Музыкальный театр

Не путать с Музыкальным театром .

«Черный мошенник» — мюзикл, ставший хитом на Бродвее в 1866 году.

Музыкальный театр – это форма театрального представления, сочетающая в себе песни, устный диалог , актерское мастерство и танец. Сюжет и эмоциональное содержание мюзикла – юмор, пафос , любовь, гнев – передаются через слова, музыку, движение и технические аспекты развлечения как единое целое. Хотя музыкальный театр пересекается с другими театральными формами, такими как опера и танец, его можно отличить по равному значению, придаваемому музыке, по сравнению с диалогом, движением и другими элементами. С начала 20 века сценические произведения музыкального театра стали называть просто мюзиклами .

Хотя музыка была частью драматических представлений с древних времен, современный западный музыкальный театр возник в XIX веке, со многими структурными элементами, основанными на легких операх Жака Оффенбаха во Франции, Гилберта и Салливана в Великобритании, а также произведениях Харригана и Харт в Америке. За ними последовали эдвардианские музыкальные комедии , появившиеся в Великобритании, и произведения музыкальных театров американских творцов, таких как Джордж М. Коэн, на рубеже 20-го века. Мюзиклы «Принцессы театра» (1915–1918) стали художественным шагом вперед по сравнению с ревю и другими шумными развлечениями начала 20 века и привели к таким новаторским произведениям, как «Show Boat» (1927), « Of Thee I Sing» (1931) и «Оклахома!» (1943). Некоторые из самых известных мюзиклов последующих десятилетий включают «Моя прекрасная леди» (1956), «Фантастики» (1960), «Волосы» (1967) , «Припев» (1975), «Отверженные» (1985), «Призрак оперы» (1986), «Рента» (1996), «Злой» (2003) и Гамильтон (2015).

Мюзиклы исполняются по всему миру. Они могут быть представлены на крупных площадках, таких как высокобюджетные постановки на Бродвее или Вест-Энде в Нью-Йорке или Лондоне. В качестве альтернативы мюзиклы могут ставиться на небольших площадках, таких как постановки за пределами Бродвея , за пределами Бродвея , в региональном театре , в маргинальном театре или в постановках общественного театра , или в туре . Мюзиклы часто представляют любительские и школьные коллективы в церквях, школах и других концертных площадках. Помимо США и Великобритании, яркие сцены музыкальных театров есть в континентальной Европе, Азии, Австралазии, Канаде и Латинской Америке.

Определения и сфера применения

Книжные мюзиклы

«Веселая девушка» (1893) была одним из первых популярных мюзиклов.

С ХХ века «книжный мюзикл» определяют как музыкальную пьесу, в которой песни и танцы полностью интегрированы в хорошо сделанную историю, преследующую серьезные драматические цели и способную вызывать не только смех, но и искренние эмоции. Тремя основными компонентами книжного мюзикла являются его музыка , тексты песен и книга . Книга или сценарий мюзикла относятся к истории, развитию персонажей и драматической структуре, включая устные диалоги и ремарки, но могут также относиться к диалогам и текстам вместе, которые иногда называют либретто ( по-итальянски «либретто»). маленькая книжка»). Музыка и тексты вместе образуют партитуру мюзикла и включают в себя песни, музыкальное сопровождение и музыкальные сцены, которые представляют собой «театральные последовательности, положенные на музыку, часто сочетающие песню с устным диалогом». За интерпретацию мюзикла отвечает его творческий коллектив, в который входят режиссер, музыкальный руководитель, обычно хореограф, а иногда и оркестратор . Производство мюзикла также творчески характеризуется техническими аспектами, такими как сценография , костюмы , сценические реквизиты (реквизит) , освещение и звук . Творческая группа, дизайн и интерпретация обычно меняются от оригинальной постановки к последующим постановкам. Однако некоторые элементы постановки могут быть сохранены из оригинальной постановки, например, Боба Фосса хореография в Чикаго .

У мюзикла нет фиксированной продолжительности. Хотя продолжительность может варьироваться от короткого одноактного развлечения до нескольких действий и продолжительностью в несколько часов (или даже многовечернего представления), продолжительность большинства мюзиклов составляет от полутора до трех часов. Мюзиклы обычно представлены в двух действиях с одним коротким антрактом , причем первый акт зачастую длиннее второго. В первом акте обычно представлены почти все персонажи и большая часть музыки и часто заканчивается введением драматического конфликта или осложнения сюжета, тогда как второй акт может представить несколько новых песен, но обычно содержит репризы важных музыкальных тем и разрешает конфликт. или осложнение. Книжный мюзикл обычно состоит из четырех-шести основных тематических мелодий, которые повторяются позже в шоу, хотя иногда он состоит из серии песен, не связанных напрямую с музыкой. Разговорный диалог обычно перемежается между музыкальными номерами, хотя могут использоваться «певческие диалоги» или речитативы , особенно в так называемых «музыкальных номерах». пропетые » мюзиклы, такие как «Иисус Христос-суперзвезда» , «Фальсетто» , «Отверженные» , «Эвита» и «Гамильтон» . Несколько более коротких мюзиклов на Бродвее и в Вест-Энде в 21 веке были представлены в одном действии.

Моменты наибольшей драматической силы в книжном мюзикле часто исполняются в песне. Пословица гласит: «Когда эмоция становится слишком сильной для речи, вы поете; когда она становится слишком сильной для песни, вы танцуете». В книжном мюзикле песня идеально подходит персонажу (или персонажам) и их ситуации в истории; хотя в истории мюзикла были времена (например, с 1890-х по 1920-е годы), когда интеграция музыки и истории была незначительной. : The New York Times Критик Бен Брантли описал идеал песни в театре, рецензируя возрождение Gypsy в 2008 году « Нет никакого разделения между песней и персонажем, что и происходит в те необычные моменты, когда мюзиклы стремятся вверх, чтобы достичь своей цели. идеальные причины для существования». Обычно в пятиминутной песне поется гораздо меньше слов, чем в пятиминутном блоке диалога. Следовательно, в мюзикле меньше времени на развитие драматургии, чем в прямой пьесе такой же длины, поскольку в мюзикле обычно больше времени уделяется музыке, чем диалогу. В рамках сжатого характера мюзикла сценаристы должны развивать персонажей и сюжет.

Материал, представленный в мюзикле, может быть оригинальным или адаптирован из романов ( «Нечестивый» и «Человек из Ламанчи» ), пьес ( «Привет, Долли!» и «Карусель» ), классических легенд ( « Камелот »), исторических событий ( «Эвита и Гамильтон» ) или фильмы ( Продюсеры и Билли Эллиот ). С другой стороны, многие успешные произведения музыкального театра были адаптированы для музыкальных фильмов , например , «Вестсайдская история» , «Моя прекрасная леди» , «Звуки музыки» , «Оливер!». и Чикаго .

Сравнения с оперой

George Gershwin

Musical theatre is closely related to the theatrical form of opera, but the two are usually distinguished by weighing a number of factors. First, musicals generally have a greater focus on spoken dialogue. Some musicals, however, are entirely accompanied and sung-through, while some operas, such as Die Zauberflöte, and most operettas, have some unaccompanied dialogue. Second, musicals usually include more dancing as an essential part of the storytelling, particularly by the principal performers as well as the chorus. Third, musicals often use various genres of popular music or at least popular singing and musical styles.

Finally, musicals usually avoid certain operatic conventions. In particular, a musical is almost always performed in the language of its audience. Musicals produced on Broadway or in the West End, for instance, are invariably sung in English, even if they were originally written in another language. While an opera singer is primarily a singer and only secondarily an actor (and rarely needs to dance), a musical theatre performer is often an actor first but must also be a singer and dancer. Someone who is equally accomplished at all three is referred to as a "triple threat". Composers of music for musicals often consider the vocal demands of roles with musical theatre performers in mind. Today, large theatres that stage musicals generally use microphones and amplification of the actors' singing voices in a way that would generally be disapproved of in an operatic context.

Some works, including those by George Gershwin, Leonard Bernstein and Stephen Sondheim, have been made into both musical theatre and operatic productions. Similarly, some older operettas or light operas (such as The Pirates of Penzance by Gilbert and Sullivan) have been produced in modern adaptations that treat them as musicals. For some works, production styles are almost as important as the work's musical or dramatic content in defining into which art form the piece falls. Sondheim said, "I really think that when something plays Broadway it's a musical, and when it plays in an opera house it's opera. That's it. It's the terrain, the countryside, the expectations of the audience that make it one thing or another." There remains an overlap in form between lighter operatic forms and more musically complex or ambitious musicals. In practice, it is often difficult to distinguish among the various kinds of musical theatre, including "musical play", "musical comedy", "operetta" and "light opera".

Like opera, the singing in musical theatre is generally accompanied by an instrumental ensemble called a pit orchestra, located in a lowered area in front of the stage. While opera typically uses a conventional symphony orchestra, musicals are generally orchestrated for ensembles ranging from 27 players down to only a few players. Rock musicals usually employ a small group of mostly rock instruments, and some musicals may call for only a piano or two instruments. The music in musicals uses a range of "styles and influences including operetta, classical techniques, folk music, jazz [and] local or historical styles [that] are appropriate to the setting." Musicals may begin with an overture played by the orchestra that "weav[es] together excerpts of the score's famous melodies."

Eastern traditions and other forms

Chinese opera performers

There are various Eastern traditions of theatre that include music, such as Chinese opera, Taiwanese opera, Japanese Noh and Indian musical theatre, including Sanskrit drama, Indian classical dance, Parsi theatre and Yakshagana. India has, since the 20th century, produced numerous musical films, referred to as "Bollywood" musicals, and in Japan a series of 2.5D musicals based on popular anime and manga comics has developed in recent decades.

Shorter or simplified "junior" versions of many musicals are available for schools and youth groups, and very short works created or adapted for performance by children are sometimes called minimusicals.

History

Early antecedents

Main article: Development of musical theatre

A view of Rhodes by John Webb, which was painted on a backshutter for the first performance of The Siege of Rhodes (1656)

The antecedents of musical theatre in Europe can be traced back to the theatre of ancient Greece, where music and dance were included in stage comedies and tragedies during the 5th century BCE. The music from the ancient forms is lost, however, and they had little influence on later development of musical theatre. In the 12th and 13th centuries, religious dramas taught the liturgy. Groups of actors would use outdoor Pageant wagons (stages on wheels) to tell each part of the story. Poetic forms sometimes alternated with the prose dialogues, and liturgical chants gave way to new melodies.

The European Renaissance saw older forms evolve into two antecedents of musical theatre: commedia dell'arte, where raucous clowns improvised familiar stories, and later, opera buffa. In England, Elizabethan and Jacobean plays frequently included music, and short musical plays began to be included in an evenings' dramatic entertainments. Court masques developed during the Tudor period that involved music, dancing, singing and acting, often with expensive costumes and a complex stage design. These developed into sung plays that are recognizable as English operas, the first usually being thought of as The Siege of Rhodes (1656). In France, meanwhile, Molière turned several of his farcical comedies into musical entertainments with songs (music provided by Jean-Baptiste Lully) and dance in the late 17th century. These influenced a brief period of English opera by composers such as John Blow and Henry Purcell.

From the 18th century, the most popular forms of musical theatre in Britain were ballad operas, like John Gay's The Beggar's Opera, that included lyrics written to the tunes of popular songs of the day (often spoofing opera), and later pantomime, which developed from commedia dell'arte, and comic opera with mostly romantic plot lines, like Michael Balfe's The Bohemian Girl (1845). Meanwhile, on the continent, singspiel, comédie en vaudeville, opéra comique, zarzuela and other forms of light musical entertainment were emerging. The Beggar's Opera was the first recorded long-running play of any kind, running for 62 successive performances in 1728. It would take almost a century afterwards before any play broke 100 performances, but the record soon reached 150 in the late 1820s. Other musical theatre forms developed in England by the 19th century, such as music hall, melodrama and burletta, which were popularized partly because most London theatres were licensed only as music halls and not allowed to present plays without music.

Colonial America did not have a significant theatre presence until 1752, when London entrepreneur William Hallam sent a company of actors to the colonies managed by his brother Lewis. In New York in the summer of 1753, they performed ballad-operas, such as The Beggar's Opera, and ballad-farces. By the 1840s, P. T. Barnum was operating an entertainment complex in lower Manhattan. Other early musical theatre in America consisted of British forms, such as burletta and pantomime, but what a piece was called did not necessarily define what it was. The 1852 Broadway extravaganza The Magic Deer advertised itself as "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment." Theatre in New York moved from downtown gradually to midtown from around 1850 and did not arrive in the Times Square area until the 1920s and 1930s. New York runs lagged far behind those in London, but Laura Keene's "musical burletta" Seven Sisters (1860) shattered previous New York musical theatre record, with a run of 253 performances.

1850s to 1880s

Poster, c. 1879

Around 1850, the French composer Hervé was experimenting with a form of comic musical theatre he called opérette. The best known composers of operetta were Jacques Offenbach from the 1850s to the 1870s and Johann Strauss II in the 1870s and 1880s. Offenbach's fertile melodies, combined with his librettists' witty satire, formed a model for the musical theatre that followed. Adaptations of the French operettas (played in mostly bad, risqué translations), musical burlesques, music hall, pantomime and burletta dominated the London musical stage into the 1870s.

In America, mid-19th century musical theatre entertainments included crude variety revue, which eventually developed into vaudeville, minstrel shows, which soon crossed the Atlantic to Britain, and Victorian burlesque, first popularized in the US by British troupes. A hugely successful musical entertainment that premiered in New York in 1866, The Black Crook, combined dance and some original music that helped to tell the story. The spectacular production, famous for its skimpy costumes, ran for a record-breaking 474 performances. The same year, The Black Domino/Between You, Me and the Post was the first show to call itself a "musical comedy." In 1874, Evangeline or The Belle of Arcadia, by Edward E. Rice and J. Cheever Goodwin, based loosely on Longfellow’s Evangeline, with an original American story and music, opened successfully in New York and was revived in Boston, New York, and in repeated tours. Comedians Edward Harrigan and Tony Hart produced and starred in musicals on Broadway between 1878 (The Mulligan Guard Picnic) and 1885. These musical comedies featured characters and situations taken from the everyday life of New York's lower classes. They starred high quality singers (Lillian Russell, Vivienne Segal and Fay Templeton) instead of the ladies of questionable repute who had starred in earlier musical forms. In 1879, The Brook by Nate Salsbury was another national success with contemporary American dance styles and an American story about "members of an acting company taking a trip down a river ... with lots of obstacles and mishaps along the way".

As transportation improved, poverty in London and New York diminished, and street lighting made for safer travel at night, the number of patrons for the growing number of theatres increased enormously. Plays ran longer, leading to better profits and improved production values, and men began to bring their families to the theatre. The first musical theatre piece to exceed 500 consecutive performances was the French operetta The Chimes of Normandy in 1878 (705 performances). English comic opera adopted many of the successful ideas of European operetta, none more successfully than the series of more than a dozen long-running Gilbert and Sullivan comic operas, including H.M.S. Pinafore (1878) and The Mikado (1885). These were sensations on both sides of the Atlantic and in Australia and helped to raise the standard for what was considered a successful show. These shows were designed for family audiences, a marked contrast from the risqué burlesques, bawdy music hall shows and French operettas that sometimes drew a crowd seeking less wholesome entertainment. Only a few 19th-century musical pieces exceeded the run of The Mikado, such as Dorothy, which opened in 1886 and set a new record with a run of 931 performances. Gilbert and Sullivan's influence on later musical theatre was profound, creating examples of how to "integrate" musicals so that the lyrics and dialogue advanced a coherent story. Their works were admired and copied by early authors and composers of musicals in Britain and America.

1890s to the new century

Further information: Edwardian musical comedy

Cover of the Vocal Score of Sidney Jones' The Geisha

A Trip to Chinatown (1891) was Broadway's long-run champion (until Irene in 1919), running for 657 performances, but New York runs continued to be relatively short, with a few exceptions, compared with London runs, until the 1920s. Gilbert and Sullivan were widely pirated and also were imitated in New York by productions such as Reginald De Koven's Robin Hood (1891) and John Philip Sousa's El Capitan (1896). A Trip to Coontown (1898) was the first musical comedy entirely produced and performed by African Americans on Broadway (largely inspired by the routines of the minstrel shows), followed by ragtime-tinged shows. Hundreds of musical comedies were staged on Broadway in the 1890s and early 20th century, composed of songs written in New York's Tin Pan Alley, including those by George M. Cohan, who worked to create an American style distinct from the Gilbert and Sullivan works. The most successful New York shows were often followed by extensive national tours.

Meanwhile, musicals took over the London stage in the Gay Nineties, led by producer George Edwardes, who perceived that audiences wanted a new alternative to the Savoy-style comic operas and their intellectual, political, absurdist satire. He experimented with a modern-dress, family-friendly musical theatre style, with breezy, popular songs, snappy, romantic banter, and stylish spectacle at the Gaiety and his other theatres. These drew on the traditions of comic opera and used elements of burlesque and of the Harrigan and Hart pieces. He replaced the bawdy women of burlesque with his "respectable" corps of Gaiety Girls to complete the musical and visual fun. The success of the first of these, In Town (1892) and A Gaiety Girl (1893) set the style for the next three decades. The plots were generally light, romantic "poor maiden loves aristocrat and wins him against all odds" shows, with music by Ivan Caryll, Sidney Jones and Lionel Monckton. These shows were immediately widely copied in America, and Edwardian musical comedy swept away the earlier musical forms of comic opera and operetta. The Geisha (1896) was one of the most successful in the 1890s, running for more than two years and achieving great international success.

The Belle of New York (1898) became the first American musical to run for over a year in London. The British musical comedy Florodora (1899) was a popular success on both sides of the Atlantic, as was A Chinese Honeymoon (1901), which ran for a record-setting 1,074 performances in London and 376 in New York. After the turn of the 20th century, Seymour Hicks joined forces with Edwardes and American producer Charles Frohman to create another decade of popular shows. Other enduring Edwardian musical comedy hits included The Arcadians (1909) and The Quaker Girl (1910).

Early 20th century

Victor Herbert

Virtually eliminated from the English-speaking stage by competition from the ubiquitous Edwardian musical comedies, operettas returned to London and Broadway in 1907 with The Merry Widow, and adaptations of continental operettas became direct competitors with musicals. Franz Lehár and Oscar Straus composed new operettas that were popular in English until World War I. In America, Victor Herbert produced a string of enduring operettas including The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), The Red Mill (1906) and Naughty Marietta (1910).

In the 1910s, the team of P. G. Wodehouse, Guy Bolton and Jerome Kern, following in the footsteps of Gilbert and Sullivan, created the "Princess Theatre shows" and paved the way for Kern's later work by showing that a musical could combine light, popular entertainment with continuity between its story and songs. Historian Gerald Bordman wrote:

These shows built and polished the mold from which almost all later major musical comedies evolved. ... The characters and situations were, within the limitations of musical comedy license, believable and the humor came from the situations or the nature of the characters. Kern's exquisitely flowing melodies were employed to further the action or develop characterization. ... [Edwardian] musical comedy was often guilty of inserting songs in a hit-or-miss fashion. The Princess Theatre musicals brought about a change in approach. P. G. Wodehouse, the most observant, literate and witty lyricist of his day, and the team of Bolton, Wodehouse and Kern had an influence felt to this day.

The theatre-going public needed escapist entertainment during the dark times of World War I, and they flocked to the theatre. The 1919 hit musical Irene ran for 670 performances, a Broadway record that held until 1938. The British theatre public supported far longer runs like that of The Maid of the Mountains (1,352 performances) and especially Chu Chin Chow. Its run of 2,238 performances was more than twice as long as any previous musical, setting a record that stood for nearly forty years. Even a revival of The Beggar's Opera held the stage for 1,463 performances. Revues like The Bing Boys Are Here in Britain, and those of Florenz Ziegfeld and his imitators in America, were also extraordinarily popular.

Sheet music from Sally, 1920

The musicals of the Roaring Twenties, borrowing from vaudeville, music hall and other light entertainments, tended to emphasize big dance routines and popular songs at the expense of plot. Typical of the decade were lighthearted productions like Sally; Lady, Be Good; No, No, Nanette; Oh, Kay!; and Funny Face. Despite forgettable stories, these musicals featured stars such as Marilyn Miller and Fred Astaire and produced dozens of enduring popular songs by Kern, George and Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter and Rodgers and Hart. Popular music was dominated by musical theatre standards, such as "Fascinating Rhythm", "Tea for Two" and "Someone to Watch Over Me". Many shows were revues, series of sketches and songs with little or no connection between them. The best-known of these were the annual Ziegfeld Follies, spectacular song-and-dance revues on Broadway featuring extravagant sets, elaborate costumes and beautiful chorus girls. These spectacles also raised production values, and mounting a musical generally became more expensive. Shuffle Along (1921), an all-African American show was a hit on Broadway. A new generation of composers of operettas also emerged in the 1920s, such as Rudolf Friml and Sigmund Romberg, to create a series of popular Broadway hits.

In London, writer-stars such as Ivor Novello and Noël Coward became popular, but the primacy of British musical theatre from the 19th century through 1920 was gradually replaced by American innovation, especially after World War I, as Kern and other Tin Pan Alley composers began to bring new musical styles such as ragtime and jazz to the theatres, and the Shubert Brothers took control of the Broadway theatres. Musical theatre writer Andrew Lamb notes, "The operatic and theatrical styles of nineteenth-century social structures were replaced by a musical style more aptly suited to twentieth-century society and its vernacular idiom. It was from America that the more direct style emerged, and in America that it was able to flourish in a developing society less hidebound by nineteenth-century tradition." In France, comédie musicale was written between in the early decades of the century for such stars as Yvonne Printemps.

Show Boat and the Great Depression

Progressing far beyond the comparatively frivolous musicals and sentimental operettas of the decade, Broadway's Show Boat (1927), represented an even more complete integration of book and score than the Princess Theatre musicals, with dramatic themes told through the music, dialogue, setting and movement. This was accomplished by combining the lyricism of Kern's music with the skillful libretto of Oscar Hammerstein II. One historian wrote, "Here we come to a completely new genre – the musical play as distinguished from musical comedy. Now ... everything else was subservient to that play. Now ... came complete integration of song, humor and production numbers into a single and inextricable artistic entity."

Rodgers and Hart

As the Great Depression set in during the post-Broadway national tour of Show Boat, the public turned back to mostly light, escapist song-and-dance entertainment. Audiences on both sides of the Atlantic had little money to spend on entertainment, and only a few stage shows anywhere exceeded a run of 500 performances during the decade. The revue The Band Wagon (1931) starred dancing partners Fred Astaire and his sister Adele, while Porter's Anything Goes (1934) confirmed Ethel Merman's position as the First Lady of musical theatre, a title she maintained for many years. Coward and Novello continued to deliver old fashioned, sentimental musicals, such as The Dancing Years, while Rodgers and Hart returned from Hollywood to create a series of successful Broadway shows, including On Your Toes (1936, with Ray Bolger, the first Broadway musical to make dramatic use of classical dance), Babes in Arms (1937) and The Boys from Syracuse (1938). Porter added Du Barry Was a Lady (1939). The longest-running piece of musical theatre of the 1930s in the US was Hellzapoppin (1938), a revue with audience participation, which played for 1,404 performances, setting a new Broadway record. In Britain, Me and My Girl ran for 1,646 performances.

Still, a few creative teams began to build on Show Boat's innovations. Of Thee I Sing (1931), a political satire by the Gershwins, was the first musical awarded the Pulitzer Prize. As Thousands Cheer (1933), a revue by Irving Berlin and Moss Hart in which each song or sketch was based on a newspaper headline, marked the first Broadway show in which an African-American, Ethel Waters, starred alongside white actors. Waters' numbers included "Supper Time", a woman's lament for her husband who has been lynched. The Gershwins' Porgy and Bess (1935) featured an all African-American cast and blended operatic, folk and jazz idioms. The Cradle Will Rock (1937), directed by Orson Welles, was a highly political pro-union piece that, despite the controversy surrounding it, ran for 108 performances. Rodgers and Hart's I'd Rather Be Right (1937) was a political satire with George M. Cohan as President Franklin D. Roosevelt, and Kurt Weill's Knickerbocker Holiday depicted New York City's early history while good-naturedly satirizing Roosevelt's good intentions.

The motion picture mounted a challenge to the stage. Silent films had presented only limited competition, but by the end of the 1920s, films like The Jazz Singer could be presented with synchronized sound. "Talkie" films at low prices effectively killed off vaudeville by the early 1930s. Despite the economic woes of the 1930s and the competition from film, the musical survived. In fact, it continued to evolve thematically beyond the gags and showgirls musicals of the Gay Nineties and Roaring Twenties and the sentimental romance of operetta, adding technical expertise and the fast-paced staging and naturalistic dialogue style led by director George Abbott.

The Golden Age (1940s to 1960s)

Rodgers and Hammerstein (left and right) and Irving Berlin (center) at the St. James Theatre in 1948

1940s

The 1940s began with more hits from Porter, Irving Berlin, Rodgers and Hart, Weill and Gershwin, some with runs over 500 performances as the economy rebounded, but artistic change was in the air. Rodgers and Hammerstein's Oklahoma! (1943) completed the revolution begun by Show Boat, by tightly integrating all the aspects of musical theatre, with a cohesive plot, songs that furthered the action of the story, and featured dream ballets and other dances that advanced the plot and developed the characters, rather than using dance as an excuse to parade scantily clad women across the stage. Rodgers and Hammerstein hired ballet choreographer Agnes de Mille, who used everyday motions to help the characters express their ideas. It defied musical conventions by raising its first act curtain not on a bevy of chorus girls, but rather on a woman churning butter, with an off-stage voice singing the opening lines of Oh, What a Beautiful Mornin' unaccompanied. It drew rave reviews, set off a box-office frenzy and received a Pulitzer Prize. Brooks Atkinson wrote in The New York Times that the show's opening number changed the history of musical theatre: "After a verse like that, sung to a buoyant melody, the banalities of the old musical stage became intolerable." It was the first "blockbuster" Broadway show, running a total of 2,212 performances, and was made into a hit film. It remains one of the most frequently produced of the team's projects. William A. Everett and Paul R. Laird wrote that this was a "show, that, like Show Boat, became a milestone, so that later historians writing about important moments in twentieth-century theatre would begin to identify eras according to their relationship to Oklahoma!".

Mary Martin starred in several Broadway hits of this era

"After Oklahoma!, Rodgers and Hammerstein were the most important contributors to the musical-play form... The examples they set in creating vital plays, often rich with social thought, provided the necessary encouragement for other gifted writers to create musical plays of their own". The two collaborators created an extraordinary collection of some of musical theatre's best loved and most enduring classics, including Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) and The Sound of Music (1959). Some of these musicals treat more serious subject matter than most earlier shows: the villain in Oklahoma! is a suspected murderer and psychopath; Carousel deals with spousal abuse, thievery, suicide and the afterlife; South Pacific explores miscegenation even more thoroughly than Show Boat; the hero of The King and I dies onstage; and the backdrop of The Sound of Music is the annexation of Austria by Nazi Germany in 1938.

The show's creativity stimulated Rodgers and Hammerstein's contemporaries and ushered in the "Golden Age" of American musical theatre. Americana was displayed on Broadway during the "Golden Age", as the wartime cycle of shows began to arrive. An example of this is On the Town (1944), written by Betty Comden and Adolph Green, composed by Leonard Bernstein and choreographed by Jerome Robbins. The story is set during wartime and concerns three sailors who are on a 24-hour shore leave in New York City, during which each falls in love. The show also gives the impression of a country with an uncertain future, as the sailors and their women also have. Irving Berlin used sharpshooter Annie Oakley's career as a basis for his Annie Get Your Gun (1946, 1,147 performances); Burton Lane, E. Y. Harburg and Fred Saidy combined political satire with Irish whimsy for their fantasy Finian's Rainbow (1947, 725 performances); and Cole Porter found inspiration in William Shakespeare's The Taming of the Shrew for Kiss Me, Kate (1948, 1,077 performances). The American musicals overwhelmed the old-fashioned British Coward/Novello-style shows, one of the last big successes of which was Novello's Perchance to Dream (1945, 1,021 performances). The formula for the Golden Age musicals reflected one or more of four widely held perceptions of the "American dream": That stability and worth derives from a love relationship sanctioned and restricted by Protestant ideals of marriage; that a married couple should make a moral home with children away from the city in a suburb or small town; that the woman's function was as homemaker and mother; and that Americans incorporate an independent and pioneering spirit or that their success is self-made.

1950s

Further information: Musical film

Julie Andrews with Richard Burton in Camelot (1960)

The 1950s were crucial to the development of the American musical. Damon Runyon's eclectic characters were at the core of Frank Loesser's and Abe Burrows' Guys and Dolls, (1950, 1,200 performances); and the Gold Rush was the setting for Alan Jay Lerner and Frederick Loewe's Paint Your Wagon (1951). The relatively brief seven-month run of that show did not discourage Lerner and Loewe from collaborating again, this time on My Fair Lady (1956), an adaptation of George Bernard Shaw's Pygmalion starring Rex Harrison and Julie Andrews, which at 2,717 performances held the long-run record for many years. Popular Hollywood films were made of all of these musicals. Two hits by British creators in this decade were The Boy Friend (1954), which ran for 2,078 performances in London and marked Andrews' American debut, and Salad Days (1954), which broke the British long-run record with a run of 2,283 performances.

Another record was set by The Threepenny Opera, which ran for 2,707 performances, becoming the longest-running off-Broadway musical until The Fantasticks. The production also broke ground by showing that musicals could be profitable off-Broadway in a small-scale, small orchestra format. This was confirmed in 1959 when a revival of Jerome Kern and P. G. Wodehouse's Leave It to Jane ran for more than two years. The 1959–1960 off-Broadway season included a dozen musicals and revues including Little Mary Sunshine, The Fantasticks and Ernest in Love, a musical adaptation of Oscar Wilde's 1895 hit The Importance of Being Earnest.

Leonard Bernstein, 1971

West Side Story (1957) transported Romeo and Juliet to modern day New York City and converted the feuding Montague and Capulet families into opposing ethnic gangs, the Jets and the Sharks. The book was adapted by Arthur Laurents, with music by Leonard Bernstein and lyrics by newcomer Stephen Sondheim. It was praised by critics for its innovations in music and choreography but was less commercially successful than the same year's The Music Man, written and composed by Meredith Willson, which won the Tony Award for Best Musical that year. West Side Story would get a film adaptation in 1961, which proved successful both critically and commercially. Laurents and Sondheim teamed up again for Gypsy (1959), with Jule Styne providing the music for a story about Rose Thompson Hovick, the mother of the titular stripper Gypsy Rose Lee.

Although directors and choreographers have had a major influence on musical theatre style since at least the 19th century, George Abbott and his collaborators and successors took a central role in integrating movement and dance fully into musical theatre productions in the Golden Age. Abbott introduced ballet as a story-telling device in On Your Toes in 1936, which was followed by Agnes de Mille's ballet and choreography in Oklahoma!. After Abbott collaborated with Jerome Robbins in On the Town and other shows, Robbins combined the roles of director and choreographer, emphasizing the story-telling power of dance in West Side Story, A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962) and Fiddler on the Roof (1964). Bob Fosse choreographed for Abbott in The Pajama Game (1956) and Damn Yankees (1957), injecting playful sexuality into those hits. He was later the director-choreographer for Sweet Charity (1968), Pippin (1972) and Chicago (1975). Other notable director-choreographers have included Gower Champion, Tommy Tune, Michael Bennett, Gillian Lynne and Susan Stroman. Prominent directors have included Hal Prince, who also got his start with Abbott, and Trevor Nunn.

During the Golden Age, automotive companies and other large corporations began to hire Broadway talent to write corporate musicals, private shows only seen by their employees or customers. The 1950s ended with Rodgers and Hammerstein's last hit, The Sound of Music, which also became another hit for Mary Martin. It ran for 1,443 performances and shared the Tony Award for Best Musical. Together with its extremely successful 1965 film version, it has become one of the most popular musicals in history.

1960s

In 1960, The Fantasticks was first produced off-Broadway. This intimate allegorical show would quietly run for over 40 years at the Sullivan Street Theatre in Greenwich Village, becoming by far the longest-running musical in history. Its authors produced other innovative works in the 1960s, such as Celebration and I Do! I Do!, the first two-character Broadway musical. The 1960s would see a number of blockbusters, like Fiddler on the Roof (1964; 3,242 performances), Hello, Dolly! (1964; 2,844 performances), Funny Girl (1964; 1,348 performances) and Man of La Mancha (1965; 2,328 performances), and some more risqué pieces like Cabaret, before ending with the emergence of the rock musical. In Britain, Oliver! (1960) ran for 2,618 performances, but the long-run champion of the decade was The Black and White Minstrel Show (1962), which played for 4,344 performances. Two men had considerable impact on musical theatre history beginning in this decade: Stephen Sondheim and Jerry Herman.

Bernadette Peters (shown in 2008) has starred in five Sondheim musicals

The first project for which Sondheim wrote both music and lyrics was A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 performances), with a book based on the works of Plautus by Burt Shevelove and Larry Gelbart, starring Zero Mostel. Sondheim moved the musical beyond its concentration on the romantic plots typical of earlier eras; his work tended to be darker, exploring the grittier sides of life both present and past. Other early Sondheim works include Anyone Can Whistle (1964, which ran only nine performances, despite having stars Lee Remick and Angela Lansbury), and the successful Company (1970), Follies (1971) and A Little Night Music (1973). Later, Sondheim found inspiration in unlikely sources: the opening of Japan to Western trade for Pacific Overtures (1976), a legendary murderous barber seeking revenge in the Industrial Age of London for Sweeney Todd (1979), the paintings of Georges Seurat for Sunday in the Park with George (1984), fairy tales for Into the Woods (1987), and a collection of presidential assassins in Assassins (1990).

While some critics have argued that some of Sondheim's musicals lack commercial appeal, others have praised their lyrical sophistication and musical complexity, as well as the interplay of lyrics and music in his shows. Some of Sondheim's notable innovations include a show presented in reverse (Merrily We Roll Along) and the above-mentioned Anyone Can Whistle, in which the first act ends with the cast informing the audience that they are mad.

Jerry Herman played a significant role in American musical theatre, beginning with his first Broadway production, Milk and Honey (1961, 563 performances), about the founding of the state of Israel, and continuing with the blockbuster hits Hello, Dolly! (1964, 2,844 performances), Mame (1966, 1,508 performances), and La Cage aux Folles (1983, 1,761 performances). Even his less successful shows like Dear World (1969) and Mack and Mabel (1974) have had memorable scores (Mack and Mabel was later reworked into a London hit). Writing both words and music, many of Herman's show tunes have become popular standards, including "Hello, Dolly!", "We Need a Little Christmas", "I Am What I Am", "Mame", "The Best of Times", "Before the Parade Passes By", "Put On Your Sunday Clothes", "It Only Takes a Moment", "Bosom Buddies" and "I Won't Send Roses", recorded by such artists as Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark and Bernadette Peters. Herman's songbook has been the subject of two popular musical revues, Jerry's Girls (Broadway, 1985) and Showtune (off-Broadway, 2003).

The musical started to diverge from the relatively narrow confines of the 1950s. Rock music would be used in several Broadway musicals, beginning with Hair, which featured not only rock music but also nudity and controversial opinions about the Vietnam War, race relations and other social issues.

Social themes

After Show Boat and Porgy and Bess, and as the struggle in America and elsewhere for minorities' civil rights progressed, Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg and others were emboldened to write more musicals and operas that aimed to normalize societal toleration of minorities and urged racial harmony. Early Golden Age works that focused on racial tolerance included Finian's Rainbow and South Pacific. Towards the end of the Golden Age, several shows tackled Jewish subjects and issues, such as Fiddler on the Roof, Milk and Honey, Blitz! and later Rags. The original concept that became West Side Story was set in the Lower East Side during Easter-Passover celebrations; the rival gangs were to be Jewish and Italian Catholic. The creative team later decided that the Polish (white) vs. Puerto Rican conflict was fresher.

Tolerance as an important theme in musicals has continued in recent decades. The final expression of West Side Story left a message of racial tolerance. By the end of the 1960s, musicals became racially integrated, with black and white cast members even covering each other's roles, as they did in Hair. Homosexuality has also been explored in musicals, starting with Hair, and even more overtly in La Cage aux Folles, Falsettos, Rent, Hedwig and the Angry Inch and other shows in recent decades. Parade is a sensitive exploration of both anti-Semitism and historical American racism, and Ragtime similarly explores the experience of immigrants and minorities in America.

1970-е годы по настоящее время

1970-е годы

После успеха « Волос » в 1970-х годах процветал рок-мюзикл с «Иисус Христос-суперзвезда» , «Годспелл» , «Шоу ужасов Рокки Хоррора» , «Эвита» и «Два джентльмена из Вероны» . Некоторые из них начинались как « концептуальные альбомы », которые затем были адаптированы для сцены, в первую очередь «Jesus Christ Superstar» и «Evita» . В других не было диалогов или они чем-то напоминали оперу с драматическими, эмоциональными темами; Иногда они начинались как концептуальные альбомы и назывались рок-операми . Такие шоу, как «Изюм» , «Девушки мечты» , «Пурли» и «Волшебник», принесли на Бродвей значительное афроамериканское влияние. Более разнообразные музыкальные жанры и стили были включены в мюзиклы как на Бродвее, так и особенно за его пределами. В то же время, как упоминалось выше, Стивен Сондхейм добился успеха с некоторыми из своих мюзиклов.

«Припев» был одной из 55 постановок, которые Джозефа Паппа поставил Общественный театр на Бродвей.

В 1975 году танцевальный мюзикл «A Chorus Line» возник на основе записанных сессий в стиле групповой терапии, которые Майкл Беннетт проводил с «цыганами» — теми, кто поет и танцует в поддержку ведущих исполнителей — из бродвейского сообщества. Из сотен часов записей Джеймс Кирквуд-младший и Ник Данте создали книгу о прослушивании в мюзикл, включив в нее множество реальных историй с сессий; некоторые из тех, кто присутствовал на сессиях, в конечном итоге играли в шоу вариации себя или друг друга. На музыку Марвина Хэмлиша и слова Клебана Эдварда «A Chorus Line» впервые открылась в Джозефа Паппа в Общественном театре нижнем Манхэттене. То, что изначально планировалось как ограниченное мероприятие, в конечном итоге перешло в Театр Шуберта на Бродвее. было проведено 6137 представлений, что на тот момент стало самой продолжительной постановкой в ​​истории Бродвея. Шоу получило премию «Тони» и получило Пулитцеровскую премию , а его хит «What I Did for Love » стал стандартом.

Бродвейская публика приветствовала мюзиклы, которые отличались от стиля и содержания золотого века. Джон Кандер и Фред Эбб исследовали подъем нацизма в Германии в «Кабаре» , а также убийства и средства массовой информации в сухого закона эпохи Чикаго , которые опирались на старые водевиля техники . Действие «Пиппина » Стивена Шварца происходит во времена Карла Великого . Федерико Феллини Автобиографический фильм «8½» стал Мори Йестона » « Девятью . В конце десятилетия «Эвита» и «Суини Тодд» стали предшественниками более мрачных и крупнобюджетных мюзиклов 1980-х годов, основанных на драматических историях, потрясающей партитуре и впечатляющих эффектах. В то же время старомодные ценности все еще присутствовали в таких хитах, как «Энни» , «42-я улица» , «My One and Only» , а также в популярных возрождениях « No, No, Nanette и Irene» . Хотя в 1970-х годах было снято множество киноверсий мюзиклов, немногие из них имели успех у критиков или кассовых сборов, за заметными исключениями «Скрипач на крыше» , «Кабаре» и «Бриолин» .

1980-е годы

Кэмерон Макинтош

В 1980-е годы европейские « мегамюзиклы » оказали влияние на Бродвей, Вест-Энд и другие места. Обычно они включают музыку в стиле поп-музыки, большие актеры, впечатляющие декорации и спецэффекты - падающую люстру (в «Призраке оперы» ); приземление вертолета на сцене (в «Мисс Сайгон ») – и большие бюджеты. Некоторые были основаны на романах или других литературных произведениях. Британская команда композитора Эндрю Ллойда Уэббера и продюсера Кэмерона Макинтош положила начало мегамузыкальному феномену своим мюзиклом « Кошки » 1981 года , основанным на стихах Т.С. Элиота , который обогнал «Линию припева» и стал самым продолжительным бродвейским шоу. Ллойд Уэббер последовал за «Starlight Express» (1984), выступавшим на роликовых коньках; «Призрак оперы» (1986; также с Макинтошем) по мотивам одноименного романа ; и «Бульвар Сансет» (1993) из одноименного фильма 1950 года . «Призрак» превзойдет «Кошек» и станет самым продолжительным шоу в истории Бродвея, и этот рекорд он удерживает до сих пор. Французская команда Клода-Мишеля Шенберга и Алена Бублиля написала «Отверженные» по одноименному роману , чья лондонская постановка 1985 года была поставлена ​​Макинтошом и стала и до сих пор остается самым продолжительным мюзиклом в истории Вест-Энда и Бродвея. . Команда выпустила еще один хит « Мисс Сайгон» (1989), вдохновленный оперой Пуччини «Мадам Баттерфляй» .

Огромные бюджеты мегамюзиклов изменили ожидания финансового успеха на Бродвее и в Вест-Энде. Раньше шоу можно было считать хитом после нескольких сотен представлений, но при многомиллионных затратах на производство шоу должно длиться годами просто для того, чтобы принести прибыль. Мегамюзиклы также воспроизводились в постановках по всему миру, что увеличивало их потенциальную прибыль и одновременно расширяло мировую аудиторию музыкального театра.

1990-е годы

Одра Макдональд

В 1990-е годы появилось новое поколение театральных композиторов, в том числе Джейсон Роберт Браун и Майкл Джон ЛаКьюза , которые начинали с постановок за пределами Бродвея. Самым заметным успехом этих артистов стало Джонатана Ларсона шоу «Аренда » (1996), рок-мюзикл (по мотивам оперы «Богема ») о борющемся сообществе художников на Манхэттене. В то время как стоимость билетов на мюзиклы на Бродвее и Вест-Энде росла за пределами бюджета многих театралов, «Рента» рекламировалась с целью повысить популярность мюзиклов среди более молодой аудитории. В нем участвовал молодой состав и музыкальное сопровождение с сильным влиянием рока; мюзикл стал хитом. Его юные поклонники, многие из которых студенты, называющие себя RENTheads], разбили лагерь в Nederlander Theater в надежде выиграть в лотерею билеты в первый ряд по 20 долларов, а некоторые смотрели представление десятки раз. Другие шоу на Бродвее последовали примеру «Рента» , предложив билеты на дневное представление или стоячие места со значительной скидкой, хотя зачастую скидки предлагаются только студентам.

В 1990-е годы также наблюдалось влияние крупных корпораций на производство мюзиклов. Наиболее важной из них была компания Disney Theatrical Productions , которая начала адаптацию некоторых Диснея анимационных мюзиклов для сцены, начиная с «Красавицы и чудовища» (1994), «Короля Льва» (1997) и «Аиды» (2000), причем последние два были написаны на музыку Элтон Джон . «Король Лев» — самый кассовый мюзикл в истории Бродвея. «Кто Томми» (1993), театральная адаптация рок-оперы «Томми» , собрала 899 представлений, но подверглась критике за санацию сюжета и «музыкальную театрализацию» рок-музыки.

Несмотря на растущее количество крупномасштабных мюзиклов в 1980-х и 1990-х годах, ряду малобюджетных и небольших мюзиклов удалось добиться критического и финансового успеха, таких как «Фальсеттоленд» , «Магазинчик ужасов» , «Бэт-бой: мюзикл и кровь» . Brothers» , в рамках которого было проведено 10 013 представлений. Темы этих пьес широко варьируются, а музыка варьируется от рока до поп-музыки, но они часто ставятся за пределами Бродвея или для небольших лондонских театров, и некоторые из этих постановок считаются творческими и новаторскими.

2000-е – настоящее время

Тенденции

В новом столетии производители и инвесторы, стремящиеся гарантировать возврат своих значительных вложений, воспользовались принципом фамильярности. Некоторые рискнули (обычно с скромным бюджетом) создать новый и креативный материал, такой как Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), Рядом с «Нормальным» (2009 г.), «Американским идиотом» (2010 г.) и «Книгой Мормона» (2011 г.). Гамильтон (2015) превратил «недодраматизированную американскую историю» в необычный хит с элементами хип-хопа. В 2011 году Сондхейм утверждал, что из всех форм «современной поп-музыки» рэп «наиболее близок к традиционному музыкальному театру» и является «одним путем в будущее».

Тем не менее, большинство постановок 21-го века на крупном рынке пошли по безопасному пути, возрождая знакомые произведения, такие как «Скрипач на крыше », «Линия хора» , «Южный Тихий океан» , «Цыганка» , « Волосы» , «Вестсайдская история» и «Бриолин» , или с адаптациями другой проверенный материал, такой как литература ( «Алый пимпернель» , «Злой и веселый дом »), надеясь, что в результате у шоу появится своя аудитория. Особенно устойчива эта тенденция в экранизациях, среди которых «Продюсеры» , «Спамалот » , «Лак для волос» , «Блондинка в законе» , «Пурпурный цвет» , «Занаду» , «Билли Эллиот» , «Шрек» , «Официантка» и «День сурка» . Некоторые критики утверждают, что повторное использование сюжетов фильмов, особенно фильмов Диснея (таких как «Мэри Поппинс» и «Русалочка» ), приравнивает мюзикл на Бродвее и Вест-Энде к туристической достопримечательности, а не к творческому выходу.

Актерский состав Гамильтона встречается с президентом Обамой в 2015 году.

Сегодня менее вероятно, что единственный продюсер, такой как Дэвид Меррик или Кэмерон Макинтош , поддержит производство. Корпоративные спонсоры доминируют на Бродвее, и часто создаются союзы для постановки мюзиклов, требующие инвестиций в размере 10 миллионов долларов и более. В 2002 году в списке «Совершенно современная Милли» было указано десять продюсеров, среди которых были организации, состоящие из нескольких человек. Как правило, внебродвейские и региональные театры, как правило, ставят меньшие по размеру и, следовательно, менее дорогие мюзиклы, а разработка новых мюзиклов все чаще происходит за пределами Нью-Йорка и Лондона или на небольших площадках. Например, «Весеннее пробуждение» , «Веселый дом» и «Гамильтон» были разработаны за пределами Бродвея, прежде чем были запущены на Бродвее.

Несколько мюзиклов вернулись к столь успешному в 1980-е годы зрелищному формату, напоминая феерии , которые время от времени представлялись на протяжении всей истории театра, с тех пор как древние римляне устраивали имитацию морских сражений. Примеры включают музыкальные адаптации « Властелина колец» (2007 г.), «Унесенных ветром» (2008 г.) и «Человека-паука: Выключи тьму» (2011 г.). В этих мюзиклах участвовали авторы песен с небольшим театральным опытом, а дорогие постановки обычно теряли деньги. И наоборот, «Сонливый сопровождающий» , «Авеню Q» , «25-я ежегодная орфографическая пчела округа Патнэм» , «Занаду» и «Дом веселья» , среди прочих, были представлены в менее масштабных постановках, в основном непрерывных антрактами, с короткими промежутками времени и пользовались финансовым успехом. В 2013 году журнал Time сообщил, что за пределами Бродвея тенденцией стал «иммерсивный» театр, сославшись на такие спектакли, как «Наташа, Пьер и Великая комета 1812 года» (2012) и «Здесь лежит любовь» (2013), в которых постановка происходит вокруг и внутри аудитории. Шоу установили совместный рекорд: каждое из них было номинировано на премию Люсиль Лортель по 11 раз . и включают современные партитуры.

В 2013 году Синди Лаупер стала «первой женщиной-композитором, получившей премию [Тони] за лучший саундтрек без соавтора-мужчины» за написание музыки и текстов для Kinky Boots . В 2015 году впервые женская писательская команда , Лиза Крон и Жанин Тесори , выиграла премию Тони за лучший оригинальный саундтрек (и лучшую книгу Крона) за книгу «Fun Home» . хотя произведения авторов-мужчин по-прежнему выпускаются чаще.

Музыкальный автомат мюзиклы

Другая тенденция заключалась в создании минимального сюжета, подходящего для коллекции песен, которые уже стали хитами. После более раннего успеха Buddy – The Buddy Holly Story , в их число вошли Movin' Out (2002, на основе мелодий Билли Джоэла ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, с участием классического рока 1980-е), Thriller – Live (2009, Майкл Джексон ) и многие другие. Этот стиль часто называют « мюзиклом из музыкального автомата ». Похожие, но более сюжетные мюзиклы построены по канону конкретной поп-группы, включая Mamma Mia! (1999, на основе песен ABBA ), Our House (2002, на основе песен Madness ) и We Will Rock You (2002, на основе песен Queen ).

Кино и телемюзиклы

Дополнительная информация: Музыкальный фильм.

Зак Эфрон и Зендая снялись с Хью Джекманом в «Величайшем шоумене»

Мюзиклы с живыми боевиками были практически мертвы в 1980-х и начале 1990-х годов, за исключением « Виктора/Виктории» , «Магазинчика ужасов» и фильма «Эвита» 1996 года . В новом веке Баз Лурман начал возрождение киномюзикла с «Мулен Руж»! (2001). За этим последовал Чикаго (2002 г.); Призрак оперы (2004); Аренда (2005); Девушки мечты (2006); Лак для волос , Enchanted и Суини Тодд (все в 2007 году); Мама Миа! (2008); Девять (2009); «Отверженные» и «Идеальный голос» (оба в 2012 г.), «В лес» , «Последние пять лет» (2014 г.), «Ла-Ла Ленд» (2016 г.), «Величайший шоумен» (2017 г.), «Звезда родилась» и «Мэри Поппинс возвращается» (оба 2018 г.), «Человек-ракета» (2019) и «В высотах» и Стивена Спилберга версия «Вестсайдской истории» (оба в 2021 году) и другие. Доктор Сьюз « Как Гринч украл Рождество!» (2000) и «Кот в шляпе» (2003) превратили детские книги в мюзиклы с живыми актерами. После огромного успеха Диснея и других компаний, создавших анимационные мюзиклы, начиная с «Русалочки» в 1989 году и продолжавшихся на протяжении 1990-х годов (включая несколько фильмов на взрослую тематику, таких как «Южный парк: Большой, длинный и необрезанный » (1999)), стало меньше анимационных фильмов. киномюзиклы вышли на экраны в первом десятилетии XXI века. Жанр вернулся в 2010 году с фильмами «Рапунцель: Запутанная история» (2010), «Рио» (2011) и «Холодное сердце» (2013). В Азии Индия продолжает выпускать многочисленные мюзиклы «Болливуд», а Япония производит мюзиклы «Аниме» и «Манга».

В 1990-е годы были популярны снятые для телевидения музыкальные фильмы, такие как «Цыганка» (1993), «Золушка» (1997) и «Энни» (1999). Некоторые мюзиклы, созданные для телевидения в первом десятилетии 21 века, были адаптацией сценической версии, например, «Южный Тихий океан» (2001), «Музыкальный человек» (2003) и «Однажды на матрасе» (2005), а также телевизионной версией сцены. мюзикл «Блондинка в законе» в 2007 году. Кроме того, несколько мюзиклов были сняты на сцене и транслировались по общественному телевидению, например «Контакт» в 2002 году и «Поцелуй меня, Кейт и Оклахома!» в 2003 году. Особым успехом пользовались снятый для телевидения мюзикл «Классный мюзикл » (2006) и несколько его сиквелов, адаптированных для сценических мюзиклов и других средств массовой информации.

Дав Кэмерон снялась в таких телемюзиклах, как «Наследники» , «Лак для волос Live!». и Шмигадун!

В 2013 году NBC начала серию прямых телетрансляций мюзиклов с программой The Sound of Music Live! Хотя постановка получила неоднозначные отзывы, она имела успех в рейтингах. Дальнейшие трансляции включали Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (НБК 2015), британская трансляция The Sound of Music Live ( ITV 2015) Смазка: Живая ( Fox 2016), Лак для волос Живи! (NBC, 2016), Рождественская история в прямом эфире! (Фокс, 2017), и Прокат: Прямой эфир (Fox 2019).

В некоторых телешоу эпизоды превращены в мюзикл. Примеры включают эпизоды «Элли МакБил» , «Зена: Королева воинов » («Горькая сюита» и «Лира, лира, сердце горит»), «Псих» (« Псих: мюзикл »), «Баффи — истребительница вампиров» (« Еще раз, с чувством »). « Вот такая Рэйвен » , «Дарья» , «Лаборатория Декстера» , «Крутые девчонки» , «Флэш» , «Однажды в сказке» , «Оз» , «Клиника» (одну серию написали создатели «Авеню Кью» ), «Бэтмен: Отважные и смелые» ( «Безумие») . Музыкального Мейстера» ) и «Шоу 70-х» (100-я серия « Мюзикла 70-х »). Другие включали сцены, где персонажи внезапно начинают петь и танцевать в стиле музыкального театра во время эпизода, например, в нескольких эпизодах «Симпсонов» , «30 Rock» , «Ханна Монтана» , «Южный парк» , «Бургеры Боба» и «Гриффины» . Телесериалы, в которых широко использовался этот музыкальный формат, включают Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee , Smash и Crazy Ex-Girlfriend .

Также были созданы мюзиклы для Интернета, в том числе « доктора Ужасного» Sing-Along Blog о дешевом суперзлодее, которого играет Нил Патрик Харрис . Оно было написано во время забастовки писателей WGA . С 2006 года реалити-шоу используются для продвижения возрождения музыки путем проведения конкурса талантов для отбора на главные роли (обычно женщин). Примеры: « Как решить такую ​​проблему, как Мария?» , Смазка: Ты тот, кого я хочу! , Подойдет любая мечта , Блондинка в законе: Мюзикл – В поисках Элль Вудс , Я бы сделала что угодно и за радугой . В 2021 году Шмигадун! был пародией и данью уважения мюзиклам Золотого века 1940-х и 1950-х годов.

Закрытие театра в 2020–2021 гг.

Шатер театра «В сердце зверя» в Миннеаполисе, штат Миннесота, во время пандемии COVID-19.

Пандемия COVID-19 привела к закрытию театров и театральных фестивалей по всему миру в начале 2020 года, включая весь Бродвей. и театры Вест-Энда. Многие учреждения исполнительского искусства пытались адаптироваться или сократить свои потери, предлагая новые (или расширенные) цифровые услуги. В частности, это привело к онлайн-трансляции ранее записанных выступлений многих компаний. а также индивидуальные краудсорсинговые проекты. Например, Сиднейская театральная труппа поручила актерам снять себя дома, обсуждая, а затем исполняя монолог одного из персонажей, которых они ранее играли на сцене. Актеры мюзиклов, таких как «Гамильтон» и «Mamma Mia!» объединились в звонках Zoom, чтобы развлекать отдельных лиц и публику. Некоторые выступления транслировались в прямом эфире, проводились на открытом воздухе или другими «социально дистанцированными» способами, иногда позволяя зрителям взаимодействовать с актерами. Радиотеатральные фестивали транслировались. Были созданы виртуальные и даже краудсорсинговые мюзиклы, такие как мюзикл «Рататуй» . Снятые версии крупных мюзиклов, таких как «Гамильтон» , были выпущены на потоковых платформах. Эндрю Ллойд Уэббер разместил записи своих мюзиклов на YouTube.

Из-за закрытия и потери билетов многие театральные компании оказались в финансовой опасности. Некоторые правительства предложили чрезвычайную помощь искусству. Некоторые рынки музыкальных театров начали открываться урывками к началу 2021 года. театры Вест-Энда откладывают открытие с июня на июль, и Бродвей, начиная с сентября. Однако в течение 2021 года всплески пандемии привели к закрытию некоторых предприятий даже после того, как рынки вновь открылись.

Международные мюзиклы

США и Великобритания были наиболее активными источниками книжных мюзиклов с 19 века на протяжении большей части 20 века (хотя в этот период и даже раньше Европа производила различные формы популярных легких опер и оперетт, например, испанскую сарсуэлу ). Однако легкомузыкальная сцена в других странах в последние десятилетия активизировалась.

Мюзиклы из других англоязычных стран (особенно из Австралии и Канады) часто имеют успех на местном уровне, а иногда даже достигают Бродвея или Вест-Энда (например, «Мальчик из страны Оз» и «Сонный сопровождающий» ). В Южной Африке активно действуют музыкальные театры с такими ревю, как «Африканский след» и «Умоджа», а также книжными мюзиклами, такими как «Кэт и короли» и «Сарафина!». гастролирует по всему миру. такие мюзиклы, как «Вир» , «Любовь и зеленый лук» , «Над радугой: совершенно новая гей-феерия», а также « Гора Бангбрук» и «В трусах» – странный маленький мюзикл На местном уровне успешно были сняты .

Японское женское ревю Такарадзука в спектакле "Паризетта" 1930 года.

Успешные мюзиклы из континентальной Европы включают шоу из (среди других стран) Германии ( «Эликсир» и «Людвиг II» ), Австрии ( «Танец вампира» , «Элизабет » , «Моцарт!» и «Ребекка» ), Чехии ( «Дракула» ), Франции ( «Стармания» , «Нотр-Дам де Пари») . , «Отверженные» , «Ромео и Джульетта и Моцарт», рок-опера ) и Испания ( «Hoy no me puedo levantar» и «Мюзикл Санчо Панса» ).

В Японии в последнее время наблюдается рост местной формы музыкального театра, как анимационного, так и живого действия, в основном основанного на аниме и манге , таких как «Служба доставки Кики» и «Тэнимю» . В популярный метасериал «Сейлор Мун» вошли двадцать девять мюзиклов «Сейлор Мун» , охватывающих тринадцать лет. Начиная с 1914 года, серия популярных ревю исполнялась женским коллективом Takarazuka Revue , в состав которого в настоящее время входят пять исполнительских трупп. В других странах Азии индийские болливудские мюзиклы, в основном в виде кинофильмов, пользуются огромным успехом.

Начиная с тура Les Misérables в 2002 году , различные западные мюзиклы были импортированы в материковый Китай и поставлены на английском языке. Попытки локализовать западные постановки в Китае начались в 2008 году, когда «Слава» была поставлена ​​на китайском языке с полным китайским составом в Центральной академии драмы в Пекине. С тех пор другие западные постановки были поставлены в Китае на китайском языке с китайским составом. Первой китайской постановкой в ​​стиле западного музыкального театра стал «Золотой песок» 2005 года. Кроме того, Ли Дун, известный китайский продюсер, в 2007 году продюсировал «Бабочки» , основанные на классической китайской любовной трагедии, а также «Любовь и Тереза» в 2011 году.

Любительские и школьные постановки

игроков Неаполя Подросток « Тщательно современная Милли» , 2009 г.

Мюзиклы часто представляют любительские и школьные коллективы в церквях, школах и других концертных площадках. Хотя любительский театр существовал веками, даже в Новом Свете, Франсуа Селье и Каннингем Бриджман писали в 1914 году, что до конца XIX века профессионалы относились к актерам-любителям с презрением. После создания любительских трупп Гилберта и Салливана, получивших лицензию на исполнение опер «Савой» , профессионалы признали, что любительские общества «поддерживают культуру музыки и драмы. Теперь они считаются полезными учебными заведениями для законной сцены и из рядов добровольцев. появилось много современных фаворитов». Национальная оперная и драматическая ассоциация была основана в Великобритании в 1899 году. В 1914 году она сообщила, что в том году в Британии почти 200 любительских драматических обществ ставили произведения Гилберта и Салливана. Аналогичным образом в начале 20 века в США было основано более 100 любительских театров. В США это число выросло примерно до 18 000. Ассоциация образовательных театров США насчитывает около 5000 школ-членов.

Актуальность

Король Лев на Бродвее

Бродвейская лига объявила, что в сезоне 2007–08 на бродвейские шоу было приобретено 12,27 миллиона билетов на общую сумму почти миллиарда долларов. Лига также сообщила, что в сезоне 2006–07 годов примерно 65% билетов на Бродвей были куплены туристами, а иностранные туристы составляли 16% посетителей. Общество лондонского театра сообщило, что 2007 год установил рекорд посещаемости в Лондоне. Общее количество посетителей в крупнейших коммерческих и грантовых театрах центрального Лондона составило 13,6 миллиона человек, а общий доход от продажи билетов составил 469,7 миллиона фунтов стерлингов. Международная музыкальная сцена в последние десятилетия становится все более активной. Тем не менее, Стивен Сондхейм в 2000 году прокомментировал:

На Бродвее есть два вида шоу – возрождения и одни и те же мюзиклы снова и снова, и все это зрелища. Билеты на «Короля Льва» вы приобретаете на год вперед, и, по сути, семья… передаете своим детям идею, что это и есть театр – зрелищный мюзикл, который вы смотрите раз в год, сценическая версия фильма. К театру это вообще не имеет никакого отношения. Это связано с тем, чтобы увидеть то, что знакомо. ... Я не думаю, что театр умрет сам по себе , но он никогда не будет тем, чем был. ... Это туристическая достопримечательность».

Однако, отмечая успех оригинальных материалов и творческого переосмысления фильмов, пьес и литературы в последние десятилетия, историк театра Джон Кенрик возразил:

Мюзикл умер? ... Категорически нет! Меняешься? Всегда! Мюзикл менялся с тех пор, как Оффенбах впервые переписал его в 1850-х годах. И перемены — самый явный признак того, что мюзикл по-прежнему живой и растущий жанр. Вернемся ли мы когда-нибудь в так называемый «золотой век», когда мюзиклы будут в центре популярной культуры? Вероятно, нет. Общественные вкусы претерпели фундаментальные изменения, и коммерческое искусство может развиваться только там, где позволяет платящая публика.

См. также

• Запись актеров
• Списки мюзиклов
• Список мюзиклов, снятых вживую на сцене
• Многолетние постановки музыкального театра
• Музыкальный театр
• Парсийский театр
• 2.5D мюзикл

Примечания и ссылки

Цитируемые книги

• Аллен, Пол; Харви, Джен (2014). Routledge Companion в театре и представлении . Рутледж . ISBN  978-0-4156-3631-5 .
• Аллен, Роберт С. (около 1991 г.). Ужасная красота: бурлеск и американская культура . Университет Северной Каролины. ISBN  978-0-8078-1960-9 .
• Брэдли, Ян (2005). О, Джой! О, Восторг! Непреходящий феномен Гилберта и Салливана . Издательство Оксфордского университета. ISBN  0-19-516700-7 .
• Бьюлоу, Джордж Дж. (2004). История музыки барокко . Блумингтон, Индиана: Издательство Университета Индианы. ISBN  978-0-253-34365-9 .
• Картер, Тим ; Батт, Джон , ред. (2005). Кембриджская история музыки семнадцатого века . Кембриджская история музыки. Том. 1. Издательство Кембриджского университета. п. 591. ИСБН  978-0-521-79273-8 . Архивировано из оригинала 12 января 2013 г. Проверено 26 мая 2009 г.
• Коэн, Роберт; Шерман, Донован (2020). Театр: Краткое описание (Двенадцатое изд.). Нью-Йорк: Образование Макгроу-Хилл. ISBN  978-1-260-05738-6 . OCLC   1073038874 .
• Эверетт, Уильям А.; Лэрд, Пол Р. , ред. (2002). Кембриджский компаньон мюзикла . Кембриджские спутники музыки . Издательство Кембриджского университета. ISBN  978-0-521-79189-2 .
• Генцль, Курт ; Эндрю Лэмб (1988). Книга Генцля о музыкальном театре . Лондон: Голова Бодли. OCLC   966051934 .
• Гокулсинг, К. Моти; Диссанаяке, Вимал (2004) [1998]. Индийское популярное кино: повествование о культурных изменениях (пересмотренное и обновленное издание). Сток-он-Трент: Трентэм. п. 161. ИСБН  978-1-85856-329-9 .
• Герберт, Ян, изд. (1972). Кто есть кто в театре (пятнадцатое изд.). Лондон: сэр Исаак Питман и сыновья. ISBN  978-0-273-31528-5 .
• Хоппин, Ричард Х. , изд. (1978). Антология средневековой музыки . Нортон: Введение в историю музыки. Нью-Йорк: Нортон. ISBN  978-0-393-09080-2 .
• Хорн, Барбара Ли (1991). Эпоха волос: эволюция и влияние первого бродвейского рок-мюзикла . Нью-Йорк: Гринвуд Пресс. п. 166 . ISBN  978-0-313-27564-7 .
• Джа, Субхаш К. (2005). Основной путеводитель по Болливуду . Книги Роли. ISBN  81-7436-378-5 .
• Джонс, Джон Б. (2003). Наши мюзиклы, мы сами . Ганновер: Университетское издательство Новой Англии. ISBN  978-0-87451-904-4 .
• Лорд, Сюзанна (2003). Бринкман, Дэвид (ред.). Музыка эпохи Шекспира: История культуры . Вестпорт, Коннектикут: Greenwood Press. ISBN  978-0-313-31713-2 .
• Лаббок, Марк (2002) [1962]. «Американский музыкальный театр: введение» . Полная книга легкой оперы (1-е изд.). Лондон: Патнэм. стр. 753–756.
• Морли, Шеридан (1987). Подари немного счастья: первые сто лет британскому мюзиклу . Лондон: Темза и Гудзон. ISBN  978-0-500-01398-4 .
• Паркер, Джон, изд. (1925). Кто есть кто в театре (пятое изд.). Лондон: сэр Исаак Питман и сыновья. ОСЛК   10013159 .
• Паркер, Роджер , изд. (2001). Оксфордская иллюстрированная история оперы . Oxford Illustrated Histories (иллюстрированное издание). Издательство Оксфордского университета. п. 541. ИСБН  978-0-19-285445-2 .
• Рубин, Дон; Солорсано, Карлос , ред. (2000). Всемирная энциклопедия современного театра: Америка . Нью-Йорк: Рутледж. ISBN  0-415-05929-1 .
• Шекспир, Уильям (1998) [1623]. Оргел, Стивен (ред.). Буря . Оксфордский Шекспир. Издательство Оксфордского университета. п. 248 . ISBN  978-0-19-283414-0 .
• Уилмет, Дон Б.; Миллер, Тайс Л., ред. (1996). Кембриджский путеводитель по американскому театру (2-е изд.). Издательство Кембриджского университета. ISBN  978-0-521-56444-1 .
• Воллман, Э.Л. (2006). Театр будет роком: история рок-мюзикла: от волос до Хедвиг . Мичиган: Издательство Мичиганского университета. ISBN  0-472-11576-6 .

Дальнейшее чтение

• Баух, Марк. Американский мюзикл . Марбург, Германия: Tectum Verlag, 2003. ISBN   3-8288-8458-X
• Блум, Кен ; Властник, Фрэнк (1 октября 2004 г.). Бродвейские мюзиклы: 101 величайшее шоу всех времен . Нью-Йорк: Black Dog & Leventhal Publishers. ISBN  1-57912-390-2 .
• Бордман, Джеральд (1978). Американский музыкальный театр: хроника . Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета. VIII, 749 с. ISBN   0-19-502356-0
• Ботто, Луи; Митчелл, Брайан Стоукс (2002). В этом театре: 100 лет бродвейских шоу, историй и звезд . Нью-Йорк; Милуоки, Висконсин: Книги о театре и кино Applause/Афиша. ISBN  978-1-55783-566-6 .
• Брайант, Джа (2018). Написание и постановка нового мюзикла: Справочник . Kindle Direct Publishing . ISBN  9781730897412 .
• Цитрон, Стивен (1991). Мюзикл «Изнутри наружу» . Чикаго, Иллинойс: И.Р. Ди. 336 стр. ISBN   0-929587-79-0
• Юэн, Дэвид (1961). История американского музыкального театра . Первое изд. Филадельфия: Чилтон. т., 208 с.
• Генцль, Курт . Энциклопедия музыкального театра (3 тома). Нью-Йорк: Книги Ширмера, 2001.
• Кантор, Майкл; Маслон, Лоуренс (2004). Бродвей: Американский мюзикл . Нью-Йорк: Булфинч Пресс. ISBN  0-8212-2905-2 .
• Мордден, Итан (1999). Прекрасное утро: Бродвейский мюзикл 1940-х годов . Нью-Йорк: Издательство Оксфордского университета. ISBN  0-19-512851-6 .
• Стемпел, Ларри. Showtime: История Бродвейского музыкального театра (WW Norton, 2010) 826 страниц; всеобъемлющая история с середины 19 века.
• Траубнер, Ричард . Оперетта: История театра . Гарден-Сити, Нью-Йорк: Doubleday & Company, 1983.

Внешние ссылки

• База данных Интернет-Бродвея - списки актеров и продюсеров, списки песен и списки наград.
• Guidetomusicaltheatre.com – краткие описания, списки актеров, списки песен и т. д.
• Бродвейский музыкальный дом
• История мюзиклов (сайт музея Виктории и Альберта) (архивировано 12 апреля 2011 г.)
• Castalbumdb - база данных музыкальных альбомов
• Краткое изложение и описания персонажей большинства крупных мюзиклов (StageAgent.com)