Классический период (музыка)

Молодой Вольфганг Амадей Моцарт , представитель композитора классического периода, сидя на клавиатуре.

Классический период был эпохой классической музыки примерно в 1750 и 1820 годах.

Классический период падает между барокко и романтическими периодами. Классическая музыка имеет более легкую, более четкую текстуру, чем музыка барокко, но более различное использование музыкальной формы , которая, в более простых терминах, ритм и организация любого данного музыкального произведения. Это в основном гомофоническое , используя прозрачную линию мелодии над подчиненным хордовым сопровождением , Но Counterpoint ни в коем случае не был забыт, особенно в литургической вокальной музыке, а затем в этом периоде, светской инструментальной музыке. Он также использует стиль Galant , который подчеркивает легкую элегантность вместо достойной серьезности и впечатляющего величия барокко. Разнообразие и контраст в произведении стали более выраженными, чем раньше, а оркестр увеличился в размерах, диапазоне и мощности.

Квестландский язык был заменен в качестве основного клавишного инструмента пианино ( или Fortepiano ). В отличие от клавесина, которое срывает струны печь, пианино ударяют по струнам с помощью кожаных молотков, когда нажимают ключи, что позволяет исполнителю играть громче или мягче (отсюда и первоначальное название «Fortepiano», буквально «громко») и и) и и более играть с большим выражением; Напротив, сила, с которой исполнитель играет клавиши клавесины, не меняет звук. Инструментальная музыка считалась важной композиторов классического периода. Основными видами инструментальной музыки были соната , трио , струнный квартет , квинтет , симфония (исполняемая оркестром) и сольный концерт , в котором участвовал сольный исполнитель виртуоза, играющий в одиночку для скрипки, фортепиано, флейты или другого инструмента , в сопровождении оркестра. Вокальная музыка, такая как песни для певца и фортепиано (в частности, работа Шуберта), «Хорские работы » и «Опера» (поэтапная драматическая работа для певцов и оркестра), также была важна в течение этого периода.

Самыми известными композиторами этого периода являются Джозеф Гайдн , Вольфганг Амадей Моцарт , Людвиг Ван Бетховен и Франц Шуберт ; Другие имена в этот период включают: Карл Филипп Эмануэль Бах , Иоганн Кристиан Бах , Луиджи Бочини , Доменико Симароса , Джозеф Мартин Краус , Музио Клементи , Кристоф Уиллибальд Глюк , Карл Диттерс Фон Диттерс , Андре Грэтри , Пьер-Алекс-Алекср, Леопольд , Лептерф , Лептерф , Михаил. Гайдн , Джованни Пайсиелло , Иоганн Баптист Ванхал , Франсуа-Андре Даникан Филидор , Никколо Пиччинни , Антонио Сальери , Этьен Николас Мехул , Георг Кристоф Вагенсеил , Йоханн Симон Мэйр , Георг Маттиас Монн , Джорн Гелэб-Грэйн , Карл-Грэн , Хейн , Джордж Монн тонна Бенда , Иоганн Георг Альбрехтсбергер , Мауро Джулиани , Кристиан Каннабич и Chevalier de Saint-Georges . Бетховен рассматривается либо романтическим композитором, либо композитором классического периода, который был частью перехода к романтической эпохе. Шуберт также является переходной фигурой, как и Иоганн Непомук Хаммел , Луиджи Черубини , Гаспаре Спонтини , Гиоахино Россини , Карл Мария фон Вебер , Ян Ладислав Дассек и Никколо Паганини . Период иногда называют эпохой венского классицизма (немецкий: Винер Классейк ), так как Глюк, Гайдн, Сальери, Моцарт, Бетховен и Шуберт работали в Вене .

Классицизм

В середине 18 -го века Европа начала двигаться к новому стилю в архитектуре , литературе и искусстве, обычно известном как неоклассицизм . Этот стиль стремился подражать идеалам классической древности , особенно в классической Греции . Классическая музыка использовала формальность и акцент на порядок и иерархию, а также «более чистый» стиль, «чистый», в котором использовались более четкие разделы между частями (в частности, ясная, одиночная мелодия, сопровождаемая аккордами), более яркие контрасты и «тональные цвета» (достигнутая Использование динамических изменений и модуляций для большего количества ключей). В отличие от богато многослойной музыки эпохи барокко, классическая музыка двинулась к простоте, а не к сложности. Кроме того, типичный размер оркестров начал увеличиваться, давая оркестры более мощный звук.

Замечательное развитие идей в « естественной философии » уже зарекомендовало себя в общественном сознании. В частности, Ньютона физика была воспринята как парадигма: структуры должны быть обоснованы в аксиомах и быть как хорошо изученными, так и упорядоченными. Этот вкус к структурной ясности начал влиять на музыку, которая отошла от слоистой полифонии периода барокко к стилю, известному как гомофония , в которой мелодия разыгрывается над подчиненной гармонией . Этот шаг означал, что аккорды стали гораздо более распространенной особенностью музыки, даже если они прервали мелодическую гладкость одной части. В результате тональная структура музыки стала более слышей .

Новый стиль также поощрялся изменениями в экономическом порядке и социальной структуре. По мере того, как 18 -й век прогрессировал хорошо, дворянство стало основными покровителями инструментальной музыки, в то время как общественный вкус все больше предпочитает более легкие, забавные комические оперы . Это привело к изменениям в том, как была выполнена музыка, наиболее важным из которых был переход к стандартным инструментальным группам и снижению важности Continuo - ритмической и гармонической основы музыкального произведения, которую обычно играют клавиатура ( Квестландский язык или орган ) и обычно сопровождается разнообразной группой басовых инструментов, включая виолончель , двойной бас , бас -вил и Theorbo . Одним из способов отследить упадок Continuo и его фигурных аккордов является изучение исчезновения термина obbligato , что означает обязательную инструментальную часть в рабочем музыке . В барочных композициях дополнительные инструменты могут быть добавлены в группу Continuo в соответствии с предпочтениями группы или лидера; В классических композициях все части были специально отмечены, хотя и не всегда Уменито , поэтому термин «obbligato» стал избыточным. К 1800 году Basso Continuo был практически вымер, за исключением случайного использования трубного органа , участвующего в религиозной мессе в начале 1800 -х годов.

Экономические изменения также привели к изменению баланса доступности и качества музыкантов. В то время как в позднем барочном барочном, у крупного композитора были бы все музыкальные ресурсы города, на которых можно было бы использовать музыкальные силы, доступные в аристократической охотничьей домике или маленьком дворе, были меньше и более фиксированы на уровне их способностей. поперем для того, чтобы иметь более простые части для музыкантов Это было ансамбле Особенно квалифицированные скрипачи или флейтисты. Кроме того, аппетит аудитории для постоянного снабжения новой музыки, перенесенной из барокко. Это означало, что работы должны были быть выполнены, в лучшем случае одной или двумя репетициями. Даже после 1790 года Моцарт пишет о «репетиции», что подразумевает, что его концерты будут иметь только одну репетицию.

Поскольку был больше внимания уделяется одной мелодической линии, было больше внимания уделяющему тому, чтобы указать эту линию для динамики и формулирования. Это контрастирует с эпохой барокко, когда мелодии обычно писались без динамики, фразенционных знаков, украшений, так как предполагалось, что исполнитель будет импровизировать эти элементы на месте. В классическую эпоху композиторы стало более распространенным, чтобы указать, где они хотели, чтобы исполнители играли в украшениях, такие как трили или повороты. Упрощение текстуры сделало такую ​​инструментальную деталь более важной, и Алита сделала таким образом использование характерных ритмов, таких как обратные фанфы, привлекающие внимание, ритм похоронного марша или жанр Minuet, более важные в установлении и объединении тона одного движение.

В классическом периоде также было постепенное развитие формы сонаты , набора структурных принципов музыки, которые примирили классическое предпочтение мелодического материала с гармоническим развитием, которые можно применить в музыкальных жанрах. Сама соната струнный продолжала оставаться главной формой для сольной и камерной музыки, в то время как позже в классический период квартет стал выдающимся жанром. Симфоническая форма для оркестра была создана в этот период (это обычно приписывается Джозефу Гайдну ). Концерт Гроссо (концерт для более чем одного музыканта), очень популярная форма в эпоху барокко, начал заменять сольный концерт , в котором участвовал только один солист. Композиторы начали придавать большее значение способности конкретного солиста демонстрировать навыки виртуоза, с сложными, быстрыми масштабными и арпеджио. Тем не менее, некоторые концертные Гросси остались, самым известным из которых был концерт-концерт Моцарта для скрипки и альты в майоре E-Flat .

Современный струнный квартет. В 2000 -х годах струнные квартеты из классической эпохи являются ядром литературы по камерной музыкальной литературе. Слева направо: скрипка 1, скрипка 2, виолончель, виола

Основные характеристики

В классический период тема состоит из фраз с контрастными мелодическими фигурами и ритмами . Эти фразы относительно короткие, как правило, четыре бара в длину, и иногда могут казаться скудными или трещими. Текстура в основном гомофоническая , с чистой мелодией над подчиненным хордовым аккомпанементом , например, басом Альберти . Это контрастирует с практикой в ​​музыке в барокко , где пьеса или движение, как правило, имели бы только один музыкальный предмет, который затем будет выработать в ряде голосов в соответствии с принципами контрапункта , сохраняя при этом постоянный ритм или метр повсюду. В результате классическая музыка имеет более легкую, более четкую текстуру, чем барокко. Классический стиль опирается на стиль Galant , музыкальный стиль, который подчеркивал легкую элегантность вместо достойной серьезности барокко и впечатляющего величия.

Структурно классическая музыка обычно имеет четкую музыкальную форму с четко определенным контрастом между тоническим и доминирующим , представлено четкими кадностями . Динамика используется для выделения структурных характеристик произведения. В частности, форма сонаты и ее варианты были разработаны в течение раннего классического периода и часто использовались. Классический подход к структуре снова контрастирует с барочной , но благодаря постоянному прогрессу изменений аккордов и без чувства «прибытия» на новый ключ. В то время как Counterpoint был менее подчеркнут в классический период, он ни в коем случае не был забыт, особенно позже в период, и композиторы все еще использовали контрапункт в «серьезных» работах, таких как симфонии и струнные квартеты, а также религиозные произведения, такие как массы.

Классический музыкальный стиль поддерживался техническими разработками в инструментах. Широко распространенное принятие равного темперамента сделало возможным классическую музыкальную структуру, гарантируя, что каденции во всех ключах звучали одинаково. Fortepiano , а затем пианофорт заменил клавесин , обеспечив более динамический контраст и более устойчивые мелодии. В течение классического периода клавишные инструменты стали более богатыми, звучными и сильнее.

Оркестр увеличился в размерах и диапазоне и стал более стандартизированным. Роль клавесина . или органа трубки бассо в оркестре упала между 1750 и 1775 годами, оставив участок струны Деревянные ветры стали автономной секцией, состоящей из кларнетов , гоболов , флейт и бассунов .

В то время как вокальная музыка, такая как комическая оперная, была популярна, была придана инструментальная музыка. Основными видами инструментальной музыки были соната , трио , струнный квартет , квинтет , симфония , концерт (обычно для сольного прибора для виртуоза, сопровождаемого оркестром), и легкие кусочки, такие как серенад и дивертименты . Форма сонаты развивалась и стала самой важной формой. Он использовался для создания первого движения большинства крупномасштабных работ в симфонии и струнных квартетах . Форма сонаты также использовалась в других движениях и в отдельных отдельных частях, таких как доверенности .

История

Барокко/классический переход c. 1750–1760

См. Также: История формы сонаты

Глюк , деталь портрета Джозефа Дуплессиса , от 1775 года ( Музей Кунстфисторишес , Вена)

В своей книге «Классический стиль » автор и пианист Чарльз Розен утверждает, что с 1755 по 1775 год композиторы нащупывали новый стиль, который был более эффективно драматичным. В период высокого барочного периода драматическое выражение было ограничено представлением индивидуальных аффектов («доктрина привязанности» или то, что Розен термин «драматические настроения»). Например, в Oratorio's rotorio's Jephtha композитор производит четыре эмоции отдельно, по одному для каждого персонажа, в квартете «O, пощадить свою дочь». В конце концов это изображение отдельных эмоций стало рассматриваться как упрощенное и нереальное; Композиторы стремились изобразить несколько эмоций, одновременно или постепенно, в пределах одного персонажа или движения («драматическое действие»). Таким образом, в финале 2 -го акта « Умирают Энфюрунг Аус Дем» , влюбленные переходят «от радости через подозрение и возмущение к окончательному примирению».

Музыкально говоря, это «драматическое действие» потребовало более музыкального разнообразия. В то время как музыка барокко характеризовалась бесшовным потоком в пределах отдельных движений и в основном равномерных текстур, композиторы после высокого барочного барокко стремились прервать этот поток с резкими изменениями в текстуре, динамике, гармонии или темпе. Среди стилистических событий, которые последовали за высоким бароккой, самыми драматичными стали называться empfindsamkeit (примерно « чувствительный стиль »), и его самым известным практикующим был Карл Филипп Эмануэль Бах . Композиторы этого стиля использовали вышеупомянутые перерывы самым резким образом, и музыка иногда может звучать нелогично. Итальянский композитор Доменико Скарлатти сделал эти события дальше. Его более пятисот сонат клавиатуры одноразового движения также содержат резкие изменения текстуры, но эти изменения организованы в периоды, сбалансированные фразы, которые стали отличительной чертой классического стиля. Тем не менее, изменения Скарлатти в текстуре все еще звучат внезапно и не готовы. Выдающимся достижением великих классических композиторов (Гайдн, Моцарт и Бетховен) было их способность сделать эти драматические сюрпризы звучать логически мотивированными, так что «выразительный и элегантный могли соединиться с руками».

Между смертью JS Bach и зрелостью Гайдна и Моцарта (примерно 1750–1770) композиторы экспериментировали с этими новыми идеями, которые можно увидеть в музыке сыновей Баха. Иоганн Кристиан разработал стиль, который мы сейчас называем Roccoco , включающим более простые текстуры и гармонии, и который был «очаровательным, нераматичным и немного пустым». Как упоминалось ранее, Карл Филипп Эммануэль стремился увеличить драму, и его музыка была «жестокой, выразительной, блестящей, непрерывно удивительной и часто непоследовательной». И, наконец, Вильгельм Фридеманн, старший сын Дж. Бэха, расширенный барочный традиции идиоматическим, нетрадиционным образом.

Сначала новый стиль взял на себя барочные формы - тройная ария да капо , Синфония и Концерт - но составлены с более простыми частями, более заметным орнаментом, а не импровизированным украшения части в разделы. Тем не менее, со временем новая эстетика вызвала радикальные изменения в том, как были соединены кусочки, и основные формальные макеты изменились. Композиторы этого периода искали драматические эффекты, поразительные мелодии и более четкие текстуры. Одним из больших текстурных изменений было переход от сложного, плотного полифонического стиля барокко, в котором были воспроизведены множественные переплетчивые мелодические линии одновременно, и к гомофонии , более легкой текстуре, которая использует четкую линию одиночной мелодии, сопровождаемая аккордами.

Барочная музыка обычно использует множество гармонических фантазий и полифонических секций, которые меньше фокусируются на структуре музыкального произведения, и было меньше акцента на четких музыкальных фразах. В классический период гармонии стали проще. Однако структура произведения, фразы и небольшие мелодические или ритмические мотивы стали гораздо важнее, чем в период барокко.

Duration: 5 minutes and 16 seconds.5:16

Muzio Clementi в G Minor, № 3, op. Соната

Другим важным разрывом с прошлым был радикальный пересмотр оперы Кристофа Уиллибальда Глюка , который отрезал большую часть наслоения и импровизационных украшений и сосредоточился на точках модуляции и перехода. Сделав эти моменты, когда Гармония меняет больше внимания, он обеспечил мощные драматические сдвиги эмоционального цвета музыки. Чтобы выделить эти переходы, он использовал изменения в инструментах ( оркестровке ), мелодии и режиме . Среди самых успешных композиторов своего времени Глюк породил много эмуляторов, включая Антонио Сальери . Их акцент на доступности принес огромные успехи в оперной и другой вокальной музыке, такой как песни, оратории и припевы. Они считались наиболее важными видами музыки для исполнения и, следовательно, имели наибольший общественный успех.

Фаза между бароккой и ростом классики (около 1730 года) была домом для различных конкурирующих музыкальных стилей. Разнообразие художественных путей представлено в сыновьях Иоганна Себастьяна Баха : Вильгельма Фридеманна Баха , который лично продолжал барокко традицию; Иоганн Кристиан Бах , который упростил текстуры барокко и наиболее четко повлиял на Моцарта; и Карл Филипп Эмануэль Бах , который составил страстную, а иногда и жестоко эксцентричную музыку движения empfindsamkeit . Музыкальная культура была поймана на перекрестке: у мастеров более старого стиля была техника, но публика жаждала нового. Это одна из причин, по которой CPE BACH был с таким высоким уважением: он довольно хорошо понимал более старые формы и знал, как представить их в новой одежде, с улучшенным разнообразием формы.

1750–1775

Смотрите также: Симфония

Гайдн портрет Томаса Харди , 1792

К концу 1750 -х годов были процветающие центры нового стиля в Италии, Вене, Мангейме и Париже; Десятки симфоний были составлены, и были группы игроков, связанных с музыкальными театрами. Оперная или другая вокальная музыка, сопровождаемая оркестром, стала особенностью большинства музыкальных мероприятий, с концертами и симфониями (возникающими в результате увертюра ), служащих инструментальными интерлюдиями и представлениями для опер и церковных служб. В течение классического периода развивались симфонии и концерты, которые были представлены независимо от вокальной музыки.

Duration: 3 minutes and 18 seconds.3:18

Моцарт написал ряд дивертиментов, легких инструментальных произведений, предназначенных для развлечений. Это второе движение его дивертименто в E-Flat Major, K. 113.

«Нормальный» ансамбль оркестра - часть струн, дополненных ветрами - и движения определенного ритмического характера были установлены к концу 1750 -х годов в Вене. Тем не менее, длина и вес частей все еще были установлены с некоторыми характеристиками барокко: отдельные движения все еще сосредоточены на одном «аффекте» (музыкальное настроение) или имели только один резко контрастирующий средний участок, и их длина не была значительно больше, чем движения барочной. Еще не была четко изверенная теория о том, как составить в новом стиле. Это был момент, который созрел для прорыва.

Первым великим мастером стиля был композитор Джозеф Гайдн . В конце 1750 -х он начал составлять симфонии, и к 1761 году он сочинил триптих ( утро , полдень и вечер ) в современном режиме. Как вице- капеллмейстер , а затем и Капеллмейстер, его результаты расширились: он составил более сорока симфоний только за 1760-х годов. И хотя его слава росла, поскольку его оркестр был расширен, а его композиции были скопированы и распространены, его голос был только одним из многих.

В то время как некоторые ученые предполагают, что Гайдн был позже омрачен Моцартом и Бетховеном, было бы трудно переоценить центральность Гайдна в новом стиле и, следовательно, к будущему западной арт -музыки в целом. В то время, до превышенности Моцарта или Бетховена, и с Иоганном Себастьяном Бахом, известным в первую очередь тем ценителям клавишной музыки, Гайдн достиг места в музыке, которое заставило его перед всеми другими композиторами, за исключением, возможно, Джорджа Фридерика Эры барокко . Гайдн принял существующие идеи и радикально изменил то, как они функционировали, обрабатывая его названиями «Отец симфонии » и «Отец струнного квартета ».

Одной из сил, которая работала в качестве стимуляции для его давления вперед, было первое волнение того, что впоследствии будет названо романтизмом - фазой Sturm und Drang , или «шторма и стресса» в искусстве, короткий период, когда очевидный и драматический эмоциональность была стилистическое предпочтение. Соответственно, Гайдн хотел более драматического контраста и более эмоционально привлекательных мелодий, с заостренным характером и индивидуальностью в своих частях. Этот период исчез в музыке и литературе: однако, он повлиял на то, что произошло, и в конечном итоге станет компонентом эстетического вкуса за более поздние десятилетия.

Прощальная симфония , № 45 в F ♯ Minor, иллюстрирует интеграцию Гайдна различных требований нового стиля, с удивительными резкими поворотами и длинным медленным адагио, чтобы положить конец работе. В 1772 году Гайдн завершил свой набор Opus 20 из шести струнных квартетов, в которых он развернул полифонические методы, которые он собрал из предыдущей эры барокко, чтобы обеспечить структурную когерентность, способную удерживать свои мелодические идеи. Для некоторых это знаменует собой начало «зрелого» классического стиля, переходного периода, в котором реакция против сложности поздней барокко приводила к интеграции барокко и классических элементов.

1775–1790

См. Также: Музыкальное развитие

Вольфганг Амадей Моцарт, Посмертная картина Барбары Краффт в 1819 году

У Гайдна, работав более десяти лет в качестве музыкального директора для принца, имел гораздо больше ресурсов и возможностей для сочинения, чем у большинства других композиторов. Его позиция также дала ему возможность формировать силы, которые будут играть его музыку, поскольку он мог бы выбрать квалифицированных музыкантов. Эта возможность не была потрачена впустую, так как Гайдн, начиная довольно рано в своей карьере, стремился продвигать технику создания и развития идей в своей музыке. Его следующий важный прорыв был в струнных квартетах Opus 33 (1781), в котором мелодические и гармонические роли переходят среди инструментов: часто на мгновение неясно, что такое мелодия и что такое гармония. Это меняет способ, которым ансамбль работает между драматическими моментами переходных и климатических секций: музыка течет плавно и без очевидного прерывания. Затем он взял этот интегрированный стиль и начал применять его к оркестровой и вокальной музыке.

Вступительные бары арии Компендаторе в опера Моцарта Дон Джиованни . Оркестр начинается с диссонирующего снижения седьмого аккорда (G# Dim7 с B в басе), перемещающегося к доминирующему седьмому аккорду (A7 с C# в басе), прежде чем отправиться на тонизирующий аккорд (D Minor) у входа певца.

Подарок Гайдна музыке был способом сочинения, способом структурирования работ, который в то же время соответствовал правящей эстетике нового стиля. Тем не менее, молодой современный, Вольфганг Амадей Моцарт принес свой гений к идеям Гайдна и применил их к двум основным жанрам дня: опера и концерт виртуоза. Принимая во внимание, что Гайдн провел большую часть своей трудовой жизни в качестве суда композитора, Моцарт хотел общественного успеха в концертной жизни городов, играя за широкую публику. Это означало, что ему нужно было написать оперы, писать и выполнить виртуозные произведения. Гайдн не был виртуозом на международном туристическом уровне; Он также не стремился создать оперные работы, которые могли бы играть в течение многих ночей перед большой аудиторией. Моцарт хотел достичь оба. Более того, у Моцарта также был вкус к более хроматическим аккордам (и в целом большие контрасты на гармоническом языке), большую любовь к созданию посадки мелодий в одной работе и более итальянскую чувствительность в музыке в целом. Он обнаружил в музыке Гайдна, а затем в своем исследовании полифонии JS Bach , средства для дисциплинирования и обогащения его художественных даров.

Семья Моцарта c. 1780. Портрет на стене - матери Моцарта.

Моцарт быстро привлек внимание Гайдна, который приветствовал нового композитора, изучил свои работы и считал молодого человека своим единственным настоящим сверстником в музыке. В Моцарте Гайдн обнаружил более широкий спектр инструментов, драматического эффекта и мелодичного ресурса. Отношения обучения двигались в обоих направлениях. Моцарт также очень уважал старшего, более опытного композитора и стремился учиться у него.

Прибытие Моцарта в Вену в 1780 году вызвало ускорение в развитии классического стиля. Там Моцарт поглотил слияние итальянского блеска и германского сплоченности, которые пивовались в течение предыдущих 20 лет. Его собственный вкус к ярким блестящим, ритмически сложным мелодиям и фигурам, длинным мелодиям канфины и виртуозным расцветам был объединен с оценкой формальной когерентности и внутренней связи. Именно в этот момент война и экономическая инфляция остановили тенденцию к более крупным оркестрам и заставили расформировать или сократить многие театральные оркестры. Это настаивало на классическом стиле внутрь: к поиску больших ансамблевых и технических проблем - например, разбросание мелодии по деревянным ветрам или использование мелодии, гармонизированной в третях. Этот процесс разместил премию на небольшую ансамблевую музыку под названием камерная музыка. Это также привело к тенденции к большей публичной производительности, что дало дальнейшее повышение струнного квартета и других небольших ансамблевых групп.

Именно в течение этого десятилетия все чаще началось, чтобы все больше признать, что Гайдн и Моцарт достигли высокого уровня композиции. К тому времени, когда Моцарт прибыл в возрасте 25 лет, в 1781 году доминирующие стили Вены были узнаваемыми связаны с появлением в 1750 -х годах раннего классического стиля. К концу 1780 -х годов изменения в практике исполнения , относительное положение инструментальной и вокальной музыки, технические требования к музыкантам и стилистическое единство стало установлено у композиторов, которые подражали Моцарту и Гайдну. В течение этого десятилетия Моцарт сочинил свои самые известные оперы, его шесть поздних симфоний, которые помогли переопределить жанр, и ряд пианино -концерти, которые все еще стоят на вершине этих форм.

Один из композиторов, который влиял на распространение более серьезных стилей, который сформировали Моцарт и Гайдн, - это Музио Клементи , одаренный пианист виртуоза, который связал с Моцартом в музыкальном «дуэле» перед императором, в котором они импровизировали на пианировании и исполняли свои сочинения. Полем Сонаты Клементи для пианино широко распространены, и он стал самым успешным композитором в Лондоне в 1780 -х годах. Также в Лондоне в это время был Ян Ладислав Дассек , который, как и Клементи, поощрял производителей пианистов расширить диапазон и другие особенности своих инструментов, а затем полностью использовал вновь открытые возможности. Важность Лондона в классический период часто упускается из виду, но она послужила домом для завода Бродвуда для производства фортепиано и в качестве базы для композиторов, которые, хотя и менее заметны, чем «Венская школа», оказали решительное влияние на то, что пришло позже. Они были композиторами многих прекрасных работ, известных сами по себе. Вкус Лондона к виртуозности вполне мог бы поощрять сложную проходную работу и расширенные заявления о тонизировании и доминирующих.

Около 1790–1820 гг

Когда Гайдн и Моцарт начали сочинять, симфонии играли за одиночные движения - до до, между или как перерывы в других работах - и многие из них длились всего десять или двенадцать минут; Инструментальные группы имели различные стандарты игры, и Continuo была центральной частью музыкальной работы.

За прошедшие годы в социальном мире музыкального мира наблюдается драматические изменения. Международная публикация и гастролы выросли взрывоопасно, и сформировались концертные общества. Нотация стала более конкретной, более описательной - и схемы для работ были упрощены (но при этом стали более разнообразными в их точной тренировке). В 1790 году, незадолго до смерти Моцарта, когда его репутация быстро распространилась, Гайдн был готов к серии успехов, в частности его поздние оратории и лондонские симфонии . Композиторы в Париже, Риме и по всей Германии обратились к Гайдну и Моцарту за их идеи по форме.

Портрет Бетховена , 1820

В 1790 -х годах появилось новое поколение композиторов, родившихся около 1770 года. В то время как они выросли с более ранними стилями, они слышали в недавних работах Гайдна и Моцарта, чтобы получить большую выражение. В 1788 году Луиджи Черубини поселился в Париже, а в 1791 году сочинила Lodoiska , опера, которая подняла его до славы. Его стиль явно отражает зрелого Гайдна и Моцарта, и его инструменты дали ему вес, который еще не ощущался в Великой опере . Его современная эйтьяна Мехул расширила инструментальные эффекты с его оперной эвфрозином и корадин 1790 году , от которого последовали серию успехов. Последний толчок к изменениям пришел от Gaspare Spontini , которого глубоко восхищались будущими романтическими композиторами, такими как Вебер, Берлиоз и Вагнер. Инновационный гармоничный язык его опер, их утонченные инструменты и их «очарованные» закрытые цифры (структурная схема, которая впоследствии была принята Вебером в Эврианте и от него передал, через Маршнер, Вагнер), сформировал основу, из которого француз Немецкая романтическая опера имела свое начало.

Хаммел в 1814 году

Самым роковым из нового поколения был Людвиг Ван Бетховен , который запустил свои пронумерованные работы в 1794 году с набором из трех фортепианных трио, которые остаются в репертуаре. Немного моложе других, хотя и в равной степени достигнут из -за его молодого обучения при Моцарте и его родной виртуозности, был Иоганн Непомук Хаммел . Хаммел учился и у Гайдна; Он был другом Бетховена и Франца Шуберта . Он сконцентрировался больше на пианино, чем на любом другом инструменте, и его время в Лондоне в 1791 и 1792 годах создало композицию и публикацию в 1793 году из трех сонат для фортепиано, Opus 2, которые идиоматически использовали методы Моцарта, чтобы избежать ожидаемого каденции, а иногда и Клементи модально Неопределенная виртуозная фигура. Взятые вместе, эти композиторы можно рассматривать как авангард широкого изменения стиля и центра музыки. Они изучали работы друг друга, копировали жесты друг друга в музыке и иногда вели себя как ссоры.

Решающие различия с предыдущей волной можно увидеть в сдвиге нисходящих мелодий, увеличивая продолжительность движений, принятие Моцарта и Гайдна как парадигматическое, более широкое использование ресурсов клавиатуры, переход от «вокального» написания к «пианистическому» письму растущее притяжение несовершеннолетнего и модальной двусмысленности, и растущая важность различных сопровождающих фигур, чтобы продвигать «текстуру» вперед в качестве элемента в музыке. Короче говоря, покойный классический искал музыку, которая была внутренне более сложной. Рост концертных обществ и любительских оркестров, отмечающих важность музыки как часть жизни среднего класса, способствовал быстрому рынку для фортепиано, фортепианной музыки и виртуози, чтобы служить образцами. Хаммел, Бетховен и Клементи были известны своими импровизациями.

Прямое влияние барокко продолжало исчезать: фигурный бас стал менее заметным в качестве средства для сдержания производительности вместе, практика производительности середины 18-го века продолжала умереть. Однако в то же время стали доступны полные издания мастеров барокко, и влияние стиля барокко продолжало расти, особенно в более широком использовании латуни. Другой особенностью периода является растущее число выступлений, в которых композитор не присутствовал. Это привело к увеличению деталей и специфичности в обозначениях; Например, было меньше «необязательных» частей, которые стояли отдельно от основного результата.

Сила этих сдвигов стала очевидной с 3 -й симфонией Бетховена, учитывая имя Эроика , которое является итальянским для «героического» композитором. Как и в случае с Spavinsky's The Rite of Spring , он, возможно, не был первым во всех своих инновациях, но его агрессивное использование каждой части классического стиля отличало его от его современных работ: по длине, амбициям и гармоническим ресурсам, а также ресурсы также Сделать это первой симфонией романтической эры .

Первая венская школа

Вид на Вену в 1758 году Бернардо Беллотто

Первая венская школа -это имя, в основном, для обозначения трех композиторов классического периода в Вене конца 18-го века : Гайдн, Моцарт и Бетховен. Франц Шуберт иногда добавляется в список.

В немецкоязычных странах термин Wiener Klassik (Lit. Viense Classical Era/Art используется ). Этот термин часто более широко применяется к классической эре в музыке в целом, как средство отличения его от других периодов, которые в разговорной разговорной речи называются классической , а именно барочной и романтической музыкой .

Термин «Венская школа» был впервые использован австрийским музыкологом Рафаэлем Георгом Кисевееттером в 1834 году, хотя он только считал Гайдна и Моцарта в качестве членов школы. Другие писатели последовали их примеру, и в конечном итоге Бетховен был добавлен в список. Обозначение «первое» добавлено сегодня, чтобы избежать путаницы со второй венской школой .

Хотя, как Шуберт, эти композиторы, безусловно, знали друг друга (поскольку Гайдн и Моцарт даже были случайными партнерами по камерной музыке), нет никакого смысла, в котором они участвовали в совместных усилиях в том смысле, что можно ассоциировать в школах 20-го века. такие как вторая венская школа, или Les Six . Также нет никакого существенного смысла, в котором один композитор был «обучен» другим (так же, как Берг и Веберн учили Шенберг), хотя это правда, что Бетховен на какое -то время получил уроки от Гайдна.

Попытки продлить первую венскую школу, включив в себя такие более поздние фигуры, как Антон Брукнер , Йоханнес Брамс и Густав Малер , просто журналистские и никогда не встречаются в академической музыкологии. По словам ученого Джеймса Ф. Догерти, сам классический период с 1775 по 1825 год иногда называют «Венский классический период».

Классическое влияние на более поздние композиторы

См. Также: Тональность и переход от классической к романтической музыке

1875 масляная живопись Франца Шуберта Вильгельма Августа Ридера , после его собственного акварельного портрета 1825 года

Музыкальные эпохи и их распространенные стили, формы и инструменты редко исчезают одновременно; Вместо этого функции заменяются с течением времени, пока старый подход не озабочен просто «старомодным». Классический стиль не «умерла» внезапно; Скорее, он постепенно испарился под весом изменений. Чтобы привести только один пример, хотя обычно указывается, что классическая эра перестала использовать клавесин в оркестрах, это не произошло внезапно в начале классической эры в 1750 году. Скорее, оркест Basso Continuo до тех пор, пока практика не была прекращена к концу 1700 -х годов.

Портрет Мендельсона Джеймса Уоррена Чайлде , 1839

Одним важным изменением было смещение в сторону гармоний, сосредоточенных на «плоских» клавишах: сдвигает в поддоминированном направлении Полем В классическом стиле основной ключ был гораздо чаще, чем незначительный, хроматизм смягчался благодаря использованию «резкой» модуляции (например, кусок в C, модуляции для G -Major, D Major или Major, все из которых являются ключами с большим количеством островов). Кроме того, разделы в незначительном режиме часто использовались для контраста. Начиная с Моцарта и Клементи, началась ползучая колонизация субдоминантной области (аккорда II или IV, которая в ключе от C -майора была бы ключами D Minor или F Major). С Шубертом субдомиминантные модуляции процветали после введения в контекстах, в которых более ранние композиторы ограничились бы доминирующими сдвигами (модуляции доминирующего аккорда , например, в ключе майора C, модуляции к мажор). Это ввело более темные цвета в музыку, усилило незначительный режим и усложняет структуру. Бетховен внес свой вклад в это благодаря растущему использованию четвертого в качестве согласности и модальной неоднозначности - например, открытие симфонии № 9 в D Minor .

Людвиг Ван Бетховен , Франц Шуберт , Карл Мария фон Вебер , Иоганн Непомук Хаммел и Джон Филд являются одними из наиболее заметных в этом поколении «прото-романтики», а также молодой Феликс Мендельсон . На их чувство формы сильно повлияло классический стиль. Хотя они еще не были «изученными» композиторами (подражая правилам, которые были кодифицированы другими), они напрямую отреагировали на работы Гайдна, Моцарта, Клементи и других, когда они встречались с ними. Инструментальные силы в их распоряжении в оркестрах также были довольно «классическими» количествами и разнообразием, позволяя сходству с классическими работами.

Бернхард Круселл , шведский композитор и кларнетист , в 1826 году

Тем не менее, силы, предназначенные для прекращения удержания классического стиля, собрали силу в работах многих из вышеуказанных композиторов, особенно Бетховена. Наиболее часто цитируемым является гармоническая инновация. Также важно уделять все большее внимание постоянному и ритмично однородному сопровождающему фигурации: лунная соната Бетховена была моделью для сотен более поздних произведений, где смещающее движение ритмичной фигуры обеспечивает большую часть драмы и интереса работы, в то время как мелодия дрейфует над ним. Большое знание работ, большую инструментальную экспертизу, растущее разнообразие инструментов, рост концертных обществ и неудержимое господство на все более мощном фортепиано (которое было дано более смелый, более громкий тон по технологическим разработкам, таким как использование стальных строк, строк, строк, строк, строк, строки стали, строки, строки, строки, стальные строки, строки, строки, строки, стальные строки, строки, строки, строки стальных Тяжелые чугунные рамки и сочувственно вибрирующие струны) создали огромную аудиторию для сложной музыки. Все эти тенденции способствовали переходу в «романтический» стиль .

Рисовать грань между этими двумя стилями очень сложно: некоторые разделы более поздних работ Моцарта, взятых в одиночку, неотличимы в гармонии и оркестровании от музыки, написанной 80 лет спустя, и некоторые композиторы продолжали писать в нормативных классических стилях в начале 20 -го века. Еще до смерти Бетховена, такие композиторы, как Луи Спохр, были самопровозглашенными романтиками, включающими, например, более экстравагантный хроматизм пьесы в их работах (например, с использованием хроматических гармоний в прогрессировании аккордов ). И наоборот, такие работы, как симфония Шуберта № 5 , написанные в хронологическом конце классической эры и рассвета романтической эры , демонстрируют намеренно анахронистическую художественную парадигму, возвращаясь к композиционному стилю нескольких десятилетий назад.

Тем не менее, в конце 1820 -х годов падение Вены как наиболее важного музыкального центра оркестрового композиции, вызванного смертью Бетховена и Шуберта , отмечало последнее затмение классического стиля и окончание его непрерывного органического развития одного композитора в непосредственной близости от близкой близости к другие Франц Лист и Фредерик Шопен посетили Вену, когда они были молодыми, но затем они перешли в другие города. Такие композиторы, как Карл Черни , в то время как Бетховен глубоко влияли, также искали новые идеи и новые формы, чтобы содержать более широкий мир музыкального выражения и исполнения, в котором они жили.

Возобновленный интерес к формальному балансу и ограничению классической музыки 18-го века привел в начале 20-го века к развитию так называемого неоклассического стиля, который пронумеровал Стравинский и Прокофьев среди своих сторонников, по крайней мере, в определенные моменты в своей карьере.

Классические инструменты

Fortepiano Пол Макналти после Walter & Sohn, c. 1805

См. Также: Список инструментов периода

Гитара

Гитара в барокко, с четырьмя или пятью наборами двойных струн или «курсов» и тщательно оформленной звуковой скважиной, была совсем другим инструментом от ранней классической гитары , который более похож на современный инструмент со стандартными шестью струнами. Судя по количеству учебных пособий, опубликованных для инструмента - более трехсот текстов было опубликовано более чем двумя сотнями авторов в период с 1760 по 1860 год - классический период ознаменовал золотой век для гитары.

Строки

В эпоху барокко в ансамблях, используемых в ансамблях, было больше разнообразия, с такими инструментами, как виота д'Амор и ряд использованных наездов , от небольших витрит до крупных бас -витрит. В классический период строковая секция оркестра была стандартизирована только как четыре инструмента:

• Скрипка (в оркестрах и камерной музыке, как правило, есть первые скрипки и вторые скрипки, причем первые играют в мелодию и/или на высшей линии, а второй играет либо контрмелодию, часть гармонии, часть ниже первой линии скрипки в поле , или линия аккомпанемента)
• Виола (Alto Voice of the Orchestral String Section и струнный квартет; он часто выполняет «внутренние голоса», которые представляют собой линии сопровождения, которые заполняют гармонию пьесы )
• Виолончель (виолончель играет две роли в музыке классической эпохи; иногда она используется для игры в басовую линию произведения, обычно удваивается двойными басами [Примечание: когда виолонги и двойные басы читают ту же басовую линию, басы играют в октаву ниже Виолончели, потому что бас является транспонированным инструментом];
• Double Bass (бас обычно выполняет самые низкие шаги в струнке, чтобы обеспечить басовую линию для произведения)

В эпоху барокко двойным басистам обычно не получали отдельной части; Вместо этого они обычно играли ту же самую Basso Continuo басовую линию что и на виолончелях и других низкокачественных инструментах (например, Theorbo , Screent Wind Instrumt , ниже, чем это написано. В классическую эпоху некоторые композиторы продолжали писать только одну басовую часть для своей симфонии, помеченной «Басси»; Эта басовая часть была сыграна виолонгами и двойными басистами. В классическую эпоху некоторые композиторы начали придавать двойные басы свою собственную роль.

Деревянные духочки

Для всех оркестров было обычным явлением иметь как минимум 2 ветра, обычно гобо, флейты, кларнеты или иногда английские рога (см. Симфонию № 22 (Гайдн) . Посетители также обычно использовали ансамбль полностью ветров, называемый гармонией , который будет Использоваться для определенных . событий

• Пикколо (используется в военных группах)
• Флейта
• Гобой
• Английский рог
• Кларнет
• Бассет рог (см. Реквием (Моцарт) )
• Бассет кларнет
• Люблю Кларин
• Басс
• Contrabassoon (см. Создание (Гайдн) )
• Обланка (см. Леопольда Моцарта , «Die Bauernhochzeit» или «Крестьянская свадьба») Дивертименто

Перкуссия

• Тимпани
• " Турецкая музыка ":
  • Бас -барабан
  • Тарелки
  • Треугольник
  • Бубен

Клавишные

• Клавихорд
• Fortepiano (предшественник современного пианино)
• Клавесходе , стандартный барокко эпоха барочной эпохи Basso Continuo , использовался до 1750 -х годов, после чего он был постепенно снят с ног, и заменен на Fortepiano , а затем на пианино . К началу 1800 -х годов клавесиш больше не использовался.
• Орган

Латуни

• Естественный рог
• Естественная труба
• Сакбут ( предшественник тромбона )
• Кейс -труба (см. Концерт трубы (Гайдн) )
• Змея (обычное место в военных группах)
• Post Horn (см. Серенаду № 9 (Моцарт) )

Смотрите также

• Список композиторов классической эпохи

Дальнейшее чтение

• Даунс, Филипп Дж. (1992). Классическая музыка: эра Гайдна, Моцарта и Бетховена , 4 -й тол Нортона Введение в историю музыки . WW Norton. ISBN   0-393-95191-X (твердый переплет).
• Раствор, Дональд Джей ; Палиска, Клод В. (1996). История западной музыки , пятое издание. WW Norton. ISBN   0-393-96904-5 (твердый переплет).
• Хеннинг, Барбара Россано ; Grout, Donald Jay (1998 Rev. 2006). Краткая история западной музыки . WW Norton. ISBN   0-393-92803-9 (твердый переплет).
• Кеннеди, Майкл (2006), Оксфордский словарь музыки , 985 страниц, ISBN   0-19-861459-4
• Лихоро, Тим; Фрай, Стивен (2004). Неполная и полная история классической музыки Стивена Фрая . Бокстри. ISBN   978-0-7522-2534-0
• Розен, Чарльз (1972 г. Расширен 1997). Классический стиль . Нью -Йорк: WW Norton. ISBN   978-0-393-04020-3 (расширенное издание с CD, 1997)
• Taruskin, Richard (2005, Rev. Версия в мягкой обложке 2009). Оксфордская история западной музыки . Издательство Оксфордского университета (США). ISBN   978-0-19-516979-9 (в твердом переплете), ISBN   978-0-19-538630-1 (в мягкой обложке)

Внешние ссылки

• Классическая сеть - Справочный сайт классической музыки
• Бесплатные результаты различных классических композиторов в Международном проекте библиотеки музыки (IMSLP)