Натюрморт

Для других видов использования см. Натюрморт (неоднозначности) .

"Muerta Nature" перенаправляет здесь. Для других видов использования см. Встает мертвый характер (Disampogeion) .

Хуан Санчес Котан , натюрморт с игровой птицей, овощами и фруктами (1602), Музей Прадо , Мадрид

Натюрморт человеческое ( Pl.: Still Lifes )-это произведение искусства, изображающее в основном неодушевленные предметы, обычно обычные объекты, которые являются либо натуральными (пища, цветы, мертвые животные, растения, камни, раковины и т. Д.), либо изготовление ( Питьевые очки, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубы и т. Д.).

С происхождением в средневековье и древним греко-римским искусством, натюрмортная живопись стала отличным жанром и профессиональной специализацией в западной живописи к концу 16-го века и с тех пор остается значительной. Одним из преимуществ натюрмочной художественной формы является то, что он дает художнику много свободы экспериментировать с расположением элементов в композиции картины. Натюрморт, как конкретный жанр, началась с нидерландской живописи 16 и 17 веков, и английский термин натюрморт происходит из голландского слова Стиллвена . Ранние натюрморские картины, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными объектами. Более поздние произведения на месте создаются с различными средствами массовой информации и технологий, таких как найденные объекты, фотография, компьютерная графика , а также видео и звук.

Термин включает в себя картину мертвых животных, особенно игры. Живые считаются животными искусством , хотя на практике их часто окрашивали из мертвых моделей. Из-за использования растений и животных в качестве субъекта категория натюрморта также разделяет общие черты с зоологическим и особенно ботаническим иллюстрацией . Однако с визуальным или изобразительным искусством работа не предназначена просто для правильного иллюстрации субъекта.

Натюрморт занимал самую низкую ступеньку иерархии жанров , но была чрезвычайно популярна среди покупателей. Помимо независимого натюрмонного субъекта, картина натюрморта охватывает другие виды живописи с выдающимися натюрными элементами, обычно символическими, и «образами, которые полагаются на множество натюрманных элементов, якобы для воспроизведения кусочка жизни ' . Картина Trompe-l'œil , которая намеревается обмануть зрителя, думать, что сцена реальна, представляет собой специализированный тип натюрморта, обычно показывающий неодушевленные и относительно плоские предметы.

Антецеденты и развитие

Натюрморт на мозаике 2-го века с рыбой, птицей, финиками и овощами из Ватикана музея

Стеклянная миска с фруктами и вазами. Римская картина стен в Помпеи (около 70 г. н.э.), Национальный археологический музей Неаполя , Неаполь , Италия

Маленькие картины часто украшают внутреннюю часть древнихгипетских гробниц. Считалось, что продукты питания и другие предметы, изображенные там, в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершим. Картины древнегреческой вазы также демонстрируют большие навыки в изображении повседневных предметов и животных. Peiraikos упоминается Pliny The Stude в качестве панельного художника «низких» субъектов, таких как выживание в мозаичных версиях и провинциальные настенные настенные настенные в Помпеи : «Парикмахерские магазины, киоски сапожников, задницы, еду и аналогичные предметы».

Подобная натюрморта, более простой декоративная по намерениям, но с реалистичной точки зрения также была найдена в римских настенных животных и пола мозаики, обнаруженных в Помпеи, Геркулануме и Вилле Боскореале , в том числе в более позднем знакомом мотиве стеклянной миски фруктов. Декоративная мозаика, называемая «эмблема», найденная в домах богатых римлян, продемонстрировала ассортимент еды, которым пользуются высшие классы, а также функционировали как признаки гостеприимства и празднования сезонов и жизни.

К 16 веку еда и цветы снова появятся как символы сезонов и пяти чувств. Также начинается с римских времен, является традицией использования черепа в картинах в качестве символа смертности и земных останков, часто с сопровождающей фразой Omnia Mors Aequat (смерть делает все равными). Эти изображения Vanitas были переоценены за последние 400 лет истории искусства, начиная с голландских художников около 1600 года.

Популярная оценка реализма натюрморственной живописи связана с древнегреческой легендой о Зеукс и Паррасиусе , которые, как говорят, когда-то соревновались, чтобы создать самые жизненные предметы, самые ранние описания истории Trompe-L'il . Как записал Плиний Старший в древние римские времена, греческие художники столетия ранее уже были продвинуты в искусстве портретной живописи , жанровой живописи и натюрморной жизни. Он выделил Peiraikos , «чья артистизм превзойдет лишь немногих ... он нарисовал парикмахерские и киоски -сапожниками, ослы, овощи и тому подобное, и по этой причине стало называться« художником по вульгарных предметах »; Эти работы совершенно восхитительны, и они были проданы по более высоким ценам, чем самые большие [картины] многих других художников ».

Средневековья и ранняя эпохи Возрождения

Ганс Мемлинг (1430–1494), ваза цветов (1480), Museo Thyssen-Bornemisza, Мадрид . Согласно некоторым ученым, ваза цветов наполнена религиозной символикой.

К 1300 году, начиная с Джотто и его учеников, натюрморская живопись была возрождена в форме вымышленных ниш на религиозных настенных живописи, которые изображали повседневные предметы. Через средние века и эпохи Возрождения натюрморт в западном искусстве оставалась в основном дополнением к христианским религиозным подданным и созвучила религиозное и аллегорическое значение. Это было особенно верно в работе северных европейских художников, чье увлечение очень подробным оптическим реализмом и символизмом привело их к щедрому вниманию к общему посланию их картин. Такие художники, как Ян Ван Эйк, часто использовали натюрморты элементы в рамках иконографической программы.

В позднем средневековье элементы неподвижной, в основном цветы, а также животные, а иногда и неодушевленные предметы, были окрашены растущим реализмом на границах освещенных рукописей , разработчики моделей и технических достижений, которые использовались художниками более крупных изображений. Было значительное совпадение между художниками, делающими миниатюры для рукописей, и теми рисованием панелей, особенно на ранней нидерландевой живописи . Часы Кэтрин из Кливса , вероятно, сделанные в Утрехте около 1440 года, являются одним из выдающихся примеров этой тенденции, с границами с необычайным ассортиментом объектов, включая монеты и рыболовные сети, выбранные в дополнение к тексту или основному изображению при этом конкретный момент. Фламандские мастерские позже, в столетии, еще больше пошли на натурализм пограничных элементов. Готовые гобелена Millefleur являются еще одним примером общего растущего интереса к точным изображениям растений и животных. Набор леди и единорога является самым известным примером, разработанным в Париже около 1500, а затем вплетает в Фландрия .

Развитие техники живописи масла от Яна Ван Эйка и других северных художников позволило рисовать повседневные предметы в этом гиперреалистичном способе благодаря медленному сушке, смешиванию и наслоению качеств нефтяных цветов. Среди первых, кто освободился от религиозного значения, был Леонардо да Винчи , который создал акварельные исследования фруктов (около 1495 года) в рамках своего беспокойного изучения природы, и Альбрехта Дюрера , который также сделал точные цветные рисунки Флоры и Фауны.

Петрус Христос «Портрет жениха и невесты, посещающих ювелир», является типичным примером переходной натюрмонной жизни, изображающей как религиозное, так и светское содержание. Несмотря на то, что в основном аллегорические в послании цифры пары реалистичны, и показанные объекты (монеты, сосуды и т. Д.) Окрашены точно, но Голдсмит на самом деле является изображением святого Элигия и объектов, сильно символических. Другим подобным типом живописи является семейный портрет, объединяющий фигуры с хорошо накрытым столом еды, который символизирует как благочестие людей, так и их благодарность за изобилие Бога. Примерно в это же время, простые натюрморские изображения, разведенные от фигур (но не аллегорический смысл), начинали нарисоваться на внешней стороне ставни частных религиозных картин. Еще одним шагом к автономной натюрмонной жизни была картина символических цветов в вазах на задней части светских портретов около 1475 года. Jacopo de 'Barbari пошел еще на шаг вперед со своей натюрмонной жизнью с курохозяйкой и перчатками (1504), одни из самых ранних подписанных и устаревших Trompe-l'il , которые содержат минимальное религиозное содержание. натюрморонных картин

• 
  Различные суда на границе освещенной книги часов для Энгельберта Нассау , фламандский художник, 1470 -е годы
• 
  Деталь одной из леди и Unicorn Millefleur гобелена , c. 1500
• 
  Альбрехт Дюрер , Отличный кусок газона , 1503
• 
  Jacopo de 'Barbari , натюрморт с куропатом и перчаткой (1504), очень ранняя независимая натюрморта, возможно, спина или обложка для портрета

Позже ренессанс

Иоахим Беукелер (1533–1575), кухонная сцена, с Иисусом в доме Марты и Марии на заднем плане (1566), 171 × 250 см (67,3 × 98,4 дюйма).

Шестнадцатый век

См. Также: голландская и фламандская эпохи Возрождения

Несмотря на то, что большая часть жизни после 1600 года была относительно небольшими картинами, решающей стадией в развитии жанра была традиция, в основном сосредоточенная на Антверпене , «монументальной натюрморт», которые были большими картинами, которые включали в себя большие спреды наемного материала. с фигурами и часто животными. Это было развитие Питера Аэртсена , чья мясная киоска с священным семейством, дающим милостыню (1551, теперь Упсала ) представил тип с картиной, которая все еще поразительно. Другим примером является «Мясная лавка» племянника Аэротсена Йоахима Бекелера (1568), с его реалистичным изображением сырого мяса, доминирующего на переднем плане, в то время как фоновая сцена передает опасность пьянства и разврата. Тип очень большой кухонной или рыночной сцены, разработанного Питер Аэртсен и его племянника Йоахима Бекелера, обычно изображает обилие еды с кухонной стойкой и похоронной фламандской кухни. Небольшая религиозная сцена часто можно разрабатывать на расстоянии или такая тема, как Четыре сезона добавляются, чтобы поднять предмет. Такая крупномасштабная натюрморт продолжала развиваться на фламандской живописи после разделения севера и юга, но редко в голландской живописи, хотя другие работы в этой традиции предвидят « Веселая компания » живопись жанровой живописи .

Постепенно религиозное содержание уменьшилось по размеру и размещению в этом типе живописи, хотя моральные уроки продолжались как субконтексы. Один из относительно немногие итальянские работы в стиле, Анибале Карраччи обращение с тем же предметом в 1583 году, «Мясник» , начинает удалять моральные сообщения, как и другие «кухня и рынок» напротив, натюрморт этого периода. Vincenzo Campi, вероятно, представил стиль Антверпена в Италию в 1570 -х годах. Традиция продолжилась в следующем столетии, с несколькими работами Рубенса , которые в основном подзадачали элементы натемения и животных специалистам, таким как Франс Снайдерс и его ученик Ян Файт . Ко второй половине 16 -го века эволюционировала автономная натюрморт.

Микеланджело Мериси из Caravaggio , Fruitbasket (1595–96), холст масла, 31 × 47 см.

16 -й век был свидетелем взрыва интереса к миру природы и создания щедрых ботанических энциклопдий, записывающих открытия Нового Света и Азии. Это также вызвало начало научной иллюстрации и классификации образцов. Природные объекты стали цениться как отдельные объекты обучения, кроме любых религиозных или мифологических ассоциаций. В это время началась ранняя наука о травяных лекарственных средствах, что было практическим продолжением этого нового знания. Кроме того, богатые покровители начали андерратировать коллекцию образцов животных и минералов, создавая обширные шкафы курьезов . Эти образцы служили моделями для художников, которые искали реализм и новизную. Раковины, насекомые, экзотические фрукты и цветы стали собирать и обменять, а новые растения, такие как тюльпан (импортируются в Европу из Турции), отмечались на натюрморонних картинах.

Взрыв садоводства представлял широкий интерес к Европе, и художник извлек выгоду из этого, чтобы создать тысячи натюрморонных картин. В некоторых регионах и судах были особые интересы. Например, изображение цитрусовых было особой страстью судебного двора Медичи во Флоренции, Италия. Эта великая распространение природных образцов и растущий интерес к естественной иллюстрации по всей Европе привел к почти одновременному созданию современных натюрморских картин около 1600 года.

На рубеже веков испанский художник Хуан Санчес Котан пионел испанской натюрморте с помощью строго спокойных картин овощей, прежде чем войти в монастырь в его сороковые годы в 1603 году, после чего он рисовал религиозные предметы.

Картины шестнадцатого века

• 
  Pieter Aertsen , мясной киоск со священным семейством, дающим милостыню (1551), 123,3 × 150 см (48,5 × 59 ")
• 
  Annibale Carracci (1560–1609), мясной магазин (1580)
• 
  Хуан Санчес Котан (1560–1627), натюрморт с квинкой, капустой, дыни и огурцом , холстом, 69 × 84,5 см
• 
  Джованни Амброгио Фигино , металлическая пластина с персиками и листьями лозы (1591–94), панель, 21 × 30 см, его единственная известная натюрморта

Семнадцатый век

Jacopo da Empoli (Jacopo Chimenti), натюрморта ( ок. 1625 )

Выдающиеся академики начала 17-го века, такие как Андреа Сакчи , чувствовали, что жанр и натюрморская живопись не несут «гравитов», заслуживающие того, что живопись считалась великой. Влиятельная формулировка 1667 года Андре Фелибиен , историограф, архитектор и теоретик французского классицизма стал классическим утверждением теории иерархии жанров 18 -го века:

Тот, кто идеально делает пики, находится над другим, что делает только фрукты, цветы или раковины. Тот, кто рисует живых животных, более ценно, чем те, кто представляет только мертвые вещи и без движения; И, как фигура человека - самая совершенная работа Бога на земле, также уверен, что тот, кто делает Божий подражатель, рисует человеческие фигуры, гораздо превосходнее, чем все остальные ...

Тот, кто производит идеальные пейзажи, выше другого, который производит только фрукты, цветы или морепродукты. Тот, кто рисует живых животных, более ценным, чем те, кто представляет только мертвые вещи без движения, и, как человек является самой совершенной работой Бога на земле, также уверен, что тот, кто становится подражателем Бога в представлении человеческих фигур, является Гораздо лучше, чем все остальные ... ».

Голландская и фламантская картина

Дополнительная информация: картина голландского золотого века и картина фламандского барокко

Виллем Калф (1619–1693), нефтяной холст, музей Дж. Пола Гетти

Питер Клэш (1597–1660), натюрморт с музыкальными инструментами (1623)

Натюрморт развивалась как отдельная категория в низких странах в последнем квартале 16 -го века. Английский термин натюрморт происходит от голландского слова Стиллвена, в то время как романтические языки (а также греческие, польские, русские и турецкие) имеют тенденцию использовать термины, означающие мертвую природу . 15-го века Ранняя нидерландская живопись разработала высоко иллюзиционные методы как в панельной живописи, так и в рукописях освещенных , где границы часто показывали сложные демонстрации цветов, насекомых и, как в работе, таких как часы Кэтрин из Клева , большое разнообразие предметов. Когда освещенная рукопись была вытеснена печатной книгой, те же навыки были позже развернуты на научной ботанической иллюстрации; Низкие страны возглавляли Европу как в ботанике , так и в ее изображении в искусстве. Фламандский художник Йорис Хофнагель (1542–1601) сделал акварели и гуашь -картины цветов и других натюрмовых предметов для императора Рудольфа II , и было много выгравированных иллюстраций для книг (часто тогда вручную), таких как Hans Collaert ' S Florilegium , опубликованный Plantin в 1600 году.

Около 1600 цветочных картин в маслах стали чем -то вроде увлечения; Карел Ван Мандер нарисовал некоторые работы сам, и записывает, что другие северные артисты манеристов, такие как Корнелис Ван Хаарлем, также сделали это. Никаких выживших цветочных произведений не известно, но многие выживают ведущими специалистами, Ян Брюгель Старший и Амброзиус Боссшерт , оба активные в южных Нидерландах.

В то время как художники на севере нашли ограниченную возможность создать религиозную иконографию, которая долгое время была их основным . основным , которые заменяли церковь и государство главными посетителями искусства в Нидерландах. К этому была добавлена ​​голландская мания для садоводства, особенно тюльпан . Эти два взгляда на цветы - как эстетические объекты и как религиозные символы - объединены, чтобы создать очень сильный рынок для такого типа натюрморт. Натюрморт, как и большинство голландских художественных произведений, обычно продавалась на открытых рынках или дилерами или художниками в своих студиях, и редко заказано; Поэтому художники обычно выбирали предмет и расположение. Настолько популярен был такой тип натюрморонной живописи, что большая часть техники голландской живописи цветочной живописи была кодифицирована в 1740 году трактата Гроот Шильдербок от Джерарда де Лейрессе, который дал широкомасштабные советы по цвету, расположению, кисти, подготовке образцов, гармония, композиция, перспектива и т. Д.

Символизм цветов развивался с ранних христианских дней. Наиболее распространенные цветы и их символические значения включают: Роуз (Дева Мария, Троичность, Венера, любовь); Лили (Дева Мария, девственность, женская грудь, чистота разума или справедливость); Тюльпан (проявление, дворянство); Подсолнух (верность, божественная любовь, преданность); Вайолет (скромность, резерв, смирение); Колумбин (меланхолия); Поппи (сила, сон, смерть). Что касается насекомых, бабочка представляет собой преобразование и воскресение, в то время как дракона символизирует пророст и тяжелую работу муравья и внимание к урожаю.

Фламандские и голландские художники также разветвлялись и возродили древнюю греческую натюрморт-традицию Трампе-л'Ила , особенно имитация природы или мимесиса , которую они назвали Бедриертье («Маленький обман»). В дополнение к этим типам натюрморт, голландские художники идентифицировали и отдельно разработали картины «кухни и рынок», завтрак и пищевые столы, картины ванитас и аллегорические картины коллекции.

В католических южных Нидерландах был разработан жанр картин гирляндов. Около 1607–1608 годов артисты Антверпена Ян Брюгель Старший и Хендрик Ван Бален начали создавать эти картины, которые состоят из изображения (обычно религиозного), который окружен пышным натюрможным венком. Картины были сотрудничеством между двумя специалистами: натюрморт и художник -фигуры. Даниэль Сегерс разработал жанр дальше. Первоначально обслуживая религиозную функцию, картины гирлянды стали чрезвычайно популярными и широко использовались в качестве украшения домов.

Особым жанром натюрморт был так называемый прокат (голландский для «показной жизни натюрморта»). Этот стиль украшенной натюрморской живописи был разработан в 1640-х годах в Антверпене фламандскими художниками, такими как Франс Снайдерс и Адриаен Ван Утрехт . Они нарисовали все еще жизни, которые подчеркивали изобилие, изображая разнообразие предметов, фруктов, цветов и мертвых игр, часто вместе с живыми людьми и животными. Стиль вскоре был принят художниками из Голландской Республики .

Особенно популярными в этот период были картины Ванитаса , в которых роскошные аранжировки фруктов и цветов, книг, статуэток, ваз, монет, ювелирных изделий, картин, музыкальных и научных инструментов, военных знаков, тонкого серебра и кристалла, сопровождались символическими напоминаниями о жизни. непостоянство. Кроме того, череп, часы или карманные часы, сжигающая свеча или книга с поворотными страницами, послужит морализирующим посланием о эфемерности сенсорных удовольствий. Часто некоторые из фруктов и самих цветов будут показаны, начинающими портить или исчезать, чтобы подчеркнуть ту же точку.

• 
  Корнелис Норбертус Гисбрехтс ( ок. 1660–1683 ), Тромп-л'иил ( ок. 1680 ), Музей искусств округа Лос-Анджелес
• 
  Ян Филипп Ван Тилен (1618–1667), ваза цветов ( ок. 1660 ), Музей Фитцвильям , Кембридж, Англия
• 
  Maria van Oosterwijk , Vanitas-Still Life (1693)
• 
  Ян Джанс. Трек (1606–1652), натюрморт -оловянный кувшин и две фарфоровые пластины (1645)
• 
  Lubin Buildgin ( C. 410 -1663), Lee Swertpeys ( C. 1631 ) Musevre ,

Другой тип натюрморт, известный как Ontbijtjes или «картины для завтрака», представляют собой буквальное представление о деликатесах, которыми может понравиться высший класс, так и религиозное напоминание, чтобы избежать обжени. Около 1650 года Сэмюэл Ван Хугстратен нарисовал одну из первых настенных картин, настенных картин, на которых изображены объекты, связанные или прикрепленные каким-то другим образом, к настенной доске, тип натюрморта, очень популярной в Соединенные Штаты в 19 веке. Другим вариантом был натюрмонный натюрморт Trompe-l'il , изображенные объектами, связанными с данной профессией, как и в случае с картиной Корнелиса Норбертуса Гисбрехта «Мольберт« Художник »с фруктовым куском», которая показывает все инструменты художественного ремесла. Также популярным в первой половине 17 -го века была картина большого ассортимента образцов в аллегорической форме, таких как «пять чувств», «четыре континента» или «Четыре сезона», демонстрируя богиню или аллегорическую фигуру, окруженную окруженной фигурой соответствующими естественными и человеческими объектами. Популярность картин Ванитаса и эти другие формы наемной жизни, вскоре распространяющиеся от Голландии до Фландрии и Германии, а также в Испанию и Франция.

Голландское производство натюрмортов было огромным, и они были очень широко экспортированы, особенно в Северную Европу; Британия почти не производила само по себе. Немецкая натюрморта пристально последовала за голландскими моделями; Georg Flegel был пионером в чистой натюрморной жизни без фигур и создал композиционное инновации в размещении подробных объектов в шкафах, шкафах и витринах, а также одновременно просмотрено.

Голландские, фламандские, немецкие и французские картины

• 
  Питер Пол Рубенс , Диана, возвращающаяся от охоты , натюрморт -элементы специалиста по истории истории ( ок. 1615 )
• 
  Рембрандт , натюрье с двумя мертвыми павлинами и девушкой ( ок. 1639 )
• 
  Виллем Клэсзун Хеда (1594–1680), натюрморт с пирогом, серебряным эвером и крабом (1658)
• 
  Ambrosius Bosschaert (1573–1621), натюрморт цветов (1614)
• 
  Сэмюэль Ван Хугстратен , притворная буква с письменными орудиями ( ок. 1655 )
• 
  Питер Боэль (1626–1674), натюрморт с глобусом и попугаем ( ок. 1658 )
• 
  Питер Клэш ( ок. 1597-1660 ), натюрморта (1623)
• 
  Ян Давидс. де Хим (1606–1684), натюрморта с фруктами, цветами, очками и омаром ( ок. 1660 -х )
• 
  Питер Биноит , 1618, замок Скокластер .
• 
  Pieter Claesz ( ок. 1597 –1660), натюрморта с солью ванны
• 
  Осиас пирет старшего, блюда с устрицами, фруктами и вином
• 
  Джордж Флейгель (1566–1638), натюрморт с хлебом и кондитерскими изделиями , 1630

Южная Европа

Диего Веласкес , старуха, жарящая яйца (1618), ( Национальная галерея Шотландии ), является одним из самых ранних примеров Бодегона .

В испанском искусстве Bodegón - это натюрмортная картина с изображением кладовых, таких как Victuals, Game и Price, часто расположенная на простой каменной плите, а также картина с одной или несколькими фигурами, но значительные элементы напоминающих жизнь, Обычно установлен на кухне или в таверне. Начиная с периода барокко , такие картины стали популярными в Испании во второй четверти 17 -го века. Похоже, что традиция натюрморной живописи началась и была гораздо более популярна в современных странах с низким уровнем , сегодня Бельгия и Нидерланды (тогда фламандские и голландские художники), чем когда-либо в Южной Европе. Северная милая жизнь имела много поджанров; Завтрак Thrompe - был дополнен l'il , цветочным букетом и ванитами .

В Испании было гораздо меньше покровителей для такого рода вещей, но тип завтрака стал популярным, в котором было несколько предметов еды и посуды, заложенных на столе. Отважная живопись в Испании, также называемая бодегонами , была строгой. Он отличался от голландской натюрморт, который часто содержал богатые банкеты, окруженные богато украшенными и роскошными предметами ткани или стекла. Игра на испанских картинах часто простых мертвых животных, которые все еще ждут, чтобы быть с кожей. Фрукты и овощи сырые. Фоны унылые или простые геометрические блоки дерева, часто создавая сюрреалистический воздух. Даже в то время как натюрморты голландцев и испанского языка часто имели встроенную моральную цель, строгость, которая, по-видимому, схожу с унынием некоторых испанских плато, похоже, отвергает чувственные удовольствия, половину и роскошь голландских натюрморских картин.

Франциско де Зурбаран , Бодегон или натюрморт с гончарными банками (1636), Museo del Prado , Madrid

Josefa de Ayala (Josefa de óbidos) , натюрморт ( ок. 1679 ), Сантарум , муниципальная библиотека

Несмотря на то, что итальянская натюрморская живопись (в итальянском языке, называемая Natura Morta , «мертвая природа») набирала популярность, она оставалась исторически менее уважаемой, чем «великая манера» живопись исторических, религиозных и мифических предметов. С другой стороны, успешные итальянские артисты натюрморта нашли в свое время достаточное покровительство. Кроме того, женщины -художники, немногие, как они были, обычно выбрали или были ограничены рисованием натюрморт; Джованна Гарзони , Лора Бернаскони , Мария Тереза ​​Ван Тилен и Феде Галиция . Примечательные примеры -

Многие ведущие итальянские художники в другом жанре также создали некоторые натюрморские картины. В частности, Караваджо применил свою влиятельную форму натурализма к натюрморонке. Его корзина фруктов ( ок. 1595–1600 ) является одним из первых примеров чистой натюрмонной жизни, точно отображаемой и установленной на уровне глаз. Хотя эта картина не была открыто символической, принадлежала кардиналу Федерико Борромео и, возможно, была оценена как по религиозным, так и по эстетическим причинам. Ян Брюгель нарисовал свой большой Милан Букет (1606) и для кардинала, утверждая, что он нарисовал его «Fatta Tutti del Natturel» (сделано все из природы), и он взял на себя дополнительные усилия за дополнительные усилия. Они были одними из многих напоминающих картин в коллекции кардинала, в дополнение к его большой коллекции Curios. Среди других итальянских натюрморт, Бернардо Строцци повар . - это «кухонная сцена» в голландской манере, которая является подробным портретом повара и птиц, которые она готовит Аналогичным образом, одна из редких картин Рембрандта, маленькая девочка с мертвыми павлинами сочетает в себе похожий симпатический женский портрет с изображениями игровых птиц.

В католической Италии и Испании картина Pure Vanitas была редкой, а специалистов по натюрьям было гораздо меньше. В Южной Европе больше используется мягкий натурализм караваджио и меньше акцента на гиперреализме по сравнению с северной европейской стилями. Во Франции художники Стидящих Спектив ( Природа Морте ) находились под влиянием как северных, так и южных школ, заимствовали из картин Ванитас Нидерландов и запасных аранжировок Испании.

Итальянская галерея

• 
  Галисия Феде (1578–1630), яблоки в блюде ( ок. 1593 )
• 
  Галисия Феде , (1578–1630), корзина фруктов Maiolica ( ок. 1610 ), частная коллекция
• 
  Джованна Гарзони 1600–1670), натюрморта с чашей с цитронскими ), Темпера на велома 1640 ( (
• 
  Giacomo Francesco Cipper (1664–1736), натюрморту рыбы и моллюсков

Восемнадцатый век

Луис Мелендес (1716–1780), натюрморта с яблоками, виноградом, дынами, хлебом, кувшин и бутылкой

18-й век в значительной степени продолжал совершенствовать формулы 17-го века, и уровни производства снижались. В стиле Rococo цветочное украшение стало гораздо более распространенным явлением на фарфоре , обоях , тканях и резной деревянной мебели, так что покупатели предпочитали, чтобы их картины имели фигуры для контраста. Одним из изменений стало новый энтузиазм среди французских художников, которые теперь формируют большую часть самых известных художников, в то время как английский оставался довольным импортом. Жан-Баптист Шардин нарисовал маленькие и простые сборки продуктов питания и предметов в самом тонком стиле, который оба построены на голландских мастерах золотого века, и должны были быть очень влиятельными на композиции 19-го века. Темах мертвых игр продолжал быть популярными, особенно для охотничьих домиков; Большинство специалистов также нарисовали живые предметы животных. Жан-Баптист Удри объединил превосходные визуализации текстур меха и перьев с простым фоном, часто простым белым лаймной стены лардеров, которая показала их с преимуществом.

К 18 веку, во многих случаях религиозные и аллегорические коннотации картин натюрживания были сброшены, а картины кухонных столов превратились в расчетные изображения разнообразного цвета и формы, демонстрируя ежедневные продукты. Французская аристократия наняла художников, чтобы казнить картины бодрящих и экстравагантных натюрмонов, которые украшали их обеденный стол, также без моралистического послания ванит-ванит их голландских предшественников. Любовь к искусству рококо привела к повышению признательности во Франции за Тромп-л'Ил (французский: «обманывать глаз») живопись. Джин-баптист Шардин в картинах используют различные методы от реализма в голландском стиле до более мягких гармоний.

Большая часть работы Энн Валлайер-Костер была посвящена языку натемения, поскольку она была разработана в течение семнадцатого и восемнадцатого веков. В течение этих веков жанр натюрморта был размещен на самом низком уровне на иерархической лестнице. Валлайер-Костер имел возможность о ее картинах, которые привели к их привлекательности. Это были «смелые, декоративные линии ее композиций, богатство ее цветов и имитации текстур, а также подвиги иллюзиозма, которого она достигла в изображении широкого разнообразия объектов, как естественных, так и искусственных» который привлек внимание Королевской академии и многочисленных коллекционеров, которые приобрели ее картины. Это взаимодействие между искусством и природой было довольно распространенным явлением в голландских , фламандских и французских неподвижных жизнях. Ее работа раскрывает явное влияние Жан-Батист-Симеон Чардин , а также голландских мастеров 17-го века, чьи работы были гораздо более ценными, но то, что сделало стиль Валлайера-Костера выделяться против других художников-жизни, было ее Уникальный способ коалесцирующего репрезентативного иллюзионизма с декоративными композиционными структурами.

Конец восемнадцатого века и падение французской монархии закрыли двери в эпоху Vallayer-Coster «Era» и открыли их в свой новый стиль цветов. Утверждалось, что это было основным моментом ее карьеры и того, чем она наиболее известна. Однако также утверждается, что цветочные картины были бесполезны для ее карьеры. Тем не менее, эта коллекция содержала цветочные исследования в области нефти, акварели и гуашью .

• 
  Карл Хоквербергг (1695-1765), Трамп-Л'ц (1737), Фонд Королевской Оружейной Оружейной
• 
  Жан-Баптист-Симуон Шардин , Натюрморт со стеклянной колбой и фруктами ( ок. 1750 )
• 
  Жан-Баптист Удри , «Белая утка» (1753), украденная из Хоутон-Холла в 1990 году
• 
  Рэйчел Руйш , Розы, Конволвулус, Маки и другие цветы в урне на каменном выступе (1680 -е годы)
• 
  Энн Валлайер-Костер , Атрибуты музыки ( ок. 1770 )
• 
  Карло Маньери , натюрморт с серебряным серебром , Pronkstilleven (1662–1700)
• 
  Энн Валлайер-Костер , натюрморт с лобстером ( ок. 1781 )
• 
  Энн Валлайер-Костер , Атрибуты живописи ( ок. 1769 )

Девятнадцатый век

Винсент Ван Гог (1853–1890), подсолнухи или ваза с пятнадцатью подсолнухами (1888), Национальная галерея (Лондон)

Курган масла от Антуана Воллона , 1875–85 гг.

С ростом европейских академий, в частности, академии Франсеаз , которая играла центральную роль в академическом искусстве , натчала жизнь накапливалась. Академии преподавали доктрину « иерархии жанров картины » (или «иерархии предмета»), которая считала, что художественные заслуги были основаны в первую очередь на его предмете. В академической системе самая высокая форма живописи состояла из изображений исторического , библейского или мифологического значения, причем неподвижные субъекты были отнесены к самым низким порядку художественного признания. Вместо того, чтобы использовать натюрморт, чтобы прославлять природу, некоторые художники, такие как Джон Констебл и Камилла Коро , выбрали пейзажи, чтобы служить этой цели.

Когда неоклассицизм к 1830 -м годам начал выходить , жанр и портретная живопись стали центром реалистических и романтических художественных революций. Многие из великих художников того периода включали натюрморт в своей работе. Маленькие картины Франциско Гойя , Гюстава Курбе и Ежена Делакруа передают сильный эмоциональный ток и меньше озабочены точностью и больше заинтересованы в настроении. Несмотря на то, что они стали рисунными на более ранних статуях Шардина , Эдуарда Манера натюрморты сильно тональны и четко направляются к импрессионизму. Анри Фантин-Латур , используя более традиционную технику, прославился своими изысканными цветочными картинами и зарабатывал на жизнь почти исключительно рисовать натюрморту для коллекционеров.

Однако только после окончательного упадка академической иерархии в Европе и роста импрессионистских и постимпрессионистских художников , техника и цветовая гармония одержали победу над предметом, и эта натюрморская жизнь снова была активно практиковалась артистами. В своей ранней натюрмонной жизни Клод Моне показывает влияние Фантин-Латура, но является одним из первых, кто нарушил традицию темного фона, которую Пьер-Огюст Ренуар также отбрасывает в натюрморт с букетом и фанатом (1871), с это ярко -оранжевый фон. С импрессионистской натюрмонной жизнью, аллегорическое и мифологическое содержание полностью отсутствует, как и тщательно детализированная кисть. Вместо этого импрессионисты сосредоточились на экспериментах в широком смысле, натягивающие мазки, тональные значения и размещение цвета. Импрессионисты и постмампрессионисты были вдохновлены цветными схемами природы, но переосмыслили природу своими собственными цветовыми гармониями, которые иногда оказались поразительно неестественными. Как заявил Гогена, «цвета имеют свои собственные значения». Также пробовали вариации в перспективе, такие как использование плотной обрезки и высоких углов, как и в случае с фруктами, отображаемыми на стенде от Gustave Caillebotte , картины, которая в то время издевалась как «демонстрация фруктов в виде птичьего полета».

Картины Винсента Ван Гога «Подсолнухи»-одни из самых известных картин напоминающих жизнь 19-го века. Ван Гог использует в основном тоны желтого и довольно плоского рендеринга, чтобы внести незабываемый вклад в историю натюрмортов. Его натюрморт с чертежной доской (1889)-автопортрет в форме натюрмон Брат, все изложено на его столе, без собственного изображения. Он также нарисовал свою собственную версию рисования Ванитаса на лиющей жизни с открытой библией, свечой и книгой (1885).

В Соединенных Штатах в революционные времена американские художники, обучавшиеся за границей, применяли европейские стили к американской портретной живописи и натюрморту. Чарльз Уилсон Пил основал семью выдающихся американских художников, и в качестве главного лидера в американском художественном сообществе также основал общество для подготовки художников и известного музея природных курьезов. Его сын Рафаэль Пил был одной из групп ранних американских артистов-наемных, в которую также входили Джон Ф. Фрэнсис , Чарльз Берд Кинг и Джон Джонстон. Ко второй половине 19 -го века Мартин Джонсон Хедс представил американскую версию изображения среды обитания или биотопа, которая помещала цветы и птицы в моделируемой среде на открытом воздухе. Американские картины Trompe-L'œ также процветали в этот период, созданные Джоном Хаберлом , Уильямом Майклом Харнеттом и Джоном Фредериком Пето . Пето специализировался на ностальгической картине на стене, в то время как Харнетт достиг высочайшего уровня гиперреализма на своих графических праздниках американской жизни с помощью знакомых предметов.

Картины девятнадцатого века

• 
  Франциско Гойя , натюрморт с фруктами, бутылками, хлебом (1824–1826)
• 
  Eugène Delaroix , натюрморт с лобстером и трофеями охоты и рыбалки (1826–1827), Лувр
• 
  Gustave Caillebotte , (1848–1894), желтые розы в вазе (1882), Музей искусств Далласа
• 
  Джеймс Силлетт , тюльпаны в вазе, с Caterpillar (Untated), Norfolk Museums Collections
• 
  Анри Фантин-Латур , (1836–1904), белые розы, хризантемы в вазе, персики и виноград на столе с белой скатерти (1867)
• 
  Пол Сезанн (1839–1906), Черные мраморные часы (1869–1871), частная коллекция
• 
  Мэри Кассатт , (1844–1926), сирень в окне (1880)
• 
  Клод Моне (1840–1926), натюрморт с яблоками и виноградом (1880), Художественный институт Чикаго
• 
  Эдуард Мане (1832–1883), карнации и клематис в кристальной вазе (1883), Музее д'Орс , Париж
• 
  Пол Гоген , натюрморт с яблоками, грушей и керамический портретный кувшин (1889), Музей Фогг , Кембридж, Массачусетс
• 
  Уильям Харнетт (1848–1892), после охоты (1883)
• 
  Уильям Харнетт (1848–1892), натюрморт скрипки и музыка (1888), Метрополитен -музей , Нью -Йорк
• 
  Дариус Кобб (1834–1919), американская гражданская война, композиция Trompe-l'œil , здесь, в хромолитографа печати
• 
  Пол Сезанн , Натюрморт с Херувивом (1895), Галереи Института Куртолда , Лондон

Двадцатый век

Анри Матисс , Натюрморт с герани (1910), Pinakothek der Moderne , Мюнхен, Германия

Джин Метцингер , фрукты и кувшин на столе (1916), масло и песок на холсте, 115,9 х 81 см, Музей изобразительных искусств, Бостон

Первые четыре десятилетия 20 -го века сформировали исключительный период художественного брожения и революции. Авангардные движения быстро развивались и перекрывались в марше в направлении нефигуративной общей абстракции. Натюрморт и другое репрезентативное искусство продолжали развиваться и приспосабливаться до середины века, когда общая абстракция, как показано на примере Джексона Поллока , устраняла все узнаваемое содержание. капельных картин

Столетие началось с нескольких тенденций, закрепленных в искусстве. В 1901 году Пол Гоген нарисовал натюрморт с подсолнухами , его дань уважения своему другу Ван Гогу, который умер одиннадцать лет назад. Группа, известная как Les Nabis , в том числе Пьера Боннарда и Эдуарда Вуйярда , взяла теории гармоники Гогена и добавила элементы, вдохновленные японскими гравюрами на их натюрмортах. Французский художник Одилон Редон также нарисовал заметную натюрморту в этот период, особенно цветы.

Анри Матисс уменьшил рендеринг объектов натюрмонов еще больше, чем смелые, плоские контуры, наполненные яркими цветами. Он также упростил перспективу и представил разноцветные фон. На некоторых из его натюрморских картин, таких как натюрморт с баклажанами , его стол предметов почти потерян среди других разноцветных узоров, заполняющих оставшуюся часть комнаты. Другие демонстрации фавизма , такие как Морис де Вминанк и Андре Дерэйн , дополнительно исследовали чистый цвет и абстракцию в их натюрморте.

Пол Сезанн обнаружил в натемении идеальное средство для своих революционных исследований в геометрической пространственной организации. Для Сезанны натюрморт была основным средством для окрашивания от иллюстративной или миметической функции, демонстрирующего независимо от элементов цвета, формы и линии, главного шага к абстрактному искусству . Кроме того, эксперименты Сезанны можно рассматривать как приводящие непосредственно к развитию кубистской натюрморт в начале 20 -го века.

Адаптируя переключение самолетов и топов Сезанны, кубисты подавили цветовую палитру Фаувза и сосредоточились на деконструкции объектов в чистые геометрические формы и плоскости. Между 1910 и 1920 годами кубистские художники, такие как Пабло Пикассо , Жорж Брак и Хуан Грис, нарисовали много натюрморских композиций, часто включающих музыкальные инструменты, выводя натюрморт на передний план художественных инноваций почти впервые. Натюрморт была также предметом в первых синтетических кубистских коллажных работах, таких как «Овальная жизнь» Пикассо «Натюрморт с креслом» (1912). В этих работах объекты неподвижной жизни перекрываются и смешиваются, едва поддерживая идентифицируемые двумерные формы, теряя индивидуальную текстуру поверхности и сливаясь на задний план-достижения целей, почти противоположных целям традиционной натюрморт. Фернанда Леже введена в использовании обильного белого пространства и цветных, резко определенных, перекрывающихся геометрических форм, чтобы получить более механический эффект. Натюрморт

Отказываясь от сглаживания пространства кубистами, Марселем Дюшаном и другими членами движения Дада , пошел в радикально другое направление, создавая трехмерные «готовые» скульптуры. В рамках восстановления какого-то символического значения для натюрмонной жизни футуристы и сюрреалисты поместили узнаваемые объекты натюрморт в свои мечты. На Джоан Миро объекты кажутся невесовыми и плавают в слегка предполагаемом двумерном пространстве, и даже горы нарисованы в виде простых линий. титлевых картинах В Италии в течение этого времени Джорджио Моранди был главным художником-натюрьями, исследуя широкий спектр подходов к изображению повседневных бутылок и кухонных орудий. Голландский художник MC Escher , наиболее известный своей подробной, но неоднозначной графикой, создал натюрморту и улицу (1937), его обновленная версия традиционной голландской стола. В Англии Элиот Ходжкин использовал температуру для своих подробных натюрморских картин.

Когда американские художники 20-го века узнали о европейском модернизме , они начали интерпретировать напоминающих субъектов с сочетанием американского реализма и кубистской абстракции. Типичными для американских натюрморских произведений этого периода являются картины Джорджии О'Киф , Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли и фотографий Эдварда Уэстона . Цветочные картины Ультра-Closeup от О'Киффа показывают как физическую структуру, так и эмоциональный подтекст лепестков и листья беспрецедентными.

В Мексике, начиная с 1930-х годов, Фрида Кало и другие артисты создали свою собственную марку сюрреализма, в которой участвовали местные продукты и культурные мотивы в их натюрмортах.

Начиная с 1930 -х годов, абстрактный экспрессионизм сильно уменьшил натюрморт до необработанных изображений формы и цвета, до 1950 -х годов полная абстракция не доминировала в мире искусства. Тем не менее, поп -арт в 1960 -х и 1970 -х годах изменил эту тенденцию и создало новую форму натюрморт. Большое поп-искусство (например, «банки супа» Энди Уорхола ) основано на натюрморте, но его истинный субъект чаще всего-коммодифицированный образ представленного коммерческого продукта, а не самого физического объекта натюрморта. Натюрморт Роя Лихтенштейна с Goldfish Bowl (1972) сочетает в себе чистые цвета Matisse с поп -иконографией Уорхола. Уэйна Тибо ( Обеденный стол 1964) изображает не обеда ни одной семьи, а линию сборки стандартизированных американских продуктов.

Движение Неодады, в том числе Джаспер Джонс , вернулось к трехмерному представлению Дюшана повседневных домашних объектов, чтобы создать свою собственную марку натюрманенной работы, как в расписной бронзе Джона (1960) и Дома дурака (1962). Авигдор Ариха , который начинал как абстракционист , интегрировал уроки Пьет Мондриана в свою жизнь, как в его другую работу; Во время подключения к старым мастер-традициям он достиг модернистской формализма , работая в одном сеансе и в естественном свете, посредством которого субъект часто возникал в удивительной перспективе.

Значительный вклад в развитие натюрморственной живописи в 20-м веке был внесен русскими художниками, среди которых Сергей Окапов , Виктор Тетерин , Евгения Антипова , Геворк Котианц , Сергей Захаров , Тайзия Афонина , Майя Копитева и другие.

Напротив, рост фотореализма в 1970 -х годах подтвердил иллюзионное представление, сохранив при этом некоторое послание POP о слиянии объекта, изображения и коммерческого продукта. Типичные в этом отношении - картины Дона Эдди и Ральфа .

Картины двадцатого века

• 
  Анри Матисс (1869–1954), Блюда и фрукты (1901), Музей Эрмитажа , Санкт -Петербург , Россия
• 
  Odilon Redon (1840–1916), цветы (1903)
• 
  Жорж Брак (1882–1963), скрипка и подсветка (1910), Музей современного искусства Сан -Франциско
• 
  Хуан Гри (1887–1927), Природа Морте (1913), Музей Тиссен Борнемайза
• 
  Марсден Хартли (1877–1943), красивые напитки ( ок. 1916 ), Бруклинский музей
• 
  Фернанд Легер (1881–1955), натюрморта с пивной кружкой (1921), Тейт
• 
  Пабло Пикассо , компотер с фруктами, скрипкой и стеклом (1912)
• 
  Пьер Боннард (1867–1947), фруктовая чаша на столе ( ок. 1934 ), MAMC Strasbourg

21 век

Полностью синтетическая, компьютерная натюрморта , 2006 (от Жиля Тран )

В течение 20 -го и 21 -го веков понятие натюрморт было расширено за пределы традиционных двухмерных видов живописи в видеоирту и трехмерные формы искусства, такие как скульптура, производительность и установка. В некоторых смешанных работах на неподвижной мультимедиах используются найденные объекты, фотографию, видео и звук, и даже выливают от потолка к полу и заполняют всю комнату в галерее. Через видео артисты-натюрморты включили зрителя в свою работу. Следуя компьютерному эпоху с компьютерным искусством и цифровым искусством , понятие натюрморта также включало цифровые технологии. Компьютерная графика потенциально увеличила методы, доступные для наемных художников. 3D компьютерная графика и 2D компьютерная графика с трехмерными фотореалистическими эффектами используются для создания синтетических изображений натюрморта. Например, программное обеспечение для графического искусства включает в себя фильтры, которые могут быть применены к 2D -векторной графике или 2D растровой графике на прозрачных слоях. Визуальные художники скопировали или визуализировали 3D -эффекты, чтобы вручную отобразить фотореалистические эффекты без использования фильтров.

Смотрите также

• Голландская картина золотого века
• Список голландских художников
• Тщеславие
• Сувенир Мори
• Натюрморт. Фотография

Ссылки

• Берман, Грета. «Сосредоточьтесь на искусстве». Juilliard Journal Online 18: 6 (март 2003 г.)
• Эберт-Шифферер, Сибилль. Натюрморт: история , Гарри Н. Абрамс, Нью -Йорк, 1998, ISBN   0-8109-4190-2
• Langmuir, Erica, Still Life , 2001, Национальная галерея (Лондон), ISBN   1857099613
• Мишель, Марианна Роланд. «Гобелены на дизайне Энн Валлайер-Костер». The Burlington Magazine 102: 692 (ноябрь 1960 г.): I - II
• Slive, Seymour, голландская живопись, 1600–1800 , Yale University Press, 1995, ISBN   0-300-07451-4
• Vlieghe, Hans (1998). Фламандское искусство и архитектура, 1585–1700 . Йельский университет Пресс Пеликан История искусства. Нью -Хейвен: издательство Йельского университета. ISBN   0-300-07038-1

Внешние ссылки

• СМИ, связанные с натюрными картинами в Wikimedia Commons