✖


Jump to content

Искусство Соединенного Королевства

Томас Гейнсборо , мистер и миссис Роберт Эндрюс , ок. 1748–1750 гг.
Henry Moore, Large Reclining Figure, 1984

Искусство Соединенного Королевства относится ко всем формам изобразительного искусства в Соединенном Королевстве или связанным с ним с момента образования Королевства Великобритании в 1707 году и включает в себя английское искусство , шотландское искусство , валлийское искусство и ирландское искусство и является частью западного искусства . история искусства . В 18 веке Британия начала возвращать себе ведущее место, которое Англия ранее играла в европейском искусстве в средние века , будучи особенно сильна в портретном и пейзажном искусстве .

Рост благосостояния Великобритании в то время привел к значительному увеличению производства как изобразительного, так и декоративного искусства , причем последнее часто экспортировалось. Романтический , период стал результатом очень разнообразных талантов, в том числе художников Уильяма Блейка , Дж. М. У. Тернера Джона Констебля и Сэмюэля Палмера . Викторианский период стал свидетелем большого разнообразия произведений искусства и создания гораздо большего их количества, чем раньше. Большая часть викторианского искусства сейчас не пользуется одобрением критиков, а интерес сосредоточен на прерафаэлитах и ​​новаторских движениях конца 18 века.

The training of artists, which had long been neglected, began to improve in the 18th century through private and government initiatives, and greatly expanded in the 19th century. Public exhibitions and the later opening of museums brought art to a wider public, especially in London. In the 19th century publicly displayed religious art once again became popular after a virtual absence since the Reformation, and, as in other countries, movements such as the Pre-Raphaelite Brotherhood and the Glasgow School contended with established Academic art.

The British contribution to early Modernist art was relatively small, but since World War II British artists have made a considerable impact on Contemporary art, especially with figurative work, and Britain remains a key centre of an increasingly globalized art world.[citation needed]

Background

[edit]
Unknown artist, Portrait of Elizabeth I, 1570s
Main articles: English art, Irish art, Scottish art, and Welsh art

The oldest surviving British art includes Stonehenge from around 2600 BC, and tin and gold works of art produced by the Beaker people from around 2150 BC. The La Tène style of Celtic art reached the British Isles rather late, no earlier than about 400 BC, and developed a particular "Insular Celtic" style seen in objects such as the Battersea Shield, and a number of bronze mirror-backs decorated with intricate patterns of curves, spirals and trumpet-shapes. Only in the British Isles can Celtic decorative style be seen to have survived throughout the Roman period, as shown in objects like the Staffordshire Moorlands Pan and the resurgence of Celtic motifs, now blended with Germanic interlace and Mediterranean elements, in Christian Insular art. This had a brief but spectacular flowering in all the countries that now form the United Kingdom in the 7th and 8th centuries, in works such as the Book of Kells and Book of Lindisfarne. The Insular style was influential across Northern Europe, and especially so in later Anglo-Saxon art, although this received new Continental influences.

The English contribution to Romanesque art and Gothic art was considerable, especially in illuminated manuscripts and monumental sculpture for churches, though the other countries were now essentially provincial, and in the 15th century Britain struggled to keep up with developments in painting on the Continent. A few examples of top-quality English painting on walls or panel from before 1500 have survived, including the Westminster Retable, The Wilton Diptych and some survivals from paintings in Westminster Abbey and the Palace of Westminster.[1]

The Protestant Reformations of England and Scotland were especially destructive of existing religious art, and the production of new work virtually ceased. The Artists of the Tudor Court were mostly imported from Europe, setting a pattern that would continue until the 18th century. The portraiture of Elizabeth I ignored contemporary European Renaissance models to create iconic images that border on naive art. The portraitists Hans Holbein and Anthony van Dyck were the most distinguished and influential of a large number of artists who spent extended periods in Britain, generally eclipsing local talents like Nicolas Hilliard, the painter of portrait miniatures, Robert Peake the elder, William Larkin, William Dobson, and John Michael Wright, a Scot who mostly worked in London.[2]

Landscape painting was as yet little developed in Britain at the time of the Union, but a tradition of marine art had been established by the father and son both called Willem van de Velde, who had been the leading Dutch maritime painters until they moved to London in 1673, in the middle of the Third Anglo-Dutch War.[3]

Early 18th century

[edit]
William Hogarth, The Bench, 1758

The so-called Acts of Union 1707 came in the middle of the long period of domination in London of Sir Godfrey Kneller, a German portraitist who had eventually succeeded as principal court painter the Dutch Sir Peter Lely, whose style he had adopted for his enormous and formulaic output, of greatly varying quality, which was itself repeated by an army of lesser painters. His counterpart in Edinburgh, Sir John Baptist Medina, born in Brussels to Spanish parents, had died just before the Union took place, and was one of the last batch of Scottish knights to be created. Medina had first worked in London, but in mid-career moved to the less competitive environment of Edinburgh, where he dominated portraiture of the Scottish elite. However, after the Union the movement was to be all in the other direction, and Scottish aristocrats resigned themselves to paying more to have their portraits painted in London, even if by Scottish painters such as Medina's pupil William Aikman, who moved down in 1723, or Allan Ramsay.[4]

There was an alternative, more direct, tradition in British portraiture to that of Lely and Kneller, tracing back to William Dobson and the German or Dutch Gerard Soest, who trained John Riley, to whom only a few works are firmly attributed and who in turn trained Jonathan Richardson, a fine artist who trained Thomas Hudson who trained Joshua Reynolds and Joseph Wright of Derby. Richardson also trained the most notable Irish portraitist of the period, Charles Jervas who enjoyed social and financial success in London despite his clear limitations as an artist.[5]

An exception to the dominance of the "lower genres" of painting was Sir James Thornhill (1675/76–1734) who was the first and last significant English painter of huge Baroque allegorical decorative schemes, and the first native painter to be knighted. His best-known work is at Greenwich Hospital, Blenheim Palace and the cupola of Saint Paul's Cathedral, London. His drawings show a taste for strongly drawn realism in the direction his son-in-law William Hogarth was to pursue, but this is largely overridden in the finished works, and for Greenwich he took to heart his careful list of "Objections that will arise from the plain representation of the King's landing as it was in fact and in the modern way and dress" and painted a conventional Baroque glorification.[6] Like Hogarth, he played the nationalist card in promoting himself, and eventually beat Sebastiano Ricci to enough commissions that in 1716 he and his team retreated to France, Giovanni Antonio Pellegrini having already left in 1713. Once the other leading foreign painters of allegoric schemes, Antonio Verrio and Louis Laguerre, had died in 1707 and 1721 respectively, Thornhill had the field to himself, although by the end of his life commissions for grand schemes had dried up from changes in taste.[7]

From 1714 the new Hanoverian dynasty conducted a far less ostentatious court, and largely withdrew from patronage of the arts, other than the necessary portraits. Fortunately, the booming British economy was able to supply aristocratic and mercantile wealth to replace the court, above all in London.[8]

The Gate of Calais, an anti-French satire by William Hogarth, 1748

William Hogarth was a great presence in the second quarter of the century, whose art was successful in achieving a particular English character, with vividly moralistic scenes of contemporary life, full of both satire and pathos, attuned to the tastes and prejudices of the Protestant middle-class, who bought the engraved versions of his paintings in huge numbers. Other subjects were only issued as prints, and Hogarth was both the first significant British printmaker, and still the best known. Many works were series of four or more scenes, of which the best known are: A Harlot's Progress and A Rake's Progress from the 1730s and Marriage à-la-mode from the mid-1740s. In fact, although he only once briefly left England and his own propaganda asserted his Englishness and often attacked the Old Masters, his background in printmaking, more closely aware of Continental art than most British painting, and apparently his ability to quickly absorb lessons from other painters, meant that he was more aware of, and made more use of, Continental art than most of his contemporaries.

Like many later painters Hogarth wanted above all to achieve success at history painting in the Grand Manner, but his few attempts were not successful and are now little regarded. His portraits were mostly of middle-class sitters shown with an apparent realism that reflected both sympathy and flattery, and included some in the fashionable form of the conversation piece, recently introduced from France by Philippe Mercier, which was to remain a favourite in Britain, taken up by artists such as Francis Hayman, though usually abandoned once an artist could get good single figure commissions.[9]

Silver teapot by Samuel Courtauld, London, 1748–49

There was a recognition that, even more than the rest of Europe given the lack of British artists, the training of artists needed to be extended beyond the workshop of established masters, and various attempts were made to set up academies, starting with Kneller in 1711, with the help of Pellegrini, in Great Queen Street. The academy was taken over by Thornhill in 1716, but seems to have become inactive by the time John Vanderbank and Louis Chéron set up their own academy in 1720. This did not last long, and in 1724/5 Thornhill tried again in his own house, with little success. Hogarth inherited the equipment for this, and used it to start the St. Martin's Lane Academy in 1735, which was the most enduring, eventually being absorbed by the Royal Academy in 1768. Hogarth also helped solve the problem of a lack of exhibition venues in London, arranging for shows at the Foundling Hospital from 1746.[10]

The Scottish portraitist Allan Ramsay worked in Edinburgh before moving to London by 1739. He made visits of three years to Italy at the beginning and end of his career, and anticipated Joshua Reynolds in bringing a more relaxed version of "Grand Manner" to British portraiture, combined with very sensitive handling in his best work, which is generally agreed to have been of female sitters. His main London rival in the mid-century, until Reynolds made his reputation, was Reynold's master, the stodgy Thomas Hudson.[11]

John Wootton, active from about 1714 to his death in 1765, was the leading sporting painter of his day, based in the capital of English horse racing at Newmarket, and producing large numbers of portraits of horses and also battle scenes and conversation pieces with a hunting or riding setting. He had begun life as a page to the family of the Dukes of Beaufort, who in the 1720s sent him to Rome, where he acquired a classicising landscape style based on that of Gaspard Dughet and Claude, which he used in some pure landscape paintings, as well as views of country houses and equine subjects. This introduced an alternative to the various Dutch and Flemish artists who had previously set the prevailing landscape style in Britain, and through intermediary artists such as George Lambert, the first British painter to base a career on landscape subjects, was to greatly influence other British artists such as Gainsborough.[12] Samuel Scott was the best of the native marine and townscape artists, though in the latter specialization he could not match the visiting Canaletto, who was in England from nine years from 1746, and whose Venetian views were a favourite souvenir of the Grand Tour.[13]

The antiquary and engraver George Vertue was a figure in the London art scene for most of the period, and his copious notebooks were adapted and published in the 1760s by Horace Walpole as Some Anecdotes of Painting in England, which remains a principal source for the period.[14]

From his arrival in London in 1720, the Flemish sculptor John Michael Rysbrack was the leader in his field until the arrival in 1730 of Louis-François Roubiliac who had a Rococo style which was highly effective in busts and small figures, though by the following decade he was also commissioned for larger works. He also produced models for the Chelsea porcelain factory founded in 1743, a private enterprise which sought to compete with Continental factories mostly established by rulers. Roubiliac's style formed that of the leading native sculptor Sir Henry Cheere, and his brother John who specialized in statues for gardens.[15]

The strong London silversmithing trade was dominated by the descendants of Huguenot refugees like Paul de Lamerie, Paul Crespin, Nicholas Sprimont, and the Courtauld family, as well as Georges Wickes. Orders were received from as far away as the courts of Russia and Portugal, though English styles were still led by Paris.[16] The manufacture of silk at Spitalfields in London was also a traditional Huguenot business, but from the late 1720s silk design was dominated by the surprising figure of Anna Maria Garthwaite, a parson's daughter from Lincolnshire who emerged at the age of 40 as a designer of largely floral patterns in Rococo styles.[17]

Unlike in France and Germany, the English adoption of the Rococo style was patchy rather than whole-hearted, and there was resistance to it on nationalist grounds, led by Richard Boyle, 3rd Earl of Burlington and William Kent, who promoted styles in interior design and furniture to match the Palladianism of the architecture they produced together, also beginning the influential British tradition of the landscape garden,[18] according to Nikolaus Pevsner "the most influential of all English innovations in art".[19] The French-born engraver Hubert-François Gravelot, in London from 1732 to 1745, was a key figure in importing Rococo taste in book illustrations and ornament prints for craftsmen to follow.[20]

Late 18th century

[edit]
A painting of a youth wearing blue.
Thomas Gainsborough, The Blue Boy, 1770
A painting of 2 men with bow and arrows
Joshua Reynolds, Colonel Acland and Lord Sydney: The Archers, 1769

In the modern popular mind, English art from about 1750–1790 — today referred to as the "classical age" of English painting — was dominated by Sir Joshua Reynolds (1723–1792), George Stubbs (1724–1806), Thomas Gainsborough (1727–1788) and Joseph Wright of Derby (1734–1797). At the time Reynolds was considered the dominant figure, Gainsborough was very highly reputed, but Stubbs was seen as a mere painter of animals and viewed as far a less significant figure than many other painters that are today little-known or forgotten. The period saw continued rising prosperity for Britain and British artists: "By the 1780s English painters were among the wealthiest men in the country, their names familiar to newspaper readers, their quarrels and cabals the talk of the town, their subjects known to everyone from the displays in the print-shop windows", according to Gerald Reitlinger.[21]

Reynolds returned from a long visit to Italy in 1753, and very quickly established a reputation as the most fashionable London portraitist, and before long as a formidable figure in society;, the public leader of the arts in Britain. He had studied both classical and modern Italian art, and his compositions discreetly re-use models seen on his travels. He could convey a wide range of moods and emotions, whether heroic military men or very young women, and often to unite background and figure in a dramatic way.[22]

Joseph Wright of Derby, An Experiment on a Bird in the Air Pump, 1768

The Society for the encouragement of Arts, Manufactures & Commerce had been founded in 1754, principally to provide a location for exhibitions. In 1761 Reynolds was a leader in founding the rival Society of Artists of Great Britain, where the artists had more control. This continued until 1791, despite the founding of the Royal Academy of Arts in 1768, which immediately became both the most important exhibiting organization and the most important school in London. Reynolds was its first President, holding the office until his death in 1792. His published Discourses, first delivered to the students, were regarded as the first major writing on art in English, and set out the aspiration for a style to match the classical grandeur of classical sculpture and High Renaissance painting.[23]

After the academy was established, Reynolds' portraits became more overly classicizing, and often more distant, until in the late 1770s he returned to a more intimate style, perhaps influenced by the success of Thomas Gainsborough,[24] who only settled in London in 1773, after working in Ipswich and then Bath. While Reynolds' practice of aristocratic portraits seem exactly matched to his talents, Gainsborough, if not forced to follow the market for his work, might well have developed as a pure landscape painter, or a portraitist in the informal style of many of his portraits of his family. He continued to paint pure landscapes, largely for pleasure until his later years; full recognition of his landscapes came only in the 20th century. His main influences were French in his portraits and Dutch in his landscapes, rather than Italian, and he is famous for the brilliant light touch of his brushwork.[25]

George Romney also became prominent in about 1770 and was active until 1799, though with a falling-off in his last years. His portraits are mostly characterful but flattering images of dignified society figures, but he developed an obsession with the flighty young Emma Hamilton from 1781, painting her about sixty times in more extravagant poses.[26] His work was especially sought-after by American collectors in the early 20th century and many are now in American museums.[27] By the end of the period this generation had been succeeded by younger portraitists including John Hoppner, Sir William Beechey and the young Gilbert Stuart, who only realized his mature style after he returned to America.[28]

Cowley Place, near Exeter by Francis Towne circa 1812

The Welsh painter Richard Wilson returned to London from seven years in Italy in 1757, and over the next two decades developed a "sublime" landscape style adapting the Franco-Italian tradition of Claude and Gaspard Dughet to British subjects. Though much admired, like those of Gainsborough his landscapes were hard to sell, and he sometimes resorted, as Reynolds complained, to the common stratagem of turning them into history paintings by adding a few small figures, which doubled their price to about £80.[29] He continued to paint scenes set in Italy, as well as England and Wales, and his death in 1782 came just as large numbers of artists began to travel to Wales, and later the Lake District and Scotland in search of mountainous views, both for oil paintings and watercolours which were now starting their long period of popularity in Britain, both with professionals and amateurs. Paul Sandby, Francis Towne, John Warwick Smith, and John Robert Cozens were among the leading specialist painters and the clergyman and amateur artist William Gilpin was an important writer who stimulated the popularity of amateur painting of the picturesque, while the works of Alexander Cozens recommended forming random ink blots into landscape compositions—even Constable tried this technique.[30]

John Singleton Copley, Watson and the Shark (1778)

History painting in the grand manner continued to be the most prestigious form of art, though not the easiest to sell, and Reynolds made several attempts at it, as unsuccessful as Hogarth's. The unheroic nature of modern dress was seen as a major obstacle in the depiction of contemporary scenes, and the Scottish gentleman-artist and art dealer Gavin Hamilton preferred classical scenes as well as painting some based on his Eastern travels, where his European figures by-passed the problem by wearing Arab dress. He spent most of his adult life based in Rome and had at least as much influence on Neo-Classicism in Europe as in Britain. The Irishman James Barry was an influence on Blake but had a difficult career, and spent years on his cycle The Progress of Human Culture in the Great Room of the Royal Society of Arts. The most successful history painters, who were not afraid of buttons and wigs, were both Americans settled in London: Benjamin West and John Singleton Copley, though one of his most successful works Watson and the Shark (1778) was able to mostly avoid them, showing a rescue from drowning.

Smaller scale subjects from literature were also popular, pioneered by Francis Hayman, one of the first to paint scenes from Shakespeare, and Joseph Highmore, with a series illustrating the novel Pamela. At the end of the period the Boydell Shakespeare Gallery was an ambitious project for paintings, and prints after them, illustrating "the Bard", as he had now become, while exposing the limitations of contemporary English history painting.[31] Joseph Wright of Derby was mainly a portrait painter who also was one of the first artists to depict the Industrial Revolution, as well as developing a cross between the conversation piece and history painting in works like An Experiment on a Bird in the Air Pump (1768) and A Philosopher Lecturing on the Orrery (c. 1766), which like many of his works are lit only by candlelight, giving a strong chiaroscuro effect.[32]

William Blake, Nebuchadnezzar, after 1795

Paintings recording scenes from the theatre were another subgenre, painted by the German Johann Zoffany among others. Zoffany painted portraits and conversation pieces, who also spent over two years in India, painting the English nabobs and local scenes, and the expanding British Empire played an increasing role in British art.[33] Training in art was considered a useful skill in the military for sketch maps and plans, and many British officers made the first Western images, often in watercolour, of scenes and places around the world. In India, the Company style developed as a hybrid form between Western and Indian art, produced by Indians for a British market.

Cat Like Courtship, watercolour, ink and pencil by Thomas Rowlandson

Thomas Rowlandson produced watercolours and prints satirizing British life, but mostly avoided politics. The master of the political caricature, sold individually by print shops (often acting as publishers also), either hand-coloured or plain, was James Gillray.[34] The emphasis on portrait-painting in British art was not entirely due to the vanity of the sitters. There was a large collector's market for portrait prints, mostly reproductions of paintings, which were often mounted in albums. From the mid-century there was a great growth in the expensive but more effective reproductions in mezzotint, of portraits and other paintings, with special demand from collectors for early proof states "before letter" (that is, before the inscriptions were added), which the printmakers obligingly printed off in growing numbers.[35]

This period marked one of the high points in British decorative arts. Around the mid-century many porcelain factories opened, including Bow in London, and in the provinces Lowestoft, Worcester, Royal Crown Derby, Liverpool, and Wedgwood, with Spode following in 1767. Most were started as small concerns, with some lasting only a few decades while others still survive today. By the end of the period British porcelain services were being commissioned by foreign royalty and the British manufacturers were especially adept at pursuing the rapidly expanding international middle-class market, developing bone china and transfer-printed wares as well as hand-painted true porcelain.[36]

The three leading furniture makers, Thomas Chippendale (1718–1779), Thomas Sheraton (1751–1806) and George Hepplewhite (1727?–1786) had varied styles and have achieved the lasting fame they have mainly as the authors of pattern books used by other makers in Britain and abroad. In fact it is far from clear if the last two named ever ran actual workshops, though Chippendale certainly was successful in this and in what we now call interior design; unlike France Britain had abandoned its guild system, and Chippendale was able to employ specialists in all the crafts needed to complete a redecoration.[37] During the period Rococo and Chinoiserie gave way to Neo-Classicism, with the Scottish architect and interior designer Robert Adam (1728–1792) leading the new style.

19th century and the Romantics

[edit]
Сэмюэл Палмер , Автопортрет , ок. 1826 г.

Конец 18-го и начало 19-го века, характеризующиеся романтическим движением в британском искусстве, включают Джозефа Райта из Дерби , Джеймса Уорда , Сэмюэля Палмера , Ричарда Паркса Бонингтона , Джона Мартина и были, пожалуй, самым радикальным периодом в британском искусстве, также продюсировавшим Уильяма Блейка. (1757–1827), Джон Констебль (1776–1837) и Дж. М. У. Тернер (1775–1851), причем двое последних, возможно, являются наиболее влиятельными на международном уровне из всех британских художников. [38][39] Turner's style, based on the Italianate tradition although he never saw Italy until in his forties, passed through considerable changes before his final wild, almost abstract, landscapes that explored the effects of light, and were a profound influence on the Impressionists and other later movements.[ 40 ] Констебль обычно писал чистые пейзажи с несколькими жанровыми фигурами в стиле, основанном на североевропейских традициях, но, как и Тернер, его «шестифуты» были призваны произвести такое же поразительное воздействие, как и любая историческая картина. [ 41 ] Они были тщательно подготовлены с использованием этюдов и полноразмерных масляных зарисовок . [ 42 ] тогда как Тернер был известен тем, что заканчивал свои выставочные работы, когда они уже были выставлены напоказ, свободно корректируя их, чтобы они доминировали над окружающими работами в плотно упакованных витражах дня. [ 43 ]

Джон Констебль , «Воз сена» , 1821 г.
Дж. М. У. Тёрнер , «Боевой Темерер», которого тянут к последнему причалу, чтобы разогнать , 1839 год.

Визионерский стиль Блейка при его жизни был присущ меньшинству, но оказал влияние на более молодую группу « Древних » Сэмюэля Палмера, Джона Линнелла , Эдварда Калверта и Джорджа Ричмонда , которые собрались в сельской местности в Шорхэме, Кент , в 1820-х годах, создавая интенсивные и лирические произведения. пасторальные идиллии в условиях некоторой бедности. Они продолжили более традиционную творческую карьеру, и ранние работы Палмера были полностью забыты до начала 20 века. [ 44 ] Блейк и Палмер оказали значительное влияние на художников-модернистов 20-го века, что видно (среди прочих) в живописи британских художников, таких как Дора Кэррингтон , [ 45 ] Пол Нэш и Грэм Сазерленд . [ 46 ] Блейк также оказал огромное влияние на поэтов-битников 1950-х годов и контркультуру 1960-х годов . [ 47 ]

Томас Лоуренс уже был ведущим портретистом к началу 20-го века и смог придать романтический оттенок своим портретам высшего общества и лидеров Европы, собравшихся на Венском конгрессе после наполеоновских войн . Генри Реберн был самым выдающимся портретистом со времен Союза, который на протяжении всей своей карьеры оставался в Эдинбурге, что свидетельствует о растущем процветании Шотландии. [ 48 ] Но Дэвид Уилки пошел традиционным путем на юг, добившись большого успеха в сюжетах деревенской жизни и гибридных жанровых и исторических сценах, таких как «Пенсионеры Челси, читающие депешу Ватерлоо» (1822). [ 49 ]

Джон Флаксман был самым последовательным английским художником-неоклассиком. Начав как скульптор, он стал наиболее известен своими многочисленными запасными «контурными рисунками» классических сцен, часто иллюстрирующими литературу, которые воспроизводились в виде гравюр. Они имитировали эффекты рельефов в классическом стиле, которые он также создавал. Немецко-швейцарский Генри Фюзели также создавал работы в линейном графическом стиле, но его повествовательные сцены, часто из английской литературы, были чрезвычайно романтическими и очень драматичными. [ 50 ]

Викторианское искусство

[ редактировать ]
Основная статья: Викторианская живопись
Офелия , Джон Эверетт Милле , 1851–1852 гг.

Братство прерафаэлитов (PRB) добилось значительного влияния после своего основания в 1848 году благодаря картинам, посвященным религиозным, литературным и жанровым темам, выполненным в красочном и детально детализированном стиле, отвергая свободную живописную манеру письма традиции, представленной «сэром Слошуа». "Рейнольдс. Среди художников PRB были Джон Эверетт Милле , Уильям Холман Хант , Данте Габриэль Россетти и Форд Мэдокс Браун (никогда официально не являвшийся членом), а такие фигуры, как Эдвард Бёрн-Джонс и Джон Уильям Уотерхаус, позже находились под сильным влиянием аспектов их идей, как и дизайнер Уильям Моррис . Моррис выступал за возврат к ручному мастерству в декоративном искусстве вместо промышленного производства, которое быстро применялось ко всем ремеслам. Его усилия сделать красивые предметы доступными (или даже бесплатными) для всех привели к тому, что его дизайны обоев и плитки определили викторианскую эстетику и положили начало движению искусств и ремесел .

Прерафаэлитов, как и Тернера, поддерживал авторитетный искусствовед Джон Раскин , сам прекрасный художник-любитель. Несмотря на все свои технические новшества, они были одновременно традиционными и викторианскими в своей приверженности исторической живописи как высшей форме искусства , а их тематика полностью соответствовала викторианскому вкусу и действительно «всему, что приветствовали издатели гравюр на стали». , [ 51 ] позволяя им легко влиться в мейнстрим в их дальнейшей карьере. [ 52 ]

Лорд Лейтон , 1855 год, знаменитую Мадонну Чимабуэ несут в процессии по улицам Флоренции , 222 × 521 см.

В то время как прерафаэлиты встретили бурный и неоднозначный прием, среди самых популярных и дорогих художников того периода был Эдвин Ландсир , который специализировался на сентиментальных сюжетах животных, которые были фаворитами королевы Виктории и принца Альберта . Во второй половине века художники могли зарабатывать большие суммы на продаже прав на воспроизведение своих картин печатным издателям, а работы Ландсира, особенно его «Монарх Глена» (1851), портрет горного оленя, были одними из самых популярных. популярный. » Милле Как и « Пузыри (1886), он десятилетиями использовался на упаковке и рекламе марок виски и мыла соответственно. [ 53 ]

академические картины лорда Лейтона и уроженца Голландии Альма-Тадемы В течение поздней викторианской эпохи в Британии огромной популярностью пользовались Лоуренса , некоторые из которых были чрезвычайно большими. соответствовало викторианскому чувству высокой цели. Классические дамы Эдварда Пойнтера и Альберта Мура носили больше одежды и пользовались гораздо меньшим успехом. Уильям Пауэлл Фрит рисовал очень подробные сцены общественной жизни, обычно включающие все классы общества, которые включают комические и моральные элементы и имеют признанный долг перед Хогартом, хотя и заметно отличаются от его работ. [ 54 ]

Для всех таких художников Летняя выставка Королевской академии была важной платформой, подробно освещавшейся в прессе, которая часто чередовала насмешки и экстравагантные похвалы при обсуждении работ. Высшей и очень редкой наградой была ситуация, когда перед картиной пришлось поставить перила, чтобы защитить ее от нетерпеливой толпы; до 1874 года такое происходило только с «Пенсионерами Челси» Фрита Уилки, «Днем Дерби» и «Золотым салоном» Люка Филда , Хомбургом и «Случайным приходом» (см. ниже). [ 55 ] Огромное количество художников трудились год за годом в надежде на успех, часто работая в манере, которая не совсем соответствовала их таланту, примером чему является самоубийство в 1846 году Бенджамина Хейдона , друга Китса и Диккенса и он был лучшим писателем, чем художником, оставив свою кровь залитой незаконченной книгой « Король Альфред и Первое британское жюри» . [ 56 ]

Джон Фредерик Льюис , «Магазин кибабов» , сцена из «Скутари» , 1858 год.

Британская история была очень распространенным предметом, особенно популярными источниками для изучения предметов были Средние века, Елизавета I, Мария, королева Шотландии и Гражданская война в Англии . Многие художники, упомянутые в других местах, рисовали исторические сюжеты, в том числе Милле ( «Отрочество Роли» и многие другие), Форд Мэдокс Браун ( «Кромвель на своей ферме »), Дэвид Уилки, Уоттс и Фрит, а также Уэст, Бонингтон и Тернер в предыдущие десятилетия. Ирландец из Лондона Дэниел Маклиз и Чарльз Уэст Коуп нарисовали сцены для нового Вестминстерского дворца . Леди Джейн Грей , как и Мария, королева Шотландии, была женщиной, чьи страдания привлекали многих художников, хотя ни один из них не мог сравниться с «Казнью леди Джейн Грей» , одним из многих британских исторических сюжетов француза Поля Делароша . [ 57 ] Художники гордились растущей точностью декораций своего периода с точки зрения костюмов и предметов, изучая коллекции и книги нового Музея Виктории и Альберта и презирая беззаботные приближения предыдущих поколений художников. [ 58 ]

Ричард Редгрейв , «Последний взгляд эмигрантов на дом» , 1858 г.

Викторианская живопись развила социальную тему Хогарта, наполненную морализаторскими деталями, и традицию иллюстрирования сцен из литературы, в целый ряд типов жанровой живописи, многие из которых состоят всего из нескольких фигур, другие - большие и многолюдные сцены, такие как самые известные работы Фрита. Холмана Ханта «Пробуждение совести» (1853) и Огастеса Эгга сборник « Прошлое и настоящее» (1858) относятся к первому типу, обе посвящены «падшим женщинам», вечной викторианской проблеме. Как указывает Питер Конрад , это были картины, предназначенные для чтения как романы, смысл которых проявляется после того, как зритель проделал работу по его расшифровке. [ 59 ] Другие «анекдотические» сцены были более светлыми по настроению и скорее представляли собой Панча мультфильмы без подписей.

К концу XIX века проблемная картина оставила детали повествовательного действия намеренно двусмысленными, предлагая зрителю размышлять над этим, используя имеющиеся перед ним доказательства, но не давая окончательного ответа (художники научились загадочно улыбаться, когда их об этом спрашивают). . Иногда это вызывало дискуссию по деликатным социальным вопросам, обычно затрагивающим женщин, которые, возможно, было бы трудно поднять напрямую. Они пользовались огромной популярностью; газеты проводили конкурсы среди читателей, чтобы они могли передать смысл картины. [ 60 ]

Многие художники участвовали в возрождении оригинальной художественной гравюры, обычно известной как возрождение офорта , хотя были также созданы гравюры во многих других техниках. Это началось в 1850-х годах и продолжалось до тех пор, пока последствия краха Уолл-стрит 1929 года не привели к обвалу очень высоких цен, которых добивались самые модные художники.

Британский ориентализм , хотя и не так распространенный, как во Франции того же периода, имел многих специалистов, в том числе Джона Фредерика Льюиса , прожившего девять лет в Каире , Дэвида Робертса , шотландца, сделавшего литографии своих путешествий по Ближнему Востоку и Италии, писатель-бессмыслица Эдвард Лир , постоянный путешественник, дошедший до Цейлона , и Ричард Дадд . Холман Хант также отправился в Палестину, чтобы получить аутентичные декорации для своих библейских картин. Француз Джеймс Тиссо , бежавший в Лондон после падения Парижской Коммуны , делил свое время между сценами великосветских светских мероприятий и огромной серией библейских иллюстраций, выполненных акварелью для репродуктивной публикации. [ 61 ] Фредерик Гудолл специализировался на сценах Древнего Египта.

Джеймс Макнил Уистлер , «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» (1874). Почти абстракция: в 1877 году Уистлер подал в суд на искусствоведа Джона Раскина за клевету после того, как критик осудил его картину «Ноктюрн в черном и золотом – Падающая ракета» . Раскин обвинил Уистлера в том, что он «попросил двести гиней за то, что бросил банку с краской в ​​лицо публике». [ 62 ] [ 63 ]

Большие картины, посвященные социальным условиям бедняков, как правило, концентрировались на сельских сценах, так что страдания человеческих фигур, по крайней мере, компенсировались пейзажем. Среди художников были Фредерик Уокер , Люк Филдс (хотя он сделал себе имя в 1874 году с «Кандидатами на поступление в палату случайных людей» — см. выше), Фрэнк Холл , Джордж Клаузен и немец Хуберт фон Херкомер . [ 64 ]

Уильям Белл Скотт , друг Россетти, рисовал исторические сцены и другие виды работ, но также был одним из немногих художников, изображавших сцены из тяжелой промышленности. Его мемуары являются полезным источником для того периода, и он был одним из нескольких художников, которые какое-то время работали в значительно расширившейся системе государственных художественных школ, которыми руководил администратор Генри Коул (изобретатель рождественской открытки ) и работали Ричард Редгрейв , Эдвард Пойнтер , Ричард Берчетт , шотландский дизайнер Кристофер Дрессер и многие другие. Берчетт был директором «Школ Южного Кенсингтона», ныне Королевского колледжа искусств , который постепенно заменил Школу Королевской академии в качестве ведущей британской художественной школы, хотя примерно в начале 20-го века Школа изящных искусств Слейда выпустила многие из перспективные художники. [ 65 ]

Первоначально Королевская академия ни в коем случае не была такой консервативной и ограничительной, как Парижский Салон , и прерафаэлиты приняли большинство своих работ на выставку, хотя, как и все остальные, они жаловались на позиции, которые были отведены их картинам. Их особенно приветствовали в Ливерпульской академии искусств , одной из крупнейших региональных выставочных организаций; Королевская шотландская академия была основана в 1826 году и открыла свое величественное новое здание в 1850-х годах. Существовали альтернативные места в Лондоне, такие как Британский институт , и по мере того, как консерватизм Королевской академии постепенно возрастал, несмотря на усилия лорда Лейтона , когда он был президентом, открывались новые пространства, в частности галерея Гросвенор на Бонд-стрит с 1877 года, которая стала домом для Эстетическое движение. Новый английский художественный клуб с 1885 года выставлял многих художников с импрессионистскими тенденциями, первоначально используя Египетский зал напротив Королевской академии, где также проходило множество выставок зарубежного искусства. Американский художник-портретист Джон Сингер Сарджент (1856–1925) большую часть своей рабочей карьеры провел в Европе и содержал свою студию в Лондоне (где и умер) с 1886 по 1907 год.

Альфред Сислей , француз по происхождению, но имевший британское гражданство, рисовал во Франции как один из импрессионистов ; Уолтер Сикерт и Филип Уилсон Стир в начале своей карьеры также находились под сильным влиянием, но, несмотря на то, что дилер Поль Дюран-Рюэль провел множество выставок в Лондоне, движение не оказало большого влияния в Англии лишь десятилетия спустя. [ 66 ] Некоторые члены Ньюлинской школы пейзажей и жанровых сцен использовали квазиимпрессионистическую технику, в то время как другие использовали реалистические или более традиционные уровни отделки.

В конце 19 века также наблюдалось декадентское движение во Франции и британское эстетическое движение . Британский американский художник Джеймс Эбботт Макнил Уистлер , Обри Бердсли , а также бывшие прерафаэлиты Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс связаны с этими движениями, а покойные Бёрн-Джонс и Бердсли вызывают восхищение за рубежом и представляют ближайших Британский подход к европейскому символизму . [ 67 ] В 1877 году Джеймс Макнил Уистлер подал в суд на искусствоведа Джона Раскина за клевету после того, как критик осудил его картину «Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» . Раскин обвинил Уистлера в том, что он «попросил двести гиней за то, что бросил банку с краской в ​​лицо публике». [ 62 ] [ 63 ] Присяжные вынесли вердикт в пользу Уистлера, но присудили ему лишь один фартинг номинальной компенсации, а судебные издержки были разделены. [ 68 ] Стоимость дела, а также огромные долги за строительство его резиденции («Белый дом» на Тайт-стрит , в Челси спроектированный совместно с Э. У. Годвином , 1877–1878 гг.), Обанкротили Уистлера к маю 1879 г. [ 69 ] в результате был проведен аукцион его работ, коллекций и дома. Станский [ 70 ] отмечает иронию того, что Лондонское общество изящных искусств , которое организовало сбор для оплаты судебных издержек Рёскина, поддержало его в гравюре «Камни Венеции» (и в выставке серии в 1883 году), что помогло окупить затраты Уистлера.

Уолтер Сикерт , Исполняющий обязанности менеджера или Репетиция: Конец действия , (портрет Хелен Карт ), ок. 1885 г.

Шотландское искусство теперь обретало адекватный внутренний рынок, что позволяло ему развивать самобытный характер, одним из проявлений которого были « Мальчики из Глазго », охватывающие импрессионизм в живописи и модерн , японизм и кельтское возрождение в дизайне, с архитектором и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош теперь их самый известный участник. Среди художников были Томас Милли Доу , Джордж Генри , Джозеф Кроухолл и Джеймс Гатри .

Новая технология печати привела к значительному расширению книжной иллюстрации: иллюстрации для детских книг стали одними из самых запоминающихся работ того периода. Среди специализированных художников были Рэндольф Калдекотт , Уолтер Крейн , Кейт Гринуэй и, с 1902 года, Беатрикс Поттер .

Опыт военной, политической и экономической мощи, возникший в результате возникновения Британской империи , привел к очень специфическому стремлению к художественной технике, вкусу и чувствительности в Соединенном Королевстве. [ 71 ] Британцы использовали свое искусство «чтобы продемонстрировать свои знания и владение миром природы», в то время как постоянные поселенцы в Британской Северной Америке , Австралазии и Южной Африке «приступили к поиску своеобразного художественного выражения, соответствующего их чувству национальной идентичности». [ 71 ] Империя была «в центре, а не на задворках истории британского искусства». [ 72 ]

Огромное разнообразие и массовое производство различных форм британского декоративного искусства того периода слишком сложны, чтобы их можно было легко суммировать. Викторианский вкус, вплоть до различных движений последних десятилетий, таких как искусство и ремесла , сегодня обычно плохо ценится, но было создано много прекрасных работ и заработано много денег. И Уильям Берджес , и Огастес Пьюгин были архитекторами, приверженными готическому возрождению , которые расширили свою деятельность до проектирования мебели, металлических конструкций, плитки и предметов в других средах. Произошел огромный бум в обновлении готики средневековых церквей и оснащении новых в том же стиле, особенно витражами , индустрия возродилась после фактического исчезновения . Возрождение мебели с изображениями было отличительной чертой верхнего сегмента рынка. [ 73 ]

С момента своего открытия в 1875 году лондонский универмаг Liberty & Co. особенно ассоциировался с импортными дальневосточными декоративными предметами и британскими товарами в новых стилях конца XIX века. Чарльз Войси был архитектором, который также много работал над дизайном текстиля, мебели из обоев и других материалов, привнося движение искусств и ремесел в модерн и за его пределы; он продолжал заниматься дизайном и в 1920-е годы. [ 74 ] А. Х. Макмёрдо был похожей фигурой.

20 век

[ редактировать ]
Грэм Сазерленд , «Город — упавшая шахта лифта» (1941)

Во многих отношениях викторианская эпоха продолжалась до начала Первой мировой войны в 1914 году, и Королевская академия становилась все более закостеневшей; в 1924 году президентом был назначен явно поздний викторианский деятель Фрэнк Дикси. В фотографии пикториализм стремился достичь действительно художественных живописных эффектов; В «Связанное кольцо» вошли ведущие практики. Американец Джон Сингер Сарджент был самым успешным лондонским портретистом в начале 20-го века, наряду с Джоном Лавери , Огастесом Джоном и Уильямом Орпеном . Сестра Джона, Гвен Джон, жила во Франции, и ее интимные портреты мало ценились вплоть до десятилетий после ее смерти. Отношение британцев к современному искусству «поляризировалось» в конце XIX века. [ 75 ] модернистские Художники и критики одновременно лелеяли и критиковали движения; Первоначально импрессионизм рассматривался «многими консервативными критиками» как «подрывное иностранное влияние», но в начале 20 века он «полностью ассимилировался» с британским искусством. [ 75 ] Ирландский художник Джек Батлер Йейтс (1871–1957) жил в Дублине и был одновременно художником-романтиком , символистом и экспрессионистом .

Вортицизм был кратким объединением ряда художников- модернистов непосредственно перед 1914 годом; в число участников входили Уиндем Льюис , скульптор сэр Джейкоб Эпштейн , Дэвид Бомберг , Малкольм Арбутнот , Лоуренс Аткинсон , американский фотограф Элвин Лэнгдон Коберн , Фредерик Этчеллс , французский скульптор Анри Годье-Бжеска , Катберт Гамильтон , Кристофер Невинсон , Уильям Робертс , Эдвард Уодсворт , Джессика Дисморр , Хелен Сондерс и Дороти Шекспир . В начало 20 века также входят художественный кружок Ситуэллс и группа Блумсбери , группа в основном английских писателей, интеллектуалов, философов и художников, в том числе художница Дора Кэррингтон , художник и искусствовед Роджер Фрай , искусствовед Клайв Белл , художница Ванесса Белл , художница. Дункан Грант и другие. Хотя их работы в изобразительном искусстве были очень модными в то время, сегодня они выглядят менее впечатляюще. [ 76 ] Британский модернизм должен был оставаться в некоторой степени неуверенным до окончания Второй мировой войны, хотя такие деятели, как Бен Николсон, поддерживали связь с европейскими событиями.

Уолтер Сикерт и группа Кэмден Таун разработали английский стиль импрессионизма и постимпрессионизма с сильным направлением социального документального кино, в том числе Гарольда Гилмана , Спенсера Фредерика Гора , Чарльза Джиннера , Роберта Бевана , Малкольма Драммонда и Люсьена Писсарро (сына французского импрессиониста). художник Камиль Писсарро ). [ 77 ] Хотя их окраска часто бывает заведомо тусклой, шотландские колористы действительно в основном использовали яркий свет и цвет; некоторые, такие как Сэмюэл Пепло и Джон Дункан Фергюссон , жили во Франции в поисках подходящих объектов. [ 78 ] Первоначально они были вдохновлены сэром Уильямом МакТаггартом (1835–1910), шотландским художником-пейзажистом, связанным с импрессионизмом.

Реакция на ужасы Первой мировой войны побудила вернуться к пасторальным сюжетам, представленным Полом Нэшем и Эриком Равилиусом , в основном гравером. Стэнли Спенсер писал мистические произведения, а также пейзажи, а скульптор, гравер и типограф Эрик Гилл создавал изящные простые формы в стиле, родственном ар-деко . Школа Юстон-Роуд представляла собой группу «прогрессивных» реалистов конца 1930-х годов, в том числе влиятельного учителя Уильяма Колдстрима . Сюрреализм , среди таких художников, как Джон Таннард и бирмингемские сюрреалисты , был недолго популярен в 1930-х годах, оказав влияние на Роланда Пенроуза и Генри Мура . Стэнли Уильям Хейтер — британский художник и гравёр, связанный в 1930-х годах с сюрреализмом , а с 1940 года — с абстрактным экспрессионизмом . [ 79 ] В 1927 году Хейтер основал легендарную студию Atelier 17 в Париже. После его смерти в 1988 году оно стало известно как Atelier Contrepoint. Хейтер стал одним из самых влиятельных гравёров 20 века. [ 80 ] Среди модных портретистов были Мередит Фрэмптон в суровом классицизме ар-деко, Огастес Джон и сэр Альфред Маннингс , если речь шла о лошадях. Маннингс был президентом Королевской академии в 1944–1949 годах и возглавил насмешливую враждебность к модернизму. Среди фотографов того периода Билл Брандт , Ангус МакБин и ведущий дневник Сесил Битон .

Генри Мур стал после Второй мировой войны ведущим скульптором Великобритании, получивший признание вместе с Виктором Пасмором , Уильямом Скоттом и Барбарой Хепворт на Фестивале Британии . «Лондонская школа» художников-фигуративистов, в том числе Фрэнсиса Бэкона , Люсьена Фрейда , Франка Ауэрбаха , Леона Коссоффа и Майкла Эндрюса , получила широкое международное признание. [ 81 ] в то время как другие художники, такие как Джон Минтон и Джон Крэкстон, характеризуются как неоромантики . Грэм Сазерленд , пейзажист-романтик Джон Пайпер (плодовитый и популярный литограф), скульптор Элизабет Фринк и индустриальные городские пейзажи Л. С. Лоури также способствовали сильному фигуративному присутствию в послевоенном британском искусстве.

Люсьен Фрейд

По словам Уильяма Граймса из The New York Times , «Люсьен Фрейд и его современники изменили фигурную живопись в 20 веке. В таких картинах, как «Девушка с белой собакой» (1951–52), Фрейд поставил изобразительный язык традиционной европейской живописи на службу антиромантический, конфронтационный стиль портретной живописи, обнажающий социальный фасад натурщика. Обычные люди - многие из которых были его друзьями - смотрели с холста широко раскрытыми глазами, уязвимые для безжалостного взгляда художника». [ 82 ] В 1952 году на 26-й Венецианской биеннале группа молодых британских скульпторов, в том числе Кеннет Армитидж , Рег Батлер , Линн Чедвик , Уильям Тернбулл и Эдуардо Паолоцци , выставила работы, демонстрирующие антимонументальный экспрессионизм. [ 83 ] Шотландский художник Алан Дэви в 1950-х годах создал большое количество абстрактных картин, которые синтезируют и отражают его интерес к мифологии и дзен. [ 84 ] Абстрактное искусство стало известным в 1950-х годах благодаря Бену Николсону , Терри Фросту , Питеру Лэниону и Патрику Херону , которые были частью школы Сент-Айвс в Корнуолле. [ 85 ] В 1958 году вместе с Кеннетом Армитиджем и Уильямом Хейтером Уильям Скотт был выбран Британским советом для работы в Британском павильоне на XXIX Венецианской биеннале.

со штаб-квартирой в Лондоне Независимая группа В 1950-х годах образовалась ; из которого поп-арт возник в 1956 году с выставкой в ​​Институте современного искусства «Это завтра » как британская реакция на абстрактный экспрессионизм . [ 86 ] Международная группа была темой двухдневной международной конференции в галерее Тейт Британия в марте 2007 года. Независимая группа считается предшественником движения поп-арта в Великобритании и США. [ 86 ] [ 87 ] В шоу «Это завтра» приняли участие, среди прочих, шотландский художник Эдуардо Паолоцци , Ричард Гамильтон и художник Джон Макхейл входил влиятельный искусствовед Лоуренс Аллоуэй . , а в группу также [ 88 ]

В 1960-е годы сэр Энтони Каро стал ведущей фигурой британской скульптуры. [ 89 ] наряду с молодым поколением художников-абстракционистов, включая Исаака Уиткина , [ 90 ] Филипп Кинг и Уильям Г. Такер . [ 91 ] Джон Хойланд , [ 92 ] Ховард Ходжкин , Джон Уокер , Иэн Стивенсон , [ 93 ] [ 94 ] Робин Денни , Джон Пламб [ 95 ] и Уильям Тилльер [ 96 ] были британскими художниками, появившимися в то время и отразившими новый международный стиль живописи цветового поля . [ 97 ] В 1960-е годы другая группа британских художников предложила радикальную альтернативу более традиционному искусству, и в их число входили Брюс Маклин , Барри Фланаган , Ричард Лонг , Гилберт и Джордж . Британские поп-арта художники Дэвид Хокни , Патрик Колфилд , Дерек Бошир , Питер Филлипс , Питер Блейк (наиболее известный по обложке для Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ), Джеральд Лэнг , скульптор Аллен Джонс были частью арт-сцены шестидесятых. как и британский американский художник Р.Б. Китай . Фотореализм в руках Малкольма Морли (который был удостоен первой премии Тернера в 1984 году) появился в 1960-х годах, как и оп-арт Бриджит Райли . [ 98 ] Майкл Крейг-Мартин был влиятельным учителем некоторых молодых британских художников и известен своей концептуальной работой «Дуб» (1973). [ 99 ]

Современное искусство

[ редактировать ]
Стакизм : Чарльз Томсон , сэр Николас Серота принимает решение о приобретениях , 2000 г.

Говорят, что постмодернистское современное британское искусство, особенно искусство молодых британских художников , «характеризуется фундаментальной озабоченностью материальной культурой… воспринимается как постимперская культурная тревога». [ 101 ] Ежегодная премия Тёрнера , основанная в 1984 году и организованная галереей Тейт, превратилась в широко разрекламированную выставку современного британского искусства. Среди бенефициаров было несколько членов движения «Молодые британские художники» (YBA), в которое входят Дэмиен Херст , Рэйчел Уайтред и Трейси Эмин , которые приобрели известность после Freeze выставки 1988 года при поддержке Чарльза Саатчи и добились международного признания. со своей версией концептуального искусства . Здесь часто присутствовали инсталляции , в частности, витрина Херста, содержащая сохранившуюся акулу . Галерея Тейт и, в конечном итоге, Королевская академия также предоставили им возможность представить их. Влияние щедрого и широкого покровительства Саатчи стало предметом некоторых споров, как и влияние Джея Джоплинга , самого влиятельного лондонского галериста. [ нужна ссылка ]

Выставка «Сенсация» работ из коллекции Саатчи вызвала неоднозначную реакцию как в Великобритании, так и в США, хотя и по-разному. В Королевской академии пресса вызвала разногласия вокруг Майры , очень большого изображения убийцы Майры Хиндли работы Маркуса Харви , но когда выставка отправилась в Нью-Йорк и открылась в Бруклинском музее в конце 1999 года, она была встречена интенсивным протестом. о «Святой Деве Марии» Криса Офили , которая не вызвала такой реакции в Лондоне. Хотя в прессе сообщалось, что произведение было испачкано слоновьим навозом, хотя на работе Офили на самом деле была изображена тщательно отрисованная черная Мадонна, украшенная покрытым смолой куском слоновьего навоза. Фигура также окружена небольшими коллажными изображениями женских гениталий из порнографических журналов; Издалека это казалось традиционными херувимами . Среди прочей критики мэр Нью-Йорка Рудольф Джулиани , который видел работу в каталоге, но не на выставке, назвал ее «отвратительной ерундой» и пригрозил отозвать ежегодный грант мэрии в размере 7 миллионов долларов от Бруклинский музей проводит выставку, потому что «у вас нет права на государственную субсидию за осквернение чужой религии». [ 102 ]

В 1999 году Stuckists группа фигуративной живописи , в которую входят Билли Чилдиш и Чарльз Томсон . в ответ на YBA была основана [ 103 ] В 2004 году Художественная галерея Уокера организовала The Stuckists Punk Victorian , первую национальную музейную выставку арт-движения Stuckist . [ 104 ] Федерация британских художников проводит выставки традиционной фигуративной живописи. [ 105 ] Джек Веттриано и Берил Кук пользуются широкой популярностью, но не признанием общества. [ 106 ] [ 107 ] [ 108 ] Бэнкси заработал репутацию благодаря уличным граффити и теперь является высоко ценимым художником. [ 109 ]

Энтони Гормли производит скульптуры, в основном из металла и на основе человеческой фигуры, в том числе «Ангел Севера» высотой 20 метров (66 футов) возле Гейтсхеда , одну из первых из ряда очень крупных общественных скульптур, созданных в 2000-х годах . Место и Горизонт событий . Скульптор индийского происхождения Аниш Капур имеет общественные работы по всему миру, в том числе Cloud Gate в Чикаго и Sky Mirror в различных местах; Как и в большинстве его работ, в них используются изогнутые, зеркальные стальные поверхности. британского Экологические скульптуры художника Энди Голдсуорси были созданы во многих местах по всему миру. Используя природные материалы, они часто бывают очень эфемерными и зафиксированы в фотографиях, из которых было опубликовано несколько сборников в виде книг. [ 110 ] Грейсон Перри работает в различных средах, включая керамику. В число ведущих гравёров входят Норман Экройд , Элизабет Блэкэддер , Барбара Рэй и Ричард Спейр .

См. также

[ редактировать ]

Ссылки

[ редактировать ]
  1. ^ Strong (1999), 9–120 или см. ссылки в связанных статьях.
  2. ↑ Уотерхаус, главы 1–6.
  3. ^ Уотерхаус, 152.
  4. ^ Уотерхаус, 138–139; 151; 163
  5. ^ Уотерхаус, 135–138; 147–150
  6. ^ Уотерхаус, 131–133. «Возражения» включали в себя то, что была темная ночь, лодка была маленькой, король не нарядно одет, и что многие из сопровождавших его дворян к тому времени оказались в немилости.
  7. ^ Уотерхаус, 132–133; Певзнер, 29–30
  8. ^ Стронг (1999), 358-361.
  9. ^ Уотерхаус, 165; 168–179
  10. ^ Уотерхаус, 164–165.
  11. ^ Уотерхаус, 200–210.
  12. ^ Уотерхаус, 155–156.
  13. ^ Уотерхаус, 153–154, 157–160.
  14. ^ Уотерхаус, 163–164.
  15. ^ Сноудин, 278-287, и см. Указатель.
  16. ^ Снодин, 100–106.
  17. ^ Снодин, 214-215.
  18. ^ Стронг (1999), Глава 24
  19. ^ Певснер, 172.
  20. ^ Снодин, 15–17; 29–31 и далее.
  21. ^ Райтлингер, 58 (цитата), 59-75.
  22. ^ Уотерхаус, 217-230.
  23. ^ Уотерхаус, 164–165, 225–227 и см. Указатель.
  24. ^ Уотерхаус, 227-230.
  25. ^ Уотерхаус, Глава 18; Пайпер, 54–56 лет; Меллон, 82 года
  26. ^ Уотерхаус, 306-311.
  27. ^ Пайпер, 84 года; Райтлингер, 434-437 с замечательными цифрами.
  28. ^ Уотерхаус, 311-316.
  29. ^ Райтлингер, 74-75; Уотерхаус, 232-241
  30. ^ Певснер, 159
  31. ^ Стронг (1999), 478-479; Уотерхаус, Глава 20
  32. ^ Эгертон, 332–342; Уотерхаус, 285-289
  33. ^ Уотерхаус, 315-322.
  34. ^ Уотерхаус, 327-329.
  35. ^ Гриффитс, 49, Глава 6.
  36. ^ Сноудин, 236–242
  37. ^ Снодин, 154–157.
  38. ↑ Стивен Адамс, The Telegraph , 22 сентября 2009 г., вражда Дж. М. В. Тернера с Джоном Констеблом обнародована в галерее Tate Britain. Проверено 9 декабря 2010 г.
  39. ↑ Джек Малверн, The Sunday Times , 22 сентября 2009 г., выставка Тейт Британия возрождает старое соперничество Тернера и Констебла. Проверено 9 декабря 2010 г.
  40. ^ «Дж.М.В. Тернер, оригинальный художник-куратор - посмотрите поближе» . Тейт .
  41. ^ Великие пейзажи Констебля: шестифутовые картины, Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия, дата обращения 9 декабря 2010 г.
  42. ^ Певснер, 161–164; Меллон, 134 года; Тейт 2006 Констебль. Выставка Тейт Британия.
  43. ^ Пайпер, 116 лет.
  44. ^ Пайпер, 127–129.
  45. ↑ Словарь женщин-художников. Проверено 8 декабря 2010 г.
  46. ^ Ширли Дент и Джейсон Уиттакер. Радикальный Блейк: Влияние и загробная жизнь 1827 года . Houndmills: Пэлгрейв, 2002.
  47. ^ Нил Спенсер, The Guardian, октябрь 2000 г., Into the Mystic , дань уважения письменным работам Уильяма Блейка. Проверено 8 декабря 2010 г.
  48. ^ Пайпер, 96–98; Уотерхаус, 330
  49. ^ Пайпер, 135 лет.
  50. ^ Пайпер, 84 года.
  51. ^ Райтлингер, 97
  52. ^ Пайпер, 139–146; Уилсон, 79–81.
  53. ^ Пайпер, 149; Стронг (1999), 540–541; Reitlinger, 97–99, 148–151 и др.; у него есть подробная информация о правах на воспроизведение.
  54. ^ Уилсон, 85; Биллс, Марк, Фрит и влияние Хогарта , в книге Уильяма Пауэлла Фрита: живопись викторианской эпохи , Марк Биллс и Вивьен Найт , издательство Йельского университета, 2006, ISBN   0-300-12190-3 , ISBN   978-0-300-12190-2
  55. ^ Райтлингер, 157; Уилсон, 85 лет; Фрита «Золотой салон» в Хомбурге (1871 г.), ныне Провиденс, Род-Айленд , — последняя великая панорама Фрита об азартных играх в Хомбурге [1] .
  56. ^ Пайпер, 131 год.
  57. ^ Стронг (1978), повсюду. В Приложении I содержится полный список картин, показанных на РА 1769–1904 гг., с анализом по темам.
  58. ^ Стронг (1978), 47-73
  59. ^ Конрад, Питер. Викторианский дом сокровищ
  60. ^ Флетчер, повсюду
  61. ^ Пайпер, 148–151.
  62. ^ Перейти обратно: а б Уистлер против Раскина, Принстонский университет. Архивировано 16 июня 2010 г. на Wayback Machine. Проверено 13 июня 2010 г.
  63. ^ Перейти обратно: а б [2] Архивировано 12 января 2012 года в Wayback Machine , из галереи Тейт , получено 12 апреля 2009 года.
  64. ^ Уилсон, 89-91; Розенталь, 144, 160–162; Райтлингер, 156–157.
  65. ^ Фрейлинг, 12-64.
  66. ^ Гамильтон, 57-62; Уилсон, 97–99.
  67. ^ Гамильтон, 146–148.
  68. ^ Питерс, Лиза Н., Джеймс МакНил Уистлер , стр. 51-52, ISBN   1-880908-70-0 .
  69. ^ «См. Переписку Джеймса Макнила Уистлера» . Архивировано из оригинала 20 сентября 2008 года.
  70. ^ Обзор Питера Стански на книгу Линды Мерилл « Горшок с краской: эстетика на суде по делу Уистлер против Раскина» в Journal of Interdisciplinary History , Vol. 24, № 3 (Зима, 1994), стр. 536-537 [3]
  71. ^ Перейти обратно: а б Маккензи, Джон, Искусство и империя , britishempire.co.uk , получено 24 октября 2008 г.
  72. ^ Барринджер и др. 2007 , с. 3.
  73. ^ Особенность готического возрождения из Музея Виктории и Альберта.
  74. ^ Voysey wallpaper , V&A Museum
  75. ^ Перейти обратно: а б Дженкинс и др. 2005 , с. 5.
  76. ^ Уилсон, 127–129; Меллон, 182–186 гг.
  77. ↑ Camden Town Group, Тейт, дата обращения 7 декабря 2010 г.
  78. ↑ Шотландские колористы, Тейт, дата обращения 14 декабря 2010 г.
  79. ^ «Стэнли Уильям Хейтер (1901–1989)» . Коллекция произведений искусства . Британский Совет. Архивировано из оригинала 15 июля 2010 года . Проверено 5 октября 2010 г.
  80. ^ Бренсон, Майкл (6 мая 1988 г.). «Стэнли Уильям Хейтер, 86 лет, умер; художник преподавал Миро и Поллока» . Нью-Йорк Таймс . Проверено 18 октября 2008 г.
  81. ^ Уокер, 219–225.
  82. ^ «Люсьен Фрейд, художник-фигуратив, изменивший определение портретной живописи, умер в 88 лет» . Нью-Йорк Таймс . 21 июля 2011 г.
  83. ^ « Бронзовый век. Архивировано 5 января 2012 года в Интернет-архиве правительства Великобритании » . Журнал Tate , выпуск 6, 2008 г. Проверено 9 декабря 2010 г.
  84. ↑ Алан Дэви, Тейт, дата обращения 15 декабря 2010 г.
  85. ^ Уокер, 211-217.
  86. ^ Перейти обратно: а б Ливингстон, М., (1990), Поп-арт: продолжающаяся история , Нью-Йорк: Harry N. Abrams, Inc.
  87. ^ Арнасон, Х., История современного искусства: живопись, скульптура, архитектура , Нью-Йорк: Harry N. Abrams, Inc., 1968.
  88. ↑ Это каталог Tomorrow 1956. Архивировано 10 июля 2010 г. на Wayback Machine. Проверено 9 декабря 2010 г.
  89. ^ Выставка Энтони Каро 2005, Тейт Британия, дата обращения 9 декабря 2010 г.
  90. ↑ Май 2006 г., некролог Sunday Times, получено 9 декабря 2010 г.
  91. ↑ Премия ISC за заслуги в области скульптуры получена 9 декабря 2010 г.
  92. ^ tate.org.uk. Архивировано 11 января 2012 г. на Wayback Machine. Проверено 9 декабря 2010 г.
  93. ↑ Биография Яна Стивенсона. Архивировано 16 декабря 2010 года в новом арт-центре Wayback Machine. Проверено 9 декабря 2010 года.
  94. ↑ Ян Стивенсон, 1934–2000, веб-сайт Тейт, дата обращения 9 декабря 2010 г.
  95. ↑ Коллекция Тейт, получено 9 декабря 2010 г.
  96. ↑ Уильям Тилльер , дата обращения 15 января 2018 г.]
  97. ^ «Колорскоп: абстрактная живопись 1960–1979» . Художественный музей Санта-Барбары. 2010. Архивировано из оригинала 3 июля 2010 года . Проверено 9 декабря 2010 г.
  98. ↑ Биография Тейта , получено в декабре 2010 г.
  99. ↑ Веб-сайт Ирландского музея современного искусства. Архивировано 21 мая 2009 г. на Wayback Machine. Проверено 9 декабря 2010 г.
  100. ^ Гоф, Пол (2010). Ужасная красота: британские художники в Первой мировой войне . стр. 127–164.
  101. ^ Барринджер и др. 2007 , с. 17.
  102. ^ «Сенсация вызывает шторм в Нью-Йорке» , BBC , 23 сентября 1999 г. Проверено 17 октября 2008 г.
  103. ^ Кэссиди, Сара. «Стакисты, бич британского искусства, устроили собственную выставку» , The Independent , 23 августа 2006 г. Проверено 6 июля 2008 г.
  104. ^ Мосс, Ричард. «Викторианский панк Stuckist врезается в ворота биеннале Уокера» , Culture24, 17 сентября 2004 г. Проверено 3 декабря 2009 г.
  105. ^ «Крупная новая художественная премия Threadneedle стоимостью 25 000 фунтов стерлингов объявлена ​​​​конкурентом премии Тернера» , 24 Hour Museum, 5 сентября 2007 г. Проверено 7 июля 2008 г.
  106. ^ Смит, Дэвид. «Он наш любимый художник. Так почему же галереи его так ненавидят?» , The Observer , 11 января 2004 г. Проверено 7 июля 2008 г.
  107. ^ Кэмпбелл, Дункан. «Умерла Берил Кук, художница, рисовавшая с улыбкой» , The Guardian , 29 мая 2008 г. Проверено 7 июля 2008 г.
  108. ^ «Художник Берил Кук умирает в возрасте 81 года» BBC , 28 мая 2008 г. Проверено 7 июля 2008 г.
  109. ^ Рейнольдс, Найджел. «Граффити Бэнкси продаются за полмиллиона» , The Daily Telegraph , 25 октября 2007 г. Проверено 7 июля 2008 г.
  110. ^ Адамс, Тим (11 марта 2007 г.). «Интервью: Энди Голдсуорси» . The Observer – через www.theguardian.com.

Источники

[ редактировать ]
  • Бэрринджер, Ти Джей; Куилли, Джефф; Фордхэм, Дуглас (2007), Искусство и Британская империя , Manchester University Press, ISBN  978-0-7190-7392-2
  • Эгертон, Джуди, Каталоги Национальной галереи (новая серия): Британская школа , 1998, ISBN   1-85709-170-1
  • Флетчер, Памела, Повествуя о современности: картина британской проблемы, 1895–1914 гг ., Эшгейт, 2003 г.
  • Фрейлинг, Кристофер , Королевский колледж искусств, «Сто пятьдесят лет искусства и дизайна» , 1987, Barrie & Jenkins, Лондон, ISBN   0-7126-1820-1
  • Гриффитс, Энтони (редактор), Ориентиры в коллекционировании печатных изданий: ценители и доноры Британского музея с 1753 года , 1996, British Museum Press, ISBN   0-7141-2609-8
  • Гамильтон, Джордж Херд, Живопись и скульптура в Европе, 1880-1940 (История искусства пеликанов), Издательство Йельского университета, переработанное 3-е изд. 1983 год ISBN   0-14-056129-3
  • Хьюз, Генри Мейрик и Гийс ван Тюл (редакторы), Blast to Freeze: британское искусство в 20 веке , 2003, Хатье Канц, ISBN   3-7757-1248-8
  • Дженкинс, Адриан; Маршалл, Фрэнсис; Лебедка, Дина; Моррис, Дэвид (2005). Творческое напряжение: британское искусство 1900-1950 годов . Пол Холбертон. ISBN  978-1-903470-28-2 .
  • «Меллон»: Уорнер, Малкольм и Александр, Джулия Марчиари, «Этот другой рай», британские картины из коллекции Пола Меллона в Йельском университете , Йельский центр британского искусства / Художественные выставки в Австралии, 1998 г.
  • Паркинсон, Музей Рональда, Виктории и Альберта , Каталог британских картин маслом, 1820–1860 , 1990, HMSO, ISBN   0-11-290463-7
  • Певснер, Николаус . Английскость английского искусства , Penguin, изд. 1964 г.
  • Пайпер, Дэвид , Живопись в Англии, 1500–1880 , Пингвин, 1965 изд.
  • Райтлингер, Джеральд ; Экономика вкуса, Том I: Взлет и падение цен на картины 1760–1960 гг. , Барри и Роклифф, Лондон, 1961 г.
  • Розенталь, Майкл, Британская пейзажная живопись , 1982, Phaidon Press, Лондон
  • Снодин, Майкл (ред.). Рококо; Искусство и дизайн в Англии Хогарта , 1984, Книги Трилистника / Музей Виктории и Альберта , ISBN   0-86294-046-X
  • "Strong (1978)": Стронг, Рой : А когда ты в последний раз видел своего отца? Викторианский художник и британская история , 1978, Темза и Гудзон, ISBN   0-500-27132-1 ( Воссоздавая прошлое… в США; Рисуя прошлое… в издании 2004 г.)
  • «Сильный (1999)»: Стронг, Рой : Дух Британии , 1999, Хатчисон, Лондон, ISBN   1-85681-534-X
  • Уотерхаус, Эллис , Живопись в Великобритании, 1530–1790 , 4-е изд., 1978, Penguin Books (теперь серия Йельского университета по истории искусств), ISBN   0-300-05319-3
  • Уилсон, Саймон; Галерея Тейт, Иллюстрированный спутник , 1990, Галерея Тейт, ISBN   9781854370587
  • Эндрю Уилтон и Энн Лайлс, Великий век британской акварели, 1750–1880 , 1993, Престель, ISBN   3-7913-1254-5
[ редактировать ]
Викискладе есть медиафайлы, связанные с искусством Соединенного Королевства .
Retrieved from "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art_of_the_United_Kingdom&oldid=1238620793"
Arc.Ask3.Ru: конец переведенного документа.
Arc.Ask3.Ru
Номер скриншота №: 70bb52552bc018b26a40b0263d23ec18__1722792780
URL1:https://arc.ask3.ru/arc/aa/70/18/70bb52552bc018b26a40b0263d23ec18.html
Заголовок, (Title) документа по адресу, URL1:
Art of the United Kingdom - Wikipedia
Данный printscreen веб страницы (снимок веб страницы, скриншот веб страницы), визуально-программная копия документа расположенного по адресу URL1 и сохраненная в файл, имеет: квалифицированную, усовершенствованную (подтверждены: метки времени, валидность сертификата), открепленную ЭЦП (приложена к данному файлу), что может быть использовано для подтверждения содержания и факта существования документа в этот момент времени. Права на данный скриншот принадлежат администрации Ask3.ru, использование в качестве доказательства только с письменного разрешения правообладателя скриншота. Администрация Ask3.ru не несет ответственности за информацию размещенную на данном скриншоте. Права на прочие зарегистрированные элементы любого права, изображенные на снимках принадлежат их владельцам. Качество перевода предоставляется как есть. Любые претензии, иски не могут быть предъявлены. Если вы не согласны с любым пунктом перечисленным выше, вы не можете использовать данный сайт и информация размещенную на нем (сайте/странице), немедленно покиньте данный сайт. В случае нарушения любого пункта перечисленного выше, штраф 55! (Пятьдесят пять факториал, Денежную единицу (имеющую самостоятельную стоимость) можете выбрать самостоятельно, выплаичвается товарами в течение 7 дней с момента нарушения.)