Французское искусство

Французское искусство состоит из изобразительного и пластического искусства (включая французскую архитектуру , изделия из дерева, текстиль и керамику), происходящих из географической зоны Франции . Современная Франция была главным центром европейского искусства верхнего палеолита . ^{[ нужна ссылка ]} тогда осталось множество мегалитических памятников, а в железном веке — множество наиболее впечатляющих находок раннего кельтского искусства . Галло -римский период оставил после себя характерный провинциальный стиль скульптуры, а регион вокруг современной франко-германской границы возглавил империю в массовом производстве тонко украшенной древнеримской керамики , которая в больших масштабах экспортировалась в Италию и другие страны. С искусства Меровингов начинается история французских стилей как особого и влиятельного элемента в более широком развитии искусства христианской Европы.

Романская и готическая архитектура процветала в средневековой Франции, причем готическая архитектура зародилась в регионах Иль-де-Франс и Пикардия на севере Франции. ^[1]^[2] В эпоху Возрождения Италия стала основным источником стилистических разработок, пока Франция не стала соответствовать влиянию Италии в рококо и неоклассицизма. периоды ^{[ нужна ссылка ]} В течение 19-го века и до середины 20-го века Франция и особенно Париж считались центром мира искусства с такими художественными стилями, как импрессионизм , постимпрессионизм , кубизм , фовизм, зародившимися там, а также движениями и собраниями иностранных художников, таких как Школа Парижа . ^[3]^[4]^[5]^[6]^[7]^[8]

Исторический обзор

Предыстория

В настоящее время самое раннее известное европейское искусство относится к периоду верхнего палеолита между 40 000 и 10 000 лет назад, и Франция имеет большой выбор дошедшего до нас доисторического искусства из Шательперронской , Ориньякской , Солютрейской , Граветтской и Магдалинской культур. Это искусство включает в себя наскальные рисунки , такие как знаменитые картины в Пеш-Мерле в Лоте в Лангедоке , которые датируются 16 000 г. до н. э., Ласко , расположенный недалеко от деревни Монтиньяк в Дордони , датируемые периодом между 13 000 и 15 000 г. до н. э., или, возможно, еще в 25 000 г. до н. э., пещера Коскер , пещера Шове, датируемая 29 000 г. до н. э., и пещера Труа-Фрер ; и портативные предметы искусства , такие как резные изображения животных и статуэтки великих богинь, называемые фигурками Венеры , такие как « Венера Брассемпуи » 21 000 г. до н.э., обнаруженная в Ландах , которая сейчас находится в музее в замке Сен-Жермен-ан-Ле или Венера Леспюгская в Музее Человека . декоративные бусы, костяные булавки, резьба, а также кремневые и каменные наконечники стрел К доисторическим предметам с территории Франции также относятся .

Существуют предположения, что только Homo sapiens способен к художественному выражению, однако недавняя находка — Маска Ла Рош-Котара — мустьерский или неандертальский артефакт, найденная в 2002 году в пещере на берегу реки Луары , датируемая примерно 33 000 г. до н.э. — теперь можно предположить, что неандертальцы, возможно, развили сложную и сложную художественную традицию.

В период неолита ( см. Неолитическая Европа ) начинают появляться мегалитические (крупные каменные) памятники, как, например, дольмены и менгиры в Карнаке , Сен-Сюльпис-де-Фалеранс и других местах Франции; Считается, что это появление началось в пятом тысячелетии до нашей эры, хотя некоторые авторы предполагают о мезолита корнях . Во Франции насчитывается около 5000 памятников мегалитики, главным образом в Бретани, где находится наибольшая концентрация этих памятников. В этой области имеется большое разнообразие хорошо сохранившихся памятников, таких как менгиры, дольмены, кромлехи и пирамиды из камней. Пирамида Гаврини на юге Бретани является выдающимся примером мегалитического искусства: ее 14-метровый внутренний коридор почти полностью украшен декоративной резьбой. Огромный сломанный менгир Эр-Гры , теперь разделенный на четыре части, изначально имел высоту более 20 метров, что делало его самым большим менгиром, когда-либо возведенным. Во Франции также есть множество расписных камней, полированных каменных топоров и менгиров с надписями этого периода. Район Гран-Прессиньи был известен своими драгоценными кремневыми лезвиями, которые широко экспортировались в эпоху неолита.

Во Франции от неолита до бронзового века можно найти множество археологических культур, в том числе культуру Рёссена ок . 4500–4000 гг. До н.э., Кубковая культура ок . 2800–1900 гг. До н.э., культура курганов ок . 1600–1200 гг. До н.э., культура поля урн ок . 1300–800 гг. До н.э., и при переходе к веку железному Гальштатская культура ок . 1200 –500 до н.э.

Дополнительную информацию о доисторических памятниках Западной Франции см . в разделе «Предыстория Бретани» .

Кельтский и римский периоды

Из протокельтских континентальное железного века кельтское искусство культур Урнфилд и Гальштат развилось ; в основном связан с культурой Ла Тен , которая процветала в период позднего железного века с 450 г. до н. э. до римского завоевания в первом веке до н. э. Это искусство опиралось на местные классические и, возможно, средиземноморские восточные источники. Кельты Галлии известны благодаря многочисленным гробницам и курганам, найденным по всей Франции.

Кельтское искусство очень орнаментально, избегает прямых линий и лишь изредка использует симметрию, без имитации природы или идеала красоты, центрального для классической традиции, но, по-видимому, часто включает в себя сложную символику. Это произведение искусства включает в себя множество стилей и часто включает в себя слегка измененные элементы других культур, примером которых является характерное переплетение сверху и снизу, которое появилось во Франции только в шестом веке, хотя оно уже использовалось германскими художниками. В могиле кельтского Викса на территории современной Бургундии обнаружен самый большой бронзовый кратер античности, который, вероятно, был привезен кельтскими аристократами из Греции.

Регион Галлия ( лат . Gallia ) находился под властью Римской империи с первого века до нашей эры по пятый век нашей эры. Южная Франция, и особенно Прованс и Лангедок, известна множеством нетронутых галло-римских памятников. Лугдунум , современный Лион, был во времена Римской империи крупнейшим городом за пределами Италии и дал жизнь двум римским императорам. В городе до сих пор сохранились некоторые римские руины, включая театр. Монументальные произведения этого периода включают амфитеатр в Оранже, Воклюзе , « Мезон Карре » в Ниме , который является одним из наиболее хорошо сохранившихся римских храмов в Европе, город Вьенна недалеко от Лиона, в котором есть исключительно хорошо сохранившийся храм (храм Август и Ливия), цирк и другие руины, Пон-дю-Гар акведук , который также находится в исключительном состоянии сохранности, римские города Гланум и Везон-ла-Ромен , две нетронутые галло-римские арены в Ниме и Арле. и римские бани , арена парижская и .

Средневековый период

Меровингское искусство

Искусство Меровингов — искусство и архитектура Меровинговской , династии франков существовавшей с пятого по восьмой век на территории нынешних Франции и Германии . Приход династии Меровингов в Галлию в пятом веке привел к важным изменениям в искусстве. В архитектуре уже не было стремления строить прочные и гармоничные здания. Скульптура превратилась в не более чем простую технику украшения саркофагов , алтарей и церковной мебели. С другой стороны, появление золотых изделий и освещения рукописей привело к возрождению кельтских украшений, которые, вместе с христианскими и другими вкладами, составляют основу искусства Меровингов. Объединение Франкского королевства при Хлодвиге I (465–511) и его преемниках соответствовало необходимости строительства церквей. Планы их, вероятно, были скопированы с римских базилик . К сожалению, эти деревянные конструкции не сохранились из-за разрушения в результате пожара, случайного или вызванного Норманны во время их вторжений.

Каролингское искусство

Каролингское искусство — это приблизительный 120-летний период с 750 по 900 годы — во время правления Карла Мартелла , Пипина Младшего , Карла Великого и его непосредственных наследников — широко известный как Каролингский ренессанс . Эпоха Каролингов — это первый период средневекового художественного движения, известного как прероманский стиль . Впервые короли Северной Европы покровительствовали классическим формам средиземноморского римского искусства, смешивая классические формы с германскими, создавая совершенно новые инновации в рисовании линий фигурок и создавая основу для подъема романского искусства и, в конечном итоге, готического искусства на Западе. .

От того периода сохранились иллюминированные рукописи, изделия из металла, небольшие скульптуры, мозаики и фрески. Каролинги также провели крупные архитектурные строительные кампании во многих церквях во Франции. К ним относятся Мец , Лион , Вена , Ле-Ман , Реймс , Бове , Верден , Сен-Жермен в Осере , Сен-Пьер во Флавиньи и Сен-Дени , а также центр города Шартр . Аббатство Сентула ( Сен-Рикье Сомма ) , построенное в 788 году, было крупным достижением монастырской архитектуры. Еще одним важным зданием (в настоящее время практически утраченным) была «Вилла Теодульфа» в Жерминьи-де-Пре .

С окончанием правления Каролингов около 900 г. художественное производство остановилось почти на три поколения. После распада Каролингской империи Франция распалась на ряд враждующих провинций, лишенных какого-либо организованного покровительства. Французское искусство десятого и одиннадцатого веков создавалось местными монастырями для поощрения грамотности и благочестия, однако созданные примитивные стили не были столь высококвалифицированными, как техники раннего периода Каролингов.

Множество региональных стилей развивались на основе случайного наличия манускриптов Каролингов в качестве моделей для копирования, а также наличия странствующих художников. Монастырь Сен-Бертен стал важным центром при его настоятеле Одберте (986–1007), который создал новый стиль, основанный на англосаксонских и каролингских формах. Близлежащее аббатство Сен-Вааст (Па-де-Кале) также создало ряд важных произведений. На юго-западе Франции было создано несколько рукописей ок. 1000 г., в монастыре Сен-Марциаль в Лиможе , а также в Альби , Фижаке и Сен-Север-де-Рустан в Гаскони . В Париже уникальный стиль развился в аббатстве Сен-Жермен-де-Пре . В Нормандии новый стиль возник в 975 году. К концу десятого века, благодаря реформаторскому движению Клюни и возрождению духа концепции Империи, производство произведений искусства возобновилось.

Романское искусство

Романское искусство относится к искусству Западной Европы в течение ста пятидесяти лет, примерно с 1000 года нашей эры до возникновения готического стиля , возникшего в середине двенадцатого века во Франции. «Романское искусство» ознаменовалось возобновлением интереса к римским методам строительства. Например, капители двенадцатого века в монастыре Сен-Гильем-ле-Дезер используют аканта листьев мотив и декоративное использование просверленных отверстий, которые обычно встречались на римских памятниках. Другие важные романские здания во Франции включают аббатство Сен-Бенуа-сюр-Луар в Луаре , церкви Сен-Фуа в Конке Аверона Соне , Сен-Мартен в Туре , Сен-Филибер в Турню в и Луаре , церковь Сен-Мартен в Туре . -Реми в Реймсе и Сен-Сернен в Тулузе . В частности, Нормандия пережила большую строительную кампанию в церквях Берне , Мон-Сен-Мишель , соборе Кутанс и Байе .

Большая часть романской скульптуры была интегрирована в церковную архитектуру не только по эстетическим, но и по структурным причинам. Мелкая скульптура дороманского периода находилась под влиянием византийской и раннехристианской скульптуры. Другие элементы были заимствованы из различных местных стилей стран Ближнего Востока. Мотивы были заимствованы из искусства «варваров», такие как гротескные фигуры, звери и геометрические узоры, которые были важными дополнениями, особенно в регионах к северу от Альп. Среди важных скульптурных произведений того периода — резьба по слоновой кости в монастыре Святого Галла . Монументальная скульптура редко практиковалась отдельно от архитектуры в дороманский период. Впервые после падения Римской империи монументальная скульптура стала значимым видом искусства. Крытые церковные фасады , дверные проемы и капители увеличивались в размерах и значении, как в Страшного Суда Тимпане , Болье-сюр-Дордонь и Стоящем Пророке в Муассак . Монументальные двери, купели и подсвечники, часто украшенные сценами из библейской истории, были отлиты из бронзы, что свидетельствует о мастерстве современных мастеров по металлу. Фрески наносились на своды и стены церквей. Богатые ткани и драгоценные предметы из золота и серебра, такие как чаши и реликварии, производились во все большем количестве для удовлетворения нужд литургии и служения культу святых. В двенадцатом веке масштабная каменная скульптура распространилась по всей Европе. Во французских романских церквях Прованса , Бургундии и Аквитании скульптуры украшали фасады, а статуи были встроены в капители.

Готика

Готическое искусство и архитектура были продуктами средневекового художественного движения, просуществовавшего около трехсот лет. Это началось во Франции, развиваясь в романский период в середине двенадцатого века. К концу четырнадцатого века он превратился в более светский и естественный стиль, известный как Международная готика , который продолжался до конца пятнадцатого века, когда он развился дальше, в искусство эпохи Возрождения . Основными средствами готического искусства были скульптура , панно , витражи , фрески и иллюминированные рукописи .

Готическая архитектура зародилась в середине двенадцатого века в Иль-де-Франс , когда аббат Сужер построил аббатство в Сен-Дени , ок. 1140 г., считается первым готическим зданием, а вскоре после этого - Шартрский собор , ок. 1145. До этого в Иль-де-Франс не было традиции скульптуры - поэтому из Бургундии были привезены скульпторы , которые создали революционные фигуры, выступающие в роли колонн на западном (королевском) портале Шартрского собора ( см. изображение ) - это было совершенно новое изобретение во французском искусстве, которое послужило образцом для целого поколения скульпторов. Другие известные готические церкви во Франции включают Буржский собор , Амьенский собор , Нотр-Дам де Лаон , Нотр-Дам в Париже , Реймсский собор , Сент-Шапель в Париже , Страсбургский собор .

Обозначения стилей во французской готической архитектуре следующие: ранняя готика, высокая готика, искусственная готика и поздняя готика или яркая . Деление на эти подразделения эффективно, но спорно. Поскольку готические соборы строились в течение нескольких последовательных периодов, а ремесленники каждого периода не обязательно следовали пожеланиям предыдущих периодов, доминирующий архитектурный стиль часто менялся во время строительства конкретного здания. Следовательно, трудно отнести одно здание к определенной эпохе готической архитектуры. Полезнее использовать термины в качестве дескрипторов конкретных элементов конструкции, а не применять их к зданию в целом.

Французские идеи распространялись. Готическая скульптура превратилась из раннего жесткого и удлиненного стиля, все еще частично романского, в пространственную и натуралистическую трактовку в конце двенадцатого и начале тринадцатого века. Влияние сохранившихся древнегреческих и римских скульптур было включено в обработку драпировки, выражения лица и позы голландско-бургундского скульптора Клауса Слютера , а вкус к натурализму впервые ознаменовал конец готической скульптуры, превратившейся в классицистический стиль Возрождения. к концу пятнадцатого века.

Париж, в то время крупнейший город западного мира , стал ведущим центром производства роскошных артефактов в 13 и 14 веках, особенно маленьких скульптур из слоновой кости и шкатулок из слоновой кости со сценами куртуазной любви (таких как «Шкатулка со сценами любви»). Романсы в Художественном музее Уолтерса ). Париж также превратился в один из самых ярких центров производства ювелирных изделий и драгоценных реликвариев, таких как Реликварий Святого Шипа, сделанный для Жана, герцога Беррийского , или Золотой Рессль из Альтёттинга , сделанный для Карла VI , короля Франции.

Французское готическое искусство
Капитель южного портала Буржского собора , около 1160–1170 гг.
Портал Страшного суда западного фасада Амьенского собора , 1220–1230 гг.
Улыбающийся ангел Реймсского собора , 1236–1245 гг.
Витраж западных розовых ланцетов Шартрского собора , середина XII века.
Шкатулка со сценами из романсов, около 1310–1330 гг.
Сцены из жизни святого Бенедикта , каменный рельеф 1250-1260 гг.

Живопись в стиле, который можно назвать «готическим», появилась только примерно в 1200 году, почти через пятьдесят лет после появления готической архитектуры и скульптуры. Переход от романского стиля к готике очень неточен и отнюдь не четко очерчен, но можно увидеть начало стиля более мрачного, темного и эмоционального, чем предыдущий период. Этот переход происходит сначала в Англии и Франции около 1200 г., в Германии около 1220 г. и в Италии около 1300 г. Живопись, изображение изображений на поверхности, практиковалась в готический период в четырех основных ремеслах: фресках , панно , освещении рукописей . и витражи . Фрески продолжали использоваться в качестве основного изобразительного повествовательного ремесла на церковных стенах в южной Европе как продолжение раннехристианских и романских традиций. На севере витражи и освещение рукописей оставались доминирующим видом искусства до пятнадцатого века.

Страница из Псалтири Ингеборг , Северная Франция, ок. 1195.

В конце 14-го века и в течение 15-го века французские княжеские дворы, такие как дворы герцогов Бургундских, герцога Анжуйского или герцога Беррийского, а также Папа и кардиналы в Авиньоне нанимали известных художников, таких как Братья Лимбург , Бартелеми д'Эйк , Ангерран Квартон или Жан Фуке , которые разработали так называемый международный готический стиль, который распространился по Европе и вобрал в себя новое фламандское влияние, а также инновации итальянских художников раннего Возрождения.Северная Франция была также главным европейским центром производства иллюминированных рукописей . Иллюминированные рукописи представляют собой наиболее полную запись готической живописи, обеспечивая запись стилей в местах, где не сохранилось ни одного монументального произведения.

Самые ранние полные рукописи с иллюстрациями французской готики датируются серединой 13 века. ^[9] Многие из таких иллюминированных рукописей были царскими библиями, хотя псалтыри также включали иллюстрации; Парижская Псалтирь Святого Людовика , датируемая 1253–1270 годами, включает 78 полностраничных иллюстраций, выполненных темперой и сусальным золотом. ^[10]

Иллюминированные рукописи особенно процветали в 15 веке благодаря многочисленным герцогским судам, пришедшим к власти во Франции в то время. В XV веке эти драгоценные расписные книги обычно создавались фламандскими художниками из Бургундских Нидерландов (тогда находившихся под французским правлением герцогов Бургундских) или французскими художниками, состоявшими на службе при главных княжеских дворах (королевский двор в Париже, но также герцогские дворы Бургундии, Анжу, Берри, Бурбона, Орлеана и Бретани). Король Сицилии и герцог Анжуйский, Рене сам был автором куртуазных любовных романов и просил лучших художников украсить свои сочинения сложными картинами, такими как « Livre du cœur d'Amour épris», иллюминированная Бартелеми д'Эйком. Братья Лимбург были ответственными за создание « Très riches heures du duc de Berry» , считающегося шедевром международных готических рукописей, созданного для герцога Беррийского, короля Карла V. брата

Французское готическое искусство
Жан Фуке , Мадонна с Младенцем в окружении ангелов , правая створка Меленского диптиха , около 1452 г.
Триптих из слоновой кости, «Сцены из детства и страстей Христовых» , Париж, конец XIII века.
Бог Геометр , иллюминированная рукопись, около 1220–1230 гг.
Рудскрин собора Альби , 1474–1483 гг.
Жан Фуке , Распятие , около 1452–1460 гг., из иллюминированной рукописи.
Витраж Шартрского собора, южная роза, 1221–1230 гг.

Ранний современный период

В конце пятнадцатого века французское вторжение в Италию и близость энергичного бургундского двора с его фламандскими связями позволили французам познакомиться с товарами, картинами и творческим духом Северного и итальянского Возрождения . Первоначальные художественные изменения в то время во Франции были осуществлены итальянскими и фламандскими художниками, такими как Жан Клуэ и его сын Франсуа Клуэ , а также итальянцами Россо Фиорентино , Франческо Приматиччо и Никколо дель Аббате из того, что часто называют первой школой. из Фонтенбло с 1531 года. Леонардо да Винчи также был приглашен во Францию Франсуа I, но, кроме картин, которые он привез с собой, он мало что создал для французского короля.

Искусство периода от Франсуа I до Генриха IV часто во многом вдохновляется поздними итальянскими изобразительными и скульптурными разработками, обычно называемыми маньеризмом , которые связаны, с более поздними работами Микеланджело , а также Пармиджанино среди прочего, . Для него характерны удлиненные и изящные фигуры, основанные на визуальной риторике , включая тщательно продуманное использование аллегорий и мифологии . Возможно, величайшим достижением французского Возрождения было строительство замков долины Луары . Такие дворцы для удовольствий, которые больше не задумывались как крепости, использовали богатство рек и земель региона Луары и демонстрируют замечательное архитектурное мастерство.

Некоторые важные французские архитекторы, принявшие стиль Ренессанса, — это Пьер Леско , перестроивший часть дворца Лувр для короля, Филибер Делорм , Жан Буллан и Жак I Андруэ дю Серсо .

Скульптура получила большое развитие во Франции в эпоху Возрождения и сохранилась лучше, чем живопись. Хотя Франческо Лаурана работал во Франции в течение короткого периода времени в конце 15 века, итальянский стиль стал преобладать во Франции только в начале 16 века, после начала итальянских войн . В скульптуре важную роль сыграл приезд семьи Джусто , которая последовала за Людовиком XII во Францию в 1504 году . Позже другим крупным итальянским скульптором, работавшим при дворе, был Бенвенуто Челлини , который работал на Франсуа Иера с 1540 года и импортировал стиль маньеризма во Францию (одним из примеров является Нимфа Фонтенбло ). Крупнейшими французскими скульпторами того времени являются Мишель Коломб , ответственный за гробницу Франциска II, герцога Бретани в Нанте, который имел возможность работать вместе с братьями Джусто. Наряду с Коломбом, Жан Гужон и Жермен Пилон считаются лучшими французскими скульпторами того периода, работавшими в сложном стиле маньеризма. Другой важной фигурой того времени является Пьер Бонтан . Регион Шампань вокруг Труа , а также долина Луары и Нормандия были важными региональными центрами скульптуры. В герцогстве Лотарингии и Баре появился региональный, но очень талантливый деятель в лице Лижье Ришье .

Искусство французского Возрождения
Замок Шамбор
Франсуа Клуэ , Портрет Пьера Кете , 1562 год.
Потолок часовни замка Ане
Жермен Пилон , Скорбящая Дева , 1586 г.
Жан Гужон и другие, Надгробный памятник Луи де Брезе в Руанском соборе , 1536–1544 гг.
Массео Абакесне , глиняный тротуар, 1550 г.
Бернар Палисси (приписывается), тарелка, 1575–1600 гг.
Кабинет Хьюга Самбена
Галерея Фарсала в замке Анси-ле-Фран , 1560-е гг.
Мастер И.К., Лиможская эмалированная тарелка, Вторая половина XVI века.
1545 года Витраж в церкви Сен-Жерве Сен-Проте в Жизоре
Посещение , 1520 г., Труа , церковь Сен-Жан-о-Марше.

Барокко и Классицизм

Семнадцатый век стал золотым веком французского искусства во всех областях.В начале семнадцатого века тенденции позднего маньеризма и раннего барокко продолжали процветать при дворе Марии Медичи и Людовика XIII .Искусство этого периода демонстрирует влияние как севера Европы, а именно голландской и фламандской школ, так и римских художников Контрреформации . Художники во Франции часто обсуждали контрастные достоинства Питера Пауля Рубенса с его фламандским барокко, сладострастными линиями и цветами и Николя Пуссена с его рациональным контролем, пропорциями, стилем римского классицизма в стиле барокко. Другим сторонником классицизма, работавшим в Риме, был Клод Желле , известный как Ле Лоррен, который определил форму классического пейзажа.

Многие молодые французские художники начала века отправились в Рим для обучения и вскоре усвоили влияние Караваджо , например Валентин де Булонь и Симон Вуэ . Последнему приписывают появление барокко во Франции, и по возвращении в Париж в 1627 году он был назван первым художником короля. Но французская живопись вскоре отошла от экстравагантности и натурализма итальянского барокко, и такие художники, как Эсташ Ле Сюёр и Лоран де ла Гир , следуя примеру Пуссена, разработали классицистический путь, известный как парижский аттизм , вдохновленный античностью и сосредоточивший внимание на пропорциях, гармонии. и важность рисования. Даже Вуэ после возвращения из Италии изменил свою манеру на более размеренную, но все же весьма декоративную и элегантную.

Но в то же время все еще существовала сильная школа барокко Караваджисти, представленная в тот период удивительными картинами Жоржа де Ла Тура, освещенными свечами . Несчастные и бедные были изображены в квази-голландской манере на картинах трех братьев Ленен . На картинах Филиппа де Шампэня присутствуют как пропагандистские портреты Людовика XIII министра кардинала Ришелье, так и другие, более созерцательные портреты представителей католической секты янсенистов .

В архитектуре такие архитекторы, как Саломон де Бросс , Франсуа Мансар и Жак Лемерсье, помогли определить французскую форму барокко, разработав формулу городского отеля , который должен был повлиять на всю Европу и сильно отошел от итальянского эквивалента, палаццо . Многие аристократические замки были перестроены в новом классическом стиле барокко, наиболее известными из которых являются Мезон и Шеверни , характеризующиеся высокими крышами «по-французски» и формой, сохранившей средневековую модель замка, украшенную выдающимися башнями.

С середины до конца семнадцатого века французское искусство чаще называют термином «классицизм», который подразумевает соблюдение определенных правил пропорций и умеренности, нехарактерных для барокко, как это практиковалось в большей части остальной Европы в период тот же период. При Людовике XIV барокко в том виде, в котором оно практиковалось в Италии, было не во вкусе французов, например, поскольку знаменитое предложение Бернини по перепроектированию Лувра было отклонено Людовиком XIV.

Посредством пропаганды , войн и великих архитектурных произведений Людовик XIV запустил обширную программу, направленную на прославление Франции и своего имени. , Версальский дворец первоначально крошечный охотничий домик, построенный его отцом, был преобразован Людовиком XIV в чудесный дворец для праздников и вечеринок под руководством архитектора Луи Ле Вау (который также построил замок Во-ле-Виконт) . ) и Жюля Ардуэна Мансара (построившего церковь Инвалидов в Париже), художника и дизайнера Шарля Лебрена и ландшафтного архитектора Андре Ленотра, усовершенствовавшего рациональную форму французского сада , который из Версаля распространился по всей Европе.

Для скульптуры правление Людовика XIV также оказалось важным моментом благодаря защите королем таких художников, как Пьер Пюже , Франсуа Жирардон и Антуан Койсевокс . В Риме Пьер Легро , работавший в более барочной манере, был одним из самых влиятельных скульпторов конца века.

Рококо и неоклассицизм

Рококо и неоклассицизм — термины, используемые для описания изобразительного и пластического искусства и архитектуры в Европе с начала восемнадцатого века до конца восемнадцатого века. Во Франции смерть Людовика XIV в 1715 году привела к периоду свободы, обычно называемому Режансом . Версаль был заброшен с 1715 по 1722 год молодым королем Людовиком XV и правительством во главе с герцогом Орлеанским, проживавшим в Париже. Там в декоративном искусстве возник новый стиль, известный как рокайль : асимметрия и динамизм барокко были сохранены, но обновлены в стиле менее риторическом и с менее помпезными эффектами, более глубоким исследованием искусственности и использованием мотивов, вдохновленных природой. . Такая манера украшения комнат и мебели существовала и в живописи. Живопись Рокайля обратилась к более легким сюжетам, таким как «галантные праздники», театральные декорации, приятные мифологические повествования и женская обнаженная натура. Морализаторские стороны мифов и исторических картин чаще всего опускаются, а акцент делается на декоративную и приятную сторону изображаемых сцен. В картинах того периода больше внимания уделяется цвету, чем рисунку, с явными мазками и очень красочными сценами. Важные французские художники этого периода включают Антуан Ватто , считающийся изобретателем галантного праздника , Николя Ланкре и Франсуа Буше , известный своими нежными пасторальными и галантными сценами. Пастельная портретная живопись стала особенно модной в Европе в то время, и Франция была основным центром деятельности пастелистов с такими выдающимися фигурами, как Морис Кантен де Ла Тур , Жан-Батист Перронно и швейцарец Жан-Этьен Лиотар .

Стиль оформления Людовика XV , хотя и проявился уже в конце последнего правления, был более светлым, с пастельными тонами, деревянными панелями, меньшими комнатами, меньшим количеством позолоты и меньшим количеством парчи; преобладали ракушки, гирлянды и изредка китайские предметы. Мануфактуры Шантильи , , Венсенна а затем Севра производили одни из лучших фарфоров того времени. Высококвалифицированные ébénistes , краснодеревщики, в основном базирующиеся в Париже, создавали сложные предметы мебели с украшениями из драгоценного дерева и бронзы, которые получили высокую оценку и подражали во всей Европе. Самыми известными являются Жан-Франсуа Эбен , создавший рабочий стол короля Людовика XV в Версале, Бернар II ван Рисамбург и Жан-Анри Ризенер . Высококвалифицированные художники, называемые ciseleur-doreurs , специализировались на бронзовых украшениях для мебели и других предметах декоративного искусства. Самыми известными из них являются Пьер Гутьер и Пьер-Филипп Томир . Талантливые мастера-серебряники, такие как Томас Жермен и его сын Франсуа-Тома Жермен, создали сложные сервизы из серебра, которые получили высокую оценку различных королевских особ Европы. Комнаты в Особые замки и отели были более интимными, чем во времена правления Людовика XIV, и были украшены буазери в стиле рокайль (резные деревянные панели, покрывающие стены комнаты), задуманные такими архитекторами, как Жермен Боффран и Жиль-Мари Оппенорд, или орнеманистами (дизайнерами декоративных украшений). предметы), такие как Жюст-Орель Мейсонье .

Самыми выдающимися архитекторами первой половины века были, помимо Боффрана, Робер де Котт и Анж-Жак Габриэль , которые спроектировали общественные площади, такие как площадь Согласия в Париже и площадь Биржи в Бордо, в стиле, сознательно вдохновлен эпохой Людовика XIV. В течение первой половины века Франция заменила Италию в качестве художественного центра и главного художественного влияния в Европе, и многие французские художники работали при других дворах по всему континенту.

Во второй половине восемнадцатого века по-прежнему наблюдалось преобладание Франции в Европе, особенно в области искусства и науки, и знание французского языка от членов европейских дворов ожидалось . Французская академическая система продолжала создавать художников, но некоторые, такие как Жан-Оноре Фрагонар и Жан-Батист-Симеон Шарден , исследовали новые и все более импрессионистические стили живописи толстой кистью. Хотя иерархия жанров продолжала соблюдаться официально, чрезвычайно модными были жанровая живопись , пейзаж , портрет и натюрморт . Шарден и Жан-Батист Удри славились своими натюрмортами, хотя официально этот жанр считался самым низким из всех жанров в иерархии сюжетов живописи.

В этот период можно также обнаружить предромантический аспект. Юбера Робера Типичны в этом отношении изображения руин , вдохновленные итальянской картиной каприччио , а также изображение штормов и лунных морских пехотинцев Клода Жозефа Верне . То же самое относится и к переходу от рационального и геометрического французского сада Андре Ленотра к английскому саду , в котором подчеркивалась искусственно дикая и иррациональная природа. В некоторых из этих садов можно также найти любопытные руины храмов, называемые «безумием».

Во второй половине восемнадцатого века во Франции произошел поворот к неоклассицизму , то есть к сознательному использованию греческих и римских форм и иконографии . Это движение продвигали интеллектуалы, такие как Дидро, в ответ на искусственность и декоративную сущность стиля рокай . В живописи величайшим представителем этого стиля является Жак-Луи Давид , который, зеркально отражая профили греческих ваз, подчеркивал использование профиля. Его предметом часто была классическая история, такая как смерть Сократа и Брута. Достоинство и тематика его картин во многом вдохновлены работами Николя Пуссена семнадцатого века. Пуссен и Давид, в свою очередь, оказали большое влияние на Жана Огюста Доминика Энгра . Другими важными художниками-неоклассиками того периода являются Жан-Батист Грёз , Жозеф-Мари Вьен , работающая в портретном жанре и Элизабет Луиза Виже Лебрен . Неоклассицизм проник также в декоративное искусство и архитектуру.

Такие архитекторы, как Леду и Буле, разработали радикальный стиль неоклассической архитектуры, основанный на простых и чистых геометрических формах, с исследованием симметрии и гармонии, разрабатывая дальновидные проекты, например, комплекс соляных копей Арк-э-Сенана Леду, модель идеальной фабрики, разработанной на основе рациональных концепций мыслителей эпохи Просвещения .

Современный период

19 век

Французская революция и наполеоновские войны принесли большие изменения в искусство Франции. Программа экзальтации и мифотворчества французского императора Наполеона I была тесно скоординирована в картинах Давида, Гро и Герена. Жан-Огюст-Доминик Энгр был главной фигурой неоклассицизма до 1850-х годов и выдающимся учителем, отдававшим предпочтение рисунку над цветом. Между тем, ориентализм , египетские мотивы, трагический антигерой , дикий пейзаж, исторический роман и сцены Средневековья и Возрождения — все эти элементы романтизма — создали яркий период, который не поддается простой классификации. Самым выдающимся художником-романтиком того периода был Эжен Делакруа, сделавший успешную общественную карьеру и являвшийся главным противником Энгра. До него Теодор Жерико открыл путь к романтизму своим монументальным «Плотом Медузы», выставленным на Салоне 1819 года. Камиль Коро пытался уйти от традиционной и идеализированной формы пейзажной живописи под влиянием классицизма, чтобы быть более реалистичным и в то же время чувствительным к атмосферным изменениям.

Романтические тенденции продолжались на протяжении всего столетия: как идеализированная пейзажная живопись, так и реализм берут начало в романтизме. Работы Гюстава Курбе и школы Барбизона являются ее логическим развитием, как и символизм конца девятнадцатого века таких художников, как Гюстав Моро , профессор Анри Матисса и Жоржа Руо , а также Одилон Редон .

Академическая живопись, развивавшаяся в Школе изящных искусств, имела наибольший успех у публики и государства: высококвалифицированные художники, такие как Жан-Леон Жером , Вильям Бугро и Александр Кабанель, писали исторические сцены, вдохновленные античностью, следуя по стопам Энгра и неоклассика. Хотя молодые художники-авангардисты и критики критиковали их за свой конвенционализм, самые талантливые из академических художников обновили исторический жанр, черпая вдохновение из множества культур и техник, таких как Восток, а также из новых кадров, ставших возможными благодаря изобретению фотографии.

Многие критики Эдуард Мане писали о девятнадцатом веке и современном периоде (так же, как Шарль Бодлер делает это в поэзии). Его повторное открытие испанской живописи золотого века, его готовность показать неокрашенный холст, его исследование откровенной обнаженной натуры и его радикальные мазки — это первые шаги на пути к импрессионизму. Импрессионизм продвинул барбизонскую школу на шаг дальше, отказавшись раз и навсегда от тщательно продуманного стиля и использования смешанных цветов и черного цвета для хрупких переходных эффектов света, запечатленных на открытом воздухе в меняющемся свете (частично вдохновленных картинами Дж. М. У. Тернера и Эжена) . Буден ). Это привело к Клоду Моне с его соборами и стогами сена, Пьеру-Огюсту Ренуару с его ранними фестивалями на открытом воздухе и его более поздним пернатым стилем румяных обнаженных тел, а также Эдгару Дега с его танцовщицами и купальщиками. Другими важными импрессионистами были Альфред Сислей , Камиль Писсарро и Гюстав Кайботт .

После того как этот порог был преодолен, следующие тридцать лет превратились в череду удивительных экспериментов. Винсент Ван Гог , родившийся в Голландии, но живший во Франции, открыл дорогу экспрессионизму . Жорж Сёра , под влиянием теории цвета, разработал технику пуантилизма , которая определяла эксперимент импрессионистов, и ему последовал Поль Синьяк . Поль Сезанн , живописец-живописец, предпринял попытку геометрического исследования мира, которая оставила равнодушными многих его сверстников. Поль Гоген , банкир, нашел символизм в Бретани вместе с Эмилем Бернаром , а затем экзотику и примитивизм во Французской Полинезии . Этих художников называли постимпрессионистами . Les Nabis , движение 1890-х годов, включающее таких художников, как Поль Серюзье , Пьер Боннар , Эдуард Вюйар и Морис Дени , находилось под влиянием примера Гогена в Бретани: они исследовали декоративное искусство на плоских равнинах с графическим подходом японской гравюры. Они проповедовали, что произведение искусства — это конечный продукт и визуальное выражение синтеза природы художником в личных эстетических метафорах и символах. Анри Руссо , почтмейстер-самоучка, стал образцом наивной революции.

20 век

В первые годы двадцатого века доминировали эксперименты с цветом и содержанием, импрессионизмом и постимпрессионизмом начатые . Продукты Дальнего Востока также принесли новые влияния. Примерно в то же время «Фовисты» ( Анри Матисс , Андре Дерен , Морис де Вламинк , Альбер Марке , Рауль Дюфи , Отон Фриш , Шарль Камуан , Анри Манген ) взорвались цветом, во многом подобно немецкому экспрессионизму .

Открытие Пабло Пикассо , испанцем, живущим в Париже, масок африканских племен, привело его к созданию «Авиньонских девиц» 1907 года. Работая независимо, Пикассо и Жорж Брак вернулись к сезанновскому способу рационального понимания предметов в квартире и усовершенствовали его. Их эксперименты в кубизме также привели их к интеграции всех аспектов и предметов повседневной жизни, коллажей из газет, музыкальных инструментов, сигарет, вина и других объектов в свои работы. Кубизм во всех его фазах будет доминировать в картинах Европы и Америки в течение следующих десяти лет. см. в статье о кубизме ( Полное обсуждение .)

Первая мировая война не остановила динамичное творчество во Франции. В 1916 году группа недовольных встретилась в цюрихском баре « Кабаре Вольтер» и создала самый радикальный жест — антиискусство дадаизма . В то же время Франсис Пикабиа и Марсель Дюшан исследовали аналогичные идеи. На художественной выставке 1917 года в Нью-Йорке Дюшан представил белый фарфоровый писсуар ( Фонтан ), подписанный Р. Маттом, как произведение искусства, став отцом реди-мейда .

Когда дадаизм достиг Парижа, его горячо поддержала группа молодых художников и писателей, которые были очарованы произведениями Зигмунда Фрейда , особенно его идеей бессознательного . Провокационный дух дадаизма стал связан с исследованием бессознательного посредством использования автоматического письма , случайных операций и, в некоторых случаях, измененных состояний. Сюрреалисты . быстро обратились к живописи и скульптуре Шок неожиданных элементов, использование фроттажа , коллажа и декалькомании , передача загадочных пейзажей и образов снов стали ключевыми техниками до конца 1930-х годов.

Сразу после этой войны французская художественная сцена разошлась примерно в двух направлениях. Были те, кто продолжал художественные эксперименты довоенного времени, особенно сюрреализм, и другие, кто перенял новый абстрактный экспрессионизм и живопись действия из Нью-Йорка, исполняя их во французской манере, используя ташизм или L'art informationl . Параллельно обеим этим тенденциям Жан Дюбюффе доминировал в первые послевоенные годы, исследуя детские рисунки, граффити и мультфильмы в различных средствах массовой информации.

Школа Парижа

Между двумя мировыми войнами процветало художественное движение, известное как École de Paris (Парижская школа). Движение, сосредоточенное в Париже, породило уникальную форму экспрессионистского искусства . В него входили многие иностранные и французские художники, многие из которых были евреями ; эти художники были в основном сосредоточены на Монпарнасе . ^[11] Эти еврейские художники сыграли значительную роль в Парижской школе; некоторые из них нашли убежище в Париже из Восточной Европы, спасаясь от преследований и погромов. ^[12] Выдающиеся деятели, такие как Марк Шагал , Жюль Паскин , Хаим Сутин , Исаак Френкель Френель , Амедео Модильяни и Авраам Минчин , были среди заметных участников движения во Франции и за рубежом. ^[13]^[14]^[15] Эти художники часто изображали в своих работах еврейскую тематику, наполняя их интенсивными эмоциональными тонами. ^[16]

Термин « Парижская школа », придуманный в 1925 году для борьбы с ксенофобией , обозначал иностранных, часто еврейских, художников. Однако нацистская оккупация привела к трагической гибели еврейских художников во время Холокоста , что привело к упадку Парижской школы, поскольку некоторые художники покинули или бежали в Израиль или Соединенные Штаты . ^[12]^[17]^[13]^[11]

Послевоенный

В конце 1950-х и начале 1960-х годов во Франции появились формы искусства, которые можно было бы назвать поп-артом . Ив Кляйн заставлял привлекательных обнаженных женщин кататься в синей краске и бросаться на холсты. Виктор Вазарели изобрел оп-арт , создав сложные оптические узоры. Художники движения Флюксус , такие как Бен Вотье, включали граффити и находили предметы в свои работы. Ники де Сен-Фалль создавала раздутые и яркие пластиковые фигурки. Арман собрал найденные предметы в коробках или покрытых смолой сборках, а Сезар Бальдаччини создал серию больших сжатых скульптур-объектов. Сезар Бальдаччини был выдающимся французским скульптором 1960-х годов, который создавал большие скульптуры из мусора, сжимая выброшенные материалы, например, автомобили, металл, мусор и предметы домашнего обихода. ^[18]

В мае 1968 года радикальное молодежное движение через свое ателье populaire выпустило большое количество плакатов, протестующих против умирающей политики президента Шарля де Голля .

Многих современных художников продолжают преследовать ужасы Второй мировой войны и призрак Холокоста. Особенно сильны душераздирающие инсталляции Кристиана Болтански о потерянных и анонимных.

Музеи французского и западного искусства Франции

В Париже

Рядом с Парижем

За пределами Парижа

Основные музеи

(в алфавитном порядке по городам)

Другие музеи

(в алфавитном порядке по городам)

Музеи текстиля и гобеленов

(в алфавитном порядке по городам)

Словарный запас

Французские слова и выражения, относящиеся к искусству:

художник — художник
- картина маслом — картина маслом
картина — картина
туалет — холст
глубокая печать — печать
рисунок — рисунок
акварель — акварель
эскиз — эскиз
ébaucheчерновик
мелок — карандаш
пейзаж — пейзаж
натюрморт — натюрморт
историческая живопись — Историческая живопись , см. Иерархия жанров.
таписсери – гобелен
витраж – витраж

См. также

Список французских художников
Информацию о французской литературе см.: Французская литература.
Для получения информации об истории Франции см.: История Франции.
Другие темы о французской культуре см.: Французская культура.

Ссылки и дальнейшее чтение

Энтони Блант : Искусство и архитектура во Франции 1500–1700 гг . ISBN 0-300-05314-2 .
Андре Шастель. Французское искусство Том I: Предыстория Средневековья . ISBN 2-08-013566-X .
Андре Шастель. Французское искусство Том II: Возрождение . ISBN 2-08-013583-X .
Андре Шастель. Французское искусство Том III: Древний режим . ISBN 2-08-013617-8 .
Французское искусство в Художественном музее Сент-Луиса

Специфический

^ Каролинарх (10 октября 2015 г.). «Французский романский стиль I: Архитектура» . Художественное приключение человечества . Проверено 30 декабря 2023 г.
^ Рудольф, Конрад, изд. (1 января 2006 г.). Спутник средневекового искусства: романский стиль и готика в Северной Европе . дои : 10.1002/9780470996997 . ISBN 978-0-470-99699-7 .
^ Тейт. «Импрессионизм» . Тейт . Проверено 30 декабря 2023 г.
^ «Парижская школа» . www.nationalgalleries.org . Проверено 30 декабря 2023 г.
^ Ревальд, Авторы: Сабина. «Фовизм | Эссе | Метрополитен-музей | Хронология истории искусств Хайльбрунна» . Хронология истории искусств Метрополитен-Хайльбрунна . Проверено 30 декабря 2023 г.
^ Ревальд, Авторы: Сабина. «Кубизм | Очерк | Метрополитен-музей | Хронология истории искусств Хайльбрунна» . Хронология истории искусств Метрополитен-Хайльбрунна . Проверено 30 декабря 2023 г.
^ Бенджамин, Уолтер (1969). «Париж: столица девятнадцатого века» . Перспекта . 12 : 165–172. дои : 10.2307/1566965 . ISSN 0079-0958 . JSTOR 1566965 .
^ ХИГОННЕ, Патрис ЛР (30 июня 2009 г.). Париж: столица мира . Издательство Гарвардского университета. ISBN 978-0-674-03864-6 .
^ Стокстад (2005), 540.
^ Стокстад (2005), 541.
^ Jump up to: ^а ^б «Парижская школа искусств | Энциклопедия.com» . www.энциклопедия.com . Проверено 19 ноября 2023 г.
^ Jump up to: ^а ^б «Еврейские художники Парижской школы – от Холокоста до наших дней» . Евреи, Европа, XXI век . 25 ноября 2021 г. Проверено 19 ноября 2023 г. «Парижская школа» — термин, придуманный искусствоведом Андре Варно в 1925 году в журнале Comœdia для определения группы, образованной иностранными художниками в Париже. Парижская школа не обозначает движение или школу в академической среде. смысл этого термина, а исторический факт. По мнению Уорнода, этот термин был предназначен для противодействия скрытой ксенофобии, а не для установления теоретического подхода.
^ Jump up to: ^а ^б Нишавер, Надин (2020). История еврейских художников Парижской школы: Истории еврейских художников Парижской школы (на французском языке). Франция. ISBN 979-8633355567 . {{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )
^ «Александр ФРЕНЕЛЬ» . Художественное бюро Парижской школы . 02.01.2019 . Проверено 19 ноября 2023 г.
^ «Марк ШАГАЛ» . Бюро искусств Парижской школы . 02.01.2019 . Проверено 19 ноября 2023 г.
^ Барзель, Амнон (1974). Френель Исаак Александр . Израиль: Масада. п. 14.
^ «Еврейские художники «Парижской школы» навязывают MahJ свою гениальность» . Times of Israel (на французском языке). 6 июля 2021 г.
^ «Сезар Бальдаччини: мастер сжатия» . Журнал ДейлиАрт . 11 января 2021 г. Проверено 23 ноября 2021 г.

[1] Каролинарх (10 октября 2015 г.). «Французский романский стиль I: Архитектура» . Художественное приключение человечества . Проверено 30 декабря 2023 г.

[2] Рудольф, Конрад, изд. (1 января 2006 г.). Спутник средневекового искусства: романский стиль и готика в Северной Европе . дои : 10.1002/9780470996997 . ISBN 978-0-470-99699-7 .

[3] Тейт. «Импрессионизм» . Тейт . Проверено 30 декабря 2023 г.

[4] «Парижская школа» . www.nationalgalleries.org . Проверено 30 декабря 2023 г.

[5] Ревальд, Авторы: Сабина. «Фовизм | Эссе | Метрополитен-музей | Хронология истории искусств Хайльбрунна» . Хронология истории искусств Метрополитен-Хайльбрунна . Проверено 30 декабря 2023 г.

[6] Ревальд, Авторы: Сабина. «Кубизм | Очерк | Метрополитен-музей | Хронология истории искусств Хайльбрунна» . Хронология истории искусств Метрополитен-Хайльбрунна . Проверено 30 декабря 2023 г.

[7] Бенджамин, Уолтер (1969). «Париж: столица девятнадцатого века» . Перспекта . 12 : 165–172. дои : 10.2307/1566965 . ISSN 0079-0958 . JSTOR 1566965 .

[8] ХИГОННЕ, Патрис ЛР (30 июня 2009 г.). Париж: столица мира . Издательство Гарвардского университета. ISBN 978-0-674-03864-6 .

[stokstad_540-9] Стокстад (2005), 540.

[stokstad_541-10] Стокстад (2005), 541.

[:53-11] Jump up to: ^а ^б «Парижская школа искусств | Энциклопедия.com» . www.энциклопедия.com . Проверено 19 ноября 2023 г.

[:42-12] Jump up to: ^а ^б «Еврейские художники Парижской школы – от Холокоста до наших дней» . Евреи, Европа, XXI век . 25 ноября 2021 г. Проверено 19 ноября 2023 г. «Парижская школа» — термин, придуманный искусствоведом Андре Варно в 1925 году в журнале Comœdia для определения группы, образованной иностранными художниками в Париже. Парижская школа не обозначает движение или школу в академической среде. смысл этого термина, а исторический факт. По мнению Уорнода, этот термин был предназначен для противодействия скрытой ксенофобии, а не для установления теоретического подхода.

[:32-13] Jump up to: ^а ^б Нишавер, Надин (2020). История еврейских художников Парижской школы: Истории еврейских художников Парижской школы (на французском языке). Франция. ISBN 979-8633355567 . {{cite book}}: CS1 maint: отсутствует местоположение издателя ( ссылка )

[14] «Александр ФРЕНЕЛЬ» . Художественное бюро Парижской школы . 02.01.2019 . Проверено 19 ноября 2023 г.

[15] «Марк ШАГАЛ» . Бюро искусств Парижской школы . 02.01.2019 . Проверено 19 ноября 2023 г.

[:52-16] Барзель, Амнон (1974). Френель Исаак Александр . Израиль: Масада. п. 14.

[17] «Еврейские художники «Парижской школы» навязывают MahJ свою гениальность» . Times of Israel (на французском языке). 6 июля 2021 г.

[18] «Сезар Бальдаччини: мастер сжатия» . Журнал ДейлиАрт . 11 января 2021 г. Проверено 23 ноября 2021 г.

[1]

[2]

[3]

[4]

[5]

[6]

[7]

[8]

[9]

[10]

[11]

[12]

[13]

[14]

[15]

[16]

[17]

[18]

v т и Искусство Европы
Sovereign states	Albania Andorra Armenia Austria Azerbaijan Belarus Belgium Bosnia and Herzegovina Bulgaria Croatia Cyprus Czech Republic Denmark Estonia Finland France Georgia Germany Greece Hungary Iceland Ireland Italy Kazakhstan Latvia Liechtenstein Lithuania Luxembourg Malta Moldova Monaco Montenegro Netherlands North Macedonia Norway Poland Portugal Romania Russia San Marino Serbia Slovakia Slovenia Spain Sweden Switzerland Turkey Ukraine United Kingdom
States with limited recognition	Abkhazia Kosovo Northern Cyprus South Ossetia Transnistria
Dependencies and other entities	Åland Faroe Islands Gibraltar Guernsey Isle of Man Jersey Svalbard

Базы данных авторитетного контроля
International	FAST
National	Spain France BnF data Israel United States Latvia Czech Republic