов и дворов Китая , Индии и Индонезии сохраняются в азиатских общинах по всему штату, а популярные песенные жанры постоянно наслаиваются на эти формы классической музыки»

Возрождение народной музыки

Основная статья: Возрождение корней

«Она самовоспроизводящаяся, регенерирующая. Это то, что можно назвать вечной американской песней. Я не думаю, что она нуждается в возрождении, реанимации. Она живет и процветает. Но это будет продолжаться, с ними или без них. Народная песня сильнее всего, что звучит на радио, чем все, что выходит... Это та дистилляция голосов, которая продолжается долгое-долгое время, и вот что. делает их сильными».

— Кетч Секор

«Возрождение народной музыки» относится либо к периоду возобновления интереса к традиционной народной музыке, либо к событию или периоду, которые ее трансформируют; последнее обычно включает компонент социальной активности. Ярким примером первого является британское народное возрождение примерно 1890–1920 годов. Наиболее ярким и влиятельным примером последнего (в той степени, в которой его обычно называют « возрождением народной музыки») является народное возрождение середины 20-го века, сосредоточенное в англоязычном мире, которое породило современную народную музыку. см. в статье « Современная народная музыка Описание этого возрождения ».

Одно более раннее возрождение повлияло на западную классическую музыку. Такие композиторы, как Перси Грейнджер , Ральф Воан Уильямс и Бела Барток, делали полевые записи или транскрипции народных певцов и музыкантов.

В Испании Исаак Альбенис (1860–1909) написал фортепианные произведения, отражающие его испанское наследие, в том числе Сюиту «Иберия» (1906–1909). Энрике Гранадос (1867–1918) сочинил сарсуэлу , испанскую легкую оперу, и Danzas Españolas – Испанские танцы. Мануэль де Фалья (1876–1946) заинтересовался cante jondo андалузского фламенко , влияние которого сильно ощущается во многих его произведениях, в том числе « Ночи в садах Испании» и «Siete canciones Populares españolas» («Семь испанских народных песен»). ", для голоса и фортепиано). Такие композиторы, как Фернандо Сор и Франсиско Таррега, сделали гитару национальным инструментом Испании. Современные испанские народные артисты изобилуют ( Миль и Мария , Русский Красный и др.), модернизируясь, уважая при этом традиции своих предков.

Популярность фламенко росла в течение 20-го века, как и северные стили, такие как кельтская музыка Галисии . Французские композиторы-классики, от Бизе до Равеля , также опирались на испанские темы, и отличительные испанские жанры стали общепризнанными.

Возрождение народной музыки или возрождение корней также охватывает ряд явлений во всем мире, где возобновился интерес к традиционной музыке. Часто это делается молодежью, часто в традиционной музыке своей страны и часто включает новое включение социального сознания, причин и развития новой музыки в том же стиле. Nueva canción , аналогичная эволюция новой формы социально ориентированной музыки произошла в нескольких испаноязычных странах.

Современная народная музыка

Основные статьи: Современная народная музыка и современная народная музыка (по всему миру)

Фестивали

Основная статья: Список народных праздников

Соединенные Штаты

Иногда утверждают, что первым фестивалем народной музыки в США был Фестиваль горных танцев и фольклора. 1928, в Эшвилле, Северная Каролина , основана Баском Ламаром Лансфордом . Национальный фольклорный фестиваль (США) — странствующий фольклорный фестиваль в США. С 1934 года им управляет Национальный совет традиционных искусств (NCTA) и он представлен в 26 общинах по всей стране. Покинув некоторые из этих сообществ, Национальный фольклорный фестиваль породил несколько местных фольклорных фестивалей, в том числе фольклорный фестиваль Лоуэлла . фольклорный фестиваль в Ричмонде, Американский фольклорный фестиваль и совсем недавно Фольклорный фестиваль в Монтане.

— Фольклорный фестиваль в Ньюпорте ежегодный фольклорный фестиваль, проводимый недалеко от Ньюпорта, штат Род-Айленд. Он проходил большую часть лет с 1959 по 1970 год и с 1985 года по настоящее время, его посещали около 10 000 человек каждый год.

Четырехдневный фольклорный фестиваль в Филадельфии начался в 1962 году. Его спонсирует некоммерческое Общество народных песен Филадельфии. В мероприятии примут участие современные и традиционные артисты в таких жанрах, как World/Fusion, Celtic, Singer-Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer и Dance. Он проводится ежегодно в третьи выходные августа. В настоящее время мероприятие собирает около 12 000 посетителей, представляющих группы на 6 сценах.

Праздник Луны Охотников в Индиане ежегодно привлекает около 60 000 посетителей.

Великобритания

Сидмутский фестиваль начался в 1954 году. и Кембриджский фольклорный фестиваль начался в 1965 году. Кембриджский фольклорный фестиваль в Кембридже , Англия, известен очень широким определением того, кого можно пригласить в качестве народных музыкантов. «Клубные палатки» позволяют посетителям открыть для себя большое количество неизвестных художников, которые в течение десяти или 15 минут каждый представляют свои работы фестивальной публике.

Австралия

Национальный фольклорный фестиваль — главный фольклорный фестиваль Австралии, в котором принимают участие более 50 000 человек. и Фольклорный фестиваль в Вудфорде фольклорный фестиваль в Порт-Фейри также входят в число крупнейших крупных ежегодных мероприятий Австралии, привлекая ведущих международных исполнителей народной музыки, а также многих местных артистов.

Канада

Стэн Роджерс является постоянным участником канадского фольклорного фестиваля Summerfolk , который ежегодно проводится в Оуэн-Саунд, Онтарио , где главная сцена и амфитеатр названы «Мемориальным навесом Стэна Роджерса». Фестиваль прочно укоренился в традициях: песню Роджерса « Мэри Эллен Картер » поют все участники, включая публику, и попурри из выступлений на фестивале. Кэнморский фестиваль народной музыки — старейший фестиваль народной музыки в Альберте.

Другой

Urkult Näsåker, Онгерманланд, который проводится каждый год в августе, предположительно является крупнейшим фестивалем мировой музыки в Швеции.

См. также

• Современная народная музыка
• Антология американской народной музыки
• Премия канадской народной музыки
• Кантри-музыка
• Народный процесс
• Список традиций классической и художественной музыки
• Список народных фестивалей
• Индекс народных песен Роуд
• The Voice of the People Антология британских народных песен

Ссылки

Источники

Эти источники цитируются выше с несколькими сокращенными ссылками в разных местах.

• Дональдсон, Рэйчел Клэр, 2011 г. Музыка для народа: возрождение народной музыки и американская идентичность, 1930–1970 гг ., Докторская диссертация, Университет Вандербильта, май 2011 г., Нэшвилл, Теннесси.
• Гиллиланд, Джон (1969). «Blowin' in the Wind: Pop открывает для себя народную музыку» (аудио) . Поп-хроники . Библиотеки Университета Северного Техаса .

Дальнейшее чтение

(не включает те, которые используются в качестве ссылок)

• Баярд, Сэмюэл П. (1950). «Пролегомены к исследованию основных мелодических семейств британско-американской народной песни». Журнал американского фольклора . 63 (247): 1–44. дои : 10.2307/537347 . JSTOR   537347 . Перепечатано в Макаллестере, Дэвид Парк (редактор) (1971) Чтения по этномузыкологии, Нью-Йорк: Переиздание Джонсона. ОСЛК   2780256
• Бирман, CJ (2000). «Кем были эти люди? Демография народных певцов Сомерсета Сесила Шарпа». Исторический журнал . 43 (3): 751–75. дои : 10.1017/s0018246x99001338 . JSTOR   3020977 . S2CID   162191258 .
• Бевил, Джек Маршалл (1984). Центонизация и согласование в народной песенной мелодии южных возвышенностей Америки: исследование музыкальных генеративных и передаточных процессов устной традиции . Докторская диссертация, Университет Северного Техаса, Анн-Арбор: Международный университет микрофильмов. ОСЛК   12903203
• Бевил, Дж. Маршалл (1986). «Масштаб народной песни Южных Аппалачей: пересмотр» . Музыкальный симпозиум колледжа . 26 : 77–91. JSTOR   40373824 .
• Бевил, Джек Маршалл (1987). «Парадигма сохранения и изменения народных мелодий в устной традиции сообщества Южных Аппалачей, 1916–1986». Неопубликовано. Прочтите на Национальном съезде Американского музыковедческого общества в 1987 году в Новом Орлеане.
• Бронсон, Бертран Харрис. Баллада как песня (Беркли: Калифорнийский университет Press , 1969).
• Бронсон, Бертран Харрис. Певческая традиция детских популярных баллад (Принстон: Princeton University Press, 1976).
• Бронсон, Бертран Харрис. Традиционные мелодии детских баллад с их текстами, согласно дошедшим до нас записям Великобритании и Северной Америки , 4 тома (Принстон и Беркли: Princeton University и University of California Press, 1959, и далее).
• Картрайт, Гарт (2005). Принцы среди мужчин: путешествия с цыганскими музыкантами . Лондон: Змеиный Хвост. ISBN   978-1-85242-877-8
• Карсон, Кьяран (1997). Развлечение прошлой ночью: во времени и вне времени с ирландской музыкой . Норт Пойнт Пресс. ISBN   978-0-86547-515-1
• Коул, Росс. Народ: музыка, модернизм и политическое воображение . Беркли: Калифорнийский университет Press, 2021. 275. ISBN   978-0520383746 .
• Кули, Тимоти Дж. Создание музыки в польских Татрах: туристы, этнографы и горные музыканты . Издательство Индианского университета, 2005 г. (Твердый переплет и компакт-диск). ISBN   978-0-253-34489-2
• Каудери, Джеймс Р. (1990). Мелодическая традиция Ирландии . Кент, Огайо: Издательство Кентского государственного университета. ISBN   978-0-87338-407-0
• Чекановская, Анна. Польская народная музыка: славянское наследие – польские традиции – современные тенденции . Кембриджские исследования по этномузыкологии, переиздание 2006 г. (мягкая обложка). ISBN   978-0-521-02797-7
• Фарсани, Мохсен (2003) Плач среди кочевников-бахтиаров Ирана . Париж: Университет Новой Сорбонны.
• Харкер, Дэвид (1985). Фальшивая песня: производство британской «народной песни» с 1700 года по настоящее время . Милтон Кейнс [Бакингемшир]; Филадельфия: Издательство Открытого университета. ISBN   978-0-335-15066-3
• Джексон, Джордж Пуллен (1933). Белые спиритуалы на южных возвышенностях: история народа Фасола, их песни, пения и «гречневые записки» . Чапел-Хилл: Издательство Университета Северной Каролины. LCCN   33-3792 OCLC   885331 Перепечатано Kessinger Publishing (2008 г.) ISBN   978-1-4366-9044-7
• Мэтьюз, Скотт (6 августа 2008 г.). «Джон Коэн в Восточном Кентукки: документальное выражение и образ Роско Холкомба во время народного возрождения» . Южные просторы . 2008 год . дои : 10.18737/M74W3W .
• Карпелес, Мод. Знакомство с английской народной песней . 1973. Оксфорд. Издательство Оксфордского университета.
• Нельсон, Дэвид Тейлор (2012) «Бела Барток: отец этномузыкологии», Musical Offers : vol. 3: нет. 2, статья 2. Бела Барток: отец этномузыкологии
• Пегг, Кэрол (2001). «Народная музыка». Словарь музыки и музыкантов New Grove под редакцией Стэнли Сэди и Джона Тиррелла. Лондон: Макмиллан.
• Поладиан, Сирварт (1951). «Мелодический контур в традиционной музыке». Журнал Международного совета народной музыки . 3 :30–35. дои : 10.2307/835769 . JSTOR   835769 .
• Поладиан, Сирварт (1942). «Проблема мелодической вариации в народной песне». Журнал американского фольклора . 55 (218): 204–11. дои : 10.2307/535862 . JSTOR   535862 .
• Руксби, Рикки, доктор Вик Гаммон и др. Народный справочник . (2007). Бэкбит
• Сорс Келлер, Марчелло (2014) «Что может быть старым и что может быть новым в« народной музыке »», в книге Томаса Нуссбаумера (ред.), « Новое в народной музыке в Альпах ». Инсбрук: Издательство Университета Вагнера, 2014.
• Волшебник Келлер, Марчелло (1984). «Проблема классификации в исследованиях народных песен: краткая история». Фольклор . 95 (1): 100–04. дои : 10.1080/0015587x.1984.9716300 . JSTOR 1259763
• Шарп, Сесил. Народная песня: некоторые выводы . 1907. Книги Чарльза Ривера.
• Шарп, Сесил Английские народные песни Южных Аппалачей . Собрано Сесилом Дж. Шарпом. Эд. Мод Карпелес. 1932 год. Лондон. Издательство Оксфордского университета .
• Уоррен-Финдли, Джаннель (1980). «Журнал полевого представителя: Чарльз Сигер и Маргарет Валиант». Этномузыкология . 24 (2): 169–210. дои : 10.2307/851111 . JSTOR   851111 .
• ван дер Мерве, Питер (1989). Истоки популярного стиля: предшественники популярной музыки двадцатого века . Оксфорд: Кларендон Пресс. ISBN   978-0-19-316121-4 .

Внешние ссылки

• Международный фольклорный альянс Известная фольклорная музыкальная организация
• Энциклопедия исполнительских искусств: Каталог традиционной музыки и устной речи , Библиотека Конгресса
• Индекс традиционных баллад: Аннотированная библиография народных песен англоязычного мира. Архивировано 5 февраля 2023 года в Wayback Machine , Университет штата Калифорния, Фресно.
• Коллекция цифровой народной музыки Бена Грея Лампкина Музыкальная библиотека Говарда Б. Вальца, Университет Колорадо, Боулдер
• Бесплатные партитуры народной музыки в Хоровой публичной библиотеке (ChoralWiki)
• Короткометражный фильм «To Hear Your Banjo Play (1947)» доступен для бесплатного просмотра и скачивания в Интернет-архиве .
• Проект «Традиционная музыка в Англии», раздел «Мировая и традиционная музыка» в звуковом архиве Британской библиотеки. Архивировано 3 января 2011 г. в Wayback Machine.
• Народный файл: Народный словарь Билла Марквика (1945–2017) - музыкальные определения и краткие биографии американских и британских фолк-музыкантов и групп. Проверено 21 сентября 2017 г.