Итальянская живопись эпохи Возрождения.

Raphael: The Betrothal of the Virgin (1504), Pinacoteca di Brera, Milan.

Живопись итальянского Возрождения — это живопись периода, начавшегося в конце 13 века и процветающего с начала 15 до конца 16 веков, происходящего на итальянском полуострове , который в то время был разделен на множество политических государств, некоторые из которых были независимыми, но другие контролировались внешними силами. полномочия. Художники Италии эпохи Возрождения, хотя часто были привязаны к определенным дворам и были лояльны к определенным городам, тем не менее странствовали по Италии вдоль и поперек, часто занимая дипломатический статус и распространяя художественные и философские идеи.

Город Флоренция в Тоскане известен как родина эпохи Возрождения и, в частности, живописи эпохи Возрождения, хотя позже в эту эпоху Рим и Венеция приобрели все большее значение в живописи. Подробная информация представлена ​​в сопутствующих статьях «Искусство эпохи Возрождения» и «Архитектура эпохи Возрождения» . Живопись итальянского Возрождения чаще всего делят на четыре периода: проторенессанс (1300–1425), ранний ренессанс (1425–1495), высокий ренессанс (1495–1520) и маньеризм (1520–1600). Даты этих периодов отражают общую тенденцию в итальянской живописи и не охватывают всех художников, поскольку жизнь отдельных художников и их личные стили перекрывали эти периоды.

The Proto-Renaissance begins with the professional life of the painter Giotto and includes Taddeo Gaddi, Orcagna, and Altichiero. The Early Renaissance style was started by Masaccio and then further developed by Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Sandro Botticelli, Verrocchio, Domenico Ghirlandaio, and Giovanni Bellini. The High Renaissance period was that of Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raphael, Andrea del Sarto, Coreggio, Giorgione, the latter works of Giovanni Bellini, and Titian. The Mannerist period, dealt with in a separate article, included the latter works of Michelangelo, as well as Pontormo, Parmigianino, Bronzino, and Tintoretto.

Sandro Botticelli: The Birth of Venus for the Medici (1484–1485), Uffizi, Florence

Influences

Main articles: Italian art and Italian Renaissance

Further information: Renaissance architecture and Renaissance humanism

Domenico Ghirlandaio, The Birth of the Virgin Mary, shows the introduction of patron's families into religious cycles.

The influences upon the development of Renaissance painting in Italy are those that also affected architecture, engineering, philosophy, language, literature, natural sciences, politics, ethics, theology, and other aspects of Italian society during the Renaissance period. The following is a summary of points dealt with more fully in the main articles that are cited above.

Philosophy

A number of Classical texts, that had been lost to Western European scholars for centuries, became available. These included Philosophy, Poetry, Drama, Science, a thesis on the Arts and Early Christian Theology. The resulting interest in Humanist philosophy meant that man's relationship with humanity, the universe and with God was no longer the exclusive province of the Church. A revived interest in the Classics brought about the first archaeological study of Roman remains by the architect Brunelleschi and sculptor Donatello. The revival of a style of architecture based on classical precedents inspired a corresponding classicism in painting, which manifested itself as early as the 1420s in the paintings of Masaccio and Paolo Uccello.

Science and technology

Main articles: History of science in the Renaissance and Renaissance technology

Simultaneous with gaining access to the Classical texts, Europe gained access to advanced mathematics which had its provenance in the works of Byzantine and Islamic scholars. The advent of movable type printing in the 15th century meant that ideas could be disseminated easily, and an increasing number of books were written for a broad public. The development of oil paint and its introduction to Italy had lasting effects on the art of painting.

Society

The establishment of the Medici Bank and the subsequent trade it generated brought unprecedented wealth to a single Italian city, Florence. Cosimo de' Medici set a new standard for patronage of the arts, not associated with the church or monarchy. The serendipitous presence within the region of Florence of certain individuals of artistic genius, most notably Giotto, Masaccio, Brunelleschi, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci and Michelangelo, formed an ethos that supported and encouraged many lesser artists to achieve work of extraordinary quality.

A similar heritage of artistic achievement occurred in Venice through the talented Bellini family, their influential inlaw Mantegna, Giorgione, Titian and Tintoretto.

Themes

Main article: Themes in Italian Renaissance painting

Paolo Uccello, The Battle of San Romano, demonstrates the preoccupation with the development of linear perspective, in a secular subject

Much painting of the Renaissance period was commissioned by or for the Catholic Church. These works were often of large scale and were frequently cycles painted in fresco of the Life of Christ, the Life of the Virgin or the life of a saint, particularly St. Francis of Assisi. There were also many allegorical paintings on the theme of Salvation and the role of the Church in attaining it. Churches also commissioned altarpieces, which were painted in tempera on panel and later in oil on canvas. Apart from large altarpieces, small devotional pictures were produced in very large numbers, both for churches and for private individuals, the most common theme being the Madonna and Child.

Throughout the period, civic commissions were also important. Local government buildings were decorated with frescoes and other works both secular, such as Ambrogio Lorenzetti's The Allegory of Good and Bad Government, and religious, such as Simone Martini's fresco of the Maestà, in the Palazzo Pubblico, Siena.

Portraiture was uncommon in the 14th and early 15th centuries, mostly limited to civic commemorative pictures such as the equestrian portraits of Guidoriccio da Fogliano by Simone Martini, 1327, in Siena and, of the early 15th century, John Hawkwood by Uccello in Florence Cathedral and its companion portraying Niccolò da Tolentino by Andrea del Castagno.

Sandro Botticelli, Primavera, showing a Classical allegory for a private patron

During the 15th century portraiture became common, initially often formalised profile portraits but increasingly three-quarter face, bust-length portraits. Patrons of art works such as altarpieces and fresco cycles often were included in the scenes, a notable example being the inclusion of the Sassetti and Medici families in Domenico Ghirlandaio's cycle in the Sassetti Chapel. Portraiture was to become a major subject for High Renaissance painters such as Raphael and Titian and continue into the Mannerist period in works of artists such as Bronzino.

With the growth of Humanism, artists turned to Classical themes, particularly to fulfill commissions for the decoration of the homes of wealthy patrons, the best known being Botticelli's Birth of Venus for the Medici. Increasingly, Classical themes were also seen as providing suitable allegorical material for civic commissions. Humanism also influenced the manner in which religious themes were depicted, notably on Michelangelo's Ceiling of the Sistine Chapel.

Other motifs were drawn from contemporary life, sometimes with allegorical meaning, some sometimes purely decorative. Incidents important to a particular family might be recorded like those in the Camera degli Sposi that Mantegna painted for the Gonzaga family at Mantua. Increasingly, still lifes and decorative scenes from life were painted, such as the Concert by Lorenzo Costa of about 1490.

Important events were often recorded or commemorated in paintings such as Uccello's Battle of San Romano, as were important local religious festivals. History and historic characters were often depicted in a way that reflected on current events or on the lives of current people. Portraits were often painted of contemporaries in the guise of characters from history or literature. The writings of Dante, Voragine's Golden Legend and Boccaccio's The Decameron were important sources of themes.

In all these subjects, increasingly, and in the works of almost all painters, certain underlying painterly practices were being developed: the observation of nature, the study of anatomy, of light, and perspective.

Proto-Renaissance painting

Duccio di Buoninsegna: Madonna and Child (c. 1280) at the National Gallery, London, is mainly Italo-Byzantine in style.

Traditions of 13th-century Tuscan painting

The art of the region of Tuscany in the late 13th century was dominated by two masters of the Italo-Byzantine style, Cimabue of Florence and Duccio of Siena. Their commissions were mostly religious paintings, several of them being very large altarpieces showing the Madonna and Child. These two painters, with their contemporaries, Guido of Siena, Coppo di Marcovaldo and the mysterious painter upon whose style the school may have been based, the so-called Master of St Bernardino, all worked in a manner that was highly formalised and dependent upon the ancient tradition of icon painting. In these tempera paintings many of the details were rigidly fixed by the subject matter, the precise position of the hands of the Madonna and Christ Child, for example, being dictated by the nature of the blessing that the painting invoked upon the viewer. The angle of the Virgin's head and shoulders, the folds in her veil, and the lines with which her features were defined had all been repeated in countless such paintings. Cimabue and Duccio took steps in the direction of greater naturalism, as did their contemporary, Pietro Cavallini of Rome.

Giotto

Giotto: The Lamentation, c. 1305, Scrovegni Chapel, foreshadows the Renaissance.

Giotto (1266–1337), by tradition a shepherd boy from the hills north of Florence, became Cimabue's apprentice and emerged as the most outstanding painter of his time. Giotto, possibly influenced by Pietro Cavallini and other Roman painters, did not base the figures he painted upon any painterly tradition, but upon the observation of life. Unlike those of his Byzantine contemporaries, Giotto's figures are solidly three-dimensional; they stand squarely on the ground, have discernible anatomy and are clothed in garments with weight and structure. But more than anything, what set Giotto's figures apart from those of his contemporaries are their emotions. In the faces of Giotto's figures are joy, rage, despair, shame, spite and love. The cycle of frescoes of the Life of Christ and the Life of the Virgin that he painted in the Scrovegni Chapel in Padua set a new standard for narrative pictures. His Ognissanti Madonna hangs in the Uffizi Gallery, Florence, in the same room as Cimabue's Santa Trinita Madonna and Duccio's Ruccellai Madonna where the stylistic comparisons between the three can easily be made. One of the features apparent in Giotto's work is his observation of naturalistic perspective. He is regarded as the herald of the Renaissance.

Taddeo Gaddi: Annunciation to the Shepherds (detail), Santa Croce

Giotto's contemporaries

Giotto had a number of contemporaries who were either trained and influenced by him, or whose observation of nature had led them in a similar direction. Although several of Giotto's pupils assimilated the direction that his work had taken, none was to become as successful as he. Taddeo Gaddi achieved the first large painting of a night scene in an Annunciation to the Shepherds in the Baroncelli Chapel of the Church of Santa Croce, Florence.

The paintings in the Upper Church of the Basilica of St. Francis, Assisi, are examples of naturalistic painting of the period, often ascribed to Giotto himself, but more probably the work of artists surrounding Pietro Cavallini. A late painting by Cimabue in the Lower Church at Assisi, of the Madonna and St. Francis, also clearly shows greater naturalism than his panel paintings and the remains of his earlier frescoes in the upper church.

Mortality and redemption

Orcagna: The Triumph of Death (detail), c. 1350, Museum of Santa Croce

A common theme in the decoration of Medieval churches was the Last Judgement, which in northern European churches frequently occupies a sculptural space above the west door, but in Italian churches such as Giotto's Scrovegni Chapel it is painted on the inner west wall. The Black Death of 1348 caused its survivors to focus on the need to approach death in a state of penitence and absolution. The inevitability of death, the rewards for the penitent and the penalties of sin were emphasised in a number of frescoes, remarkable for their grim depictions of suffering and their surreal images of the torments of Hell.

These include the Triumph of Death by Giotto's pupil Orcagna, now in a fragmentary state at the Museum of Santa Croce, and the Triumph of Death in the Camposanto Monumentale at Pisa by an unknown painter, perhaps Francesco Traini or Buonamico Buffalmacco who worked on the other three of a series of frescoes on the subject of Salvation. It is unknown exactly when these frescoes were begun but it is generally presumed they post-date 1348.

Two important fresco painters were active in Padua in the late 14th century, Altichiero and Giusto de' Menabuoi. Giusto's masterpiece, the decoration of the Padua Baptistery, follows the theme of humanity's Creation, Downfall, and Salvation, also having a rare Apocalypse cycle in the small chancel. While the whole work is exceptional for its breadth, quality and intact state, the treatment of human emotion is conservative by comparison with that of Altichiero's Crucifixion at the Basilica of Sant'Antonio, also in Padua. Giusto's work relies on formalised gestures, where Altichiero relates the incidents surrounding Christ's death with great human drama and intensity.

Simone Martini: The Annunciation, 1333, Uffizi, is International Gothic in style.

In Florence, at the Spanish Chapel of Santa Maria Novella, Andrea di Bonaiuto was commissioned to emphasise the role of the Church in the redemptive process, and that of the Dominican Order in particular. His fresco Allegory of the Active and Triumphant Church is remarkable for its depiction of Florence Cathedral, complete with the dome which was not built until the following century.

International Gothic

During the later 14th century, International Gothic was the style that dominated Tuscan painting. It can be seen to an extent in the work of Pietro and Ambrogio Lorenzetti, which is marked by a formalized sweetness and grace in the figures, and Late Gothic gracefulness in the draperies. The style is fully developed in the works of Simone Martini and Gentile da Fabriano, which have an elegance and a richness of detail, and an idealised quality not compatible with the starker realities of Giotto's paintings.

In the early 15th century, bridging the gap between International Gothic and the Renaissance are the paintings of Fra Angelico, many of which, being altarpieces in tempera, show the Gothic love of elaboration, gold leaf and brilliant colour. It is in his frescoes at his convent of Sant' Marco that Fra Angelico shows himself the artistic disciple of Giotto. These devotional paintings, which adorn the cells and corridors inhabited by the friars, represent episodes from the life of Jesus, many of them being scenes of the Crucifixion. They are starkly simple, restrained in colour and intense in mood as the artist sought to make spiritual revelations a visual reality.

Early Renaissance painting

Ghiberti: competition entry for the Baptistry doors

Ghiberti: The Gates of Paradise

Florence

The earliest truly Renaissance images in Florence date from 1401, although they are not paintings. That year a competition was held amongst seven young artists to select the artist to create a pair of bronze doors for the Florence Baptistery, the oldest remaining church in the city. The competitors were each to design a bronze panel of similar shape and size, representing the Sacrifice of Isaac.

Two of the panels from the competition have survived, those by Lorenzo Ghiberti and Brunelleschi. Each panel shows some strongly classicising motifs indicating the direction that art and philosophy were moving, at that time. Ghiberti used the naked figure of Isaac to create a small sculpture in the Classical style. The figure kneels on a tomb decorated with acanthus scrolls that are also a reference to the art of Ancient Rome. In Brunelleschi's panel, one of the additional figures included in the scene is reminiscent of a well-known Roman bronze figure of a boy pulling a thorn from his foot. Brunelleschi's creation is challenging in its dynamic intensity. Less elegant than Ghiberti's, it is more about human drama and impending tragedy.

Ghiberti won the competition. His first set of Baptistry doors took 27 years to complete, after which he was commissioned to make another. In the total of 50 years that Ghiberti worked on them, the doors provided a training ground for many of the artists of Florence. Being narrative in subject and employing not only skill in arranging figurative compositions but also the burgeoning skill of linear perspective, the doors were to have an enormous influence on the development of Florentine pictorial art.

Brancacci Chapel

Main article: Brancacci Chapel

Masaccio, The Tribute Money for the Brancacci Chapel.

The first Early Renaissance frescos or paintings were started in 1425 when two artists commenced painting a fresco cycle of the Life of St. Peter in the chapel of the Brancacci family, at the Carmelite Church in Florence. They both were called by the name of Tommaso and were nicknamed Masaccio and Masolino, Slovenly Tom and Little Tom.

More than any other artist, Masaccio recognized the implications in the work of Giotto. He carried forward the practice of painting from nature. His frescos demonstrate an understanding of anatomy, of foreshortening, of linear perspective, of light, and the study of drapery. In the Brancacci Chapel, his Tribute Money fresco has a single vanishing point and uses a strong contrast between light and dark to convey a three-dimensional quality to the work. As well, the figures of Adam and Eve being expelled from Eden, painted on the side of the arch into the chapel, are renowned for their realistic depiction of the human form and of human emotion. They contrast with the gentle and pretty figures painted by Masolino on the opposite side of Adam and Eve receiving the forbidden fruit. The painting of the Brancacci Chapel was left incomplete when Masaccio died at 26 in 1428. The Tribute Money was completed by Masolino while the remainder of the work in the chapel was finished by Filippino Lippi in the 1480s. Masaccio's work became a source of inspiration to many later painters, including Leonardo da Vinci and Michelangelo.

Development of linear perspective

Main article: Perspective (graphical)

Paolo Uccello: The Presentation of the Virgin shows his experiments with perspective and light.

During the first half of the 15th century, the achieving of the effect of realistic space in a painting by the employment of linear perspective was a major preoccupation of many painters, as well as the architects Brunelleschi and Alberti who both theorised about the subject. Brunelleschi is known to have done a number of careful studies of the piazza and octagonal baptistery outside Florence Cathedral and it is thought he aided Masaccio in the creation of his famous trompe-l'œil niche around the Holy Trinity he painted at Santa Maria Novella.

According to Vasari, Paolo Uccello was so obsessed with perspective that he thought of little else and experimented with it in many paintings, the best known being the three The Battle of San Romano paintings (completed by 1450s) which use broken weapons on the ground, and fields on the distant hills to give an impression of perspective.

In the 1450s Piero della Francesca, in paintings such as The Flagellation of Christ, demonstrated his mastery over linear perspective and also over the science of light. Another painting exists, a cityscape, by an unknown artist, perhaps Piero della Francesca, that demonstrates the sort of experiment that Brunelleschi had been making. From this time linear perspective was understood and regularly employed, such as by Perugino in his Christ Giving the Keys to St. Peter (1481–82) in the Sistine Chapel.

Piero della Francesca: The Flagellation demonstrates the artist's control over both perspective and light.

Understanding of light

Giotto used tonality to create form. Taddeo Gaddi in his nocturnal scene in the Baroncelli Chapel demonstrated how light could be used to create drama. Paolo Uccello, a hundred years later, experimented with the dramatic effect of light in some of his almost monochrome frescoes. He did a number of these in terra verde ("green earth"), enlivening his compositions with touches of vermilion. The best known is his equestrian portrait of John Hawkwood on the wall of Florence Cathedral. Both here and on the four heads of prophets that he painted around the inner clock face in the cathedral, he used strongly contrasting tones, suggesting that each figure was being lit by a natural light source, as if the source was an actual window in the cathedral.

Piero della Francesca carried his study of light further. In the Flagellation he demonstrates a knowledge of how light is proportionally disseminated from its point of origin. There are two sources of light in this painting, one internal to a building and the other external. Of the internal source, though the light itself is invisible, its position can be calculated with mathematical certainty. Leonardo da Vinci was to carry forward Piero's work on light.

The Madonna

Andrea and Giovanni della Robbia: Madonna and Child

Filippo Lippi: Madonna and Child, 1459

The Virgin Mary, revered by the Catholic Church worldwide, was particularly evoked in Florence, where there was a miraculous image of her on a column in the corn market and where both the Cathedral of "Our Lady of the Flowers" and the large Dominican church of Santa Maria Novella were named in her honour.

The miraculous image in the corn market was destroyed by fire, but replaced with a new image in the 1330s by Bernardo Daddi, set in an elaborately designed and lavishly wrought canopy by Orcagna. The open lower storey of the building was enclosed and dedicated as Orsanmichele.

Depictions of the Madonna and Child were a very popular art form in Florence. They took every shape from small mass-produced terracotta plaques to magnificent altarpieces such as those by Cimabue, Giotto and Masaccio.

In the 15th and first half of the 16th centuries, one workshop more than any other dominated the production of Madonnas. They were the della Robbia family, and they were not painters but modellers in clay. Luca della Robbia, famous for his cantoria gallery at the cathedral, was the first sculptor to use glazed terracotta for large sculptures. Many of the durable works of this family have survived. The skill of the della Robbias, particularly Andrea della Robbia, was to give great naturalism to the babies that they modelled as Jesus, and expressions of great piety and sweetness to the Madonna. They were to set a standard to be emulated by other artists of Florence.

Among those who painted devotional Madonnas during the Early Renaissance are Fra Angelico, Fra Filippo Lippi, Verrocchio and Davide Ghirlandaio. The custom was continued by Botticelli, who produced a series of Madonnas over a period of twenty years for the Medici; Perugino, whose Madonnas and saints are known for their sweetness and Leonardo da Vinci, for whom a number of small attributed Madonnas such as the Benois Madonna have survived. Even Michelangelo, who was primarily a sculptor, was persuaded to paint the Doni Tondo, while for Raphael, they are among his most popular and numerous works.

Early Renaissance painting in other parts of Italy

Andrea Mantegna in Padua and Mantua

One of the most influential painters of northern Italy was Andrea Mantegna of Padua, who had the good fortune to be in his teen years at the time in which the great Florentine sculptor Donatello was working there. Donatello created the enormous equestrian bronze, the first since the Roman Empire, of the condotiero Gattemelata, still visible on its plinth in the square outside the Basilica of Sant'Antonio. He also worked on the high altar and created a series of bronze panels in which he achieved a remarkable illusion of depth, with perspective in the architectural settings and apparent roundness of the human form all in very shallow relief.

Mantegna: The Gonzaga family (detail)

At only 17 years old, Mantegna accepted his first commission, fresco cycles of the Lives of Saints James and Christopher for the Ovetari Chapel in the transept of the church of the Eremitani, near the Scrovegni Chapel in Padua. Unfortunately, the building was mostly destroyed during World War II, and they are only known from photographs which reveal an already highly developed sense of perspective and a knowledge of antiquity, for which the ancient University of Padua had become well known, early in the 15th century. Mantegna's last work in Padua was a monumental San Zeno altarpiece, created for the abbot of the Basilica of San Zeno, Verona from 1457 to 1459. This polyptych of which the predella panels are particularly notable for the handling of landscape elements, was to influence the further development of Renaissance art in Northern Italy.

Самая известная работа Мантеньи — внутреннее убранство Камеры дельи Спози во дворце герцогов в Мантуе , датированное примерно 1470 годом. Стены украшены фресками со сценами из жизни семьи Гонзага , беседующих, приветствующих младшего сына и его наставника по их возвращению. из Рима, подготовка к охоте и другие подобные сцены, которые не имеют явного отношения к вопросам истории, литературы, философии или религии. Они замечательны тем, что просто рассказывают о семейной жизни. Единственная уступка — это разбросанные веселые крылатые путти , которые держат мемориальные доски и гирлянды и карабкаются по иллюзионистской балюстраде с отверстиями, которая окружает в стиле тромпель . вид на небо, украшающий потолок зала, Главным наследием Мантеньи считается внедрение пространственного иллюзионизма, осуществленное посредством владения перспективой, как во фресках, так и в картинах Sacra Conversazione : его традиция украшения потолка соблюдалась на протяжении почти трех столетий.

Антонелло да Мессина

Святой Иероним в своем кабинете , ок. 1475. Национальная галерея, Лондон.

В 1442 году Альфонсо V Арагонский стал правителем Неаполя , привезя с собой коллекцию фламандских картин и основав Гуманистическую Академию . Антонелло да Мессина, похоже, имел доступ к коллекции короля, которая, возможно, включала работы Яна ван Эйка . Недавние данные показывают, что Антонелло, вероятно, контактировал с самым опытным последователем Ван Эйка, Петрусом Кристусом , в Милане в начале 1456 года и, вероятно, изучил методы масляной живописи, включая рисование почти микроскопических деталей и мельчайших градаций света, непосредственно у Кристуса. Кроме того, более спокойные выражения лиц людей и спокойствие в общей композиции произведений также, по-видимому, являются результатом влияния Нидерландов. Антонелло отправился в Венецию в 1475 году и оставался там до осени 1476 года, поэтому вполне вероятно, что Антонелло передал технику использования масляных красок. живопись градацией света и принципами спокойствия венецианским художникам , в том числе Джованни Беллини, одному из самых значительных художников Высокого Возрождения в Северной Италии, во время этого визита.

Антонелло писал в основном небольшие точные портреты в ярких красках. Но одна из его самых известных работ, «Святой Иероним в своем кабинете» , демонстрирует его превосходные способности в обращении с линейной перспективой и светом. Композицию небольшой картины обрамляет позднеготическая арка, сквозь которую просматривается интерьер, бытовой с одной стороны и церковный с другой, в центре которого святой сидит в деревянном загоне в окружении своих пожитков, а его лев бродит в тени по полу. То, как свет проникает через каждую дверь и окно, распространяя как естественный, так и отраженный свет на архитектуру и все объекты, могло бы взволновать Пьеро делла Франческу .

Прогресс к Высокому Возрождению

Покровительство и гуманизм

Дополнительная информация: Гуманизм эпохи Возрождения и меценатство Юлия II.

Во Флоренции в конце 15 века большинство произведений искусства, даже тех, которые служили украшением церквей, обычно заказывали и оплачивали частные покровители. Большая часть покровительства исходила от семьи Медичи или от тех, кто был тесно связан с ними или был связан с ними, таких как Сассетти, Руччеллаи и Торнабуони.

В 1460-х годах Козимо Медичи назначил Марсилио Фичино своим постоянным философом -гуманистом и способствовал его переводу Платона и его преподаванию платоновской философии , которая фокусировалась на человечестве как центре естественной вселенной, на личных отношениях каждого человека с Богом. и о братской или «платонической» любви как о наиболее близком человеке к подражанию или пониманию любви Бога.

В период Средневековья все, что относилось к классическому периоду, воспринималось как связанное с язычеством. В эпоху Возрождения оно все чаще стало ассоциироваться с просвещением . Фигуры классической мифологии начали брать на себя новую символическую роль в христианском искусстве и, в частности, богиня Венера взяла на себя новое усмотрение. Родившись каким-то чудом полностью сформированной, она стала новой Евой , символом невинной любви или даже, в более широком смысле, символом самой Девы Марии . В обеих этих ролях мы видим Венеру на двух знаменитых темперных картинах, которые Боттичелли написал в 1480-х годах для племянника Козимо, Пьерфранческо Медичи , « Примавера» и « Рождение Венеры» .

Тем временем Доменико Гирландайо , дотошный и точный рисовальщик и один из лучших портретистов своего времени, выполнил два цикла фресок для соратников Медичи в двух крупнейших церквях Флоренции: капелле Сассетти в Санта-Трините и капелле Торнабуони в Санта-Мария-Новелла. . В этих циклах «Житие святого Франциска» , « Житие Девы Марии» и «Житие Иоанна Крестителя» нашлось место для портретов меценатов и покровителей меценатов. Благодаря покровительству Сассетти есть портрет самого человека с его работодателем Лоренцо Великолепным и трех сыновей Лоренцо с их наставником, поэтом и философом-гуманистом Аньоло Полициано . В капелле Торнабуони находится еще один портрет Полициано в сопровождении других влиятельных членов Платонической академии, включая Марсилио Фичино.

Хьюго ван дер Гус: Алтарь Портинари

Гирландайо: Алтарь Сассетти

Фламандское влияние

Примерно с 1450 года, с прибытием в Италию фламандского художника Рогира ван дер Вейдена и, возможно, раньше, художники познакомились с масляной краской . Хотя и темпера, и фреска подходили для изображения узоров, ни один из них не представлял собой успешного способа реалистично передать естественные текстуры. Очень гибкая среда из масел, которую можно было сделать непрозрачной или прозрачной и допускать изменения и дополнения в течение нескольких дней после ее нанесения, открыла итальянским художникам новый мир возможностей.

В 1483 году во Флоренцию прибыл огромный алтарь « Поклонение пастухов» работы Гуго ван дер Гуса . Написанная еще в 1475 году по заказу семьи Портинари, она была отправлена ​​из Брюгге и установлена ​​в часовне Сант-Эджидио в больнице Санта-Мария-Нуова. Алтарный образ светится яркими красными и зелеными оттенками, контрастируя с блестящими черными бархатными одеждами жертвователей Портинари. На переднем плане — натюрморт с цветами в контрастных сосудах: один из глазурованной керамики, другой из стекла. Одной стеклянной вазы было достаточно, чтобы привлечь внимание. Но самым влиятельным аспектом триптиха была чрезвычайно естественная и реалистичная внешность трех пастухов с щетинистыми бородами, утомленными руками и выражениями лиц, варьирующимися от обожания до удивления и непонимания. Доменико Гирландайо тут же нарисовал свою собственную версию, с прекрасной итальянской Мадонной вместо длиннолицой фламандской Мадонны и самим собой, театрально жестикулирующим, как один из пастухов.

Папская комиссия

Перуджино: Христос дает ключи Петру

В 1477 году папа Сикст IV заменил заброшенную старую часовню в Ватикане, в которой проводились многие папские службы. Интерьер новой капеллы, названной в его честь Сикстинской капеллой , по-видимому, с самого начала планировался с серией из 16 больших фресок между пилястрами на среднем уровне и серией нарисованных портретов пап над ними.

В 1480 году работа была заказана группе художников из Флоренции: Боттичелли, Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли . В этом цикле фресок должны были быть изображены «Истории жизни Моисея» на одной стороне часовни и «Истории жизни Христа» — на другой, причем фрески дополняли друг друга по теме. «Рождество Иисуса» и « Обретение Моисея» На стене за алтарем соседствовали изображения – запрестольный образ Успения Богородицы , а между ними Микеланджело . Эти картины, все работы Перуджино, позже были уничтожены для написания «Страшного суда» . Остальные 12 изображений указывают на виртуозность, которой достигли эти художники, и на очевидное сотрудничество между людьми, которые обычно использовали очень разные стили и навыки. Картины раскрывали весь спектр своих возможностей, поскольку включали в себя большое количество фигур мужчин, женщин и детей, а также персонажей — от ангелов-проводников до разъяренных фараонов и самого дьявола. Каждая картина требовала пейзаж . Из-за согласованного художниками масштаба фигур в каждой картине пейзаж и небо занимают всю верхнюю половину сцены. Иногда, как в Очищение сцене Боттичелли « прокаженного» , в пейзаже происходят дополнительные небольшие повествования, в данном случае «Искушения Христа» .

Христос Сцена Перуджино « , дающий ключи святому Петру» замечательна ясностью и простотой композиции, красотой фигуративной живописи, включающей автопортрет среди зрителей, и особенно перспективным городским пейзажем, включающим отсылку к Служение Петра в Риме объясняется наличием двух триумфальных арок и восьмиугольным зданием, расположенным в центре, которое могло быть христианским баптистерием или римским мавзолеем .

Живопись Высокого Возрождения

Высокое Возрождение живописи стало кульминацией разнообразия средств выразительности. и различные достижения в технике живописи, такие как линейная перспектива, реалистичное изображение как физических и психологические особенности, и манипулирование светом и тьмой, включая тональный контраст, сфумато (смягчение перехода между цветами) и светотени (контраст между светом и тьмой), в едином объединяющем стиле которые выражали полный композиционный порядок, баланс и гармонию. По словам Марсии Холл , cangiante и то, что она называет Unione, можно добавить к светотени и сфумато , чтобы создать четыре конкретных стиля живописи Высокого Возрождения; теперь их иногда группируют как «канонические способы живописи» того периода.

В частности, отдельные части картины имели сложное, но сбалансированное и слаженное отношение к динамическому целому. Живопись Высокого Возрождения считается абсолютным зенитом западной живописи. и достиг баланса и примирения в гармонии противоречивых и, казалось бы, взаимоисключающих художественных позиций, таких как реальность и идеал, движение и покой, свобода и закон, пространство и плоскость, линия и цвет.

Большинство историков искусства утверждают, что Высокое Возрождение началось примерно в 1495 или 1500 годах. и закончилась в 1520 году смертью Рафаэля , хотя некоторые говорят, что Высокое Возрождение закончилось около 1525 года. или в 1527 году с разграблением Рима армией Карла V, императора Священной Римской империи , или около 1530 г. Леонардо да Винчи Многие ссылаются на «Тайную вечерю» , начатую в 1495 году и завершенную в 1498 году, как на первое произведение Высокого Возрождения. В своей книге «История искусства: живопись, скульптура и архитектура » Фредерик Хартт утверждает, что 1520–1530 годы были переходным периодом между Высоким Возрождением и маньеризмом. В эпоху Высокого Возрождения доминировали три художника: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль; в то время как Джованни Беллини, Джорджоне и Тициан были лидерами венецианской живописи Высокого Возрождения, а Корреджо и Андреа дель Сарто были другими значительными художниками стиля Высокого Возрождения.

Леонардо да Винчи

Леонардо (1452–1519) провел годы своего становления, обучаясь во флорентийской мастерской Верроккьо , а затем переехал в Милан, где он работал с 1482 по 1499 год, а затем вернулся во Флоренцию с 1500 по 1506 год. Из-за масштаба его интересов и исключительной степени талант, который он продемонстрировал во многих различных областях, его считают архетипическим « человеком эпохи Возрождения ». Но в свое время им восхищались прежде всего как художником, и как художник он черпал знания, полученные из других своих интересов. Леонардо был научным наблюдателем. Он учился, глядя на вещи. Он изучал и рисовал цветы полей, водовороты рек, форму скал и гор, то, как свет отражался от листвы и сверкал в драгоценностях. В частности, он изучал человеческую форму, препарируя тридцать или более невостребованных трупов из больницы, чтобы понять мышцы и сухожилия.

Леонардо да Винчи: Тайная вечеря

Леонардо достиг определенной степени реализма в выражении человеческих эмоций, прототипом которой был Джотто, но неизвестным со времен «Адама и Евы» Мазаччо . Леонардо «Тайная вечеря» , написанная с 1495 по 1498 год в трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Милан) , стала эталоном религиозно-нарративной живописи на следующие полтысячелетия. Многие другие художники эпохи Возрождения писали версии « Тайной вечери» , но только Леонардо было суждено быть воспроизведено бесчисленное количество раз в дереве, алебастре, гипсе, литографии, гобеленах, вязании крючком и на скатерти.

Больше, чем любой другой художник, он продвинул изучение и живопись «атмосферы». В своих картинах, таких как « Мона Лиза» ( ок. 1503–1517 ) и «Мадонна в скалах» (1483–1486) (самая ранняя полная работа, полностью написанная его рукой), он использовал свет и тень с такой тонкостью, что из-за отсутствия точнее, он стал известен как сфумато Леонардо или «дым». Он продемонстрировал революционное использование цвета, определив переход между фигурами с помощью цветовой модуляции, а не реальных линий. Его работы приглашали зрителя в загадочный мир движущихся теней, хаотичных гор и бурлящих потоков. Еще одним значительным произведением Леонардо была «Мадонна с младенцем и святой Анной» ( ок. 1503–1519 ); монументальное трехмерное качество группы и рассчитанные эффекты динамизма и напряжения в композиции сделали ее моделью, которая в равной степени вдохновляла классицистов и маньеристов. Помимо прямого влияния самих работ, исследования Леонардо света, анатомии, ландшафта и человеческого выражения были распространены отчасти благодаря его щедрости по отношению к свите студентов.

Микеланджело

Микеланджело: Сотворение Адама

В 1508 году папе Юлию II удалось добиться от флорентийского скульптора Микеланджело (1475–1564) согласия на продолжение декоративного оформления Сикстинской капеллы. Потолок Сикстинской капеллы был построен таким образом, что свод поддерживали двенадцать наклонных подвесок , которые образовывали идеальные поверхности для изображения Двенадцати апостолов . Микеланджело вскоре разработал совершенно другую схему, гораздо более сложную как по замыслу, так и по иконографии. Масштаб работы, которую он выполнил в одиночку, за исключением ручной помощи, был титаническим и занял почти пять лет.

План Папы относительно апостолов тематически сформировал бы живописную связь между повествованиями Ветхого и Нового Завета на стенах и папами в галерее портретов. Именно двенадцать апостолов и их лидер Петр, первый епископ Рима, строят этот мост. Но план Микеланджело пошел в противоположном направлении. Тема потолка Микеланджело не является великим замыслом Бога по спасению человечества. Тема о позоре человечества. Речь идет о том, почему человечество и вера нуждались в Иисусе.

На первый взгляд потолок представляет собой гуманистическую конструкцию. Фигуры имеют сверхчеловеческие размеры и, в случае Адама , такой красоты, что, по мнению биографа Вазари , действительно выглядит так, как будто фигуру создал сам Бог, а не Микеланджело. Но, несмотря на красоту отдельных фигур, Микеланджело не прославил человеческое состояние и уж точно не представил гуманистический идеал платонической любви . На самом деле предки Христа, которых он изобразил вокруг верхней части стены, демонстрируют все худшие стороны семейных отношений, проявляя дисфункцию в стольких различных формах, сколько существует семей.

Вазари высоко оценил кажущуюся безграничную изобретательность Микеланджело в создании поз для фигур. Рафаэль дал предварительный просмотр , которому Браманте после того, как Микеланджело бросил кисть и в гневе помчался в Болонью, нарисовал по крайней мере две фигуры в подражание пророкам Микеланджело, одну в церкви Сант-Агостино, а другую в Ватикане . его портрет самого Микеланджело в «Афинской школе» .

Более поздняя работа Микеланджело «Страшный суд» , написанная на алтарной стене Сикстинской капеллы между 1534 и 1541 годами, демонстрирует маньеристский стиль с удлиненными телами, который пришел на смену стилю Высокого Возрождения между 1520 и 1530 годами.

Рафаэль

Вместе с Леонардо да Винчи и Микеланджело (1483–1520) является синонимом Высокого Возрождения, хотя он был моложе Микеланджело на 18 лет , имя Рафаэля а Леонардо почти на 30 и умер в возрасте 37 лет всего на год позже Леонардо. Нельзя сказать, что он так же далеко продвинул состояние живописи, как два его знаменитых современника. Скорее, его творчество было кульминацией всех событий Высокого Возрождения.

Рафаэль: , Афинская школа построенная по заказу Папы Юлия II для украшения люкса, ныне известного как « Залы Рафаэля» в Ватикане.

Рафаэль родился в семье художника, поэтому его карьерный путь, в отличие от пути Микеланджело, который был сыном мелкой знати, решился без ссор. Через несколько лет после смерти отца он работал в умбрийской мастерской Перуджино , превосходный художник и превосходный техник. Его первая подписанная и датированная картина, написанная в возрасте 21 года, — « Обручение Богородицы» , которая сразу же раскрывает свое происхождение от Христа Перуджино, передающего ключи Святому Петру .

Рафаэль, переехавший во Флоренцию в 1504 году и в Рим в 1508 году, беззастенчиво использовал навыки известных художников, чья продолжительность жизни была такой же, как и его. В его работах собраны воедино индивидуальные качества множества разных художников. Округлые формы и светящиеся краски Перуджино, реалистичная портретная живопись Гирландайо, реализм и освещение Леонардо, мощное рисовальное мастерство Микеланджело соединились в картинах Рафаэля. За свою короткую жизнь он выполнил ряд крупных алтарных образов, впечатляющую классическую фреску с изображением морской нимфы Галатеи , выдающиеся портреты с двумя папами и известным писателем, а также, пока Микеланджело расписывал потолок Сикстинской капеллы , серию настенных росписей. фрески в залах Рафаэля Апостольского дворца неподалеку, из которых ( Афинская школа 1509–1511) в Станце делла Сеньятура уникальное значение имеет . На этой фреске изображена встреча всех наиболее образованных древних афинян, собравшихся в величественной классической обстановке вокруг центральной фигуры Платон , которого Рафаэль, как известно, смоделировал по образцу Леонардо да Винчи . Задумчивая фигура Гераклита, сидящего у большого каменного блока, является портретом Микеланджело и отсылкой к картине последнего «Пророк Иеремия» в Сикстинской капелле. Его собственный портрет находится справа, рядом с его учителем Перуджино.

Но главным источником популярности Рафаэля стали не его крупные произведения, а небольшие флорентийские картины с Мадонной и Младенцем Христом. Снова и снова он рисовал, в несколько разных позах, похожую пухлую блондинку со спокойным лицом и ее пухлых младенцев, самой известной из которых, вероятно, была «Прекрасная Жардиньер » («Мадонна прекрасного сада»), которая сейчас находится в Лувре . Его более крупная работа, « Сикстинская Мадонна» , использованная в качестве дизайна для бесчисленных витражей , в 21 веке стала образцом культового изображения двух маленьких херувимов, который воспроизводился на всем: от бумажных салфеток до зонтиков.

Джованни Беллини

Джованни Беллини , Алтарь Сан-Заккария

Лидер живописи венецианской Джованни Беллини (1430–1516) родился в течение года со своим братом Джентиле , зятем Мантеньи и Антонелло да Мессина , но прожил на десятилетие дольше, чем первые два, и почти на три десятилетия дольше, чем первые два. последний. Он рисовал вплоть до своей смерти, и его работы отражают несколько влияний. Его ранние работы демонстрируют влияние Мантеньи с резкими линиями и четко очерченными цветами. в то время как после пребывания Мессины в Венеции в 1475–1476 годах его работы приняли фламандский реализм и яркие цвета, что показывает, что он очень успешно перенял методы масляной живописи, принесенные Мессиной. Он был первым учителем Джорджоне. и Тициан но позже на него повлиял Джорджоне, особенно в плане тональности , при которой краска наносится наложенными слоями, создавая мягкий рассеянный эффект, поэтому фигуры и пейзажи становятся более едиными в атмосфере.

Беллини стал единственным великим художником 15-го века, который перешагнул порог от раннего Возрождения к стилю Высокого Возрождения с такими работами, как «Портрет дожа Леонардо Лоредана» (1501), в котором дож демонстрирует спокойствие, которому Беллини, вероятно, научился у Мессины, и Крещение Христа (1500–1502). Беллини, как и Рафаэль , также создал множество маленьких Мадонн насыщенных ярких цветов, обычно более насыщенных тонов, чем его флорентийский коллега.

Традиционно в росписи запрестольных образов Мадонны с Младенцем восседающую на троне фигуру Богородицы сопровождают святые, которые стоят в определенных пространствах, физически разделенных в виде полиптиха или определенных нарисованными архитектурными границами. Пьеро делла Франческа использовал классическую нишу в качестве декорации для своих Мадонн на троне (со святыми, сгруппированными вокруг трона), так же как Мазаччо использовал ее в качестве декорации для своей Святой Троицы в Санта-Мария-Новелла .

Беллини использовал эту же форму, известную как «Священные беседы» , в нескольких своих более поздних алтарях , например, в венецианской церкви Сан-Заккария (1505 г.). Это мастерская композиция, использующая тонализм и расширяющая реальную архитектуру здания в иллюзионистскую архитектуру картины, превращая нишу в своего рода лоджию, открытую для пейзажа и дневного света, струящегося через фигуры Богородицы с Младенцем. две святые женщины и маленький ангел, играющий на альте , что делает их ярче, чем святые Петр и святой Иероним на переднем плане.

Джорджоне

Джорджоне: Буря

Несмотря на недолговечность своей карьеры (умер в 1510 году около 35 лет) и небольшое количество работ, по общему мнению, полностью написанных его рукой (всего четыре или пять), Джорджоне часто называют основателем венецианского стиля Высокого Возрождения. хотя разные ученые приводят разные причины для такого утверждения.

Одним из них является его все более широкое использование градаций цвета и света (цветовая модуляция), в том числе сфумато , часто достигаемое тонализмом. определить формы фигур и пейзажей и создать атмосферу, в которой все компоненты картины едины. Некоторые полагают, что этому его научил Леонардо да Винчи, который, как говорят, посетил Венецию в 1501 году. В его «Мадонне Кастельфранко» , 1505 г., использование линий и цветовых модуляций одинаково сбалансировано, но в «Буре» , ок. В 1510 году цветовая модуляция почти полностью заменяет линию, создавая художественное видение, в котором объединяются человечество и природа. Некоторые считают « Бурю» одной из самых важных картин, созданных в Италии, поскольку компоненты скреплены цветом, и создается мечтательная атмосфера совершенной гармонии. Джорджоне был первым художником, который отвел ведущую роль природе. и всякий раз, когда на его картинах изображен пейзаж, он становится неотъемлемой частью картины.

Мадонна Кастельфранко Джованни Беллини , по сравнению с аналогичным алтарем Сан-Заккария , иллюстрирует еще одно нововведение Джорджоне — корректировку направлений и положений фигур, например, копье, которое держит святой Либерале , слева и складки на мантии Мадонны. параллельно, чтобы еще больше унифицировать предметы. Наконец, картины Джорджоне всегда неоднозначны по своему смыслу и открыты для разных интерпретаций. В «Буре » обнаженная женщина, кормящая младенца, и одетый мужчина, а также вспышка молнии, возможно, символизируют Адама и Еву в их дни после Эдема, а возможно, и нет. Другая приписываемая ему картина, «Три философа» , может изображать волхвов, планирующих свое путешествие в поисках младенца Христа, а может и нет. Ни одна из картин Джорджоне никогда не имела определенной интерпретации.

До недавних лет считалось очевидным, что в « Спящей Венере » 1510 года Джорджоне изобразил самую первую обнаженную женскую фигуру, которая стоит или, скорее, лежит, как объект, которым можно изображать и которым можно восхищаться только за красоту. Хотя давно считалось, что Тициан закончил пейзаж на картине после смерти Джорджоне, многие искусствоведы все чаще задаются вопросом, нарисовал ли Джорджоне все женское тело.

Тициан

Тициан: Успение Богородицы

Тициан ( ок. 1490–1576 ) обучался в мастерской Джованни Беллини вместе с Джорджоне, а затем помогал Джорджоне. После смерти Джорджоне он был монархом венецианской школы более 60 лет. Его ранние работы демонстрируют сильное влияние Беллини и Джорджоне. но вскоре он усвоил принципы формы и цвета, объявленные этими двумя, и установил цвет, а не линию, как главный определяющий фактор в живописи, тем самым завершая венецианский стиль Высокого Возрождения. Он делал это, нанося пастообразные цвета краски участками рядом друг с другом свободными и размашистыми мазками кисти. Это в равной мере одновременно выявило свет и цвет; в свое время он был известен как мастер света и цвета.

Еще одной сильной стороной Тициана была композиция его картин. В « Мадонне Пезаро» (1519–1526) он перемещает Мадонну из центра, вместо этого помещая ее в верхнюю вершину мощной диагональной линии (в отличие от обычной вертикальной или горизонтальной), которая по-прежнему фокусирует внимание на Мадонне. Это была одна из первых работ, в которой фигуры группировались в круглую восходящую структуру.

Успение Богородицы , 1516–1518, также имеет диагональные линии (в форме херувимов, расположенных вокруг Богородицы), которые несут триумфальное послание картины вверх, на верхние уровни церкви Фрари в Венеции, на алтаре которой она стоит. Эта работа была первой, в которой было визуальное представление о движении; все работы Тициана обладают новым динамизмом в движениях людей по сравнению со статичными элементами других живописцев Высокого Возрождения. «Успение Богородицы» , как и все его картины, отличается яркими, глубокими, насыщенными цветами благодаря нанесению Тицианом слоя за слоем краски, иногда разных цветов.

Тициан также был самым востребованным портретистом своего времени и довел портретную живопись до того же уровня уважения, что и повествовательную живопись. Особо примечательны « Конный портрет Карла V» (1548 г.), конная картина в симфонии пурпурных цветов, и портрет дожа Андреа Гритти , правителя Венеции, возможно, самый мощный портрет Тициана.

По мере старения Тициан сохранял в целом стиль Высокого Возрождения до последних лет своей жизни, когда фигура была почти завершена и растворилась в движении цвета. поэтому он становился все более изолированным от основного направления итальянской живописи, которое к 1530 году почти полностью перешло в сторону маньеризма . Во многом Тициана можно считать основоположником современной живописи.

Корреджо

Корреджо: Успение Богородицы

Корреджо (1489–1534), который никогда не был в Риме, но, должно быть, видел работы Рафаэля, Микеланджело и Тициана, работал в личном стиле Высокого Возрождения в Парме , на севере Италии. Он изобрел открытое небо, наполненное плавающими фигурами церковного купола, который стал визитной карточкой периода барокко 17-го века, с его «Видением святого Иоанна Богослова» (1520–1524) в Пармском соборе Сан-Джованни Евангелиста и Успением Богородицы . , 1526–1530, в Пармском соборе. Один ученый-искусствовед утверждает, что в последнем случае Корреджо создает «ослепительную иллюзию: архитектура купола словно растворяется, а форма словно взрывается сквозь здание, увлекая зрителя в водоворот святых и ангелов, которые устремляются вверх, чтобы сопровождать его». Богородица на небеса».

В этих куполах и других работах его смелое использование перспективы, обычно путем сочетания темных цветов со светлыми, чтобы усилить иллюзию глубины, описывается как удивительное. достигнет Его главным интересом было рисование света, и он предвидит эффекты, которых Караваджо в начале следующего столетия. Его мастерство ракурса (заставляя объекты выглядеть короче, потому что они расположены под углом к ​​зрителю) для создания перспективы описывается как, пожалуй, самое умелое из когда-либо существовавших.

В «Юпитере и Ио» (1531–1532) Корреджо изобразил сильный контраст между светящейся фигурой Ио и мягкими, но темными облаками, заполняющими небо. которые, кажется, окутывают сияющее тело Ио. Корреджо прекрасно сумел передать рассеянный эффект облаков, дымки или тумана. и вместе с цветовой модуляцией это придает его персонажам отчетливое ощущение невесомости. Он рисовал плоть в нежной, сладострастной манере, которую еще никто не превзошел. и представляет новую концепцию женской красоты, заново открытую только в период рококо . Корреджо стал прообразом многих составляющих живописи барокко .

Другие значительные художники Высокого Возрождения

Андреа дель Сарто (1486–1530), флорентиец, в своем творчестве опирался как на Микеланджело, так и на Рафаэля, но вышел далеко за их пределы в изображении мимики и жестов, о чем свидетельствует «Мадонна с гарпиями» , 1517. Его фигуры демонстрируют большую индивидуальность, чем более ранние произведения Высокого Возрождения, не теряя при этом ни капли благородства. В 1520-х годах он оставался верным идеалам Высокого Возрождения, например, в композициях картин, и лица его фигур обычно спокойны и часто прекрасны, и в них нет никаких мучений, свойственных его современникам-маньеристам, некоторые из них были его учениками.

Лоренцо Лотто (1480–1556), один из самых выдающихся художников эпохи Возрождения в Венеции. также проводил время в других районах Северной Италии, поскольку, возможно, из-за его большего внимания к реалистическим деталям и онлайн-технологиям, чем к цвету по сравнению с венецианской школой, его не очень ценили в Венеции. Хотя он рисовал самые разные сюжеты, он был превосходным художником-портретистом, обладавшим превосходной способностью заглядывать в душу своих героев и передавать глубину чувств в картинах. Обычно он включал другие объекты на задний или передний план портрета, чтобы изобразить характер героя.

Влияние живописи итальянского Возрождения.

Жизнь Микеланджело и Тициана продолжалась до второй половины 16 века. Оба увидели, что их стили, а также стили Леонардо , Мантеньи , Джованни Беллини , Антонелло да Мессина и Рафаэля, были адаптированы более поздними художниками, чтобы сформировать разрозненный стиль, известный как маньеризм , и неуклонно продвигаться к великому излиянию воображения и живописной виртуозности периода барокко .

Художниками, которые больше всего расширили тенденции в больших фигуративных композициях Тициана, были Тинторетто и Веронезе , хотя многие считают Тинторетто маньеристом. Знание Рембрандтом произведений Тициана и Рафаэля проявляется в его портретах. Прямое влияние Леонардо и Рафаэля на их учеников оказало влияние на поколения художников, включая Пуссена и школы классических художников 18 и 19 веков. Работы Антонелло да Мессины оказали прямое влияние на Альбрехта Дюрера и Мартина Шонгауэра , а через гравюры последнего - на бесчисленное количество художников. Влияние Шонгауэра можно было найти в немецкой, голландской и английской школах производителей витражей , простирающихся до начала 20 века.

Микеланджело Потолок Сикстинской капеллы , а затем «Страшный суд» оказали непосредственное влияние на фигуративные композиции сначала Рафаэля и его учеников, а затем почти каждого последующего художника XVI века, искавшего новые и интересные способы изображения человеческой формы. Его стиль фигуративной композиции можно проследить через Андреа дель Сарто , Понтормо , Бронзино , Пармиджанино , Веронезе , Эль Греко , Карраччи , Караваджо , Рубенса , Пуссена и Тьеполо, а также классических и романтических художников 19-го века, таких как Жак-Луи Давид и Делакруа .

Под влиянием живописи итальянского Возрождения были основаны многие современные академии искусств, такие как Королевская академия , и именно для сбора произведений итальянского Возрождения были созданы некоторые из самых известных в мире коллекций произведений искусства, такие как Национальная академия искусств . Галерея в Лондоне .

Продолжающееся влияние живописи итальянского Возрождения.

Тициан : Портрет дожа Андреа Гритти , венецианец, 16 век.

Диего Веласкес , Филипп IV Испанский , 17 век.

Джошуа Рейнольдс , барон Хитфилд, лорд-хранитель Гибралтара , 18 век

Уильям Орпен , шеф-повар отеля Chatham , 20 век.

См. также

• Жизнеописания самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов
• Старый Мастер
• Хронология итальянских художников до 1800 г.

Библиография

Общий

• Джорджо Вазари, «Жизнеописания художников» (1568 г.), издание 1965 г., пер. Джордж Булл, Пингвин, ISBN   0-14-044164-6
• Фредерик Хартт, История итальянского искусства эпохи Возрождения (1970) Темза и Гудзон, ISBN   0-500-23136-2
• Грэм-Диксон, Эндрю, Возрождение (1999) Калифорнийский университет Press, ISBN   978-0520223752
• Эксерджян, Дэвид, Алтарь итальянского Возрождения: между иконой и повествованием (2021), Издательство Йельского университета, ISBN   978-0300253641
• Р.Э. Вольф и Р. Миллен, Искусство эпохи Возрождения и маньеризма (1968) Abrams Press, ISBN неизвестен
• Кейт Кристиансен, Итальянская живопись (1992) Хью Лаутер Левин/Макмиллан, ISBN   0883639718
• Хелен Гарднер, Искусство сквозь века (1970) Харкорт, Брейс и мир, ISBN   0-15-503752-8
• Майкл Баксандалл, Живопись и опыт в Италии пятнадцатого века (1974), Oxford University Press, ISBN   0-19-881329-5
• Маргарет Астон, Пятнадцатый век: перспективы Европы (1979), Темза и Гудзон, ISBN   0-500-33009-3
• Илан Рахум, Возрождение: Иллюстрированная энциклопедия (1979) Осьминог, ISBN   0-7064-0857-8
• Дайана Дэвис, Иллюстрированный словарь искусства и художников Харрапа (1990) Harrap Books, ISBN   0-245-54692-8
• Лучано Берти, Флоренция: Город и его искусство (1971) Скала, ISBN неизвестен
• Рона Гоффен, Соперники эпохи Возрождения: Микеланджело, Леонардо, Рафаэль, Тициан (2004) Издательство Йельского университета, ISBN   0300105894
• Арнольд Хаузер, Социальная история искусства, Том. 2: Ренессанс, Маньеризм, Барокко (1999) Рутледж, ISBN   0415199468
• Лучано Берти, Уффици (1971) Scala Publications, Флоренция, ISBN   978-1870248815
• Майкл Уилсон, Национальная галерея, Лондон (1977) Скала, ISBN   0-85097-257-4
• Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный (1974) Майкл Джозеф, ISBN   0-7181-1204-0
• Шакка, Кристина (2012). Флоренция на заре Возрождения: живопись и иллюминация, 1300–1500 гг . Публикации Гетти. ISBN  978-1-60606-126-8 . Архивировано из оригинала 20 сентября 2012 г.
• Вольфлин, Генрих (1980). Классическое искусство: введение в итальянский Ренессанс . Итака, Нью-Йорк: Издательство Корнельского университета. ISBN  9780801491931 .

Художники

• Джон Уайт, Дуччо , (1979) Темза и Гудзон, ISBN   0-500-09135-8
• Сесилия Джаннелла, Дуччо ди Буонинсенья , (1991) Скала/Риверсайд, ISBN   1-878351-18-4
• Сарел Эймерл, Мир Джотто , (1967) Время/Жизнь, ISBN   0-900658-15-0
• Мгр. ( Джусто де Менабуой 1988) Дж. Деганелло, ISBN неизвестен
• Орнелла Казацца, Мазаччо и капелла Бранкаччи , (1990) Скала/Риверсайд, ISBN   1-878351-11-7
• Аннарита Паольери, Паоло Уччелло, Доменико Венециано, Андреа дель Кастаньо , (1991) Скала/Риверсайд, ISBN   1-878351-20-6
• Алессандро Анджелини, Пьеро делла Франческа , (1985) Скала/Риверсайд, ISBN   1-878351-04-4
• Питер Мюррей и Пьер Луиджи Векки, Пьеро делла Франческа , (1967) Пингвин, ISBN   0-14-008647-1
• Умберто Бальдини, Весна , (1984) Абрамс, ISBN   0-8109-2314-9
• Раньери Варезе, Дворец Скифанойя , (1980) Образец/Скала, ISBN неизвестен
• Анжела Оттино делла Кьеза, Леонардо да Винчи , (1967) Пингвин, ISBN   0-14-008649-8
• Джек Вассерман, Леонардо да Винчи , (1975) Абрамс, ISBN   0-8109-0262-1
• Массимо Джакометти, Сикстинская капелла , (1986) Harmony Books, ISBN   0-517-56274-X
• Людвиг Гольдшидер, Микеланджело , (1962) Файдон, ISBN неизвестен
• Габриэль Барц и Эберхард Кениг, Микеланджело , (1998) Кенеманн, ISBN   3-8290-0253-X
• Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие , (1983) BBC, ISBN   0-563-20149-5
• Жан-Пьер Кюзен, Рафаэль, его жизнь и творчество , (1985) Чартвелл, ISBN   0-89009-841-7
• Мариолина Оливари, Джованни Беллини , (1990) Скала. ISBN неизвестен
• Сесил Гулд, Тициан , (1969) Хэмлин, ISBN неизвестен