История анимации

История анимации раннюю , которая является методом создания движущихся картинок, имеет историю и современную историю, начиная с 1888 года с появления целлулоидного фильма . Основное внимание в этой статье «История анимации» после 1888 года.

В период с 1895 по 1920 год во время роста кинематографической промышленности несколько различных методов анимации были повторно внедрены или вновь разработаны, включая остановку с объектами, марионетками, глиной или вырезами , а также нарисованной или окрашенной анимацией. Анимация, нарисованная вручную, в основном анимация, нарисованная на CELS , была доминирующей техникой на протяжении большей части 20-го века и стала известна как традиционная анимация .

Сегодня компьютерная анимация является доминирующей техникой анимации в большинстве регионов (в то время как нарисованная вручную анимация продолжает оставаться очень популярной во всем мире; например, японские аниме и европейские постановки, нарисованные вручную). Компьютерная анимация в основном связана с трехмерным внешним видом с подробным затенением, хотя было создано много разных стилей анимации с помощью компьютеров. Некоторые постановки могут быть признаны как флэш-анимация , но на практике компьютерная анимация с относительно двумерным внешним видом, Stark Outlings и небольшим количеством затенения, как правило, считается «традиционной анимацией». Например, первый функциональный фильм, снятый на компьютерах, без камеры, - это спасатели в Down Under (1990), но его стиль вряд ли можно отличить от анимации CEL .

Влияние предшественников

Анимационные фильмы являются частью древних традиций в рассказывании историй , изобразительного искусства и театра . Популярные методы с движущимися изображениями перед пленкой включают в себя Shadow Play , Mechanical Slides и мобильные проекторы в Magic Fantern шоу (особенно Phantasmagoria ). Методы с причудливыми трехмерными движущимися фигурами включают маски и костюмы , кукол и автоматы . Иллюстрированные детские книги , карикатура , политические мультфильмы и особенно комические полоски тесно связаны с анимацией, с большим влиянием на визуальные стили и типы юмора.

Технические принципы современной анимации основаны на стробоскопической иллюзии движения, которая была введена в 1833 году с стробоскопическими дисками (более известными как фенакистископ ). Эти анимированные диски со в среднем около 8-16 изображений обычно были разработаны как бесконечные петли (как и многие анимации GIF ), для домашнего использования в качестве ручной «философской игрушки» . Хотя несколько пионеров надеялись, что это может быть применено к более длинным сценам для театрального использования, на протяжении всего 19 -го века дальнейшее развитие техники в основном сосредоточено на комбинациях со стереоскопом (представленным в 1838 году) и фотографии (представленная в 1839 году). Прорыв кинематографии частично зависел от новизны техники, которая могла записывать и воспроизводить реальность в жизненных кинофильмах. В течение первых лет рисование анимированных картинок казалось архаичной техникой в сравнении, пока некоторые артисты не произвели популярные и влиятельные анимационные шорты и продюсеры, не приняли дешевые методы, чтобы превратить популярные комиксы в анимированные мультфильмы.

1888–1909: самые ранние анимации в фильме

Pauvre Pierrot (1892)

Оптический театр

Чарльз-Эмил Рейно разработал свой проекционный праксиноскоп в оптике с прозрачными красочными картинками вручную в длинной перфорированной полосовой ране между двумя катушками, запатентованными в декабре 1888 года. С 28 октября 1892 года Reynaud дала более 12 800 шоу до общего числа. Более 500 000 посетителей в Музее Гревин в Париже. В его серии анимационных фильмов в пантомимах Lumineuses было 300-700 кадров, манипулируемых взад -вперед, до 10-15 минут на фильм. Фоновая сцена была проецирована отдельно. Пианино -музыка, песня и некоторые диалог были проведены вживую вживую, в то время как некоторые звуковые эффекты были синхронизированы с помощью электромагнита. Первая программа включала три мультфильма: Павр Пьерро (созданный в 1892 году), ООН Бон Бок (созданный в 1892 году, теперь потерянный) и Le Clown et Ses Chiens (созданный в 1892 году, теперь потерянный). Позже в названиях Autour D'Une Cabine (созданные в 1894 году) и Rêve Au Coin Du Feu (созданный в 1894 году) будут частью выступлений.

Стандартная картинная пленка

Несмотря на успех фильмов Рейно, потребовалось некоторое время, прежде чем анимация была адаптирована в киноиндустрии, кинематографического введения Люмьера после появилась фильма которая . Это несколько напоминает анимацию, в том числе нарисованные реквизиты или окрашенные существа, которые были перемещены перед окрашенным фоном (в основном с использованием проводов), и раскращение пленки вручную. Méliès также популяризировал трюк Stop , с одним изменением, внесенным на сцену между выстрелами, которые уже использовались в Эдисона Томаса исполнении Мэри Стюарт в 1895 году и, вероятно, привели к развитию анимации Stop-Motion несколько лет спустя Полем ^{[ 1 ]} Похоже, он продолжался до 1906 года, прежде чем в кинотеатрах появились надлежащие анимационные фильмы. Датирование некоторых предполагаемых более ранних фильмов с анимацией оспаривается, в то время как другие ранние фильмы, которые могли использовать остановку движения или другие методы анимации, потеряны или неопознаны, и, таким образом, не могут быть проверены.

Печатный анимационный фильм

Katsudō Shashin (1907)

К 1897 году у немецкого производителя игрушек Гебрюдер Бинг был первый прототип их игрушки «кинематограф», ^{[ 2 ]} который они в конечном итоге представили на игрушечной конвенции в Лейпциге в ноябре 1898 года. Вскоре после этого другие производители игрушек в Германии и Франции, включая Эрнст Планк, Жорж Каретт и Лапьер, начали продавать аналогичные устройства. Игрушечные кинематографии были в основном традиционными игрушечными магическими фонарями, адаптированными с одной или двумя небольшими катушками, которые использовали 35 -миллиметровую пленку «Эдисон -перфорация», рукоятка и затвор. Эти проекторы были предназначены для того же типа «домашних развлечений», что большинство производителей уже предоставили праксиноскопами и магическими фонарями. Помимо относительно дорогих фильмов в прямом эфире, производители сняли много более дешевых фильмов, печатая литографические рисунки. Эти анимации, вероятно, были сделаны черно-белыми примерно с 1898 или 1899 года, но, как и последнее, к 1902 году они были сделаны в цвете. Картинки часто проследили из живых действий (очень похожа на более позднюю технику ротоскопирования ). Эти очень короткие фильмы, как правило, изображали простое повторяющееся действие, и большинство из них были разработаны, чтобы спроектироваться как петля - бесконечно играя с заканчиваниями фильма. Литографический процесс и формат петли следуют традиции, которая была установлена стробоскопическим диском, Зотроп и праксиноскоп . ^{[ 3 ]}^{[ 4 ]}

Katsudō Shashin (между 1907 и 1912 годами), предположительно, является самой старой работой анимации в Японии , вероятно, была сделана в подражании аналогичным пленку с западными печатными фильмами. ^{[ 5 ]}

Дж. Стюарт Блэктон

Зачарованный рисунок (1900)

Дж. Стюарт Блэктон был британским американским режиссером, соучредителем Studios Vitagraph и одним из первых, кто использовал анимацию в своих фильмах. Его зачарованный рисунок (1900) можно рассматривать как первый театральный фильм, записанный на стандартном изображении , который включал анимированные элементы, хотя это касается лишь нескольких кадров изменений в рисунках. Это показывает, что Блэктон делает «молнии» лица, сигары, бутылку вина и бокал. Лицо меняет выражение, когда Блэктон выливает вино в рот лица и когда Блэктон берет его сигару. Техника, используемая в этом фильме, была в основном трюком с остановкой : единственным изменением сцены было замена рисунка на аналогичный рисунок с другим выражением лица. В некоторых сценах нарисованная бутылка и стекло были заменены реальными предметами. Блэктон, возможно, использовал ту же технику в потерянном фильме «Молния» 1896 года. ^{[ 1 ]}

1906 года Блэктонский фильм «Юмористические фазы смешных лиц» часто рассматривается как самая старая известная анимация вручную анимацию на стандартном фильме. Он оснащен последовательности, сделанной из чертежей доски, которые изменяются между кадрами, чтобы показать, что два лица меняют выражения и некоторый вздымающийся сигарный дым, а также две последовательности, которые оснащены анимацией выреза с аналогичным видом для более плавного движения.

Александр Ширяев

Александр Ширяев был российским балетным танцором, балетным мастером и хореографом, который служил в театре Мариинского, которому приписывают независимое изобретение анимации остановки. С 1906 по 1909 год создал самые ранние известные анимационные фильмы, снятые в России, с использованием марионеточной анимации, нарисованной анимации и смешанных техник. В то время как некоторые были проведены в качестве экспериментов (например, 20-минутная анимация, показывающая полеты птиц в непрерывной линии), большинство из них были созданы для образовательной цели показать танцорам балета, как должна выглядеть их хореография. Анимация марионеток длиной длиной от чуть более минуты до 10 минут. Фильмы Ширьева были показаны только в театре Мариинского для исполнителей, а не публично, и, как правило, были неизвестны до 2003 года, когда русский документальный документ и историк балета Виктор Бочарова выпустили одночасовую фильма под названием « Запоздалая премьера» , которая включала фрагменты различных фильмов.

Segundo de Chomón

Spanish filmmaker Segundo de Chomón made many trick films for French film company Pathé. By 1906, he used stop motion in several short films, including La maison ensorcelée^[6] and Le théâtre de Bob^[7] (both released in the US in April 1906). Blackton's The Haunted Hotel (23 February 1907)^[8] contains stop motion elements that are very similar to those in La maison ensorcelée. If the release dates are correct (and if translated titles have not been mixed up), Blackton must have been inspired by De Chomón's work rather than vice versa, but it has been believed that The Haunted Hotel was a big hit in France and other European countries, and would have been the film that inspired local filmmakers, including Émile Cohl, to start working with the innovative animation technique.^[1] De Chomon also made the related short film Hôtel électrique (1908), which includes a short scene with pixilation.

Émile Cohl

Fantasmagorie (1908)

In 1907, the French artist Émile Cohl started his filmmaking career with Japon de faintasie,^[9] with imaginative use of stop motion techniques. His next short can be regarded as the first animated film using what came to be known as traditional animation methods: the 1908 Fantasmagorie.^[10] The film largely consists of a stick figure moving about and encountering all manner of morphing objects, such as a wine bottle that transforms into a flower. There are also sections of live action where the animator's hands enters the scene. The film was created by drawing each frame on paper and then shooting each frame onto negative film, which gave the picture a blackboard look. Cohl later went to Fort Lee, New Jersey near New York City in 1912, where he worked for French studio Éclair and spread its animation technique to the US.

1910s: From original artists to "assembly-line" production studios

During the 1910s larger-scale animation studios began to come into being. From then onwards, solo artists faded from the public eye.^[11] The first known professional female animator, Bessie Mae Kelley, began her career in 1917.^[12]

Winsor McCay

Gertie the Dinosaur (1914)

Starting with a short 1911 film of his most popular character Little Nemo, successful newspaper cartoonist Winsor McCay gave much more detail to his hand-drawn animations than any animation previously seen in cinemas. His 1914 film Gertie the Dinosaur featured an early example of character development in drawn animation.^[13] It was also the first film to combine live-action footage with animation. Originally, McCay used the film in his vaudeville act: he would stand next to the screen and speak to Gertie who would respond with a series of gestures. At the end of the film McCay would walk behind the projection screen, seamlessly being replaced with a prerecorded image of himself entering the screen, getting on the cartoon dinosaur's back and riding out of frame.^[14]^[15] McCay personally hand-drew almost every one of the thousands of drawings for his films.^[11] Other noteworthy titles by McCay are How a Mosquito Operates (1912) and The Sinking of the Lusitania (1918).

Cartoon Film Company – Buxton and Dyer

Between 1915 and 1916 Dudley Buxton, and Anson Dyer produced a series of 26 topical cartoons, during WWI, utilising mainly cutout animation, released as the John Bull's animated sketchbook,^[16] The episodes included the shelling of Scarborough by German battleships,^[17] and The Sinking of the Lusitania, No.4 (June 1915).^[18]

Barré Studio

Around 1913 Raoul Barré developed the peg system that made it easier to align drawings by perforating two holes below each drawing and placing them on two fixed pins. He also used a "slash and tear" technique to not have to draw the complete background or other motionless parts for every frame. The parts where something needed to be changed for the next frame were carefully cut away from the drawing and filled in with the required change on the sheet below.^[19] After Barré had started his career in animation at Edison Studios, he founded one of the first film studios dedicated to animation in 1914 (initially together with Bill Nolan). Barré Studio had success with the production of the adaptation of the popular comic strip Mutt and Jeff (1916–1926). The studio employed several animators who would have notable careers in animation, including Frank Moser, Gregory La Cava, Vernon Stallings, Tom Norton and Pat Sullivan.

Bray Productions

In 1914, John Bray opened John Bray Studios, which revolutionized the way animation was created.^[20] Earl Hurd, one of Bray's employees, patented the cel technique.^[21] This involved animating moving objects on transparent celluloid sheets.^[22] Animators photographed the sheets over a stationary background image to generate the sequence of images. This, as well as Bray's innovative use of the assembly-line method, allowed John Bray Studios to create Colonel Heeza Liar, the first animated series.^[23]^[24] Many aspiring cartoonists started their careers at Bray, including Paul Terry (later of Heckle and Jeckle fame), Max Fleischer (later of Betty Boop and Popeye fame), and Walter Lantz (later of Woody Woodpecker fame). The cartoon studio operated from circa 1914 until 1928. Some of the first cartoon stars from the Bray studios were Farmer Alfalfa (by Paul Terry) and Bobby Bumps (by Earl Hurd).

Hearst's International Film Service

Krazy Kat – Bugologist(1916)

Newspaper tycoon William Randolph Hearst founded International Film Service in 1916. Hearst lured away most of Barré Studio's animators, with Gregory La Cava becoming the head of the studio. They produced adaptations of many comic strips from Heart's newspapers in a rather limited fashion, giving just a little motion to the characters while mainly using the dialog balloons to deliver the story. The most notable series is Krazy Kat, probably the first of many anthropomorphic cartoon cat characters and other talking animals. Before the studio stopped in 1918, it had employed some new talents, including Vernon Stallings, Ben Sharpsteen, Jack King, John Foster, Grim Natwick, Burt Gillett and Isadore Klein.

Rotoscoping

In 1915, Max Fleischer applied for a patent (granted in 1917)^[25] for a technique which became known as rotoscoping: the process of using live-action film recordings as a reference point to more easily create realistic animated movements. The technique was often used in the Out of the Inkwell series (1918–1929) for John Bray Productions (and others). The series resulted from experimental rotoscoped images of Dave Fleischer performing as a clown, evolving into a character who became known as Koko the Clown.

Felix the Cat

The 1919 Feline Follies by Pat Sullivan

In 1919, Otto Messmer of Pat Sullivan Studios created Felix the Cat. Pat Sullivan, the studio head took all of the credit for Felix, a common practice in the early days of studio animation.^[26] Felix the Cat was distributed by Paramount Studios and attracted a large audience,^[27] eventually becoming one of the most recognized cartoon characters in film history. Felix was the first cartoon to be merchandised.^{[citation needed]}

Quirino Cristiani: the first animated features

The first known animated feature film was El Apóstol by Quirino Cristiani, released on 9 November 1917 in Argentina. This successful 70-minute satire utilized a cardboard cutout technique, reportedly with 58,000 frames at 14 frames per second. Cristiani's next feature Sin dejar rastros was released in 1918, but it received no press coverage and poor public attendance before it was confiscated by the police for diplomatic reasons.^[28] None of Cristiani's feature films survived.^[28]^[29]^[30]

1920s: Absolute film, synchronized sound and the rise of Disney

A number of key events occurred in the 1920s, including the development of the first animations with synchronized sound, and the founding of the Walt Disney Studio. The decade also saw the first appearance of Mickey Mouse in Steamboat Willie (1928).

Absolute film

In the early 1920s, the absolute film movement with artists such as Walter Ruttmann, Hans Richter, Viking Eggeling and Oskar Fischinger made short abstract animations which proved influential. Although some later abstract animation works by, for instance, Len Lye and Norman McLaren would be widely appreciated, the genre largely remained a relatively obscure avant-garde art form, while direct influences or similar ideas would occasionally pop up in mainstream animation (for instance in Disney's Toccata and Fugue in D Minor in Fantasia (1940) – on which Fischinger originally collaborated until his work was scrapped, and partly inspired by the works of Lye – and in The Dot and the Line (1965) by Chuck Jones).

Early synchronized sound: Song Car-Tunes and Aesop's Sound Fables

My Old Kentucky Home (1926)

From May 1924 to September 1926, Dave and Max Fleischer's Inkwell Studios produced 19 sound cartoons, part of the Song Car-Tunes series, using the Phonofilm "sound-on-film" process. The series also introduced the "bouncing ball" above lyrics to guide audiences to sing along to the music. My Old Kentucky Home from June 1926 was probably the first film to feature a bit of synchronized animated dialogue, with an early version of Bimbo mouthing the words "Follow the ball, and join in, everybody". The Bimbo character was further developed in Fleischer's Talkartoons (1929–1932).

Paul Terry's Dinner Time, from his Aesop's Fables (1921–1936) series, premiered on 1 September 1928 with a synchronized soundtrack with dialogue. Terry was urged to add the novelty against his wishes by the new studio owner Van Beuren. Although the series and its main character Farmer Al Falfa had been popular, audiences were not impressed by this first episode with sound.

Lotte Reiniger

The earliest surviving animated feature film is the 1926 silhouette-animated Die Abenteuer des Prinzen Achmed (Adventures of Prince Achmed), which used colour-tinted film.^[31] It was directed by German Lotte Reiniger and her husband Carl Koch. Walter Ruttmann created visual background effects. French/Hungarian collaborator Berthold Bartosch or Reiniger created depth of field by putting scenographic elements and figures on several levels of glass plates with illumination from below and the camera vertically above. Later on a similar technique became the basis of the multiplane camera.

Early Disney: Laugh-O-Grams, Alice, Oswald and Mickey

Newman Laugh-O-gram

Between 1920 and 1922, cartoonists Walt Disney, Ub Iwerks and Fred Harman worked at the Slide Company (soon renamed as Kansas City Film Ad Company), which produced cutout animation commercials. Disney started experimenting with drawn animation techniques in his parents' garage and managed to sell a series that satirized current local topics to the owner of the three local Newman Theatres as weekly Newman Laugh-O-Grams in 1921. With his short-lived own company Laugh-O-Gram Films, Inc., Disney together with Iwerks, Fred's brother Hugh Harman, Rudolph Ising and Carman Maxwell produced a series of circa seven-minute modernized fairy tale cartoons, inspired by Terry's Aesop's Fables.^[32] The studio went bankrupt in 1923, but had already made the unsold 12-minute film Alice's Wonderland, featuring a live-action girl (Virginia Davis) interacting with numerous cartoon characters, including the Felix-inspired Julius the Cat (who had already appeared in the Laugh-O-Gram fairy tales, without a name). When Disney moved to Hollywood, he managed to close a deal with New York film distributor Margaret J. Winkler, who had just lost the rights to Felix the Cat and Out of the Inkwell. To make the Alice Comedies series (1923–1927), Iwerks also moved to Hollywood, later followed by Ising, Harman, Maxwell and Film Ad colleague Friz Freleng. The series was successful enough to last 57 episodes, but Disney eventually preferred to create a new fully animated series. Oswald the Lucky Rabbit followed in 1927 and became a hit, but after failed negotiations for continuation in 1928, Charles Mintz took direct control of production and Disney lost his character and most of his staff to Mintz.

Steamboat Willie

Disney and Iwerks developed Mickey Mouse in 1928 to replace Oswald. A first film entitled Plane Crazy failed to impress a test audience and did not raise sufficient interest of potential distributors. After some live-action movies with synchronized sound had become successful, Disney put the new Mickey Mouse cartoon The Gallopin' Gaucho on hold to start work on a special sound production which would launch the series more convincingly. Much of the action in the resulting Steamboat Willie (November 1928) involves the making of sounds, for instance with Mickey using livestock aboard the boat as musical instruments. The film became a huge success and Mickey Mouse would soon become the most popular cartoon character in history.

Bosko

Bosko was created in 1927 by Hugh Harman and Rudolf Ising, specifically with talkies in mind. They were still working for Disney at the time, but they left in 1928 to work on the Oswald the Lucky Rabbit cartoons at Universal for about a year, and then produced Bosko, the Talk-Ink Kid pilot in May 1929 to shop for a distributor. They signed with Leon Schlesinger productions and started the Looney Tunes series for Warner Bros. in 1930. Bosko was the star of 39 Warner Bros. cartoons before Harman and Ising took Bosko to MGM after leaving Warner Bros.. After two MGM cartoons, the character received a dramatic make-over that was much less appreciated by audiences. Bosko's career ended in 1938.

1930s: Color, depth, cartoon superstars and Snow White

Redhead Betty Boop in *Color Classic* *Poor Cinderella* (1934)

While the global economy suffered under the Great Depression through the 1930s, animation continued to flourish. Early color processes came into use, along with the use of the multiplane camera. In 1937, Snow White debuted in theatres—the first full-length traditionally animated feature film.

Two-strip color

The multi-colored lithograph technique of the early European animated film loops for home use seems not to have been applied to theatrically release animated films. While the original prints of The Adventures of Prince Achmed featured film tinting, most theatrically released animated films before 1930 were plain black and white. Effective color processes thus were a welcome innovation in Hollywood and seemed especially suitable for cartoons.

A cartoon segment in the feature film King of Jazz (April 1930), made by Walter Lantz and Bill Nolan, was the first animation presented in two-strip Technicolor.

Fiddlesticks, released together with King of Jazz, was the first Flip the Frog film and the first project Ub Iwerks worked on after he had left Disney to set up his studio. In England, the cartoon was released in Harris Color,^[33] a two-color process, probably as the first theatrically released standalone animated cartoon to boast both sound and color.

Disney's Silly Symphonies in Technicolor

When the Silly Symphonies series, started in 1929, was less popular than Disney had hoped, he turned to new technological innovation to improve the impact of the series. In 1932 he worked with the Technicolor company to create the first full-color animation Flowers and Trees, debuting the three-strip technique (the first use in live-action movies came circa two years later). The cartoon was successful and won an Academy Award for Short Subjects, Cartoons.^[34] Disney temporarily had an exclusive deal for the use of Technicolor's full-color technique in animated films. He even waited a while before he produced the ongoing Mickey Mouse series in color, so the Silly Symphonies would have their special appeal to audiences. After the exclusive deal lapsed in September 1935, full-color animation soon became the industry standard.

Silly Symphonies inspired many cartoon series that boasted various other color systems until Technicolor was not exclusive to Disney anymore, including Ub Iwerks' ComiColor Cartoons (1933–1936), Van Beuren Studios' Rainbow Parade (1934–1936), Fleischer's Color Classics (1934–1941), Charles Mintz's Color Rhapsody (1936–1949), MGM's Happy Harmonies (1934–1938) George Pal's Puppetoons (1932–1948), and Walter Lantz's Swing Symphony (1941–1945).

Multiplane cameras and the stereopticon process

Snow White and the Seven Dwarfs (1937) trailer clip with multiplane effects

To create an impression of depth, several techniques were developed. The most common technique was to have characters move between several background or foreground layers that could be moved independently, corresponding to the laws of perspective (e.g. the further away from the camera, the slower the speed).

Lotte Reiniger had already designed a type of multiplane camera for Die Abenteuer des Prinzen Achmed^[35] and her collaborator Berthold Bartosch used a similar setup for his intricately detailed 25-minute film L'Idée (1932).

In 1933, Ub Iwerks developed a multiplane camera and used it for several Willie Whopper (1933–1934) and ComiColor Cartoons episodes.

The Fleischers developed the very different stereopticon process in 1933^[36] for their Color Classics. It was used in the first episode Betty Boop in Poor Cinderella (1934) and most of the following episodes. The process involved three-dimensional sets built and sculpted on a large turntable. The photographed cells were placed within the movable set so that the animated characters would appear to move in front and behind the 3D elements within the scene when the turntable was made to rotate.

Disney employee William Garity developed a multiplane camera that could have up to seven layers of artwork. It was tested in the Academy Award-winning Silly Symphony The Old Mill (1937) and used prominently in Snow White and later features.

New colorful cartoon superstars

After the additions of sound and color were a huge success for Disney, other studios followed. By the end of the decade, almost all the theatrical cartoons were produced in full color.

Initially, music and songs were the focus of many series, as indicated by series titles such as Song Car-Tunes, Silly Symphonies, Merrie Melodies and Looney Tunes, but it was the recognizable characters that stuck with audiences. Mickey Mouse had been the first cartoon superstar who surpassed Felix the Cat's popularity, but soon dozens more cartoon superstars followed, many remaining popular for decades.

Warner Bros. had a vast music library that could be popularized through cartoons based on the available tunes. While Disney needed to create the music for every cartoon, the readily available sheet music and songs at Warner Bros. inspired many cartoons. Leon Schlesinger sold Warner Bros. a second series called Merrie Melodies, which until 1939 contractually needed to contain at least one refrain from the music catalog. Unlike Looney Tunes with Bosko, Merrie Melodies featured only a few recurring characters like Foxy, Piggy and Goopy Geer before Harman and Ising left in 1933. Bosko was replaced with Buddy for the Looney Tunes series, but lasted only two years, while Merrie Melodies initially continued without recurring characters. Eventually, the two series became indistinguishable and produced many new characters that became popular. Animator/director Bob Clampett designed Porky Pig (1935) and Daffy Duck (1937) and was responsible for much of the energetic animation and irreverent humor associated with the series. The 1930s also saw early anonymous incarnations of characters who would later become the superstars Elmer Fudd (1937/1940) and Bugs Bunny (1938/1940). Since 1937, Mel Blanc would perform most of the characters' voices.

Disney introduced new characters to the Mickey Mouse universe who would become very popular, including Minnie Mouse (1928), Pluto (1930), Goofy (1932), and a character who would soon become the public's new favorite: Donald Duck (1934). Disney also realized that the success of animated films depended upon telling emotionally gripping stories; he developed a "story department" where storyboard artists separate from the animators would focus on story development alone, which proved its worth when Disney studio released, in 1933, the first animated short to feature well-developed characters: Three Little Pigs.^[37]^[38]^[39] Disney would keep on expanding his studio and would start more and more production activities, including comics, merchandise, and theme parks. Most projects were based on the characters developed for theatrical short films.

Fleischer Studios introduced an unnamed dog character as Bimbo's girlfriend in Dizzy Dishes (1930), who evolved into the human female Betty Boop (1930–1939) and became Fleischer's best-known creation. In the 1930s they also added Hunky and Spunky (1938) and the popular animated adaptation of Popeye (1933) to their repertoire.

Hays code and Betty Boop

Hays' Motion Picture Production Code for moral guidelines was applied in 1930 and rigidly enforced between 1934 and 1968. It had a big impact on filmmakers who liked to create relatively saucy material. As an infamous example, Betty Boop suffered greatly when she had to be changed from a carefree flapper with an innocent sex appeal into a more wholesome and much tamer character in a fuller dress. Her boyfriend Bimbo's disappearance was probably also the result of the Code's disapproval of mixed-species relationships.

Snow White and the breakthrough of the animated feature

At least eight animated feature films were released before Disney's Snow White and the Seven Dwarfs, while at least another two earlier animated feature projects remained unfinished. Most of these films (of which only four survive) were made using cutout, silhouette or stop-motion techniques. Among the lost animated features were three features by Quirino Cristiani, who had premiered his third feature Peludópolis on 18 September 1931 in Buenos Aires^[40] with a Vitaphone sound-on-disc synchronized soundtrack. It was received quite positively by critics, but did not become a hit and was an economic fiasco for the filmmaker. Cristiani soon realized that he could no longer make a career with animation in Argentina.^[28] Only Academy Award Review of Walt Disney Cartoons—also by Disney—was hand-drawn. It was released seven months before Snow White to promote that movie's upcoming release. ^{[citation needed]} Many do not consider the Review a genuine feature film, because it is a package film and lasts only 41 minutes. It does meet the official definitions of a feature film by the British Film Institute, the Academy of Motion Picture Arts and Sciences, and the American Film Institute, which require that the film has to be over 40 minutes long.

When it became known that Disney was working on a feature-length animation, critics regularly referred to the project as "Disney's folly", not believing that audiences could stand the expected bright colors and jokes for such a long time. Snow White and the Seven Dwarfs premiered on 21 December 1937 and became a worldwide success. The film continued Disney's tradition to appropriate old fairy tales and other stories, as would most of the Disney features that followed.

The Fleischer studios followed Disney's example with Gulliver's Travels in 1939, which was a minor success at the box office.

Early TV animation

In April 1938, when about 50 television sets were connected, NBC aired the eight-minute low-budget cartoon Willie the Worm. It was specially made for this broadcast by former Disney employee Chad Grothkopf, mainly with cutouts and a bit of cel animation. About a year later, on 3 May 1939, Disney's Donald's Cousin Gus was premiered on NBC's experimental W2XBS channel, a few weeks before the short cartoon was released in movie theaters, as part of the first full-evening program.^[41]

1940s

Operation Snafu, directed by Friz Freleng in 1945

*铁扇公主 (Princess Iron Fan)* (1941) screenshot

Wartime propaganda

Several governments had already used animation in public information films, like those by the GPO Film Unit in the U.K. and Japanese educational films. During World War II, animation became a common medium for propaganda. The US had its best studios working for the war effort.

To instruct service personnel about all kinds of military subjects and to boost morale, Warner Bros. was contracted for several shorts and the special animated series Private Snafu. The character was created by the famous movie director Frank Capra, Dr. Seuss was involved in screenwriting and the series was directed by Chuck Jones. Disney also produced several instructive shorts and even personally financed the feature-length Victory Through Air Power (1943) that promoted the idea of long-range bombing.

Many popular characters promoted war bonds, like Bugs Bunny in Any Bonds Today?, Disney's little pigs in The Thrifty Pig and a whole bunch of Disney characters in All Together. Daffy Duck asked for scrap metal for the war effort in Scrap Happy Daffy. Minnie Mouse and Pluto invited civilians to collect their cooking grease so it could be used for making explosives in Out of the Frying Pan Into the Firing Line. There were several more political propaganda short films, like Warner Bros.' Fifth Column Mouse, Disney's Chicken Little and the more serious Education for Death and Reason and Emotion (nominated for an Academy Award).

Such wartime films were much appreciated. Bugs Bunny became something of a national icon and Disney's propaganda short Der Fuehrer's Face (starring Donald Duck) won the company its tenth Academy Award for cartoon short subjects.

Japan's first feature anime 桃太郎海の神兵 (Momotaro: Sacred Sailors) was made in 1944, ordered by the Ministry of the Navy of Japan. It was designed for children and, partly inspired by Fantasia, was meant to inspire dreams and hope for peace. The main characters are an anthropomorphic monkey, dog, bear, and pheasant who become parachute troopers (except the pheasant who becomes a pilot) tasked with invading Celebes. An epilogue hints at America being the target for the next generation.

Feature animation in the 1940s

High ambitions, setbacks, and cutbacks in US feature animation

Disney's next two features (Pinocchio and the very ambitious concert film Fantasia, both released in 1940) and Fleischer Studios' second animated feature Mr. Bug Goes to Town (1941/1942) were all received favorably by critics, but failed at the box office during their initial theatrical runs. The primary cause was that World War II had cut off most foreign markets. These setbacks discouraged most companies that had plans for animated features.

Disney cut back on the costs for the next features and first released The Reluctant Dragon, mostly consisting of a live-action tour of the new studio in Burbank, partly in black and white, with four short cartoons. It was a mild success at the worldwide box office and was followed only a few months later by Dumbo (1941), animated in a relatively simple style and only 64 minutes long. The limited length and economically efficient techniques helped secure a profit at the box office, and critics and audiences reacted positively. Disney's next feature Bambi (1942) returned to a larger budget and a lavish style, but the more dramatic story, darker mood, and lack of fantasy elements were not well-received during its initial run and the movie lost money at the box office.

Although all the other eight Disney features of the 1940s were package films, or combinations with live-action (for instance Saludos Amigos (1943) and The Three Caballeros (1944)), Disney kept faith in animated feature animation. Only a few other American animation studios also managed to release more than a handful of features before the beginning of the 1990s.

Non-US animation forces

American cel-animated films dominated the worldwide production and consumption of theatrical animated releases since the 1920s. Especially Disney's work proved to be very popular and influential around the world. Studios from other countries could hardly compete with American productions. Relatively many animation producers outside the US chose to work with other techniques than "traditional" or cel animation, such as puppet animation or cut-out animation. However, several countries (most notably Russia, China, and Japan) developed their own relatively large "traditional" animation industries. Russia's Soyuzmultfilm animation studio, founded in 1936, employed up to 700 skilled workers and, during the Soviet period, produced 20 films per year on average. Some titles noticed outside their respective domestic markets include 铁扇公主 (Princess Iron Fan)^[42] (China 1941, influential in Japan), Конёк-Горбуно́к (The Humpbacked Horse) (Russia 1947, winner special jury award in Cannes in 1950), I Fratelli Dynamite (The Dynamite Brothers) (Italy 1949) and La Rosa di Bagdad (The Rose of Baghdad) (Italy 1949, the 1952 English dub starred Julie Andrews).

Successful theatrical short cartoons of the 1940s

Tex Avery's Jerky Turkey (1945)

During the "Golden Age of American animation", new studios competed with the studios that survived the sound and color innovation battles of the previous decades. Cartoon animals were still the norm and music was still a relevant element, but often lost its main stage appeal to Disney's melodramatic storytelling or the wild humor in Looney Tunes and other cartoons.

Disney continued their cartoon successes, adding Daisy Duck (1937/1940) and Chip 'n' Dale (1943/1947) to the Mickey Mouse universe, while Warner Bros. developed new characters to join their popular Merrie Melodies/Looney Tunes cast, including Tweety, Henery Hawk (both in 1942), Pepé Le Pew, Sylvester the Cat, Yosemite Sam (all three in 1945), Foghorn Leghorn, Barnyard Dawg, Gossamer (all three in 1946), Marvin the Martian (1948), and Wile E. Coyote and Road Runner (1949).

Other new popular characters and series were Terrytoons' Mighty Mouse (1942–1961) and Heckle and Jeckle (1946–1966), and Screen Gems' The Fox and the Crow (1941–1950).

Fleischer/Famous Studios

Fleischer launched its spectacular Superman adaptation in 1941. The success came too late to save the studio from its financial problems and in 1942 Paramount Pictures took over the studio from the resigning Fleischer Brothers. The renamed Famous Studios continued the Popeye and Superman series, developed popular adaptations of Little Lulu (1943–1948, licensed by Gold Key Comics), Casper, the Friendly Ghost (1945) and created new series, such as Little Audrey (1947–1958) and Baby Huey (1950–1959).

Walter Lantz Productions

Walter Lantz started his animation career at Hearst's studio at the age of 16. He had also worked for the Bray Studios and Universal Pictures, where he had gained control over the Oswald the Lucky Rabbit cartoons in 1929 (reportedly by winning the character and control of the studio in a poker bet with Universal president Carl Laemmle). In 1935, the Universal studio was turned into the independent Walter Lantz Productions, but remained on the Universal lot and continued to produce cartoons for Universal to distribute. When Oswald's popularity dwindled and the character was eventually retired in 1938, Lantz's productions went without successful characters until he developed Andy Panda in 1939. The anthropomorphic panda starred in over two dozen cartoons until 1949, but he was soon overshadowed by the iconic Woody Woodpecker, who debuted in the Andy Panda cartoon Knock Knock in 1940. Other popular Lantz characters include Wally Walrus (1944), Buzz Buzzard (1948), Chilly Willy (1953), Hickory, Dickory, and Doc (1959).

MGM

After distributing Ub Iwerks' Flip the Frog and Willie Whopper cartoons and Happy Harmonies by Harman and Ising, Metro-Goldwyn-Mayer founded its own cartoon studio in 1937. The studio had much success with Barney Bear (1939–1954), Hanna and Joseph Barbera's Tom and Jerry (1940) and Spike and Tyke (1942).

In 1941, Tex Avery left Warner Bros. for MGM and would there create Droopy (1943), Screwy Squirrel (1944) and George and Junior (1944).

UPA

While Disney and most of the other studios sought a sense of depth and realism in animation, UPA animators (including former Disney employee John Hubley) had a different artistic vision. They developed a much sparser and more stylized type of animation, inspired by Russian examples. The studio was formed in 1943 and initially worked on government contracts. A few years later they signed a contract with Columbia Pictures, took over The Fox and the Crow from Screen Gems, and earned Oscar nominations for their first two theatrical shorts in 1948 and 1949. While the field of animation was dominated by anthropomorphic animals when the studio was allowed to create a new character, they came up with the near-sighted old man. Mr. Magoo (1949) became a hit and would be featured in many short films. Between 1949 and 1959 UPA received 15 Oscar nominations, winning their first Academy Award with the Dr. Seuss adaptation Gerald McBoing-Boing (1950), followed by two more for When Magoo Flew (1954) and Magoo's Puddle Jumper (1956). The distinctive style was influential and even affected the big studios, including Warner Bros. and Disney. Apart from effective freedom in artistic expression, UPA had proved that sparser animation could be appreciated as much as (or even more than) the expensive lavish styles.

TV animation in the 1940s

The back catalog of animated cartoons from many studios, originally produced for a short theatrical run, proved very valuable for television broadcasting. Movies for Small Fry (1947), presented by "big brother" Bob Emery on Tuesday evenings on the New York WABD-TV channel, was one of the first TV series for children and featured many classic Van Beuren Studios cartoons. It was continued on the DuMont Television Network as the daily show Small Fry Club (1948–1951) with a live audience in a studio setting.

Many classical series from Walter Lantz, Warner Bros., Terrytoons, MGM, and Disney similarly found a new life in TV shows for children, with many reruns, for decades. Instead of studio settings and live-action presentations, some shows would feature new animation to present or string together the older cartoons.

The earliest American animated series specifically produced for TV came about in 1949, with Adventures of Pow Wow (43 five-minute episodes broadcast on Sunday mornings from January to November) and Jim and Judy in Teleland (52 episodes, later also sold to Venezuela and Japan).

1950s: Shift from classic theatrical cartoons to limited animation in TV series for children

Col. Bleep's Arrival on Earth (1956)

Most theatrical cartoons had been produced for non-specific audiences. Dynamic action and gags with talking animals in clear drawing styles and bright colors were naturally appealing to young children, but the cartoons regularly contained violence and sexual innuendo and were often screened together with newsreels and feature films that were not for children. On US television, cartoons were mainly programmed for children, in convenient time slots on weekend mornings, weekday afternoons, or early evenings.

The scheduling constraints of the 1950s American TV animation process, and notable issues of resource management (higher quantity needed to be made in less time for a lower budget compared to theatrical animation), led to the development of various techniques now known as limited animation. The sparser type of animation which originally had been an artistic choice of style for UPA was embraced as a means to cut back production time and costs. Full-frame animation ("on ones") became rare in the United States, outside its use for a decreasing amount of theatrical productions. Chuck Jones coined the term "illustrated radio" to refer to the shoddy style of most television cartoons that depended more on their soundtracks than visuals.^[43] Some producers also found that limited animation looked better than lavish styles on the small black-and-white TV screens of the time.^[44]

Animated TV series of the 1950s

Jay Ward produced the popular Crusader Rabbit (tested in 1948, original broadcasts in 1949–1952 and 1957–1959), with successful use of a limited-animation style.

At the end of the 1950s, several studios dedicated to TV animation production started competing. While the focus for competition in theatrical animation had been on quality and innovation, it now shifted to delivering animation fast and cheaply. Critics noted how the quality of many shows was often poor in comparison to the classic cartoons, with rushed animation and run-of-the-mill stories. Network executives were satisfied as long as there were enough viewers,^[45] and the huge amounts of young viewers were not bothered with the lack of quality that the critics perceived. Watching Saturday-morning cartoon programming, up to four hours long, became a favorite pastime of most American children since the mid-1960s, and was a mainstay for decades.

Disney had entered into TV production relatively early, but for a long time refrained from creating new animated series. Instead, Disney had their anthology series on the air since 1954 in primetime three-hour slots, starting with the Walt Disney's Disneyland series (1954–1958), clearly promoting the Disneyland theme park that opened in 1955. Walt Disney personally hosted the series that –apart from older cartoons– featured segments with, for instance, looks behind the scenes at film-making processes or with new live-action adventures.

William Hanna and Joseph Barbera (the creators of Tom and Jerry) continued as Hanna-Barbera after Metro-Goldwyn-Mayer closed their animation studio in 1957 when MGM considered their back catalog sufficient for further sales.^[46] While Hanna-Barbera only made one theatrically released series with Loopy de Loop (1959–1965), they proved to be the most prolific and successful producers of animated television series for several decades. Starting with The Ruff and Reddy Show (1957–1960), they continued with successful series like The Huckleberry Hound Show (1958, the first half-hour television program to feature only animation)^[47] and The Quick Draw McGraw Show (1959–1961).

Other notable programs include UPA's Gerald McBoing Boing (1956–1957), Soundac's Colonel Bleep (1957–1960, the first animated TV series in color), Terrytoons's Tom Terrific (1958), and Jay Ward's The Adventures of Rocky and Bullwinkle and Friends (1959–1964).

In contrast to the international film market (developed during the silent era when language problems were limited to title cards), TV-pioneering in most countries (often connected to radio broadcasting) focused on the domestic production of live programs. Rather than importing animated series that usually would have to be dubbed, children's programming could more easily and more cheaply be produced in other ways (for instance, featuring puppetry). One notable method was the real-time "animation" of cutout figures in Captain Pugwash (1957) on the BBC. One of the few early animated series for TV that was seen abroad was Belvision Studios' Les Aventures de Tintin, d'après Hergé (Hergé's Adventures of Tintin) (Belgium 1957–1964, directed by Ray Goossens), broadcast by the BBC in 1962 and syndicated in the United States from 1963 to 1971.

Theatrical short cartoons in the 1950s

Warner Bros. introduced new characters Granny, Sylvester Jr. (both in 1950), Speedy Gonzales, Ralph Wolf and Sam Sheepdog (all three in 1953), and Tasmanian Devil (1954).

Theatrical feature animation in the 1950s

Disney

After a string of package features and live-action/animation combos, Disney returned to fully animated feature films with Cinderella in 1950 (the first since Bambi). Its success practically saved the company from bankruptcy. It was followed by Alice in Wonderland (1951), which flopped at the box office and initially received negative reviews. Peter Pan (1953) and Lady and the Tramp (1955) were hits. The ambitious, much delayed, and more expensive Sleeping Beauty (1959) lost money at the box office and caused doubts about the future of Walt Disney's animation department. Like "Alice in Wonderland" and most of Disney's flops, it would later be commercially successful through re-releases and would eventually be regarded as a true classic.

Non-US

Jeannot l'intrépide (Johnny the Giant Killer) (France, 1950 feature)
Érase una vez... (Spain, 1950 feature)
Le Roi et l'Oiseau (The King and the Mockingbird) (France, 1952 unfinished feature release, 1980 finished release, influential for Hayao Miyazaki and Isao Takahata)
Animal Farm (U.K./U.S.A., 1954 feature)
乌鸦为什么是黑的 (Why Is the Crow Black-Coated) (China, 1956 short film, Venice Film Festival)
Снежная королева (The Snow Queen) (Soviet Union, 1957 feature)
Krtek (Mole) (Czechoslovakia, 1956 short film series)
白蛇伝 (Panda and the Magic Serpent) (Japan, 1958 feature)
少年猿飛佐助 (Magic Boy) (Japan, 1959 feature, first anime released in the U.S. in 1961)

1960s

US animated TV series and specials in the 1960s

Total Television was founded in 1959 to promote General Mills products with original cartoon characters in Cocoa Puffs commercials (1960–1969) and the General Mills-sponsored TV series King Leonardo and His Short Subjects (1960–1963, repackaged shows until 1969), Tennessee Tuxedo and His Tales (1963–1966, repackaged shows until 1972), The Underdog Show (1964–1967, repackaged shows until 1973) and The Beagles (1966–1967). Animation for all series was produced at Gamma Studios in Mexico. Total Television stopped producing after 1969 when General Mills no longer wanted to sponsor them.

Many of the American animated TV series from the 1960s to 1980s were based on characters and formats that had already proved popular in other media. UPA produced The Dick Tracy Show (1961–1962), based on comic books. Filmation, active from 1962 to 1989, created few original characters, but many adaptations of DC Comics, live-action TV series (including Lassie's Rescue Rangers (1973–1975) and Star Trek: The Animated Series), some live-action features (including Journey to the Center of the Earth (1967–1969), and much more). Grantray-Lawrence Animation was the first studio to adapt Marvel Comics superheroes in 1966. Pop groups got animated versions in The Beatles (1965–1966) and Rankin/Bass's The Jackson 5ive (1971–1972) and The Osmonds (1972). Hanna-Barbera turned comedians into cartoon characters with Laurel and Hardy (1966–1967) and The Abbott and Costello Cartoon Show (1967–1968). Format Films' The Alvin Show (1961–1962) was a spin-off of a 1958 novelty song and the subsequent comic books with redesigned versions of Alvin and the Chipmunks. Other series contained unlicensed appropriations. For instance, Hanna-Barbera's The Flintstones (1960–1966) was inspired by the sitcom The Honeymooners and creator Jackie Gleason considered suing Hanna-Barbera, but he did not want to be known as "the guy who yanked Fred Flintstone off the air".^[48]

The Flintstones was the first prime-time animated series and became immensely popular, it remained the longest-running network animated television series until that record was broken three decades later. Hanna-Barbera scored more hits with The Yogi Bear Show (1960–1962), The Jetsons (1962–1963, 1985, 1987), and Scooby-Doo, Where Are You! (1969–1970, later followed by other Scooby-Doo series).

From around 1968, after the assassination of Martin Luther King Jr., then Robert F. Kennedy's and other violent acts made the public less at ease with violence in entertainment, networks hired censors to ban anything deemed too violent or suggestive from children's programming.^[49]

Apart from regular TV series, there were several noteworthy animated television (holiday) specials, starting with UPA's Mister Magoo's Christmas Carol (1962), followed a few years later by other classic examples such as the string of Bill Melendez' Peanuts specials (1965–2011, based on Charles M. Schulz's comic strip), and Chuck Jones's How the Grinch Stole Christmas! (1966, based on the story by Dr. Seuss).

Cambria Productions

Cambria Productions only occasionally used traditional animation and would often resort to camera movements, real-time movements between foreground and background cels, and integration of live-action footage. Creator Clark Haas explained: "We are not making animated cartoons. We are photographing 'motorized movement' and—the biggest trick of all—combining it with live-action... Footage that Disney does for $250,000 we do for $18,000."^[50] Their most famous trick was the Syncro-Vox technique of superimposing talking lips on the faces of cartoon characters instead of animating mouths synchronized to dialogue. This optical printing system had been patented in 1952 by Cambria's partner and cameraman Edwin Gillette and was first used for popular "talking animal" commercials. The method would later be widely used for comedic effect, but Cambria used it straight in their series Clutch Cargo (1959–1960), Space Angel (1962), and Captain Fathom (1965). Thanks to imaginative stories, Clutch Cargo was a surprise hit. Their last series The New 3 Stooges (1965–1966) no longer used Syncro-Vox. It contained 40 new live-action segments with the original Three Stooges that was spread and repeated throughout 156 episodes together with new animation (occasionally causing people to turn off their TV when live-action footage was repeated, convinced that they had already seen the episode).

US theatrical animation in the 1960s

For One Hundred and One Dalmatians (1961) production costs were restrained, helped by the xerography process that eliminated the inking process. Although the relatively sketchy look produced by the xerox process is often maligned by historians and critics, the animators at the time embraced being able to have their drawings transferred directly onto the finished picture. This period at Disney also coincided with the maturation of the "Nine Old Men", a tightly knit group of animators whom Walt entrusted with the development and animation of the films especially as Walt devoted increasingly more time to the construction of parks and other projects. Animators typically regard this period in the studio's history as the most accomplished in terms of the draftsmanship and overall quality of animation. Animation, character designs, and model sheets from this period are often used as reference by animation schools and studios today. "One Hundred and One Dalmatians" was a hit for the studio as was The Sword in the Stone (1963) though over the years it has become one of the least-known Disney features. 1964 saw the release of the live-action/animation hybrid Mary Poppins (1964) which received 13 Academy Awards nominations, including Best Picture. Disney's biggest animated feature of the 1960s was The Jungle Book (1967) which was both a critical and commercial success. This was also the final film that was overseen by Walt Disney before his death in 1966. After Walt's passing, the studio went into a period of long decline. Led by the Nine Old Men, the studio continued to produce films that were successful enough to enable the continuation of the studio. As veteran animators began to age, a training program was introduced to nurture the next generation of talent. The departure of Don Bluth sapped the studio of many veterans and forced many young animators into taking on bigger responsibilities. By the early 1980s the Nine Old Men had retired, many veterans were gone, and this cohort was struggling to keep the studio viable.

UPA produced their first feature 1001 Arabian Nights (1959) (starring Mr. Magoo as Alladin's uncle) for Columbia Pictures, with little success. They tried again with Gay Purr-ee in 1962, released by Warner Bros. It was well received by critics, but failed at the box office and would be the last feature the studio ever made.

Decline of the theatrical short cartoon

The Supreme Court ruling of the Hollywood Anti-trust Case of 1948 prohibited "block bookings" in which hit feature films were exclusively offered to theatre owners in packages together with newsreels and cartoons or live-action short films. Instead of receiving a reasonable percentage of a package deal, short cartoons had to be sold separately for the prices that theatre owners were willing to pay for them. Short cartoons were relatively expensive and could now be dropped from the program without people losing interest in the main feature, which became a sensible way to reduce costs when more and more potential movie-goers seemed to stay at home to watch movies on their television sets. Most cartoons had to be re-released several times to recoup the invested budget.^[51]^[52] By the end of the 1960s most studios had ceased producing theatrical cartoons. Even Warner Bros. and Disney, with occasional exceptions, stopped making short theatrical cartoons after 1969. Walter Lantz was the last of the classic cartoon producers to give up when he closed his studio in 1973.

DePatie–Freleng

DePatie–Freleng Enterprises, founded by Friz Freleng and David H. DePatie in 1963 after Warner Bros. closed their animation department, was the only studio that found new success with short theatrical cartoon series after the 1950s. They created Pink Panther in 1963 for the opening and closing credits of the live-action The Pink Panther film series featuring Peter Sellers. Its success led to a series of short films (1964–1980) and TV series (1969–1980). Pink Panther was followed by the spin-off The Inspector (1965–1969), The Ant and the Aardvark (1969–1971), and a handful of other theatrical series. The Dogfather (1974–1976) was the last new series, but Pink Panther cartoons appeared in theaters until 1980, shortly before the demise of the studio in 1981. From 1966 to 1981 DePatie–Freleng also produced many TV series and specials.

Rise of anime

Japan was notably prolific and successful with its style of animation, which became known in the English language initially as Japanimation and eventually as anime. In general, anime was developed with limited-animation techniques that put more emphasis on aesthetic quality than on movement, in comparison to US animation. It also applies a relatively "cinematic" approach with zooming, panning, complex dynamic shots, and much attention to backgrounds that are instrumental to creating an atmosphere.

Anime was first domestically broadcast on TV in 1960. The export of theatrical anime features started around the same time. Within a few years, several anime TV series was made that would also receive varying levels of airplay in the United States and other countries, starting with the highly influential 鉄腕アトム (Astro Boy) (1963), followed by ジャングル大帝 (Kimba the White Lion) (1965–1966), エイトマン (8th Man) (1965), 魔法使いサリー (Sally the Witch) (1966–1967) and マッハGoGoGo (Mach GoGoGo a.k.a. Speed Racer) (1967).

The domestically popular サザエさん / Sazae-san started in 1969 and is probably the longest-running animated TV show in the world, with more than 7,700 episodes.

Early adult-oriented and counterculture animation

Before the end of the 1960s, hardly any adult-oriented animation had been produced. A notable exception was the pornographic short Eveready Harton in Buried Treasure (1928), presumably made by famous animators for a private party in honor of Winsor McCay, and not publicly screened until the late 1970s. After 1934, the Hays code gave filmmakers in the United States little leeway to release risky material, until the code was replaced by the Motion Picture Association of America film rating system in 1968. While television programming of animation had made most people think of it as a medium for children or family entertainment, new theatrical animations proved otherwise.

Arguably, the philosophical, psychological, and sociological overtones of the Peanuts TV specials were relatively adult-oriented, while the specials were also enjoyable for children. In 1969 director Bill Mendelez expanded the success of the series to cinemas with A Boy Named Charlie Brown. The theatrical follow-up Snoopy Come Home (1972) was a box-office flop, despite positive reviews. Race for Your Life, Charlie Brown (1977) and Bon Voyage, Charlie Brown (and Don't Come Back!!) (1980) were the only other theatrical traditionally animated feature films for Peanuts, while the TV specials continued until 2011.

The anti-establishment counterculture boom at the end of the 1960s impacted Hollywood early on. In animation, anti-war sentiments were present in several short underground films like Ward Kimball's Escalation (1968) (made independently from his employment at Disney) and the parody Mickey Mouse in Vietnam (1969). The less political parody Bambi meets Godzilla (1969) by Marv Newland, another underground short film for adults, is considered a great classic and was included in The 50 Greatest Cartoons (1994) (based on a poll of 1,000 people working in the animation industry).

The popularity of psychedelia reportedly made the 1969 re-release of Disney's Fantasia popular among teenagers and college students, and the film started to make a profit. Similarly, Disney's Alice in Wonderland became popular with TV screenings in this period and with its 1974 theatrical re-release.

Also influenced by the psychedelic revolution, The Beatles' animated musical feature Yellow Submarine (1968) showed a broad audience how animation could be quite different from the well-known television cartoons and Disney features. Its distinctive design came from the art director Heinz Edelman. The film received widespread acclaim and would prove to be influential. Peter Max further popularized a similar visual style in his artworks.

Non-US animation in the 1960s

わんぱく王子の大蛇退治 (The Little Prince and the Eight-Headed Dragon) (Japan, 1963 feature)
大鬧天宮 (Havoc in Heaven) (China, 1963 feature)
ガリバーの宇宙旅行 (Gulliver's Travels Beyond the Moon) (Japan, 1965 feature)
Calimero (Italy/Japan 1963–1972, TV series)
Belvision's Pinocchio in Outer Space (Belgium/USA 1965, feature directed by Ray Goossens)
West and Soda (Italy 1965, first feature by Bruno Bozzetto)

1970s

Breakthrough of adult-oriented and counterculture feature animation

Ralph Bakshi thought that the idea of "grown men sitting in cubicles drawing butterflies floating over a field of flowers, while American planes are dropping bombs in Vietnam and kids are marching in the streets, is ludicrous."^[53] He, therefore, created a more sociopolitical type of animation, starting with Fritz the Cat (1972), based on Robert Crumb's comic books and the first animated feature to receive an X-rating. The X-rating was used to promote the film and it became the highest-grossing independent animated film of all time. The success of Heavy Traffic (1973) made Bakshi the first since Disney to have two financially successful animated feature films in a row. The film utilized an artistic blend of techniques with still photography as the background in parts, a live-action scene of models with painted faces rendered in negative cinematography, a scene rendered in very limited sketchy animation that was only partly colored, detailed drawing, archival footage, and most characters animated in a consistent cartoon style throughout it all, except the last ten minutes which were fully filmed as a standard live-action film. He continued to experiment with different techniques in most of his next projects. His next projects Hey Good Lookin' (finished in 1975, but shelved by Warner Bros. until release in an adjusted version in 1982) and Coonskin (1975, suffered from protests against its perceived racism while satirizing it) was far less successful, but received more appreciation later on and became cult films.

Bakshi found new success with the fantasy films Wizards (1977) and The Lord of the Rings (1978). Both used rotoscoping for massive battle scenes. For Wizards the technique was used on archival footage as a solution to budgetary problems and rendered in psychedelic and artistic style. For The Lord of the Rings it became a means to create a look that Bakshi described as "real illustration as opposed to cartoons" for a film that he wanted to be true to Tolkien's work, with reference material shot with costumed actors in Spain. The more family-oriented television film The Return of the King (1980) by Rankin/Bass and Topcraft is sometimes regarded as an unofficial sequel after Bakshi's intended second part was not made, but they had already independently started their adaptation of the story on television with The Hobbit in 1977.

The imaginative French/Czech science fiction production La Planète sauvage (1973) was awarded the Grand Prix special jury prize at the 1973 Cannes Film Festival,^[54] and in 2016, it was ranked the 36th-greatest animated movie ever by Rolling Stone.^[55]

The British production Watership Down (film) (1978) was a huge international success. It featured animal characters that looked more realistic than anthropomorphic, against watercolor backgrounds. Despite its dark and violent aspects, it was deemed suitable for all ages in the UK and rated PG in the United States.

Anime in Europe

Anime import offered relatively inexpensive animated series, but some European broadcasters thought of animation as something for young children and all too easily programmed anime series accordingly. This led to much criticism when some programs were deemed too violent for children.^[56] Child-friendly adaptions of European stories ensured much more success in Europe, with popular titles such as アルプスの少女ハイジ (Heidi, Girl of the Alps) (1974) and みつばちマーヤの冒険 (Maya the Honey Bee) (1975).

Only a few animation studios were active in Europe and starting a new studio required much time, effort, and money. For European producers interested in animated series, it made sense to collaborate with Japanese studios that could provide affordable animation of relatively high quality. Resulting productions include Barbapapa (The Netherlands/Japan/France 1973–1977), Wickie und die to starken Männer/小さなバイキングビッケ (Vicky the Viking) (Austria/Germany/Japan 1974), Il était une fois... (Once Upon a Time...) (France/Japan 1978) and Doctor Snuggles (The Netherlands/West Germany/Japan/US 1979).

Artistic short-animation highlights

Short animated films mostly became a medium for film festivals in which independent animators showcased their talents. With the big studios away from the field, the Academy Award for Best Animated Short Film and nominations of the 1970s and 1980s were usually for relatively unknown artists.

La Linea (Italy 1971, 1978, 1986) is a popular animation series with the main character that consists of a part of an otherwise straight white line that runs horizontally across the screen.

Soviet/Russian animator Yuri Norstein "is considered by many to be not just the best animator of his era, but the best of all time".^[57] He released a handful of award-winning short films in the 1970s:

The Battle of Kerzhenets (Сеча при Керженце, 1971), in collaboration with Ivan Ivanov-Vano
The Fox and the Hare (Лиса и заяц, 1973).^[58]
The Heron and the Crane (Цапля и журавль, 1974).
Hedgehog in the Fog (Ёжик в тумане, 1975).^[59]
Tale of Tales (Сказка сказок, 1979).

Norstein has since 1981 been working on The Overcoat (Шинель) and participated in Winter Days (冬の日, 2003).

Early animated music videos

Although the combination of music and animation had a long tradition, it took some time before animation became part of music videos after the medium became a proper genre in the mid-1970s.

Halas and Batchelor produced an animated video for Roger Glover's Love Is All (1974) that was broadcast internationally over decades, often as an interstitial program.

Pink Floyd's 1977 Welcome to the Machine music video, animated by Gerald Scarfe, was initially only used as a backdrop for concert performances.

Elvis Costello's Accidents Will Happen (1979) was made by Annabelle Jackel and Rocky Morton, known for their animated commercials. Despite an initially lukewarm reception,^[60] the video has since received acclaim.

Roger Mainwood and John Halas created an animated music video for Kraftwerk's Autobahn in 1979.^[61] The short wordless documentary Making it move... showed the production process.^[62]

A cartoon for Linda McCartney's Seaside Woman was made by Oscar Grillo and won a Palme d'Or for Best Short Film at the Cannes festival in 1980.^[63]

1980s

US Animation Explosion (the 1980s)

Animation for Saturday morning US TV programming had grown formulaic by the end of the 1970s being based on older cartoons and comic strip characters (Superfriends, Scooby Doo, Popeye) ^[64] The demand for more cartoon content arose with the Reagan administration deregulation of children's cartoons allowing for morning and afternoon time on UHF and cable channels now targeted toward children.^[65] Cartoons reflecting action, fantasy, and science fiction were common, with more complex narratives than cartoons of the previous decade. Several popular animated TV series of this time were based on toy lines, including Mattell's He-Man and the Masters of the Universe (1983–1985) and Hasbro's G.I. Joe (1983–1986), The Transformers (1984–1987) and My Little Pony (1986–1987). Other cartoons were based on superhero comics, TV personalities (Garry Coleman, Chuck Norris, Mr. T), other live-action shows (Alf, Punky Brewster) adult action or science fiction movies (Robocop, Rambo, Ghostbusters, Teen Wolf), video games (Pac-Man, Pole Position, Captain N), or children's literature (The Littles, Berenstain Bears). Japanese anime series were also edited and combined match to American broadcast guidelines (Robotech, Force Five).

Mostly in retrospect, Disney feature films have been perceived as going through a dark age in the first decades after Walt Disney died in 1966 (despite a more steady string of box office successes than during the decennia in which Walt was alive). The failure of The Black Cauldron (1985), made on an ambitious budget, was a new low. Tim Burton cited Disney's failure to train new animators during the 1960s and early 1970s as a reason for the decline, with Disney relying instead on an aging group of veterans.^[66]

Don Bluth, who had left Disney in 1979 together with nine other animators, started to compete with his former employer in cinemas in 1982 with The Secret of NIMH. The film garnered critical acclaim but was only a modest success at the box office.

Европа

По сравнению с выходом анимации в США в начале 1980-х годов международные совместные производства казались более творческими и более многообещающими. Smurfs (1981–1989), продюсированный бельгийским Фредди Монникендамом SEPP International в сотрудничестве с Ханной-Барбера, был очень успешным, а затем Сноркс (1984–1989) и Фуфур (1986–1988). Производство Bzz Films ' Bibifoc (Seabert) (1984–1988) также была обработана Sepp. Другие известные международные совместные производства включают инспектора Gadget (France/USA 1983) и замечательный Wizard of Oz (Канада/Япония 1986–1987).

В Великобритании, «Косгроув Холл», очень успешный сериал «Опасность мыши» дебютировала в сентябре 1981 года и будет продолжаться до 1992 года, получив 11 номинаций на BAFTA в период с 1983 по 1987 год. Также транслируется на Nickelodeon, пародия на остроумного секрета с участием мыши, стала популярной среди молодых а также взрослая американская аудитория и породила графа Duckula побочный эффект (1988–1993).

Студия ghibli и телевизионное аниме

Аниме вместе с печатной мангой построили огромный фэндом в Японии и стали большой частью основной культуры страны. Среди многих жанров аниме Mecha (гигантская научная фантастика) стала особенно знаковой. В частности, печать манги вступила в золотой век в 1980-х годах, поддержанную такими сериями, как Dragon Ball (1984–1995), и эти серии получили длительные успешные адаптации аниме. Относительно новый рынок домашнего видео рост очень большой, а оригинальная видео-анимация (OVA) стала значительной средой, часто с более качественными постановками, чем те, которые были сделаны для телевидения (в отличие от США, где прямо к Video в основном Средний для выпусков, которые не должны были быть достаточно популярны, чтобы гарантировать театральный релиз или телевизионную трансляцию и, следовательно, часто производится с гораздо более низким бюджетом). Естественно, среда OVA соответствовала потреблению эротической и порнографической анимации. Первым эротическим выпуском OVA была серияロリータアニメ (Lolita Anime) с февраля 1984 по май 1985 года, вскоре после которой последовал Кремовая лимонная год) август серия ( 1984 - 2005 On Material Included 's mysterious trip Series Bass Nils .

Hayao Miyazaki's epic theatrical features Nausicaä of the Valley of the Wind (1984), based on his manga, and 天空の城ラピュタ (Castle in the Sky) (1986) are regularly praised as some of the greatest animated films of all time. Castle in the Sky was the first feature for Studio Ghibli, founded in 1985 by Miyazaki with Isao Takahata and others. Studio Ghibli continued its success with Takahata's WWII film 火垂るの墓 (Grave of the Fireflies) (1988) and Miyazaki's iconic となりのトトロ (My Neighbor Totoro) (1988) and 魔女の宅急便 (Kiki's Delivery Service) (1989).

Ренессанс американской анимации

Начиная с середины 1980-х годов, американская анимация увидит эпохи Возрождения. Это было приписано волне таланта, возникшей из Калифорнийского института искусств - в первую очередь среди когорты, которая училась там в 1970 -х годах при Марке Дэвисе , члене девяти стариков , которые повлияли на язык анимации в 1920 -е и 1930 -е годы. В это время многие из девяти находились в процессе ухода на пенсию. В качестве внутренней шутки многие ученики в классе A113 вставили код комнаты в свои фильмы, телевизионные сериалы и так далее в последующие годы. Студенты A113 включают Джерри Риса , Джона Лассетера , Тима Бертона , Майкла Пераза и Брэда Берда . ^{[ 66 ]} Два других члена девяти старых мужчин, Олли Джонстон и Фрэнк Томас , опубликовали иллюзию жизни в 1981 году, учебную книгу, которая была признана лучшей книгой анимации всех времен и повлияла на Джеймса Бакстера среди других современных аниматоров. ^{[ 67 ]}^{[ 68 ]}

В кинотеатрах Роберта Земкиса Хит Живого действия/Анимации , который сформулировал Роджер Кролик (1988). , Дональд, Гуфи, Бетти Буп, Дрипи, Вуди Дитпкер и Банни из Багс-голос Мел Блан, Даффи Дак, Порки Свинья, Твити и Сильвестр, в дополнение к оригинальным персонажам, таким как Роджер Раббит , Джессика Раббит , Малыш Герман и Бенни, « Такси . Фильм выиграл несколько Оскаров и помог возродить интерес к театральной анимации и классических мультфильмах. Полностью анимированный роджер кроличьего короткометражного фильма «Проблемы с животиком » (1989) был затем упакован с семейной комедией в прямом эфире , я сжал детей и, как полагал, помог этому фильму быстро начаться в кассе. ^{[ 69 ]} В сотрудничестве с Стивена Спилберга Bluth Amblin Entertainment 's Anmerical Tail (1986) стал самым кассовым анимационным фильмом, не являющимися анимационным фильмом, не являющимися дискими. Земля до времени (1988) была одинаково успешной, но следующие пять художественных фильмов Блута провалились.

Mighty Mouse: «Новые приключения» (1987–1989) были одним из первых анимационных телешоу, которые вернули более раннее качество и оригинальность американских мультфильмов. Он был продюсирован Ральфом Бакши, а первый сезон был под наблюдением Джона Кричафалуси , который разрешил много художественной свободы для аниматоров. Вместо того, чтобы делать ностальгическое перефразирование оригинальной серии Terrytoons, он пытался воссоздать качество и звено юмор классики Looney Tunes .

Мэтта Гронининга начались Симпсоны в апреле 1987 года в качестве короткого сегмента комедийного шоу в сегменте The Tracey Ullman Show , а затем выступили в качестве отдельного полчаса в прайм-часах в декабре 1989 года. Он стал одним из самых больших мультфильмов в История и является самым продолжительным сценарием США в прайм-тайме .

В то время как успехи великого мышиного детектива (1986) и Оливера и Компании (1988) уже помогли вернуть студию Диснея в нужное русло, они поразили золото с рекордным кассовым ударом «Маленькая русалка» (1989). Снимок для радужной последовательности в конце «Русалочки» стал первой частью анимации функции, которая будет создана с помощью системы производства компьютерной анимации (CAPS), которую Disney и Pixar собрали совместно. Эта цифровая система чернил и краски заменила дорогой метод хранения и раскраски вручную и предоставила кинематографистам новыми творческими инструментами. К 1990 году бум анимированных хитов был провозглашен как возвращение, которое могло бы конкурировать с золотым веком мультфильмов. ^{[ 69 ]}

Театральная анимация, ориентированная на взрослых в 1980-х годах

Bakshi's Rock Musical American Pop (1981) стал еще одним успехом, в основном сделанным с техникой ротоскопа в сочетании с некоторыми акварелью, компьютерной графикой, выстрелами в живых действиях и архивных кадрах. Его следующий фильм Fire and Ice (1983) был сотрудничеством с художником Фрэнком Фразеттой . Это был один из многих фильмов в жанре меча и колдовства , выпущенных после успеха Конан -варвара (1982) и «Зверька» (1982). Критики оценили визуальные и последовательности действий, но не его сценарий, а фильм провалился в кассе. После того, как не удалось получить несколько проектов с земли, Бакши ушел на пенсию на несколько лет.

Канадский антологический фильм Heavy Metal (1981) был основан на комиксах, опубликованных в популярном Heavy Metal журнале и совместно с его основателем. Смешанные отзывы думали, что фильм был неровным, юношеским и сексистским. В конечном итоге в 2000 году за ним последовали плохой металлический 2000 и переосмысленный в качестве Netflix серии Love, Death & Robots в 2019 году.

Фильм Dark Rock Opera Pink Floyd-The Wall (1982) содержал анимационные сегменты на 15 минут британского карикатуриста Джеральда Скарфа , который уже разработал соответствующие произведения искусства для альбома 1979 года и концертный тур 1980-81 . Некоторые из анимационных материалов фильма ранее использовались для музыкального видео 1979 года для « Еще один кирпич в стене: часть 2 » и для тура. Скарф также сделал анимацию для тура Pink Floyd 1977 года в туре Flesh .

Успешный британский фильм о ядерной катастрофе, когда Blows Wind Blows (1986) показал нарисованные вручную персонажи против реальных фонов, с остановкой для движения объектов, которые двигались.

Насильственное послеапокалиптическое киберпанк Аниме Акира (1988) приобрела повышенную популярность аниме за пределами Японии и в настоящее время широко считается классикой.

MTV и анимационные видео

MTV запустил в 1981 году и более популяризировал музыкальный видео, который позволил относительно много художественных выражений и творческих методов, поскольку все задействовали, что их видео выделялось. Многие из наиболее знаменитых музыкальных клипов 1980 -х годов показали анимацию, часто созданные с помощью методов, которые отличались от стандартной анимации CEL. Например, знаковое видео для кувалды Питера Габриэля (1986) показало Claymation , Pixilation и Stop Motion от Aardman Animations и The Brothers Quay .

А-ха " Take On Me " (1985), как известно, объединил живое действие с реалистичной анимацией карандашей от Майкла Паттерсона . Видео было снято Стивом Барроном , который также направил новаторские компьютерные анимации Старости « » в том же году. Видео A-ха было вдохновлено Алекса Паттерсона Calarts выпускным фильмом Commuter (1984), который привлек внимание руководителей Warner Bros. Records. ^{[ 60 ]} и будет частично использован снова для видео с ходом мысли .

Паттерсон также руководил Паулы Абдул « противоположностями Привлечение » (1989) с участием его анимационного творения MC Skat Kat .

Гарлемский шаффл « » (1986), в « The Harlem Shuffle » (1986), представлены анимированными элементами, режиссерными Ральфом Бакши и Джоном Крикфалуси , созданными через несколько недель.

Оригинальные бамперы по приземлению луны на MTV были вытянуты в начале 1986 года после Challenger . катастрофы ^{[ 70 ]} Затем MTV продолжил свой дикий художественный постмодернистский образ через множество экспериментальных бамперов идентификации, большинство из которых анимировали. ^{[ 71 ]} Аниматоры обычно оставались без эккредитации, но были свободны работать в своих идентифицируемых стилях. Например, канадского аниматора Дэнни Антонуччи вклад анонимно показал его Люпо персонажа мясника , которому позволили произнести его психотические разбросы.

Примерно с 1987 года у MTV был выделенный отдел анимации , и он постепенно начал внедрять больше анимации между своим музыкальным программированием. Билла Плимптона являются Микротоны ранним примером.

Восстание компьютерной анимации

Ранние эксперименты с компьютерами для генерации (абстрактных) движущихся изображений проводились с 1940-х годов, но не привлекла особого внимания, пока коммерческие (монетные) видеоигры в начале 1970-х годов не стали продаваться . Pong (1972) от Atari, Inc. , с очень простой двумерной черно-белой графикой, и Тайто космические захватчики стали огромными успехами, которые проложили путь для среды, который можно рассматривать как интерактивную ветвь компьютерной анимации Полем С 1974 года были организованы ежегодные конвенции Siggraph , чтобы продемонстрировать текущие разработки и новые исследования в области компьютерной графики (включая CGI ), но компьютерная анимация редко встречалась по телевизору или в кинотеатрах (за заметными исключениями некоторых демонстраций 3D -проволоки. -Фрамии модели как футуристические технологии, которые можно увидеть на экранах в нескольких крупных голливудских постановках как FutureWorld (1976) и «Звездные войны» (1977)).

3D -компьютерная анимация начала оказывать гораздо более широкое культурное воздействие в 1980 -х годах, что продемонстрировано, например, в фильме 1982 года Tron и музыкальное видео для денег для ничего (1985) Dire Planits. Эта концепция даже породила популярную искусственную 3D-анимулированный персонаж ИИ : Макс Хэпрум (представлен в 1985 году).

В течение 1980-х годов компьютерная анимация также начала становиться относительно распространенным средством для создания графики движения для логотипов и текста в телевизионных коммерческих фильмов и последовательностях заголовок .

1990 -е годы

Дисней Ренессанс

В 1990 -х годах Дисней выпустил многочисленные фильмы, которые были критически и коммерчески успешными, возвращаясь к высотам, не увиденных с момента их расцвета с 1930 -х по 1960 -е годы . Период с 1989 по 1999 год в настоящее время называется Ренессансом Диснея или вторым золотым веком и начался с освобождения Русалочки (1989). Их успех привел к тому, что другие крупные киностудии создали новые анимационные подразделения, такие как Amblimation , Fox Animation Studios или Warner Bros., представляют собой анимацию , чтобы воспроизвести успех Диснея, превратив свои анимационные фильмы в мюзиклы в стиле Диснея. Мультфильмы 90 -х иногда называют «эпохой эпохи анимации» для анимации в целом, это как в театральных анимационных фильмах, так и в мультфильме.

Disney's Beauty and The Beast (1991) (первый анимационный фильм в истории, который будет номинирован на премию Оскар за лучшую картину ), Аладдин (1992) и «Льон Кинг» (1994) последовательно побили кассовые рекорды. Покахонтас (1995) открыл для смешанных отзывов критиков, но имел финансовый успех, он получил две награды Оскар и была хорошо принята зрителями. Мулан (1998) и Тарзан (1999) не превзошли короля льва как самых кассовых (традиционно) анимационных фильмов всех времен , но зритель и финансовый прием обоих фильмов были успешными, и каждый из них получил более 300 миллионов долларов по всему миру. Горбун Нотр-Дам (1996) имел финансовый успех в то время, но содержал очень темные и взрослые темы и с тех пор стал одним из менее известных фильмов Диснея, хотя теперь у него есть культ . Только продолжение спасателей вниз по (1990) и Hercules (1997), недостаточно разработали при ожиданиях кассовых сборов, но они оба были хорошо приняты среди зрителей, таких как другие фильмы о ренессансе Диснея.

From The Return of Jafar in 1994 to Tinker Bell and the Legend of the NeverBeast in 2015, Disney continued to produce feature-length sequels to successful titles, but only as direct-to-video releases by Walt Disney Studios Home Entertainment. In many ways, these direct-to-video films were similar to the Live Action Disney Remakes from the 2010 Alice in Wonderland movie onwards.

Телевидение

Влияние Джона Крикфалуси The Ren & Stimpy Show (1991–1996) получило широкое признание. На протяжении всего первого запуска это было самое популярное кабельное телешоу в Соединенных Штатах. Хотя он был запрограммирован как детский мультфильм, он был общеизвестно спорным своим темным юмором , сексуальными намеками , шутками для взрослых и шоковой ценности . Шоу Ren & Stimpy была третьей мультфильмом, премьера которого состоялась вместе с Doug (1991–1994, 1996–1999) и Rugrats (1991–1994, 1997–2004) на Nickelodeon телевизионном канале . Klasky Csupo , анимационная студия, стоящая за Rugrats, продюсировала и анимированная эра шоу для детской сети в 1990-х и 2000-х годах. После того, как студия исчезла в безвестности в 2008 году, их сменила Frederator Studios , студия, стоящая за довольно нечетными парами (2001–2006, 2009–2017). Фредератор оставался активным в течение большей части 2000 -х и 2010 -х годов, а затем к 2017 году исчезал в безвестности.

До 1991 года Nickelodeon импортировал мультфильмы от других каналов в свою сеть, которая является практикой, которая остается постоянной. Примерами импортированных мультфильмов в Nickelodeon является Анжела Анаконда (1999–2001) из канала Fox Family Cannel (с иностранными выпусками), Wayside (2005, 2007–2008), из канадского канала телепустук и взросления Creepie (2006–2008) из Discovery Дети . Наиболее успешным импортированным мультфильмом на канал является Paw Patrol (2013-й-Present), от другого канадского спинового мастера , и находится на подканале Nickeoldeon Ник-младший , где программы на этой станции направлены на малышей , а не на детей или подростков . Самым успешным мультфильмом, уроженцем Ника-младшего, является Дора Исследователь (2000-2019). За годы до расцвета Ника в 90 -х годах Nickelodeon запустил (Uniared) пилот театра Video Dream в 1979 или 1980 году, и вскоре за ним последовали еще две неудачные попытки оригинальной анимации, которые были эфирными пилотами Рождества в Таттертауне в 1988 и фестиваль Благодарения Ника в 1989 году.

Ранние шоу проложили путь к более поздним Никтуонам , включая Modern Life Rocko (1993–1996, 2019), эй, Арнольд! (1996–2004, 2017), Angry Beavers (1997–2001) и Catdog (1998-2001/2005). Никтуоны 21-го века включали Invader Zim (2001–2006, 2019), Jimmy Neutron (2001, 2002–2006), Chalkzone (2002–2008), Avatar: The Last Airbender (2005–2008) и Catscratch (2005-2007) Полем Последний мультфильм считается многими последним классическим Никтуном. Следуя простым каналам появились мультфильмы с 1991-2005 годов, в последующих Nickelodeon годах с 2005 года по настоящее время , в том числе на Barnyard (2006, 2007-2011), Mighty B! Аватара (2008-2011), Побочный сериал «Легенда о Корре» (2012–2014), Санджай и Крейг (2013–2016), Харви Бикс (2015–2017), «Громкий дом » (2016-Present), TLH Spinoff Casagrandes (2019-2022, 2024). Это Pony (2020–2022), Techs Glitch (2020), Middlemost Post (2021-2022), Star Trek: Prodigy (2021-2022) Big Nate (2022-2024) и Rock Papper Ngsissors (2024-й-представление). Первоначально продолжительным никтунским Rugrats был флагманской франшизой Nickelodeon, прежде чем ее превзошли Spongebob Squarepants (1999-Present) в 2004 году, когда сеть переименовала себя в выпуск первого фильма Губка .

13 сентября 1993 года Fox Kids транслировал первый эпизод Animaniacs (1993–1998, 2020–2023). Но затем, в 1999 году, был фильм под названием « Желание Вакко ». Подобно Trass, у Animaniacs были иннуоуэндоу, например: « есть Болони В наших брюках !» это пример.

Огромный успех Simpsons (1989-Present) и Show Ren & Stimpy (1991-1996) побудил более оригинальную и относительно дерзкую серию, в том числе South Park (Present 1997), King of the Hill (1997–2010), Family Guy (1999-й-Present) и Futurama (1999–2003, 2008–2013, 2023-Present).

Использование анимации на MTV увеличилось, когда канал начал делать все больше и больше шоу, которые не соответствовали его прозвище «музыкальное телевидение». Liquid Television (с 1991 по 1995 год) продемонстрировали вклад, которые в основном были созданы независимыми аниматорами, специально для шоу, и породили отдельный поток Eon , Beavis and Butte-Head (1993–1997) и Daria (1997–2002). Другие серии мультфильмов 1990 -х годов на MTV включали Head (1994–1996) и Maxx (1995), оба под баннером MTV Odditions . К 2001 году MTV закрыла свой отдел анимации, начал передавать свой анимационный сериал и в конечном итоге импортировал шоу из Associated Networks.

канала Warner Brothers 24-часовая кабельная сеть кабельного была запущена в Соединенных Штатах 1 октября 1992 года, и вскоре последовала первые международные версии . Первоначально программирование состояло из классических мультфильмов из обратных каталогов Warner Bros, MGM, Fleischer/Famous и Hanna-Barbera. С 1996 по 2003 год новая оригинальная серия проходила в качестве мультфильмов мультфильмов и представила лабораторию «Популярные названия» Декстера (1996–2003), Джонни Браво (1997–2004), Корова и курица (1997–1999), I Am Am Weasel (1997–2000) , PowerPuff Girls (1998–2005), Ed, Edd N Eddy (1999–2009), и мужество The Coasdly Dog (1999–2002). Примерами мультфильмов CN 21 -го века являются Samurai Jack (2001–2004, 2017), Codename: дети по соседству (2002–2008), Teen Titans (2003–2006), Ben 10 (2005–2008), Team ( 2010 –2018), «Регулярное шоу» (2010–2017) и «Удивительный мир Гамбалла» (2011–2019).

Телевизионная анимация для детей также продолжала процветать в Соединенных Штатах на других специализированных кабельных каналах, таких как Disney Channel / Disney XD , PBS Kids и в синдицированных водных игровых автоматах. Примеры анимированных мультфильмов Диснея в 90 -х годах - Talespin (1990–1991), Darkwing Duck (1991–1992), Goof Troop (1992, 1995, 2000), Aladdin (1994–1995, 1996), Gargoyles (1994–1997), 1994–1995, 1996), Gargoyles (1994–1997),. Timon & Pumbaa (1995–1999), 101 Dalmatians (1997–1998), Pepper Ann (1997–2000) и Disney's Crecess (1997–2001, 2003). После эпохи Ренессанса Диснея они были возможны (2002–2006, 2007), Phineas and Ferb (2007–2015), Gravity Falls (2012–2016), Star vs. The Force of Evil ( 2015–2019 Lion Guard (2016–2019), Ducktales (2017–2021), Big City Greens (2018-Present), Amphibia (2019–2022) и Соу-Хаус (2020–2023).

Мультфильмы, выпущенные в 1990 -х годах, иногда называют «эпохой анимации эпохи эпохи» для мультфильмов в целом, особенно для американских анимированных детских программ. Канал Диснея (принадлежащий бренду Disney Television ), Nickelodeon (принадлежащий Viacom , теперь известный как Paramount Global ), и Cartoon Network (принадлежащая Animation Warner Bros. ) будет доминировать в анимационной телевизионной индустрии. Эти три канала считаются «большой тройкой», детских развлечений, даже сегодня, но особенно в расцвете 1990 -х годов.

Прорыв компьютерной анимации и новых медиа

В течение 1990 -х годов 3D -анимация становилась все более и более мейнстримом, особенно в видеоиграх, и в конечном итоге была большой прорыв в 1995 году с Toy художественным фильмом Pixar Hit Story .

Более или менее фотореалистичная 3D-анимация использовалась для спецэффектов в некоторых рекламных роликах и фильмах с 1980-х годов до того, как в Терминаторе 2 появились эффекты прорыва (1991) и Парк Юрского периода (1993). С тех пор на стадии развивались методы, что разница между CGI и реальной кинематографией редко бывает очевидна. Кинопроизводители могут плавно смешать оба типа изображений с виртуальной кинематографией . Матрица (1999) и его два продолжения обычно рассматриваются как прорывные пленки в этой области.

The creation of virtual worlds allows real-time animation in virtual reality, a medium that has been experimented with since 1962 and started to see commercial entertainment applications in the 1990s.

Запуск Всемирной паутины повысил интерес к графике движения и компьютерной анимации, порождая многие новые приложения, методы и рынки для того, что стало известно как новые медиа .

2000–2010 гг.

Система захвата движения для анимации персонажа

После успеха Pixar 's Toy Story (1995) и (2001) Dreamworks ( Shrek 2001), компьютерная анимация превратилась в доминирующую технику анимации в США и многих других странах. Даже анимация, которая выглядела традиционная, была все чаще и чаще создавалась полностью с компьютерами, помогая, например, методы Cel- затенения , чтобы воспроизвести широко оцененный внешний вид традиционной анимации (истинная Cel-раздвижение в реальном времени была впервые представлена в 2000 году Sega 's Jet Set Radio для их консоли Dreamcast ). К 2004 году только небольшие постановки все еще были созданы с помощью традиционных методов.

Первые десятилетия 21 -го века также увидели, как 3D Фильм стал мейнстримом в кинотеатрах. Производственный процесс и визуальный стиль CGI идеально подходят для просмотра 3D, гораздо больше, чем традиционные стили и методы анимации. Тем не менее, многие традиционно анимированные фильмы могут быть очень эффективными в 3D. Disney успешно выпустил 3D-версию Lion King в 2011 году, за которой последовал Beauty and The Beast в 2012 году. Запланированная 3D-версия Romaid была отменена, когда красота и два Mittle титула Pixar были недостаточно успешны. Театральная касса. ^{[ 72 ]}

Дисней-Пиксар

Disney начал производить свои собственные компьютерные функции с помощью компьютера с динозавром и курицей , но продолжали делать анимированные функции с традиционным видом: новая Groove Emperor (2000), Atlantis: The Lost & 2002 Lilo & Stitch ( ), Screen Planet (2002), Brother Bear (2003) и Home On The Range (2004).

Планета сокровищ и дом на диапазоне была большим провалом на больших бюджетах, и казалось, что Дисней будет продолжаться только с 3D -анимацией компьютера. Финансовый анализ в 2006 году доказал, что Disney потеряла деньги на своих анимационных постановках за предыдущие десять лет. ^{[ 73 ]} В то же время, функции CGI Pixar сделали очень хорошо. Чтобы перевернуть вещи вокруг Disney приобрела Pixar в 2006 году и поставить творческий контроль над анимационными студиями Pixar и Walt Disney в руках Джона Лассетера из Pixar в рамках сделки. Студии останутся отдельными юридическими организациями . При Lasseter Studio Disney разработала как традиционно стилизованные, так и трехмерные анимационные проекты.

Театральный шорт , как подключить свой домашний театр (2007), проверил, можно ли использовать новые безбумажные анимационные процессы для взгляда, похожих на мультфильмы 1940 -х и 1950 -х годов, причем Гуфи возвращается к своей роли « Everyman » в его первом сольном появлении в 42 годы.

Рон Клементс и Джона Маскерского участия The Princess и The Frog (2009) были умеренным коммерческим и критическим успехом, но не возвращение для традиционных функций, которые студия надеялась. Его воспринимаемая неудача была в основном обвинена в использовании «Принцессы» в названии, заставляя потенциальных посетителей фильма думать, что это было только для маленьких девочек и старомодных.

Винни-Пух (2011) получил благоприятные отзывы, но потерпел неудачу в кассах и стала самой последней традиционной функцией Диснея на сегодняшний день, хотя студия заявила в 2019 и 2023 годах, что они открыты для предложений от кинематографистов для будущих ручных художественных проектов. ^{[ 74 ]}^{[ 75 ]} Frozen (2013) был первоначально задумано в традиционном стиле, но переключился на 3D CGI, чтобы обеспечить создание определенных необходимых визуальных элементов. В то время он стал самым большим хитом Диснея, превзойдя как «Король Льва» Пиксара , так и «История игрушек 3» как самый капризный анимационный фильм за все время , и выиграв первую награду Академии студии за лучшую анимацию.

Аниме

Особенно во всем мире анимация, нарисованная вручную, продолжала быть очень популярной, особенно в Японии, где традиционно стилизованное аниме оставалось доминирующей техникой. Популярность аниме продолжала расти внутри страны, с рекордно высоким аниме-сериалом 340, транслируемых по телевидению в 2015 году, а также на международном уровне, с посвященным блоком Tooonami в Cartoon Network (1997–2008 гг.) И взрослым плаванием (с 2012 года) и с Потоковые сервисы, такие как Netflix и Amazon Prime Licensing and Lizing и производство растущего количества аниме.

Миядзаки с духом ( Ghibli продолжил свой огромный успех 2001 ) Nu ( 2013 The Wind Ries) ) и Йонебаяши заимствовали Ариетти ( 2010 Хиромасса ). ( Принцессы Кагуя) (2013) была номинирована на премию «Оскар» «Оскар» Оскар и многие другие награды.

Макос Шинкай директора Имя . (Ваше имя) (2016, аниме-фильм с самым высоким кассовым фильмом всех времен на международном уровне) и выветривание с вами (2019).

Остановить движение

После новаторской работы, таких как Дж. Стюарт Блэктон , Сегундо де Чомон и Артур Мельбурн-Коупер , «Стоп Движение» стало ветвью анимации, которая была гораздо менее доминирующей, чем нарисованная вручную анимацию и компьютерную анимацию. Тем не менее, было много успешных фильмов и телесериалов Stop-Motion. Среди аниматоров, чьи работы с анимированными марионетками получили наибольшее признание, - Wladyslaw Starewicz , Джордж Пал и Генри Селик . Популярные названия с использованием анимированной глины включают Gumby (1953), Mio Mao (1970), The Red and The Blue (1976), Pingu (1990–2000) и многие Aardman Animations Productions ( Morph (1977) и Wallace and Gromit (1989))) Полем

В руках влиятельных кинематографистов, таких как Ян Сванкмаджер и Братья набережная , остановское движение считалось высоко художественной средой.

До тех пор, пока он в значительной степени не заменен на компьютерные эффекты, Stop Motion также была популярной техникой для спецэффектов в фильмах в прямом эфире. Пионер Уиллис О'Брайен и его протеже Рэй Гаррихаузен анимировали многих монстров и существ для голливудских фильмов в прямом эфире, используя модели или марионетки с арматурами. Для сравнения, анимация, нарисованная вручную, относительно часто объединялась с живым действием, но обычно очевидным образом и часто используется как удивительный трюк, который сочетает в себе «настоящий» мир и мир фантазии или мечты. Только очень иногда была нарисованная вручную анимацию в качестве убедительных спецэффектов (например, в кульминации Highlander (1986)).

Вырез анимация

Методы вырезки относительно часто использовались в анимационных фильмах, пока анимация CEL не стала стандартным методом (по крайней мере, в Соединенных Штатах). Самыми ранними анимационными художественными фильмами Квирино Кристиани и Лотте Рейнигера были анимации.

До 1934 года японская анимация в основном использовала методы выреза, а не анимацию CEL, потому что целлулоид был слишком дорогим. ^{[ 76 ]}^{[ 77 ]}

Поскольку вырезы часто были нарисованы вручную, а некоторые постановки объединяют несколько методов анимации, анимация выреза иногда может выглядеть очень похоже на традиционную анимацию.

В то время как иногда используется в качестве простого и дешевого метода анимации в детских программах (например, в двигателе Aivor ), анимация вырезов осталась относительно художественной и экспериментальной средой в руках таких кинематографистов, как Гарри Эверетт Смит , Терри Гиллиам , Джон Корти и Джим Блашфилд Полем

Сегодня анимация в стиле выреза часто производится с использованием компьютеров , со сканируемыми изображениями или векторной графикой, где занимаются физически разрезанные материалы. South Park является заметным примером перехода, так как его пилотный эпизод был сделан из бумажных вырезов перед переходом на компьютерное программное обеспечение . Подобные стилистические выборы и смеси с различными методами в компьютерной анимации затрудняли различие между «традиционными», вырезами и флэш -стилями анимации.

Другие события по региону

Америка

История кубинской анимации

1970: Хуан Падрон создает персонажа Элпидио Вальдеса , звезды долгосрочной серии шорт и двух кинофильмов.
1992: анимационная категория добавлена на Международный фестиваль нового латиноамериканского кино .

История мексиканской анимации

1935: Альфонсо Вергара продюсирует Paco Perico в Premier , анимационном короткометражном фильме.
1974: Fernando Ruiz выпускает три Magi Kings , первый анимационный фильм в Мексике.
1977: Anuar Badin создает фильм Los Supersabios , основанный на комиксе.
1983: Рой дель Эспачио

Европа

История итальянской анимации

1977: Классическая Аллегро Нон Троппо , пародия/дань уважения фантазии Диснея -самая амбициозная работа режиссера Бруно Боззетто и его третья анимация в области функции, после того, как спагетти Западный Запад и Сода и пародия на супергероя Vip My Brother Superman , и после Несколько заметных шорт (включая г-на Росси и номинированные на Оскар кузнечики (Каваллетт) ). ^{[ 78 ]}

История анимации в Хорватии (в бывшей Югославии)

1953: Zagreb Фильм открывает Загреба . Школу анимации
1975: Школа анимационного фильма Чиковек (ШАФ) открывает Човека . Школу анимации

Азия

СМИ

1921 года Продолжение « » 1921 года Герти -динозавр , 1914, первый мультфильм с анимацией личности анимации

Смотрите также

Ссылки

Цитаты

^ Jump up to: ^а ^{беременный} ^в Крафтон, Дональд (14 июля 2014 г.). Эмиль Кол, карикатура и фильм . ПРИЗНАЯ УНИВЕРСИТЕТА ПРИСЕТА. ISBN 9781400860715 - через Google Books.
^ "Бинг" . www.zinnfiguren-bleifiguren.com (на немецком языке).
^ Литтен, Фредерик С. Анимационный фильм в Японии до 1919 года. Западная анимация и начало аниме .
^ Литтен, Фредерик С. (17 июня 2014 г.). Японская цветная анимация из ок. 1907 по 1945 год (PDF) .
^ Леди 2014 , с. 11-15.
^ Дом Призраков (1906)-IMDB , получен 2022-03-08
^ Миниатюрный театр (1906)-IMDB , извлечен 2022-03-08
^ Отель с привидениями (1907)-IMDB , извлечен 2022-03-08
^ Японская магия (1907)-IMDB , извлечен 2022-03-08
^ Beckerman 2003 , с. 17–18.
^ Jump up to: ^а ^{беременный} Крандол, Майкл. «История анимации: преимущества и недостатки студийной системы в производстве художественной формы» . Архивировано из оригинала 21 августа 2011 года . Получено 18 апреля 2012 года .
^ Барнс, Брукс (2022-12-13). "Reclaiming a Place in Animation History for a Female Pioneer" . New York Times . ISSN 0362-4331 . Retrieved 2022-12-15 .
^ Intelae 1994 , p. 17
^ Соломон 1989 , с. 14–19.
^ Crafton 1993 , p. 116
^ "BFI Screenonline: анимация" . www.screenonline.org.uk . Получено 2020-09-17 .
^ «Смотрите книгу« Эскиз Джона Булла » . Игрок BFI . Получено 2020-09-17 .
^ "Дадли Бакстон" . S200354603.WebsiteHome.co.uk . Получено 2020-09-17 .
^ Ленбург, Джефф (23 августа 2006 г.). Кто есть кто в анимационных мультфильмах: международное руководство по кино и телевидению, отмеченным и легендарными аниматорами . Хэл Леонард Корпорация. п. 22 ISBN 9781557836717 - через интернет -архив.
^ Соломон 1989 , с. 22–23.
^ Crafton 1993 , pp. 153–154.
^ Crafton 1993 , p. 150
^ Соломон 1989 , с. 24–26.
^ Маклафлин, Дэн (2001). «Довольно неполная, но все еще увлекательная история анимации» . UCLA. Архивировано с оригинала 19 ноября 2009 года . Получено 18 апреля 2012 года .
^ «Метод производства мультфильмов для движения» .
^ Beckerman 2003 , p. 27–28.
^ Соломон 1989 , с. 34
^ Jump up to: ^а ^{беременный} ^в Bendazzi, Ginanalberto (1996). «Квирино Кристиани, невыразимая история пионера Аргентины » www.awn.com
^ Beckerman 2003 , p. 25
^ "Quirino Cristiani" . Продукты зеркально. 2011-08-24. Архивировано из оригинала 2011-08-24 . Получено 2021-05-03 .
^ Beckerman 2003 , p. 44
^ Сусанин, Тимоти С. (2011-06-30). Уолт перед Микки: ранние годы Диснея, 1919-1928 . Univ. Пресса Миссисипи. ISBN 978-1-62674-456-1 .
^ "Проект Flip the Frog, часть 2: очистка и термин" реставрация "|" Полем cartoonresearch.com .
^ Диркс, Тим. «Анимационные фильмы, часть 1» . Filmsite.org . AMC Networks . Получено 18 апреля 2012 года .
^ «Нарисован, чтобы быть диким: жизнь Лотте Рейнигера» . 2001-03-03. Архивировано из оригинала 2001-03-03 . Получено 2020-02-10 .
^ Лангер, Марк (1992-12-01). «Дилемма Диснея-Флейшер: дифференциация продукта и технологические инновации» . Экран . 33 (4): 343–360. doi : 10.1093/экран/33.4.343 . ISSN 0036-9543 .
^ Lee 2012 , с. 55–56.
^ Krasniewicz 2010 , стр. 60–64.
^ Gabler 2007 , с. 181–189.
^ Манруп, Рауль; Портела, Мария Алехандра (2001). Аргентинский словарь фильмов (1930-1995) (на испанском). Редакция Corregidor, Buenos Aires. ISBN 950-05-0896-6 Полем Получено 20 января 2013 года .
^ Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов (третье изд.). п. 8
^ Princess Iron Fan (1941) с английскими субтитрами: https://www.youtube.com/watch?v=oCup840yj2c&t=311s
^ Intelae 1994 , p. 231.
^ Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . п. 9
^ Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . С. 10–11.
^ Ханна, Уильям; Ито, Том (1996). Актерский состав друзей . Интернет -архив. Даллас, Текс .: Тейлор Паб. ISBN 9780878339167 .
^ Intelance 1994 , стр. 234-35.
^ Мэйр, Джордж; Грин, Анна (1997). Рози О'Доннелл: Ее правдивая история . Кэрол издательская группа. ISBN 978-1-55972-416-6 .
^ Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . п. 12
^ «Не верьте своим глазам! Как« сцеплять груз »разрезает углы как телевизионный комикс» . ТВ -гид : 29. 24 декабря 1960 года.
^ «Это будет не все, ребята, когда мультфильмы возвращаются: анимация: недавний успех кассовых сборов полнометражных функций создает новый бум в отрасли, который может конкурировать с« Золотым веком 30-х » . Los Angeles Times . 1990-05-25 . Получено 2020-01-26 .
^ Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . С. 6–7.
^ Барьер, Майкл (весна 1972). «Съемки Фрица Кошки : отрываясь от прилива» . FunnyWorld (14) . Получено 2 марта 2007 г.
^ «Фестиваль де Канн: фантастическая планета» . Festival-cannes.com . Архивировано из оригинала 22 августа 2011 года . Получено 2009-04-19 .
^ Чарльз Брамеско, Алисса Уилкинсон, Скотт Тобиас, Ноэль Мюррей, Дженна Шерер, Тим Грисон и Сэм Адамс (28 июня 2016 года). «40 величайших анимационных фильмов когда -либо - 36.« Фантастическая планета »(1973)» . Катящий камень . Архивировано с оригинала 12 июля 2017 года . Получено 12 июля 2017 года . {{cite magazine}}: Cs1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )
^ «Аниме в Европе» . 2 февраля 2015 года. Архивировано с оригинала 2 февраля 2015 года.
^ Финн, Питер (31 мая 2005 г.). «20 лет труда, 20 минут уникального фильма» . The Washington Post . Получено 1 апреля 2015 года .
^ Лиса и Заяц (1973) -Imdb
^ Кавалер, Стивен (19 июня 2015 г.). "100 Greatest Animated Shorts / Hedgehog in the Fog / Yuri Norstein" . Skwigly . Получено 25 января 2019 года .
^ Jump up to: ^а ^{беременный} «Гуннар Стрим - два золотых века анимационного музыкального видео - анимационные исследования» . 6 февраля 2008 года. Архивировано с оригинала 2019-08-05 . Получено 2020-01-17 .
^ Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Kraftwerk-Autobahn , 21 декабря 2010 года , получен 2020-01-28
^ Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Kraftwerk-Создание мультфильма Autobahn , 16 сентября 2013 года , получено 2020-01-28
^ Приморская женщина-IMDB , извлечен 2020-01-17
^ «Субботнее утреннее телевидение 80 -х» .
^ Гудман, Мартин (12 октября 2010 г.). «Доктор Туон: Когда Рейган встретил Оптимус Прайм» .
^ Jump up to: ^а ^{беременный} «Класс Calarts, который создал великий ренессанс анимации» . Тщеслаковая ярмарка . 11 февраля 2014 года.
^ «То, что мы узнали из разговора с Джеймсом Бакстером во время музея семейного музея Уолта Диснея в течение нескольких часов» . 5 февраля 2021 года.
^ «Иллюзия Disney в области жизни лучших книг по анимации» .
^ Jump up to: ^а ^{беременный} «Это будет не все, ребята, когда мультфильмы возвращаются: анимация: недавний успех кассовых сборов полнометражных функций создает новый бум в отрасли, который может конкурировать с« Золотым веком 30-х » . Los Angeles Times . 1990-05-25 . Получено 2020-01-27 .
^ "Более 75 000 раз!" Полем
^ Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Ultimate Collection 230 MTV ID IDENTS ADVERT Bumpers , 20 августа 2014 года , полученная 2020-01-16
^ «Дисней отменяет« Маленькую русалку 3-D », даты« Пираты 5 »на 2015 год» . Los Angeles Times . 2013-01-14 . Получено 2020-02-21 .
^ Исааксон, Уолтер (2013). Стив Джобс (1 -я мягкая обложка изд.). Нью -Йорк: Саймон и Шустер. п. 439 . ISBN 9781451648546 .
^ Пирсон, Бен (30 сентября 2019 г.). "Walt Disney Animation Isn't Opposed to Hand-Drawn Features, Jennifer Lee Talks About Making Changes After John Lasseter's Exit [Interview]" . /Фильм . Получено 27 мая 2021 года .
^ Бейт, Джош (2023-11-20). «Дисней может вернуться в 2D -анимацию, говорит директор Wish Wish» . CBR . Получено 2023-11-24 .
^ Шарп, Джаспер (2009). «Первые кадры аниме». Корни японского аниме , Официальный буклет, DVD.
^ Шарп, Джаспер (23 сентября 2004 г.). «Пионеры японской анимации (часть 1)» . Полночный глаз . Получено 10 декабря 2009 г.
^ «Qnetwork Entertainment Portal» . Qnetwork.com. 2004-02-03. Архивировано из оригинала 2008-02-19 . Получено 2011-03-28 .

Работы цитируются

Библиография

Беккерман, Говард (2003). Анимация: вся история . Allworth Press. ISBN 1-58115-301-5 .
Бендацци, Джанналберто (1994). Мультфильмы: сто лет анимации кино . Блумингтон, Индиана: издательство Университета Индианы. ISBN 0-253-20937-4 .
Бьюкен, Сюзанна (2013). Распространенная анимация . Нью -Йорк и Лондон: Routledge. ISBN 978-0-415-80723-4 .
Клементс, Джонатан ; Маккарти, Хелен (2006). Энциклопедия аниме: руководство по японской анимации с 1917 года . Каменный мост Пресс . ISBN 978-1-84576-500-2 .
Crafton, Donald (1993). Перед Микки: анимационный фильм 1898–1928 . Чикаго: Университет Чикагской Прессы. ISBN 0-226-11667-0 .
Финкиэльман, Хорхе (2004). Киноиндустрия в Аргентине: иллюстрированная история культуры . Северная Каролина: Макфарланд. ISBN 0-7864-1628-9 .
Габлер, Нил (2007). Уолт Дисней: триумф американского воображения . Нью -Йорк: винтажные книги. ISBN 978-0-6797-5747-4 .
Krasniewicz, Louise (2010). Уолт Дисней: биография . Санта -Барбара: Гринвуд. ISBN 978-0-3133-5830-2 .
Ли, Ньютон; Modej, Krystina (2012). Истории Диснея: добраться до цифрового . Лондон: Springer Science+Business Media. ISBN 978-1-4614-2101-6 .
Лопес, Антонио (2012). «Новый взгляд на первую японскую анимацию». Опубликованные разбирательства ести Confia ести (Международная конференция по иллюстрации и анимации), 29–30 ноября 2012 года . IPCA. С. 579–586. ISBN 978-989-97567-6-2 .
Массон, Терренс (1999). CG 101: В Ссылках на компьютерную графику . Digital Fauxtegraphy Inc. ISBN 0-7357-0046-х .
Мальтин, Леонард; Бек, Джерри (1980). Мышей и магии: история американских анимационных мультфильмов . Нью-Йорк: МакГроу-Хилл. ISBN 978-0-0703-9835-1 Полем </ref>
2011 ( Matsumoto , Natsuki . ) 978-4-86405-029-6 .
Нидхэм, Джозеф (1962). «Наука и цивилизация в Китае». Физика и физические технологии . Тол. IV Издательство Кембриджского университета.
Рохас, Карлос (2013). Оксфордский справочник китайских кинотеатров . Издательство Оксфордского университета. ISBN 978-0-19-998844-0 .
Ронан, Колин А; Нидхэм, Джозеф (1985). Более короткая наука и цивилизация в Китае: том 2 . Издательство Кембриджского университета. ISBN 0-521-31536-0 .
Соломон, Чарльз (1989). Зачарованные рисунки: история анимации . Нью -Йорк: Random House, Inc. ISBN 978-0-394-54684-1 .
Томас, Боб (1958). Уолт Дисней, «Искусство анимации: история о вкладе студии Диснея» в новое искусство . Саймон и Шустер. {{cite book}}: |work= игнорируется ( помощь )

Онлайн -источники

Сотрудники аниме новостей (2005-08-07). «Старейшее аниме найдено» . Аниме -новостная сеть . Получено 2014-02-12 .
Кон, Нил (15 февраля 2006 г.). «Визуальный лингвист: Burnt City ~~Animation~~ VL» . Визуальный лингвист.
Болл, Райан (12 марта 2008 г.). «Старая анимация обнаружена в Иране» . Журнал анимации .
Бендацци, Джанналберто (1996). «Невыразимая история пионерского аниматора Аргентины» . Анимационная мировая сеть . Получено 2011-03-28 .

Внешние ссылки

Ллевеллин, Ричард (2013). «Хронология введения анимации» . Анимированные диваты Ричарда . Архивировано из оригинала 2021-01-19 . Получено 2011-02-28 .
«Список анимационных фильмов, снятых в Европе» . Анимация Европа .
Герберт, Стивен. «Анимация перед фильмом» . Колесо жизни .
Классика китайского кино: анимация и мультфильмы (Манхуа) : примеры и обсуждение анимации в ранней китайской киноиндустрии, с научного веб -сайта Chinesfilmclassics.org

[Cohl-1] Jump up to: ^а ^{беременный} ^в Крафтон, Дональд (14 июля 2014 г.). Эмиль Кол, карикатура и фильм . ПРИЗНАЯ УНИВЕРСИТЕТА ПРИСЕТА. ISBN 9781400860715 - через Google Books.

[2] "Бинг" . www.zinnfiguren-bleifiguren.com (на немецком языке).

[3] Литтен, Фредерик С. Анимационный фильм в Японии до 1919 года. Западная анимация и начало аниме .

[4] Литтен, Фредерик С. (17 июня 2014 г.). Японская цветная анимация из ок. 1907 по 1945 год (PDF) .

[FOOTNOTELitten201411–15-5] Леди 2014 , с. 11-15.

[6] Дом Призраков (1906)-IMDB , получен 2022-03-08

[7] Миниатюрный театр (1906)-IMDB , извлечен 2022-03-08

[8] Отель с привидениями (1907)-IMDB , извлечен 2022-03-08

[9] Японская магия (1907)-IMDB , извлечен 2022-03-08

[FOOTNOTEBeckerman200317–18-10] Beckerman 2003 , с. 17–18.

[Crandol-11] Jump up to: ^а ^{беременный} Крандол, Майкл. «История анимации: преимущества и недостатки студийной системы в производстве художественной формы» . Архивировано из оригинала 21 августа 2011 года . Получено 18 апреля 2012 года .

[12] Барнс, Брукс (2022-12-13). "Reclaiming a Place in Animation History for a Female Pioneer" . New York Times . ISSN 0362-4331 . Retrieved 2022-12-15 .

[FOOTNOTEBendazzi199417-13] Intelae 1994 , p. 17

[FOOTNOTESolomon198914–19-14] Соломон 1989 , с. 14–19.

[FOOTNOTECrafton1993116-15] Crafton 1993 , p. 116

[16] "BFI Screenonline: анимация" . www.screenonline.org.uk . Получено 2020-09-17 .

[17] «Смотрите книгу« Эскиз Джона Булла » . Игрок BFI . Получено 2020-09-17 .

[18] "Дадли Бакстон" . S200354603.WebsiteHome.co.uk . Получено 2020-09-17 .

[19] Ленбург, Джефф (23 августа 2006 г.). Кто есть кто в анимационных мультфильмах: международное руководство по кино и телевидению, отмеченным и легендарными аниматорами . Хэл Леонард Корпорация. п. 22 ISBN 9781557836717 - через интернет -архив.

[FOOTNOTESolomon198922–23-20] Соломон 1989 , с. 22–23.

[FOOTNOTECrafton1993153–154-21] Crafton 1993 , pp. 153–154.

[FOOTNOTECrafton1993150-22] Crafton 1993 , p. 150

[FOOTNOTESolomon198924–26-23] Соломон 1989 , с. 24–26.

[McLaughlin-24] Маклафлин, Дэн (2001). «Довольно неполная, но все еще увлекательная история анимации» . UCLA. Архивировано с оригинала 19 ноября 2009 года . Получено 18 апреля 2012 года .

[25] «Метод производства мультфильмов для движения» .

[FOOTNOTEBeckerman200327–28-26] Beckerman 2003 , p. 27–28.

[FOOTNOTESolomon198934-27] Соломон 1989 , с. 34

[bendazzil-28] Jump up to: ^а ^{беременный} ^в Bendazzi, Ginanalberto (1996). «Квирино Кристиани, невыразимая история пионера Аргентины » www.awn.com

[FOOTNOTEBeckerman200325-29] Beckerman 2003 , p. 25

[30] "Quirino Cristiani" . Продукты зеркально. 2011-08-24. Архивировано из оригинала 2011-08-24 . Получено 2021-05-03 .

[FOOTNOTEBeckerman200344-31] Beckerman 2003 , p. 44

[32] Сусанин, Тимоти С. (2011-06-30). Уолт перед Микки: ранние годы Диснея, 1919-1928 . Univ. Пресса Миссисипи. ISBN 978-1-62674-456-1 .

[33] "Проект Flip the Frog, часть 2: очистка и термин" реставрация "|" Полем cartoonresearch.com .

[Animated_Films_Part_100000-34] Диркс, Тим. «Анимационные фильмы, часть 1» . Filmsite.org . AMC Networks . Получено 18 апреля 2012 года .

[35] «Нарисован, чтобы быть диким: жизнь Лотте Рейнигера» . 2001-03-03. Архивировано из оригинала 2001-03-03 . Получено 2020-02-10 .

[36] Лангер, Марк (1992-12-01). «Дилемма Диснея-Флейшер: дифференциация продукта и технологические инновации» . Экран . 33 (4): 343–360. doi : 10.1093/экран/33.4.343 . ISSN 0036-9543 .

[FOOTNOTELee201255–56-37] Lee 2012 , с. 55–56.

[FOOTNOTEKrasniewicz201060–64-38] Krasniewicz 2010 , стр. 60–64.

[FOOTNOTEGabler2007181–189-39] Gabler 2007 , с. 181–189.

[Diccionario-40] Манруп, Рауль; Портела, Мария Алехандра (2001). Аргентинский словарь фильмов (1930-1995) (на испанском). Редакция Corregidor, Buenos Aires. ISBN 950-05-0896-6 Полем Получено 20 января 2013 года .

[41] Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов (третье изд.). п. 8

[42] Princess Iron Fan (1941) с английскими субтитрами: https://www.youtube.com/watch?v=oCup840yj2c&t=311s

[FOOTNOTEBendazzi1994231-43] Intelae 1994 , p. 231.

[44] Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . п. 9

[45] Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . С. 10–11.

[46] Ханна, Уильям; Ито, Том (1996). Актерский состав друзей . Интернет -архив. Даллас, Текс .: Тейлор Паб. ISBN 9780878339167 .

[FOOTNOTEBendazzi1994234–35-47] Intelance 1994 , стр. 234-35.

[48] Мэйр, Джордж; Грин, Анна (1997). Рози О'Доннелл: Ее правдивая история . Кэрол издательская группа. ISBN 978-1-55972-416-6 .

[49] Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . п. 12

[50] «Не верьте своим глазам! Как« сцеплять груз »разрезает углы как телевизионный комикс» . ТВ -гид : 29. 24 декабря 1960 года.

[51] «Это будет не все, ребята, когда мультфильмы возвращаются: анимация: недавний успех кассовых сборов полнометражных функций создает новый бум в отрасли, который может конкурировать с« Золотым веком 30-х » . Los Angeles Times . 1990-05-25 . Получено 2020-01-26 .

[52] Ленбург, Джефф (2009). Энциклопедия анимированных мультфильмов - третье издание . С. 6–7.

[Barrier-1-53] Барьер, Майкл (весна 1972). «Съемки Фрица Кошки : отрываясь от прилива» . FunnyWorld (14) . Получено 2 марта 2007 г.

[festival-cannes.com-54] «Фестиваль де Канн: фантастическая планета» . Festival-cannes.com . Архивировано из оригинала 22 августа 2011 года . Получено 2009-04-19 .

[rollingstone-55] Чарльз Брамеско, Алисса Уилкинсон, Скотт Тобиас, Ноэль Мюррей, Дженна Шерер, Тим Грисон и Сэм Адамс (28 июня 2016 года). «40 величайших анимационных фильмов когда -либо - 36.« Фантастическая планета »(1973)» . Катящий камень . Архивировано с оригинала 12 июля 2017 года . Получено 12 июля 2017 года . {{cite magazine}}: Cs1 maint: несколько имен: список авторов ( ссылка )

[56] «Аниме в Европе» . 2 февраля 2015 года. Архивировано с оригинала 2 февраля 2015 года.

[57] Финн, Питер (31 мая 2005 г.). «20 лет труда, 20 минут уникального фильма» . The Washington Post . Получено 1 апреля 2015 года .

[58] Лиса и Заяц (1973) -Imdb

[59] Кавалер, Стивен (19 июня 2015 г.). "100 Greatest Animated Shorts / Hedgehog in the Fog / Yuri Norstein" . Skwigly . Получено 25 января 2019 года .

[journal.animationstudies.org-60] Jump up to: ^а ^{беременный} «Гуннар Стрим - два золотых века анимационного музыкального видео - анимационные исследования» . 6 февраля 2008 года. Архивировано с оригинала 2019-08-05 . Получено 2020-01-17 .

[61] Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Kraftwerk-Autobahn , 21 декабря 2010 года , получен 2020-01-28

[62] Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Kraftwerk-Создание мультфильма Autobahn , 16 сентября 2013 года , получено 2020-01-28

[63] Приморская женщина-IMDB , извлечен 2020-01-17

[64] «Субботнее утреннее телевидение 80 -х» .

[65] Гудман, Мартин (12 октября 2010 г.). «Доктор Туон: Когда Рейган встретил Оптимус Прайм» .

[vanityfair.com-66] Jump up to: ^а ^{беременный} «Класс Calarts, который создал великий ренессанс анимации» . Тщеслаковая ярмарка . 11 февраля 2014 года.

[67] «То, что мы узнали из разговора с Джеймсом Бакстером во время музея семейного музея Уолта Диснея в течение нескольких часов» . 5 февраля 2021 года.

[68] «Иллюзия Disney в области жизни лучших книг по анимации» .

[latimes.com-69] Jump up to: ^а ^{беременный} «Это будет не все, ребята, когда мультфильмы возвращаются: анимация: недавний успех кассовых сборов полнометражных функций создает новый бум в отрасли, который может конкурировать с« Золотым веком 30-х » . Los Angeles Times . 1990-05-25 . Получено 2020-01-27 .

[ShuttleLaunch-70] "Более 75 000 раз!" Полем

[71] Заархивировано в Ghostarchive и на машине Wayback : Ultimate Collection 230 MTV ID IDENTS ADVERT Bumpers , 20 августа 2014 года , полученная 2020-01-16

[72] «Дисней отменяет« Маленькую русалку 3-D », даты« Пираты 5 »на 2015 год» . Los Angeles Times . 2013-01-14 . Получено 2020-02-21 .

[Isaacson1-73] Исааксон, Уолтер (2013). Стив Джобс (1 -я мягкая обложка изд.). Нью -Йорк: Саймон и Шустер. п. 439 . ISBN 9781451648546 .

[74] Пирсон, Бен (30 сентября 2019 г.). "Walt Disney Animation Isn't Opposed to Hand-Drawn Features, Jennifer Lee Talks About Making Changes After John Lasseter's Exit [Interview]" . /Фильм . Получено 27 мая 2021 года .

[75] Бейт, Джош (2023-11-20). «Дисней может вернуться в 2D -анимацию, говорит директор Wish Wish» . CBR . Получено 2023-11-24 .

[76] Шарп, Джаспер (2009). «Первые кадры аниме». Корни японского аниме , Официальный буклет, DVD.

[Midnight-77] Шарп, Джаспер (23 сентября 2004 г.). «Пионеры японской анимации (часть 1)» . Полночный глаз . Получено 10 декабря 2009 г.

[78] «Qnetwork Entertainment Portal» . Qnetwork.com. 2004-02-03. Архивировано из оригинала 2008-02-19 . Получено 2011-03-28 .

[ 1 ]

[ 2 ]

[ 3 ]

[ 4 ]

[ 5 ]

[6]

[7]

[8]

[9]

[10]

[11]

[12]

[13]

[14]

[15]

[16]

[17]

[18]

[19]

[20]

[21]

[22]

[23]

[24]

[25]

[26]

[27]

[28]

[29]

[30]

[31]

[32]

[33]

[34]

[35]

[36]

[37]

[38]

[39]

[40]

[41]

[42]

[43]

[44]

[45]

[46]

[47]

[48]

[49]

[50]

[51]

[52]

[53]

[54]

[55]

[56]

[57]

[58]

[59]

[60]

[61]

[62]

[63]

[64]

[65]

[66]

[ 67 ]

[ 68 ]

[ 69 ]

[ 70 ]

[ 71 ]

[ 72 ]

[ 73 ]

[ 74 ]

[ 75 ]

[ 76 ]

[ 77 ]

[ 78 ]