Practice of applying paint, pigment, color or other medium to a surface
Эта статья о художественной живописи. Чтобы узнать о других значениях, см. Живопись (значения) . «Художник» перенаправляется сюда. Чтобы узнать о других значениях, см. Художник (значения) .
В искусстве термин «живопись» описывает как акт, так и результат действия (конечная работа называется «живопись»). Основа для картин включает в себя такие поверхности, как стены, бумага, холст, дерево, стекло, лак , керамика, лист , медь и бетон , а картина может включать в себя множество других материалов, включая песок, глину , бумагу, штукатурку , сусальное золото и даже целые предметы.
Самым старым известным картинам возрастом около 40 000 лет, они найдены как во Франко-Кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах района Марос ( Сулавеси , Индонезия ). Однако в ноябре 2018 года ученые сообщили об обнаружении древнейшей на тот момент известной фигуративной картины неизвестного животного возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео . ( Калимантан ). [4] [5] В декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карсте Марош-Пангкеп на Сулавеси, оценивались еще старше, по меньшей мере, в 43 900 лет. Находка была отмечена как «старейшая иллюстрированная запись повествования и самое раннее изобразительное произведение искусства в мире». [6] [7] Совсем недавно, в 2021 году, было сообщено о наскальном изображении свиньи, найденном на индонезийском острове и датируемом более 45 500 лет назад. [8] [9] Однако самые ранние свидетельства рисования были обнаружены в двух каменных убежищах в Арнемленде на севере Австралии. В самом нижнем слое материала на этих стоянках используются куски охры, возраст которых оценивается в 60 000 лет. Археологи также нашли фрагмент наскальной живописи, сохранившийся в известняковой скале в районе Кимберли на северо-западе Австралии, возраст которого составляет 40 000 лет. [10] есть Примеры наскальной живописи по всему миру — в Индонезии , Франции , Испании , Португалии , Италии , Китае , Индии , Австралии , Мексике . [11] и т. д. В западных культурах масляная и акварельная живопись имеют богатые и сложные традиции по стилю и тематике. На Востоке чернила и цветные чернила исторически преобладали в выборе средств массовой информации, имея столь же богатые и сложные традиции.
Изобретение фотографии оказало большое влияние на живопись. Спустя десятилетия после того, как первая фотография в 1829 году была сделана , фотографические процессы усовершенствовались и стали более широко практиковаться, лишив живопись большей части своей исторической цели — обеспечить точную запись наблюдаемого мира. Ряд художественных движений конца 19-го и начала 20-го веков, в частности импрессионизм , постимпрессионизм , фовизм , экспрессионизм , кубизм и дадаизм, бросили вызов взгляду эпохи Возрождения на мир. Однако восточная и африканская живопись продолжила долгую историю стилизации и не претерпела при этом эквивалентной трансформации. [ нужна ссылка ]
Современное искусство пользу отошло от исторической ценности ремесла и документации в концепции . Это не помешало большинству ныне живущих художников продолжать заниматься живописью целиком или частью своей работы. Жизнеспособность и универсальность живописи XXI века бросают вызов предыдущим «заявлениям» о ее кончине. В эпоху, характеризующуюся идеей плюрализма , не существует единого мнения относительно репрезентативного стиля эпохи. Художники продолжают создавать важные произведения искусства в самых разных стилях и эстетических темпераментах — их достоинства оставлены на суд публики и рынка.
Феминистское художественное движение [12] началось в 1960-е годы во время второй волны феминизма. Движение стремилось получить равные права и равные возможности для женщин-художниц на международном уровне.
Цвет , состоящий из оттенка , насыщенности и насыщенности , рассеянный по поверхности, является сутью живописи, точно так же, как высота и ритм являются сутью музыки . Цвет очень субъективен, но имеет заметные психологические эффекты, хотя они могут различаться в зависимости от культуры. На Западе черный ассоциируется с трауром, а на Востоке – белый. Некоторые художники, теоретики, писатели и ученые, в том числе Гете , [13] Кандинский , [14] и Ньютон , [15] написали свою собственную теорию цвета .
Более того, использование языка — это всего лишь абстракция цветового эквивалента. Слово « красный », например, может охватывать широкий диапазон вариаций от чистого красного цвета видимого спектра света. Не существует формализованного регистра разных цветов, аналогичного тому, как согласовываются разные ноты в музыке, такие как F или C♯ . Для художника цвет не просто делится на основные (основные) и производные (дополнительные или смешанные) цвета (например, красный, синий, зеленый, коричневый и т. д.).
Художники практически имеют дело с пигментами . [16] Итак, « синим » для художника может быть любой из синих оттенков: фталоцианиновый синий , берлинская лазурь , индиго , кобальтовый синий , ультрамарин и так далее. Психологические и символические значения цвета, строго говоря, не являются средствами живописи. Цвета лишь дополняют потенциальный, производный смысловой контекст, и из-за этого восприятие картины очень субъективно. Аналогия с музыкой совершенно ясна — звук в музыке (как нота «до») аналогичен «свету» в живописи, «оттенки» — динамике , а «окраска» — живописи, как специфический тембр музыкальных инструментов — музыке. Эти элементы не обязательно сами по себе образуют мелодию (в музыке); скорее, они могут добавлять к нему разные контексты.
Современные художники значительно расширили практику живописи, включив, например, коллаж , который начался с кубизма и не является живописью в строгом смысле этого слова. различные материалы, такие как металл, пластик, песок , цемент , солому , листья или дерево Некоторые современные художники используют для создания текстуры . Примерами тому являются работы Жана Дюбюффе и Ансельма Кифера . Растет сообщество художников, которые используют компьютеры для «рисования» цвета на цифровом «холсте» с помощью таких программ, как Adobe Photoshop , Corel Painter и многих других. При необходимости эти изображения можно распечатать на традиционном холсте.
Я требую от разделенной кисти не объективной передачи света, а переливов и некоторых аспектов цвета, все еще чуждых живописи. Я делаю своего рода хроматическое стихосложение, а для слогов использую штрихи, которые, варьируясь по количеству, не могут различаться по размеру без изменения ритма изобразительной фразеологии, предназначенной для передачи разнообразных эмоций, вызываемых природой. (Жан Метцингер, ок. 1907 г. ) [17]
Ритм для таких артистов, как Пит Мондриан , [18] [19] важно в живописи так же, как и в музыке. Если определить ритм как «паузу, включенную в последовательность», то в картинах может быть ритм. Эти паузы позволяют творческой силе вмешаться и добавить новые творения — форму, мелодию, окраску. Распределение формы или любого рода информации имеет решающее значение в данном произведении искусства и напрямую влияет на эстетическую ценность этого произведения. Это связано с тем, что эстетическая ценность зависит от функциональности, т.е. свобода (движения) восприятия воспринимается как красота. Свободное течение энергии, как в искусстве, так и в других формах « техне », напрямую способствует повышению эстетической ценности. [18]
Музыка сыграла важную роль в зарождении абстрактного искусства, поскольку музыка абстрактна по своей природе — она не пытается представить внешний мир, а непосредственно выражает внутренние чувства души. Василий Кандинский часто использовал музыкальные термины для обозначения своих произведений; он называл свои самые спонтанные картины «импровизациями», а более сложные произведения называл «композициями». Кандинский предположил, что «музыка — лучший учитель». [20] и впоследствии приступил к написанию первых семи из десяти своих композиций . Слушая тона и аккорды во время рисования, Кандинский предположил, что (например) желтый — это цвет средней до на медной трубе; черный — цвет завершения и конца вещей; и что комбинации цветов создают вибрационные частоты, подобные аккордам, играемым на фортепиано. В 1871 году юный Кандинский научился играть на фортепиано и виолончели. [21] [22] Сценография Кандинского к спектаклю « Мусоргского Картинки с выставки» иллюстрирует его «синестетическую» концепцию универсального соответствия форм, цветов и музыкальных звуков. [23]
Гегель признал неудачу в достижении универсального понятия красоты и в своем эстетическом эссе написал, что живопись является одним из трех «романтических» искусств, наряду с поэзией и музыкой , по своей символической , высокоинтеллектуальной цели. [27] [28] Среди художников, написавших теоретические работы по живописи, — Кандинский и Пауль Клее . [29] [30] В своем эссе Кандинский утверждает, что живопись имеет духовную ценность, и он придает основные цвета основным чувствам или концепциям, что Гете уже пытались сделать и другие писатели.
Иконография – это изучение содержания картин, а не их стиля. Эрвин Панофски и другие историки искусства сначала стремятся понять изображенные вещи, прежде чем взглянуть на их значение для зрителя в данный момент и, наконец, проанализировать их более широкое культурное, религиозное и социальное значение. [31]
В 1890 году парижский художник Морис Дени заявил: «Помните, что картина — прежде чем она станет боевым конем, обнаженной женщиной или какой-нибудь историей — по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке». [32] Таким образом, многие события в живописи 20-го века, такие как кубизм , были размышлениями о средствах живописи, а не о внешнем мире — природе , которая ранее была ее основным предметом. Недавний вклад в размышления о живописи внес художник и писатель Джулиан Белл. В своей книге « Что такое живопись?» Белл обсуждает историческое развитие представления о том, что картины могут выражать чувства и идеи. [33] В «Зеркале мира» Белл пишет:
Произведение искусства стремится удержать ваше внимание и удержать его: история искусства подталкивает его вперед, прокладывая бульдозером шоссе через дома воображения. [34]
Различные типы красок обычно идентифицируются по среде, в которой суспендирован или внедрен пигмент, что определяет общие рабочие характеристики краски, такие как вязкость , смешиваемость , растворимость , время высыхания и т. д.
Энкаустическая живопись , также известная как живопись горячим воском, предполагает использование нагретого пчелиного воска , к которому добавляются цветные пигменты. Затем жидкость/паста наносится на поверхность — обычно на подготовленную древесину, хотя холст часто используются и другие материалы. Простейшую смесь для энкаустики можно приготовить, добавив пигменты в пчелиный воск, но можно использовать и несколько других рецептов, некоторые из которых содержат другие типы восков , дамаровую смолу , льняное масло или другие ингредиенты. Можно купить и использовать чистые порошкообразные пигменты, хотя в некоторых смесях используются масляные краски или другие формы пигментов. Металлические инструменты и специальные кисти можно использовать для придания формы краске до того, как она остынет, или можно использовать нагретые металлические инструменты для обработки воска, когда он остынет на поверхности. Другие материалы можно поместить в оболочку или коллаж на поверхность или наложить слоями, используя энкаустик для приклеивания их к поверхности.
Эта техника была обычной для древнегреческих и римских панно и продолжала использоваться в восточно-православной иконописной традиции.
Акварель — это метод рисования, при котором краски состоят из пигментов, суспендированных в водорастворимой среде. Традиционной и наиболее распространенной основой для акварельных картин является бумага; другие подставки включают папирус , кору, пластик, пергамент или кожу , ткань , дерево и холст . В Восточной Азии акварельная живопись тушью называется рисованием кистью или свитком. В китайской , корейской и японской живописи он был доминирующим средством, часто монохромным черным или коричневым. Индия, Эфиопия и другие страны также имеют давние традиции. Пальчиковая роспись акварельными красками зародилась в Китае . Художники используют различные виды акварели. Некоторыми примерами являются акварельные краски, жидкие акварели, акварельные ручки и акварельные карандаши . Акварельные карандаши (водорастворимые цветные карандаши) можно использовать как влажными, так и сухими.
Рудольф Рерайтер, вид с Хёлленталангерхютте на ледник Хёлленталь и вершины Риффельванд , гуашь (1921)
Гуашь — это краска на водной основе, состоящая из пигмента и других материалов, предназначенная для использования в непрозрачном методе рисования. Гуашь отличается от акварели тем, что частицы крупнее, соотношение пигмента и воды намного выше, а дополнительный инертный белый пигмент, например мел также присутствует . Это делает гуашь более тяжелой и непрозрачной, с большей светоотражающей способностью. Как и все водные среды, он разбавляется водой. [35] Гуашь была популярной краской, которую использовали египтяне. [36] Такие художники, как Франсуа Буше, использовали этот материал. Эту краску лучше всего наносить собольими кистями.
Керамическая ГлазурьОстекление широко известно как предварительно расплавленное жидкое стекло. Эту глазурь можно окунать или наносить кистью. Эта глазурь кажется меловой, и существует огромная разница между начальным и конечным результатом. Для активации глазурованную керамику необходимо поместить в печь для обжига. Это расплавит кварцевое стекло в глазури и превратит его в яркую глянцевую версию самого себя. [37] [38]
Эмали изготавливаются путем окраски подложки, обычно металлической, порошковым стеклом; минералы, называемые цветными оксидами, обеспечивают окраску. После обжига при температуре 750–850 градусов Цельсия (1380–1560 градусов по Фаренгейту) в результате получается сплавленное многослойное стекло и металл. В отличие от большинства техник росписи, поверхность можно обрабатывать и смачивать. Эмали традиционно использовались для украшения драгоценных предметов. [39] но также использовались и для других целей. Лиможская эмаль была ведущим центром эмалевой живописи эпохи Возрождения, с небольшими религиозными и мифологическими сценами в декорированном пространстве, на мемориальных досках или таких предметах, как соли или шкатулки. В 18 веке эмалевая живопись пользовалась популярностью в Европе, особенно как средство для портретных миниатюр . [40] В конце 20-го века техника фарфоровой эмали по металлу использовалась в качестве прочного материала для наружных фресок. [41]
Темпера , также известная как яичная темпера, представляет собой перманентный, быстросохнущий материал для рисования, состоящий из цветного пигмента, смешанного с водорастворимым связующим веществом (обычно клейким материалом, таким как яичный желток или какой-либо другой размер ). Темпера также относится к картинам, выполненным в этой технике. Картины темперой очень долговечны, и образцы первых веков нашей эры все еще существуют. Яичная темпера была основным методом живописи до тех пор, пока после 1500 года она не была заменена изобретением масляной живописи . Краска, обычно называемая темперой (хотя это не так), состоящая из пигмента и клея, обычно используется и называется некоторыми производителями в Америке краской для плакатов .
Белый ангел (фреска, ок. 1235 г.), Милешевский монастырь, Сербия
Фреска — это любой из нескольких родственных типов настенной живописи, выполняемой по штукатурке на стенах или потолках. Слово «фреска» происходит от итальянского слова affresco [afˈfresːko] , которое происходит от латинского слова « свежий» . Фрески часто создавались в эпоху Возрождения и в другие ранние периоды времени. Техника фрески Буон заключается в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки итальянское слово «штукатурка» интонако , для обозначения которой используется . Картина секко , напротив, написана на сухой штукатурке ( secco по-итальянски «сухой»). Пигменты требуют связующего вещества, такого как яйцо ( темпера ), клей или масло , чтобы прикрепить пигмент к стене.
Оноре Домье , Художник (1808–1879), масло, панель, видимые мазки.
Масляная живопись — это процесс рисования пигментами , связанными с олифой , например льняным маслом , которое широко использовалось в Европе раннего Нового времени. Часто масло варили со смолой, например сосновой смолой или даже ладаном ; их называли «лаками» и ценили за их консистенцию и блеск. Масляная краска со временем стала основным средством создания произведений искусства, поскольку ее преимущества стали широко известны. Переход начался с ранней нидерландской живописи в Северной Европе, и к пику эпохи Возрождения техники масляной живописи почти полностью заменили темперные краски в большей части Европы.
Пастель – это красящий материал в виде палочки, состоящий из чистого порошкообразного пигмента и связующего вещества. [42] Пигменты, используемые в пастели, такие же, как и пигменты, используемые для производства всех цветных художественных материалов, включая масляные краски ; связующее имеет нейтральный оттенок и низкую насыщенность . Цветовой эффект пастели ближе к натуральным сухим пигментам, чем к эффекту любого другого процесса. [43] Поскольку поверхность пастельной картины хрупкая и легко пачкается, ее сохранение требует защитных мер, таких как оформление под стекло; на него также можно нанести фиксатор . Тем не менее, если пастельная картина выполнена с использованием стойких пигментов и правильно за ней ухаживать, она может сохраняться неизменной на протяжении столетий. Пастель, как и картины, выполненные с использованием жидкого носителя, не подвержена растрескиванию и обесцвечиванию, возникающим в результате изменения цвета, непрозрачности или размеров носителя по мере его высыхания.
Рэй Бургграф , Jungle Arc (1998), акриловая краска по дереву
Акриловая краска – это быстросохнущая краска, содержащая суспензию пигментов в акрилового полимера эмульсии . Акриловые краски можно разбавлять водой, но после высыхания они становятся водостойкими. В зависимости от того, насколько краска разбавлена (водой) или модифицирована акриловыми гелями, носителями или пастами, готовая акриловая картина может напоминать акварель или картину маслом или иметь свои уникальные характеристики, недостижимые с другими материалами. Основное практическое различие между большинством акриловых и масляных красок — это время высыхания. [44] Масло дает больше времени для смешивания цветов и нанесения ровной лессировки на подмалевки. Медленное высыхание масла можно рассматривать как преимущество для определенных техник, но оно также может препятствовать способности художника работать быстро. Еще одно отличие состоит в том, что акварелью необходимо рисовать на пористой поверхности, в первую очередь на акварельной бумаге. Акриловые краски можно использовать на самых разных поверхностях. [44] [45] И акрил, и акварель легко смываются водой. Акриловую краску следует мыть водой с мылом сразу после использования. Акварельную краску можно очистить простой водой. [46] [47] [48]
Между 1946 и 1949 годами Леонард Бокур и Сэм Голден изобрели растворную акриловую краску под маркой Magna . Это были краски на основе уайт-спирита . Акриловые краски на водной основе впоследствии продавались как латексные краски для дома. [49] В 1963 году Джордж Роуни (с 1983 года входящий в состав Daler-Rowney ) был первым производителем, представившим акриловые краски для художников в Европе под торговой маркой «Cryla». [50] Акриловые краски — наиболее распространенные краски, используемые в граттаже — сюрреалистической технике, которая начала использоваться с появлением этого вида красок. Для этой цели используют акрил, поскольку он легко царапается или отслаивается от поверхности. [51]
Аэрозольная краска (также называемая аэрозольной краской) [52] это тип краски, которая поставляется в герметичном контейнере под давлением и высвобождается в виде мелкого распыления при нажатии кнопки клапана . форма окраски распылением краска , Аэрозольная , оставляет гладкую, равномерно покрытую поверхность. Банки стандартного размера портативны, недороги и удобны в хранении. Аэрозольную грунтовку можно наносить непосредственно на голый металл и многие пластики.
Скорость, портативность и долговечность также делают аэрозольную краску популярным средством для граффити . В конце 1970-х годов подписи и фрески уличных граффити стали более сложными, а уникальный стиль развился как фактор аэрозольной среды и скорости, необходимой для незаконной работы. Многие теперь признают граффити и уличное искусство уникальным видом искусства, и для художников-граффити производятся специально изготовленные аэрозольные краски. Трафарет защищает поверхность, за исключением окрашиваемой формы. Трафареты можно приобрести в виде подвижных букв, заказать в виде профессионально вырезанных логотипов или вырезать вручную художниками.
Водорастворимые масляные краски (также называемые «водорастворимыми» или «водосмешивающимися») — это современная разновидность масляных красок , предназначенная для разбавления и очистки водой. [53] [54] вместо того, чтобы использовать химические вещества, такие как скипидар . Ее можно смешивать и наносить теми же методами, что и традиционную масляную краску, но, пока она еще влажная, ее можно эффективно удалить с кистей, палитр и тряпок обычным мылом и водой. Его растворимость в воде обусловлена использованием масляной среды, в которой один конец молекулы изменен так, чтобы он слабо связывался с молекулами воды, как в растворе .
Песочная живопись — это искусство насыпания на поверхность цветного песка и порошкообразных пигментов из минералов или кристаллов, а также пигментов из других природных или синтетических источников для создания фиксированной или незакрепленной песочной живописи.
Цифровая живопись — это метод создания арт-объекта (картины) в цифровом виде или техника создания цифрового искусства на компьютере. В качестве метода создания арт-объекта он адаптирует традиционные средства рисования, такие как акриловая краска , масло , тушь , акварель и т. д., и наносит пигмент на традиционные носители, такие как тканый холст, бумага, полиэстер и т. д., с помощью программное обеспечение для управления промышленными роботами или офисным оборудованием (принтерами). Как техника, это относится к компьютерной графики программе , которая использует виртуальный холст и виртуальную коробку для рисования с кистями, красками и другими расходными материалами. Виртуальная коробка содержит множество инструментов, которые не существуют вне компьютера и которые придают цифровому произведению внешний вид, отличный от произведения искусства, созданного традиционным способом. Более того, цифровая живопись не является «компьютерным» искусством, поскольку компьютер не создает изображения на экране автоматически с помощью математических вычислений. С другой стороны, художник использует собственную технику рисования для создания конкретного произведения на компьютере. [55]
Другие — неуправляемые методы рисования. Живопись не ограничивается одним методом по сравнению с другим. Такие художники, как Энди Уорхол, исследовали границы живописи. Окисление [56] был использован Энди Уорхолом, когда он рисовал холсты, распростертые на земле. Затем он заставил своих помощников и друзей помочиться на еще влажную [57] Нарисуйте, чтобы стать свидетелем видимых изменений, которые могут произойти.
Менструальная картинаДругие интересные средства рисования помогли женщинам и людям с менструацией обрести свободу и свободу над своим телом. Кровь менструальных периодов использовалась для рисования изображений по всему миру на протяжении веков. [58] Сара Мэйпл, современная художница, использовала свою менструальную кровь для создания портретов, чтобы помочь стереть табу, касающееся темы менструации.
Стиль используется в двух смыслах: он может относиться к отличительным визуальным элементам, техникам и методам, которые характеризуют работу отдельного художника. Это также может относиться к движению или школе, с которой связан художник. Это может быть связано с реальной группой, с которой художник был сознательно связан, или это может быть категория, к которой искусствоведы отнесли художника. Слово «стиль» в последнем смысле вышло из употребления в академических дискуссиях о современной живописи, хотя оно продолжает использоваться в популярных контекстах. Такие движения или классификации включают следующее:
Модернизм описывает как набор культурных тенденций, так и ряд связанных с ними культурных движений , первоначально возникших в результате широкомасштабных и далеко идущих изменений в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го века. Модернизм был бунтом против консервативных ценностей реализма . [59] [60] Этот термин охватывает деятельность и результаты тех, кто чувствовал, что «традиционные» формы искусства, архитектуры, литературы, религиозной веры, социальной организации и повседневной жизни устаревают в новых экономических, социальных и политических условиях возникающего полностью индустриализированного государства. мир. Характерной чертой модернизма является самосознание. Это часто приводило к экспериментам с формой и работам, привлекающим внимание к используемым процессам и материалам (и к дальнейшей тенденции к абстракции). [61]
Первым примером модернизма в живописи был импрессионизм , школа живописи, изначально ориентированная на работу, выполняемую не в студиях, а на открытом воздухе ( на пленэре ). Картины импрессионистов продемонстрировали, что люди не видят предметы, а видят сам свет. Школа собрала приверженцев, несмотря на внутренние разногласия среди ее ведущих практиков, и стала все более влиятельной. Первоначально отвергнутые самой важной коммерческой выставкой того времени, спонсируемым правительством Парижским Салоном , импрессионисты организовали ежегодные групповые выставки в коммерческих площадках в 1870-х и 1880-х годах, приурочив их к официальному Салону. Значимым событием 1863 года стал Салон отказников , созданный императором Наполеоном III для демонстрации всех картин, отвергнутых Парижским салоном.
Живопись действия , иногда называемая жестовой абстракцией , представляет собой стиль живописи, в котором краска спонтанно капает, разбрызгивается или размазывается по холсту, а не наносится аккуратно. [65] В результате работа часто подчеркивает сам физический акт рисования как важный аспект готовой работы или заботы художника. Этот стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «живопись действия» и «абстрактный экспрессионизм» как синонимы).
Термин «аутсайдерское искусство» был придуман искусствоведом Роджером Кардиналом в 1972 году как английский синоним арт-брюта (art brut). Французский: [aʁ bʁyt] , «необработанное искусство» или «грубое искусство»), ярлык, созданный французским художником Жаном Дюбюффе для описания искусства, созданного за пределами официальной культуры; Дюбюффе уделял особое внимание искусству заключенных психиатрических лечебниц . [66] Аутсайдерское искусство стало успешной категорией арт-маркетинга (с 1992 года в Нью-Йорке проводится ежегодная ярмарка аутсайдерского искусства). Этот термин иногда неправильно применяется как всеобъемлющий маркетинговый ярлык для искусства, созданного людьми, не входящими в основной «мир искусства», независимо от их обстоятельств или содержания их работ.
Гиперреализм — жанр живописи и скульптуры, напоминающий фотографию высокого разрешения . Гиперреализм — это полноценная школа искусства , и его можно считать развитием фотореализма по методам, используемым для создания картин или скульптур. Этот термин в первую очередь применяется к независимому художественному движению и художественному стилю в США и Европе, которые развиваются с начала 2000-х годов. [70]
Сюрреализм — культурное движение, зародившееся в начале 1920-х годов и наиболее известное художественными и литературными произведениями тех, кто связан с сюрреалистическим движением . В произведениях сюрреализма присутствует элемент неожиданности, сверхъестественного, бессознательного, неожиданных сопоставлений и непоследовательности ; однако многие художники и писатели-сюрреалисты рассматривают свои работы в первую очередь как выражение философского движения, а произведения являются артефактом. Лидер Андре Бретон прямо заявил, что сюрреализм был прежде всего революционным движением.
Миниатюрные картины были основной формой живописи в доколониальной Индии. Они были сделаны на специальной бумаге (известной как васли) с использованием минеральных и натуральных красок. Миниатюрная живопись – это не один стиль, а группа нескольких стилей школ живописи, таких как Великие Моголов, Пахари, Раджастхани, стиль Компании и т. д.
Миниатюрная живопись Великих Моголов — это особый стиль Южной Азии , особенно Северной Индии (точнее, современной Индии и Пакистана), живопись ограничивается миниатюрами либо в виде книжных иллюстраций, либо в виде отдельных работ, которые следует хранить в альбомах ( муракка ). Выяснилось [71] из персидской миниатюрной живописи (сама частично китайского происхождения ) и развилась при дворе Империи Великих Моголов в 16-18 веках. Живопись Великих Моголов сразу же проявила гораздо больший интерес к реалистической портретной живописи, чем это было типично для персидских миниатюр. Животные и растения были основной темой многих миниатюр для альбомов и изображались более реалистично. [72] [73] [74]
Кришна и Радха , возможно, работа Нихала Чанда , мастера школы раджпутской живописи Кишангарха.
Императорский двор Великих Моголов и разработал стили, также опирающиеся на местные традиции живописи, особенно те, которые иллюстрируют санскритские эпопеи, Махабхарату и Рамаяну . Сюжеты были разнообразны, но в целом были популярны портреты правящей семьи, часто занимавшейся охотой или своей повседневной деятельностью, а также повествовательные сцены из эпоса или индуистской мифологии , а также некоторые жанровые сцены с пейзажами и людьми. [76] [77] Пенджабские холмы или живопись Пахари , основными подстилями которых были Кангра, Гуллер, Башоли. Живопись Кангра — изобразительное искусство Кангры , названное в честь Кангры , штат Химачал-Прадеш , бывшего княжеского государства , покровительствовавшего этому искусству. Он стал распространенным с упадком школы живописи Басохли в середине 18 века. [78] [79] Центральной темой живописи Кангры является Шрингар (эротическое чувство). Сюжеты картин Кангры демонстрируют вкус и черты образа жизни общества того периода. [80] Художники взяли темы из любовной поэзии Джаядевы и Кешава Даса , которые в экстазе писали о любви Радхи и Кришны которой была Бхакти . , движущей силой [81] [82]
Хан Бахадур-хан с людьми своего клана, ок. 1815 г., из альбома Фрейзера, фирменный стиль.
Фирменный стиль — это термин, обозначающий гибридный индоевропейский стиль картин, созданных в Индии индийскими художниками, многие из которых работали на европейских покровителей в Британской Ост-Индской компании или других иностранных компаниях в 18 и 19 веках. [83] Три различных стиля корпоративной живописи возникли в трех британских центрах власти – Дели , Калькутте и Мадрасе . Тематика картин компании, созданных для западных покровителей, часто была документальной, а не творческой, и, как следствие, индийским художникам приходилось применять более натуралистический подход к живописи, чем это было традиционно принято. [84] [85]
Сикхский стиль и стиль Декана — другие известные стили миниатюрной живописи Индии.
Картины Пичваи — это картины на текстиле, обычно изображающие истории из жизни Господа Кришны. [86] Они были сделаны в большом формате и часто использовались в качестве фона для главного идола в храмах или домах. Картины Пичваи создавались и до сих пор производятся в основном в Раджастане, Индия. Однако очень немногие из них были изготовлены в регионе Декан, но они крайне редки. Цель пичхвай, помимо художественной привлекательности, состоит в том, чтобы рассказывать истории о Кришне неграмотным. В храмах имеются комплекты с разными изображениями, которые меняются в соответствии с календарем праздников, прославляющих божество . [87]
Паттачитра — общий термин для традиционной живописи в виде свитков на тканевой основе , происходящей в восточных индийских Одиша и штатах Западная Бенгалия . [88] Традиция живописи Паттачитры тесно связана с поклонением Господу Джаганнатхе в Одише. [89] Тематика Паттачитры ограничена религиозными темами. Художественная форма Патачитры известна своими замысловатыми деталями, а также вписанными в нее мифологическими повествованиями и народными сказками. Все цвета, использованные в картинах, являются натуральными, а картины созданы полностью старым традиционным способом Читракарасом, то есть художником Одия. Стиль живописи Паттачитра — один из старейших и самых популярных видов искусства Одиши . Патачитры — компонент древнего бенгальского повествовательного искусства, первоначально служивший визуальным средством во время исполнения песни. [90] [91] [92]
Искусство Мадхубани — стиль индийской живописи , практикуемый в регионе Митхила в Индии и Непале. Стиль характеризуется сложными геометрическими узорами, эти картины известны тем, что представляют ритуальное содержание, используемое для определенных случаев, таких как фестивали, религиозные ритуалы и т. д. [93]
Варли — еще одна форма народного племенного искусства Индии.
Майсурская картина XIX века с изображением богини Сарасвати
Майсурская живопись - важная форма классической южноиндийской живописи, которая зародилась в городе Майсур и его окрестностях в Карнатаке, поощряемая и взращиваемая правителями Майсура. Картины Майсура известны своей элегантностью, приглушенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . [99]
Аллегория – это образный способ изображения, передающий смысл, отличный от буквального. Аллегория передает свое послание посредством символических фигур, действий или символического изображения. образ Аллегорию обычно рассматривают как риторический , но аллегория не обязательно должна быть выражена языком : она может быть обращена к глазу и часто встречается в реалистической живописи. Примером простой визуальной аллегории является образ мрачного жнеца . Зрители понимают, что образ мрачного жнеца является символическим изображением смерти.
В испанском искусстве бодэгон натюрморт — это , изображающий предметы кладовой , такие как продукты питания, дичь и напитки, часто расположенные на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значимыми элементами натюрморта, обычно установленными на кухне или в таверне. Начиная с периода барокко , такие картины стали популярны в Испании во второй четверти 17 века. Традиция рисования натюрмортов, по-видимому, зародилась и была гораздо более популярной в современных Нидерландах , сегодня в Бельгии и Нидерландах (тогда фламандские и голландские художники), чем когда-либо в южной Европе . Северные натюрморты имели множество поджанров: кусок завтрака дополнялся обманкой , цветочным букетом и ванитас . В Испании таких блюд было гораздо меньше, но такой вариант завтрака стал популярным, когда на столе стояло несколько предметов еды и столовой посуды.
Фигурная живопись — это произведение искусства в любом из средств живописи, основным предметом которого является человеческая фигура, одетая или обнаженная .Фигурная живопись также может относиться к деятельности по созданию такого произведения. Человеческая фигура была одним из контрастных предметов искусства со времен первых наскальных рисунков каменного века и на протяжении всей истории интерпретировалась в различных стилях. [100] Некоторые художники, хорошо известные благодаря фигурной живописи, — это Питер Пауль Рубенс , Эдгар Дега и Эдуард Мане .
Картины -иллюстрации — это те, которые используются в качестве иллюстраций в книгах, журналах, а также на афишах театров или фильмов и комиксах. Сегодня растет интерес к коллекционированию и восхищению оригинальными произведениями искусства. Различные музейные выставки, журналы и художественные галереи отвели места иллюстраторам прошлого. В мире визуального искусства иллюстраторы иногда считаются менее важными по сравнению с прекрасными художниками и графическими дизайнерами . Но в результате роста индустрии компьютерных игр и комиксов иллюстрации начинают цениться как популярные и прибыльные произведения искусства, которые могут занять более широкий рынок, чем два других, особенно в Корее , Японии, Гонконге и США.
Пейзажная живопись — это термин, который охватывает изображение природных пейзажей, таких как горы, долины, деревья, реки, озера и леса, и особенно искусство, где основным предметом является широкий вид, элементы которого объединены в последовательную композицию. В других работах пейзажный фон для фигур по-прежнему может составлять важную часть работы. Небо почти всегда включено в изображение, а погода часто является элементом композиции. Детализированные пейзажи как отдельный сюжет встречаются не во всех художественных традициях и развиваются тогда, когда уже существует сложная традиция изображения других сюжетов. Две основные традиции берут начало в западной живописи и китайском искусстве , насчитывая в обоих случаях более тысячи лет.
Портретные картины – это изображения человека, в которых преобладает лицо и его выражение. Цель состоит в том, чтобы отобразить сходство, индивидуальность и даже настроение человека. Искусство портрета процветало в древнегреческой и особенно римской скульптуре , где натурщики требовали индивидуализированных и реалистичных портретов, даже нелестных. Одним из самых известных портретов в западном мире является Леонардо да Винчи картина « Мона Лиза» , которая считается портретом Лизы Герардини , жены Франческо дель Джокондо. [107]
Натюрморт . — это произведение искусства , изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые могут быть как природными (еда, цветы, растения, камни или ракушки), так и искусственными (стаканы, книги, вазы, украшения, монеты) , трубы и так далее). Натюрморты, зародившиеся в средневековье и древнегреческом/римском искусстве, дают художнику больше свободы в расположении элементов дизайна в композиции, чем картины других типов сюжетов, таких как пейзаж или портрет . Натюрморты, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными предметами. Некоторые современные натюрморты преодолевают двухмерный барьер и используют трехмерную смешанную технику, а также найденные предметы, фотографии, компьютерную графику, а также видео и звук.
Ведута — это очень детальное, обычно крупномасштабное изображение городского пейзажа или другого вида. Этот жанр пейзажа , где такие художники , зародился во Фландрии как Поль Бриль, писали ведуте еще в 16 веке. Поскольку маршрут Гранд-тура стал в некоторой степени стандартизированным, ведение знакомых сцен, таких как Римский форум или Большой канал, напоминало ранние путешествия на континент для аристократических англичан. В конце 19 века более личные впечатления от городских пейзажей заменили стремление к топографической точности, которое вместо этого удовлетворялось нарисованными панорамами .
^ , Франсуа Ле Тарга, Кандинский , серия мастеров двадцатого века, Random House Incorporated, 1987, стр. 7, ISBN 0847808106
^ Сьюзен Б. Хиршфельд, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Фонд Хиллы фон Ребай, Акварели Кандинского в Музее Гуггенхайма: избранное из Музея Соломона Р. Гуггенхайма и Фонда Хиллы фон Ребай , 1991 г.
^ Францисконо, Марсель, Пауль Клее: его работа и мысли , часть 6 «Баухаус и Дюссельдорф», гл. «Курсы теории Клее», с. 246 и в разделе «Примечания к стр. 245–54» с. 365
^ Уорхол, Энди. «Картины окисления». Музей Энди Уорхола, www.warhol.org/conservation/OXIDATION-paintings/. По состоянию на 18 марта 2024 г.
^ Грин-Коул, Рут. «Рисование крови: визуализация менструальной крови в искусстве». Справочник Пэлгрейва по критическим исследованиям менструации [Интернет], Национальная медицинская библиотека США, 25 июля 2020 г., www.ncbi.nlm.nih.gov/books/NBK565646/.
^ Графф, Джеральд (1975) Бэббит в бездне: социальный контекст постмодерна. Американская художественная литература , TriQuarterly , № 33 (весна 1975 г.), стр. 307–37; перепечатано в журнале Путц и Фриз, ред., «Постмодернизм и американская литература».
^ Музей Виктории и Альберта, Digital Media (16 ноября 2012 г.). «Картины индийской компании» . www.vam.ac.uk. Архивировано из оригинала 22 ноября 2021 года . Проверено 22 ноября 2021 г.
Говард Дэниел (1971). Энциклопедия тем и сюжетов в живописи: мифологическая, библейская, историческая, литературная, аллегорическая и актуальная . Нью-Йорк: Harry N. Abrams Inc.
У. Стэнли Тафт-младший и Джеймс В. Майер (2000). Наука живописи . Спрингер-Верлаг.
Arc.Ask3.Ru Номер скриншота №: a0b64671a84831eef55b757e2e7d8a4b__1720068900 URL1:https://arc.ask3.ru/arc/aa/a0/4b/a0b64671a84831eef55b757e2e7d8a4b.html Заголовок, (Title) документа по адресу, URL1: Painting - Wikipedia
Данный printscreen веб страницы (снимок веб страницы, скриншот веб страницы), визуально-программная копия документа расположенного по адресу URL1 и сохраненная в файл, имеет: квалифицированную, усовершенствованную (подтверждены: метки времени, валидность сертификата), открепленную ЭЦП (приложена к данному файлу), что может быть использовано для подтверждения содержания и факта существования документа в этот момент времени. Права на данный скриншот принадлежат администрации Ask3.ru, использование в качестве доказательства только с письменного разрешения правообладателя скриншота. Администрация Ask3.ru не несет ответственности за информацию размещенную на данном скриншоте. Права на прочие зарегистрированные элементы любого права, изображенные на снимках принадлежат их владельцам. Качество перевода предоставляется как есть. Любые претензии, иски не могут быть предъявлены. Если вы не согласны с любым пунктом перечисленным выше, вы не можете использовать данный сайт и информация размещенную на нем (сайте/странице), немедленно покиньте данный сайт. В случае нарушения любого пункта перечисленного выше, штраф 55! (Пятьдесят пять факториал, Денежную единицу (имеющую самостоятельную стоимость) можете выбрать самостоятельно, выплаичвается товарами в течение 7 дней с момента нарушения.)
