✖


Jump to content

Модерн

(Перенаправлено из «Ар нуво в Португалии »)

Модерн
По часовой стрелке сверху слева: парижского метро станция «Аббессы », работа Гектора Гимара (1900 г.); обложка «Югенд» журнала Отто Экмана (1896 г.); настенный шкаф Луи Мажореля ; интерьер отеля Tassel в Брюсселе работы Виктора Орты (1892–1893); лампа Луи Комфорта Тиффани (1900–1910).
Годы активности в. 1883–1914 гг.
Расположение Западный мир

Модерн ( / ˌ ɑː r ( t ) n uː ˈ v oʊ / AR(T) noo- VOH , Французский: [aʁ nuvo] ⓘ ; горит.   « Новое искусство » ) — международный стиль изобразительного искусства, архитектуры и прикладного искусства , особенно декоративного искусства . Его часто вдохновляли природные формы, такие как извилистые изгибы растений и цветов. [ 1 ] Другими характеристиками модерна были ощущение динамизма и движения, часто придаваемые асимметрией или хлыстовыми линиями , а также использование современных материалов, особенно железа, стекла, керамики и позже бетона, для создания необычных форм и больших открытых пространств. [ 2 ] Он был популярен между 1890 и 1910 годами в период Прекрасной эпохи . [ 3 ] и был реакцией на академизм , эклектизм и историзм архитектуры и декоративного искусства XIX века.

Одной из основных целей модерна было разрушить традиционное различие между изобразительным искусством (особенно живописью и скульптурой) и прикладным искусством. Наиболее широко он использовался в дизайне интерьера, графике, мебели, искусстве стекла, текстиле, керамике, ювелирных изделиях и работе с металлом. Этот стиль откликнулся на взгляды ведущих теоретиков XIX века, таких как французский архитектор Эжен-Эммануэль Виолле-ле-Дюк (1814–1879) и британский искусствовед Джон Раскин (1819–1900). В Британии на него повлияли Уильям Моррис и движение искусств и ремесел . Немецкие архитекторы и дизайнеры искали духовно возвышающий Gesamtkunstwerk («полное произведение искусства»), которое объединило бы архитектуру, мебель и искусство в интерьере в едином стиле, чтобы поднимать настроение и вдохновлять жителей. [ 2 ]

Первые дома и внутренняя отделка в стиле модерн появились в Брюсселе в 1890-х годах, в архитектуре и дизайне интерьера домов, спроектированных Полем Ханкаром , Генри ван де Вельде и особенно Виктором Орта , чей отель Tassel был завершен в 1893 году. [ 4 ] [ 5 ] [ 6 ] Он быстро переехал в Париж, где был адаптирован Эктором Гимаром , который увидел работы Орты в Брюсселе и применил этот стиль к входам в новое парижское метро . Своего пика оно достигло на Парижской международной выставке 1900 года , которая представила работы таких художников, как Луи Тиффани, в стиле модерн . В графике он появился на плакатах Альфонса Мухи , в стеклянной посуде Рене Лалика и Эмиля Галле .

Из Великобритании, Бельгии и Франции стиль модерн распространился на остальную Европу, принимая разные имена и характеристики в каждой стране (см. раздел «Именование» ниже). Он часто появлялся не только в столицах, но и в быстро растущих городах, которые хотели утвердить художественную идентичность ( Турин и Палермо в Италии; Глазго в Шотландии; Мюнхен и Дармштадт в Германии; Барселона в Каталонии , Испания), а также в центрах движения за независимость ( Хельсинки в Финляндии, тогда входившая в состав Российской империи).

К 1914 году, с началом Первой мировой войны , модерн был в значительной степени исчерпан. В 1920-х годах его сменил доминирующий стиль в архитектурном и декоративном искусстве на ар-деко , а затем на модернизм . [ 7 ] Стиль модерн начал получать более положительное внимание критиков в конце 1960-х годов, после крупной выставки работ Эктора Гимара в Музее современного искусства в 1970 году. [ 8 ]

Мы

[ редактировать ]

Термин «ар-нуво» впервые был использован в 1880-х годах в бельгийском журнале L'Art Moderne для описания работ Les Vingt , двадцати художников и скульпторов, стремившихся к реформам через искусство. Название было популяризировано Maison de l'Art Nouveau («Дом нового искусства»), художественной галереей, открытой в Париже в 1895 году франко-германским торговцем произведениями искусства Зигфридом Бингом . В Великобритании широко использовался французский термин «Ар Нуво» , а во Франции его часто называли термином «Стиль модерн» (сродни британскому термину « Современный стиль» ) или «Стиль 1900 года» . [ 9 ] Во Франции его также иногда называли Style Jules Verne (в честь романиста Жюля Верна ), Style Métro (в честь Гектора Гимара железных и стеклянных входов в метро ), Art Belle Époque или Art fin de siècle . [ 10 ]

Стиль модерн известен под разными названиями на разных языках: «Югендстиль» на немецком языке, «Stile Liberty» на итальянском языке, «Модернизм» на каталанском языке, а также известный как « Современный стиль» на английском языке. Этот стиль часто связан со стилями, которые возникли во многих странах Европы и других странах примерно в одно и то же время, но не всегда идентичен им. Их местные имена часто использовались в соответствующих странах для описания всего движения.

  • В Австрии и соседних странах, которые тогда входили в состав Австро-Венгерской империи , его называли Wiener Jugendstil («Венский молодежный стиль») или Secessionsstil («стиль сецессиона»), в честь художников Венского сецессиона ( венгерский : szecesszió , чешский : secese , словацкий : secesia , польский : secesja ).
  • иногда называли его Style coup de fouet («стиль хлыста»), Paling Stijl («стиль угря») или Style nouille («стиль лапши»). В Бельгии недоброжелатели [ 10 ]
  • В Британии , помимо модерна, он был известен как стиль модерн или, из-за работ школы Глазго , как стиль Глазго .
  • В Дании оно известно как Скёнвирке («Работа красоты»).
  • В Германии и Скандинавии его называли Reformstil («Реформистский стиль») или Jugendstil («Молодежный стиль»), в честь популярного немецкого художественного журнала Jugend . [ 10 ] а также Wellenstil («стиль волны») или Lilienstil («стиль лилии»). [ 9 ] его называют «Югенд» Сейчас в Финляндии, Швеции и Норвегии ; Югенд в Эстонии ; и югендстиль в Латвии . В Финляндии его еще называли стилем Калевала .
  • В Италии его часто называли stile Liberty («стиль свободы»), в честь Артура Ласенби Либерти , основателя лондонской компании Liberty & Co , чей текстильный дизайн был популярен. Его также иногда называли stile floreale («цветочный стиль») или arte nuova («новое искусство»; больше не используется). [ 10 ]
  • В Японии Сиро-Ума . [ 11 ]
  • В Нидерландах — Nieuwe Kunst («Новое искусство») или Nieuwe Stijl («Новый стиль»). [ 12 ] [ 9 ]
  • В Португалии — Arte nova («Новое искусство»).
  • В Румынии это Arta 1900 («Искусство 1900 года»), Arta Nouă («Новое искусство») или Noul Stil («Новый стиль»). [ 13 ]
  • В Испании — Modernismo , Modernisme (на каталанском языке) и Arte joven («Молодое искусство»).
  • В Швейцарии стиль Сапин («стиль елки»). [ 9 ]
  • В Соединенных Штатах из-за ассоциации с Луи Комфортом Тиффани его иногда называли стилем Тиффани . [ 2 ] [ 12 ] [ 9 ] [ 14 ]
  • Термин «Модерн» использовался в тогдашней Российской империи и до сих пор используется в нынешних государствах-преемниках, таких как Азербайджан , Казахстан , Россия и Украина он называется «Модернас» , а в Литве . Для живописи использовалось также название движения « Мир искусства».

История

[ редактировать ]
Хронологическое руководство см. в разделе «Хронология модерна» .

Происхождение

[ редактировать ]

Новое художественное движение имело свои корни в Великобритании, в цветочном дизайне Уильяма Морриса и в движении искусств и ремесел, основанном учениками Морриса. Ранние прототипы стиля включают Красный дом с интерьерами Морриса и архитектурой Филипа Уэбба (1859 г.), а также роскошную Павлинью комнату Джеймса Эбботта Макнила Уистлера . На новое движение также сильно повлияли художники -прерафаэлиты , в том числе Данте Габриэль Россетти и Эдвард Бёрн-Джонс , и особенно британские художники-графики 1880-х годов, в том числе Селвин Имидж , Хейвуд Самнер , Уолтер Крейн , Альфред Гилберт и особенно Обри . Бердслей . [ 15 ] Стул, спроектированный Артуром Макмёрдо, был признан предшественником дизайна в стиле модерн. [ 16 ]

Во Франции он находился под влиянием архитектурного теоретика и историка Эжена Виолле-ле-Дюка , явного врага исторического архитектурного стиля изящных искусств , чьи теории рационализма были основаны на его изучении средневекового искусства :

  • Функция должна определять форму. [ 17 ]
  • Единство искусств и отмена любого различия между главным искусством (архитектурой) и второстепенными искусствами (декоративным искусством). [ 18 ]
  • Логика природы — это модель, которую следует использовать в архитектуре. [ 19 ]
  • Архитектура должна адаптироваться к окружающей среде и потребностям человека.
  • Использование современных технологий и материалов. [ 20 ]

Виолле-ле-Дюк сам был предшественником модерна: в 1851 году в Нотр-Дам де Пари он создал серию фресок, типичных для этого стиля. [ 21 ] Эти картины были удалены в 1945 году как неакадемические. В замке Рокетайлад в регионе Бордо его внутренние украшения, датированные 1865 годом, также предвосхищают стиль модерн. В своей книге Entretiens sur l'architecture 1872 года он писал: «Используйте средства и знания, данные нам нашим временем, без мешающих традиций, которые сегодня уже нежизнеспособны, и таким образом мы сможем создать новую архитектуру. Для каждого функция — свой материал; для каждого материала — своя форма и свой орнамент». [ 22 ] Эта книга оказала влияние на целое поколение архитекторов, включая Луи Салливана , Виктора Орту , Гектора Гимара и Антонио Гауди . [ 23 ]

Французские художники Морис Дени , Пьер Боннар и Эдуард Вюйар сыграли важную роль в объединении живописи изобразительного искусства с декорированием. «Я считаю, что прежде всего картина должна украшать», - писал Денис в 1891 году. «Выбор сюжетов или сцен ничего не значит. Именно ценностью тонов, цветной поверхностью и гармонией линий я могу достичь духа и разбуди эмоции». [ 24 ] Все эти художники занимались как традиционной живописью, так и декоративной росписью на экранах, стекле и других носителях. [ 25 ]

Еще одним важным влиянием на новый стиль оказался японизм . Это была волна энтузиазма по поводу японской гравюры на дереве , особенно работ Хиросигэ , Хокусая и Утагавы Кунисада , которые были импортированы в Европу, начиная с 1870-х годов. Предприимчивый Зигфрид Бинг основал ежемесячный журнал Le Japon Artistique в 1888 году и опубликовал тридцать шесть номеров до его закрытия в 1891 году. Он оказал влияние как на коллекционеров, так и на художников, включая Густава Климта . Стилизованные черты японской гравюры проявились в графике, фарфоре, ювелирных изделиях и мебели в стиле модерн. С начала 1860 года внезапно проявилось дальневосточное влияние. В 1862 году любители искусства из Лондона или Парижа могли купить японские произведения искусства , поскольку в этом году Япония впервые выступила в качестве экспонента на Международной выставке в Лондоне. Также в 1862 году в Париже La Porte Chinoise был открыт магазин на улице Риволи , где японское укиё-э продавалось и другие предметы с Дальнего Востока. 1867 г. Образцы китайских орнаментов. Оуэна Джонса , а в 1870 году — «Искусство и промышленность в Японии» Р. Алкока, а два года спустя О.Г. Мозер и Т.В. Катлер опубликовали книги о японском искусстве. Некоторые художники в стиле модерн, такие как Виктор Орта , владели коллекциями дальневосточного искусства, особенно японского. [ 11 ]

Новые технологии в печати и издательском деле позволили модерну быстро охватить мировую аудиторию. Художественные журналы, иллюстрированные фотографиями и цветными литографиями , сыграли существенную роль в популяризации нового стиля. Студия в Англии, Arts et idees и Art et Decoration во Франции и Jugend в Германии позволили стилю быстро распространиться во все уголки Европы. Обри Бердсли в Англии, а также Эжен Грассе , Анри де Тулуз-Лотрек и Феликс Валлоттон добились международного признания как иллюстраторы. [ 26 ] Благодаря плакатам Жюля Шере для танцовщицы Лои Фуллер в 1893 году и Альфонса Мухи для актрисы Сары Бернар в 1895 году плакат стал не просто рекламой, а формой искусства. Сара Бернар отложила большое количество своих плакатов на продажу коллекционерам. [ 27 ]

Развитие - Брюссель (1893–1898)

[ редактировать ]

Первые таунхаусы в стиле модерн, дом Ханкара Поля Ханкара (1893 г.) и отель Tassel Виктора Орты (1892–1893 гг.), [ 4 ] [ 5 ] были построены почти одновременно в Брюсселе . Они были похожи по своей оригинальности, но сильно различались по конструкции и внешнему виду.

Виктор Орта был одним из самых влиятельных архитекторов раннего модерна, а его отель Tassel (1892–1893) в Брюсселе является одной из достопримечательностей этого стиля. [ 28 ] [ 29 ] Архитектурное образование Орта проходил в качестве помощника Альфонса Балата , архитектора короля Леопольда II , при строительстве монументальных королевских теплиц из железа и стекла в Лакене . [ 30 ] Он был большим поклонником Виолле-ле-Дюка , идеи которого он полностью разделял. [ 31 ] [ 32 ] В 1892–1893 годах он применил этот опыт совсем по-другому. Он спроектировал резиденцию выдающегося бельгийского химика Эмиля Тасселя на очень узком и глубоком участке. Центральным элементом дома была лестница, не огороженная стенами, а открытая, украшенная вьющимися коваными перилами и помещенная под высоким световым люком. Полы поддерживались тонкими железными колоннами, похожими на стволы деревьев. Мозаичные полы и стены были украшены изящными арабесками цветочных и растительных форм, которые стали самой популярной визитной карточкой стиля. [ 33 ] [ 34 ] За короткий период Орта построил еще три таунхауса, все с открытыми интерьерами и все с мансардными окнами для максимального внутреннего освещения: Hôtel Solvay , Hôtel van Eetvelde (для Эдмонда ван Эетвельде ) и Maison & Atelier Horta . Все четыре теперь являются частью Всемирного наследия ЮНЕСКО .

Поль Ханкар также был новатором раннего модерна. Он родился во Фремри , в Эно , в семье мастера-резчика по камню. С 1873 по 1884 год он изучал декоративную скульптуру и декорирование в Королевской академии изящных искусств в Брюсселе, одновременно работая скульптором-орнаменталистом. С 1879 по 1904 год работал в мастерской выдающегося архитектора Анри Бейэра , мастера эклектической и неоклассической архитектуры . Благодаря Бейерту Ханкар также стал поклонником Виолле-ле-Дюк. [ 35 ] В 1893 году Ханкар спроектировал и построил Ханкар-хаус, свою собственную резиденцию в Брюсселе. С целью создать синтез изобразительного и декоративного искусства он объединил скульптора Рене Янсенса и художника Альберта Чамберлани , чтобы украсить интерьер и экстерьер сграффити или фресками. Фасад и балконы украшены железным декором и завитками стилизованных цветочных узоров, что стало важной чертой модерна. По этой модели он построил несколько домов для своих друзей-художников. Он также разработал серию инновационных стеклянных витрин для брюссельских магазинов, ресторанов и галерей, что местный критик назвал «настоящим бредом оригинальности». [ 36 ] Он умер в 1901 году, когда движение начало получать признание. [ 37 ]

Генри ван де Вельде , родившийся в Антверпене , был еще одним основоположником зарождения стиля модерн. Проекты Ван де Вельде включали интерьер его резиденции в Брюсселе, виллы Блуменверф (1895 г.). [ 38 ] [ 39 ] Внешний вид дома был вдохновлен Красным домом , резиденцией писателя и теоретика Уильяма Морриса , основателя движения искусств и ремесел . По образованию художник, Ван де Вельде обратился к иллюстрации, затем к дизайну мебели и, наконец, к архитектуре. Для виллы Блуменверф он создал текстиль, обои, столовое серебро, украшения и даже одежду, соответствующие стилю резиденции. [ 40 ] Ван де Вельде отправился в Париж, где спроектировал мебель и украшения для немецко-французского торговца произведениями искусства Зигфрида Бинга , чья парижская галерея дала название стилю. Он также был одним из первых теоретиков модерна, требуя использования динамичных, часто противоположных линий. Ван де Вельде писал: «Линия — это сила, подобная всем другим элементарным силам. Несколько линий, собранных вместе, но противостоящих друг другу, обладают такой же силой, как и несколько сил». В 1906 году он уехал из Бельгии в Веймар (Германия), где основал Великогерцогскую школу искусств и ремесел, где было запрещено преподавание исторических стилей. Он играл важную роль в немецком Веркбунде , прежде чем вернуться в Бельгию. [ 41 ]

Дебют архитектуры модерна в Брюсселе сопровождался волной декоративного искусства в новом стиле. Среди важных художников были Гюстав Штраувен , который использовал кованое железо для достижения эффектов барокко на фасадах Брюсселя; дизайнер мебели Гюстав Серрюрье-Бови , известный своими весьма оригинальными стульями и шарнирно-сочлененной металлической мебелью; и ювелирный дизайнер Филипп Вольферс , создавший украшения в виде стрекоз, бабочек, лебедей и змей. [ 42 ]

Брюссельская международная выставка, состоявшаяся в 1897 году, привлекла к этому стилю международное внимание; Орта, Ханкар, Ван де Вельде и Серрюрье-Бови, среди прочих, принимали участие в оформлении ярмарки, а Анри Прива-Ливемон создал плакат для выставки.

Париж – Дом модерна (1895 г.) и Кастель Беранже (1895–1898 гг.)

[ редактировать ]

Франко-немецкий арт-дилер и издатель Зигфрид Бинг сыграл ключевую роль в популяризации этого стиля. В 1891 году он основал журнал, посвященный искусству Японии, который способствовал популяризации японизма в Европе. В 1892 году он организовал выставку семи художников, в том числе Пьера Боннара , Феликса Валлоттона , Эдуара Вюйара , Тулуз-Лотрека и Эжена Грассе , которая включала как современную живопись, так и декоративные работы. Эта выставка была показана в Национальном обществе изящных искусств в 1895 году. В том же году Бинг открыл новую галерею на улице Прованс, 22 в Париже, Maison de l'Art Nouveau , посвященную новым произведениям как изобразительного, так и художественного искусства. декоративное искусство. Интерьер и мебель галереи спроектированы бельгийским архитектором Генри ван де Вельде , одним из пионеров архитектуры модерна. В Доме модерна были представлены картины Жоржа Сёра , Поля Синьяка и Тулуз-Лотрека , стекло от Луи Комфорт Тиффани и Эмиля Галле , украшения Рене Лалика и плакаты Обри Бердслея. . Представленные там работы вовсе не были однородными по стилю. Бинг писал в 1902 году: «Ар нуво на момент своего создания никоим образом не стремился к чести стать общим термином. Это было просто название дома, открытого как точка сплочения всех молодых и пылкие художники, которым не терпится показать современность своих тенденций». [ 43 ]

Этот стиль быстро заметили в соседней Франции. Посетив отель Tassel Орты, Эктор Гимар построил Кастель Беранже , одно из первых парижских зданий в новом стиле, между 1895 и 1898 годами. [ номер 1 ] Парижане жаловались на однообразие архитектуры бульваров, построенных при Наполеоне III Жоржем -Эженом Османом . Замок Беранже представлял собой любопытную смесь неоготики и модерна с изогнутыми линиями и естественными формами. Гимар, опытный публицист своей работы, заявил: «Чего следует избегать любой ценой, так это… параллели и симметрии. Природа – величайший строитель из всех, и природа не создает ничего параллельного и ничего симметричного». [ 45 ]

Парижане приветствовали оригинальный и колоритный стиль Гимара; Кастель Беранже был выбран одним из лучших новых фасадов Парижа, положив начало карьере Гимара. Гимару было поручено спроектировать входы в новую систему парижского метро , ​​что привлекло внимание миллионов посетителей городской выставки Exposition Universelle 1900 года . [ 10 ]

Парижская универсальная выставка (1900 г.)

[ редактировать ]
Основная статья: Универсальная выставка (1900 г.)

в Париже 1900 года Всемирная выставка ознаменовала высшую точку стиля модерн. В период с апреля по ноябрь 1900 года он привлек почти пятьдесят миллионов посетителей со всего мира и продемонстрировал архитектуру, дизайн, стеклянную посуду, мебель и декоративные предметы этого стиля. Архитектура экспозиции часто представляла собой смесь архитектуры модерна и изящных искусств : главный выставочный зал Гран-Пале имел фасад в стиле изящных искусств, совершенно не связанный с впечатляющей лестницей в стиле модерн и выставочным залом в интерьере.

Французские дизайнеры создали для выставки специальные работы: Lalique хрусталь и украшения ; украшения Анри Вевера и Жоржа Фуке ; стекло Даум ; мануфактура Севрская фарфора ; Национальная керамика Александра Биго ; скульптурные стеклянные лампы и вазы Эмиля Галле ; мебель Эдуарда Колонны и Луи Мажореля ; и многие другие известные фирмы декоративно-прикладного искусства. На Парижской выставке 1900 года Зигфрид Бинг представил павильон под названием Art Nouveau Bing , в котором было представлено шесть различных интерьеров, полностью оформленных в этом стиле. [ 46 ] [ 47 ]

Выставка стала первой международной выставкой дизайнеров и художников в стиле модерн со всей Европы и за ее пределами. Лауреатами и участниками премии стали Альфонс Муха , оформивший фрески для павильона Боснии и Герцеговины и оформивший меню для ресторана павильона; декораторы и дизайнеры Бруно Пауль и Бруно Меринг из Берлина; Карло Бугатти из Турина ; Бернхардт Панкок из Баварии ; Российский архитектор-дизайнер Федор Шехтель и Louis Comfort Tiffany and Company из США. [ 48 ] Венский архитектор Отто Вагнер, входящий в состав жюри, представил модель ванной комнаты в стиле модерн своей городской квартиры в Вене со стеклянной ванной. [ 49 ] Йозеф Хоффманн спроектировал венскую экспозицию на парижской выставке, подчеркнув дизайн Венского сецессиона . [ 50 ] Элиэль Сааринен впервые получил международное признание благодаря своему оригинальному дизайну павильона Финляндии. [ 51 ]

Хотя Парижская выставка была самой крупной, другие выставки во многом способствовали популяризации этого стиля. ознаменовала Универсальная выставка 1888 года в Барселоне начало стиля модернизма в Испании с некоторыми зданиями Луиса Доменека и Монтаньера . На выставке Esposizione internazionale d'arte decorativa Moderna 1902 года в Турине, Италия, были представлены дизайнеры со всей Европы, в том числе Виктор Орта из Бельгии и Джозеф Мария Ольбрих из Вены, а также местные художники, такие как Карло Бугатти , Галилео Чини и Эухенио Кварти . [ 52 ]

Местные варианты

[ редактировать ]

Стиль модерн во Франции.

[ редактировать ]
Основные статьи: Школа Нанси и модерн в Париже

После выставки 1900 года столицей стиля модерн стал Париж. Самые экстравагантные резиденции в этом стиле построил Жюль Лавиротт , который полностью покрыл фасады керамическим скульптурным декором. Самый яркий пример — здание Лавиротт , 29 на авеню Рапп (1901 г.). Офисные здания и универмаги имели высокие дворы, покрытые витражными куполами и керамическим декором. Этот стиль был особенно популярен в ресторанах и кафе, в том числе Maxim's на , 3 улице Рояль и Le Train bleu на Лионском вокзале (1900). [ 53 ]

Статус Парижа привлекал в город иностранных художников. Художник швейцарского происхождения Эжен Грассе был одним из первых создателей французского плаката в стиле модерн. Он помог украсить знаменитое кабаре «Шат Нуар» в 1885 году, сделал свои первые плакаты для Парижских праздников и знаменитый плакат Сары Бернар в 1890 году. В Париже он преподавал в школе искусств Герена ( Écolenormale d'enseignement du dessin). ), где среди его учеников были Аугусто Джакометти и Поль Бертон . [ 54 ] [ 55 ] Уроженец Швейцарии Теофиль-Александр Стейнлен создал знаменитый плакат для парижского кабаре «Шат нуар». в 1896 году Чешский художник Альфонс Муха (1860–1939) приехал в Париж в 1888 году, а в 1895 году сделал плакат для актрисы Сары Бернар в спектакль «Жисмонда» Викторьена Сарду в Театре Возрождения . Успех этого плаката привел к заключению контракта на изготовление плакатов еще к шести пьесам Бернхардта.

город Нанси в Лотарингии Другой французской столицей нового стиля стал . В 1901 году был основан Провинциальный союз промышленности искусства , также известный как Школа Нанси , целью которого было разрушить иерархию, ставившую живопись и скульптуру выше декоративного искусства. Среди крупных художников, работавших там, были создатели стеклянных ваз и ламп Эмиль Галле , братья Даум , занимающиеся дизайном стекла, и дизайнер Луи Мажорель , создавший мебель с изящными цветочными и растительными формами. Архитектор Анри Соваж привнес в Нанси новый архитектурный стиль со своей виллой Мажорель в 1902 году.

Французский стиль широко пропагандировался новыми журналами, в том числе The Studio , Arts et Idées и Art et Décoration , чьи фотографии и цветные литографии сделали стиль известным дизайнерам и богатым клиентам по всему миру.

Во Франции стиль достиг своего апогея в 1900 году, а затем быстро вышел из моды, практически исчезнув из Франции к 1905 году. Ар-нуво был роскошным стилем, который требовал опытных и высокооплачиваемых мастеров, и его нельзя было легко или дешево сделать массовым. -произведено. Одним из немногих продуктов в стиле модерн, который можно было производить массово, был флакон для духов, и они до сих пор производятся в этом стиле.

Стиль модерн в Бельгии.

[ редактировать ]
Основные статьи: Ар-нуво в Брюсселе и модерн в Антверпене

Бельгия была ранним центром стиля модерн, во многом благодаря архитектуре Виктора Орты , который спроектировал один из первых домов в стиле модерн, отель Tassel в 1893 году, и три других таунхауса в вариациях того же стиля. Теперь они являются объектами Всемирного наследия ЮНЕСКО . Орта оказал сильное влияние на творчество молодого Эктора Гимара , который приехал посмотреть строящийся отель Tassel, а позже заявил, что Орта был «изобретателем» стиля модерн. [ 56 ] Новаторством Орты был не фасад, а интерьер: он использовал обилие железа и стекла, чтобы открыть пространство и наполнить комнаты светом, и украсил их коваными железными колоннами и перилами изогнутых растительных форм, которые отражались на полах и стенах. стены, а также мебель и ковры, которые спроектировал Орта. [ 57 ]

Пол Ханкар был еще одним пионером брюссельского модерна. Его дом был построен в 1893 году, в том же году, что и отель Tassel Орты, и в стиле сграффити на фасаде были фрески . На Ханкара повлияли как Виолле-ле-Дюк , так и идеи английского движения искусств и ремесел . Его концепция заключалась в том, чтобы объединить декоративное и изобразительное искусство в единое целое. Он поручил скульптору Альфреду Крику и художнику Адольфу Креспену [ фр ] украсить своими работами фасады домов. Самым ярким примером был дом и студия, построенные для художника Альберта Чамберлани по адресу 48, rue Defacqz / Defacqzstraat в Брюсселе, для которого он создал пышный фасад, покрытый фресками сграффито с нарисованными фигурами и орнаментом, воссоздающими декоративную архитектуру Кватроченто . или Италия 15 века. [ 30 ] Ханкар умер в 1901 году, когда его творчество только получало признание. [ 58 ]

Гюстав Страувен начал свою карьеру в качестве помощника дизайнера, работая с Ортой, а затем в возрасте 21 года начал свою собственную практику, создавая одни из самых экстравагантных зданий в стиле модерн в Брюсселе. Его самая известная работа — Дом Сен-Сира , 11 на площади Амбиорикс / Ambiorixsquare . Ширина дома всего 4 метра (13 футов), но благодаря его сложным архитектурным изобретениям ему придается необычайная высота. Он полностью покрыт полихромным кирпичом и сетью вьющихся растительных форм из кованого железа , практически в стиле модерн-барокко. [ 59 ]

Среди других важных художников в стиле модерн из Бельгии были архитектор и дизайнер Генри ван де Вельде , хотя самая важная часть его карьеры прошла в Германии; он сильно повлиял на оформление модерна . Среди других были декоратор Гюстав Серрюрье-Бови и художник-график Фернан Кнопф . [ 5 ] [ 60 ] [ 61 ] Бельгийские дизайнеры воспользовались обильными запасами слоновой кости , импортированной из Бельгийского Конго ; были популярны смешанные скульптуры, сочетающие камень, металл и слоновую кость, выполненные такими художниками, как Филипп Вольферс . [ 62 ]

Новое искусство в Нидерландах

[ редактировать ]

В Нидерландах этот стиль был известен как Nieuwe Stijl («Новый стиль») или Nieuwe Kunst («Новое искусство»), и он принял направление, отличное от более цветочного и изогнутого стиля в Бельгии. На него повлияли более геометрические и стилизованные формы немецкого модерна и австрийского венского сецессиона . [ 62 ] Он также находился под влиянием искусства и импортировал древесину из Индонезии , затем из Голландской Ост-Индии , особенно дизайн текстиля и батика с Явы .

Самым важным архитектором и дизайнером мебели в этом стиле был Хендрик Петрус Берлаге , который осуждал исторические стили и выступал за чисто функциональную архитектуру. Он писал: «Необходимо бороться с искусством иллюзий, распознавать ложь, чтобы найти суть, а не иллюзию». [ 63 ] Подобно Виктору Орте и Гауди , он был поклонником архитектурных теорий Виолле-ле-Дюка . [ 63 ] Его мебель была спроектирована так, чтобы быть строго функциональной и с уважением относиться к естественным формам дерева, а не сгибаться или скручиваться, как если бы она была металлической. Он привел пример египетской мебели и предпочел стулья с прямыми углами. Его первой и самой известной архитектурной работой была Beurs van Berlage (1896–1903), Амстердамская товарная биржа, которую он построил, следуя принципам конструктивизма . Все было функционально, включая линии заклепок, украшавших стены главной комнаты. Он часто включал в свои здания очень высокие башни, чтобы сделать их более заметными - практика, которую использовали другие архитекторы в стиле модерн того периода, в том числе Йозеф Мария Ольбрих в Вене и Элиэль Сааринен в Финляндии. [ 64 ]

Другие здания в этом стиле включают Американский отель (1898–1900), также построенный Берлаге; и «Астория» (1904–1905) Германа Хендрика Баандерса и Геррита ван Аркеля в Амстердаме ; железнодорожный вокзал в Харлеме (1906–1908) и бывшее офисное здание компании Holland America Lines (1917) в Роттердаме , ныне отель «Нью-Йорк» .

Среди выдающихся художников-графиков и иллюстраторов этого стиля был Ян Тороп , чьи работы были склонны к мистицизму и символизму , даже в его плакатах с салатным маслом. В своих цветах и ​​дизайне они также иногда проявляли влияние искусства Явы. [ 64 ]

Важными фигурами в голландской керамике и фарфоре были Юрриан Кок и Тео Коленбрандер . Они использовали красочный цветочный узор и более традиционные мотивы модерна в сочетании с необычными формами керамики и контрастными темными и светлыми цветами, заимствованными из батика в убранстве Явы. [ 65 ]

Современный стиль и школа Глазго в Великобритании

[ редактировать ]
Основная статья: Стиль Модерн (британский модерн)
См. Также: Школа Глазго

Стиль модерн берет свое начало в Великобритании, в движении искусств и ремесел , которое зародилось в 1860-х годах и достигло международного признания к 1880-м годам. Он призывал к лучшему обращению с декоративным искусством и черпал вдохновение в средневековом мастерстве и дизайне, а также в природе. [ 68 ] Одним из примечательных ранних примеров современного стиля является дизайн Артура Макмёрдо обложки его эссе о городских церквях сэра Кристофера Рена , опубликованного в 1883 году, а также его стул из красного дерева того же года. [ 69 ]

Среди других важных новаторов в Британии были графические дизайнеры Обри Бердсли, чьи рисунки отличались изогнутыми линиями, которые стали самой узнаваемой чертой стиля. Также можно было бы представить струящееся кованое железо 1880-х годов или некоторые плоские цветочные текстильные узоры, большинство из которых в некоторой степени были связаны с образцами дизайна 19 века. Среди других британских художников-графиков, которые играли важную роль в этом стиле, были Уолтер Крейн и Чарльз Эшби . [ 70 ]

Универмаг Liberty в Лондоне сыграл важную роль благодаря своим красочным стилизованным цветочным орнаментам для текстиля, а также серебряным, оловянным и ювелирным дизайнам мэнского жителя (шотландского происхождения) Арчибальда Нокса . Его ювелирные изделия по материалам и формам полностью отошли от исторических традиций ювелирного дизайна.

Для архитектуры и дизайна мебели в стиле модерн самым важным центром в Британии был Глазго с творениями Чарльза Ренни Макинтоша и Школы Глазго , чья работа была вдохновлена ​​шотландской баронской архитектурой и японским дизайном. [ 71 ] Начиная с 1895 года Макинтош демонстрировал свои работы на международных выставках в Лондоне, Вене и Турине; его проекты особенно повлияли на стиль сецессиона в Вене. Его архитектурные творения включали здание Glasgow Herald Building (1894 г.) и библиотеку Школы искусств Глазго (1897 г.). Он также заработал репутацию дизайнера и декоратора мебели, тесно сотрудничая со своей женой Маргарет Макдональд Макинтош , выдающимся художником и дизайнером. Вместе они создали поразительные дизайны, в которых геометрические прямые линии сочетались с плавно изогнутыми цветочными украшениями, в частности знаменитый символ стиля — Роза Глазго». [ 72 ]

Леон-Виктор Солон внес важный вклад в керамику в стиле модерн в качестве арт-директора Mintons. Он специализировался на мемориальных досках и вазах с трубчатой ​​подкладкой , продаваемых как «сепаратистская посуда» (обычно называемая в честь венского художественного движения ). [ 73 ] Помимо керамики, он разрабатывал текстиль для шелковой промышленности лука-порея. [ 74 ] и дублюры для переплетчика (Дж.Т.Бэггули из Ньюкасла-андер-Лайма), который запатентовал переплет Сазерленда в 1895 году.

Джордж Скиппер был, пожалуй, самым активным архитектором в стиле модерн в Англии. Здание Эдварда Эверарда в Бристоле, построенное в 1900–01 годах для размещения типографии Эдварда Эверарда , имеет фасад в стиле модерн. На изображенных фигурах изображены Иоганн Гутенберг и Уильям Моррис , выдающиеся в области книгопечатания. Крылатая фигура символизирует «Дух Света», а фигура, держащая лампу и зеркало, символизирует свет и истину.

Югендстиль в Германии

[ редактировать ]
См. Также: Модерн.

Немецкий модерн широко известен под немецким названием « Югендстиль» , или «Молодежный стиль». Название взято из художественного журнала Jugend («Молодежь»), издававшегося в Мюнхене. Журнал был основан в 1896 году Георгом Хиртом , который оставался редактором до своей смерти в 1916 году. Журнал просуществовал до 1940 года. В начале 20 века модерн применялся только к графическому искусству. [ 75 ] Это особенно относилось к формам типографики и графического дизайна, встречающимся в немецких журналах, таких как Jugend , Pan и Simplicissimus . Позже модерн был применен к другим версиям модерна в Германии, Нидерландах. Термин был заимствован из немецкого языка несколькими языками стран Балтии и Северной Европы для описания модерна (см. раздел « Именование »). [ 12 ] [ 76 ]

В 1892 году Георг Хирт выбрал название «Мюнхенский сецессион» для Ассоциации художников Мюнхена . Венский сецессион , основанный в 1897 году. [ 77 ] и Берлинский Сецессион также получил свое название от Мюнхенской группы.

Журналы «Югенд» и «Симплициссимус» , издаваемые в Мюнхене, и «Пан» , издаваемые в Берлине, были важными сторонниками «Югендстиля » . Искусство модерна сочетало в себе извилистые кривые и более геометрические линии и использовалось для обложек романов, рекламы и выставочных плакатов. Дизайнеры часто создавали оригинальные стили шрифтов , которые гармонично сочетались с изображением, например, шрифт Арнольда Бёклина в 1904 году.

Отто Экманн был одним из самых выдающихся немецких художников, связанных как с Die Jugend , так и с Pan . Его любимым животным был лебедь, и его влияние было настолько велико, что лебедь стал символом всего движения. Другим выдающимся дизайнером этого стиля был Рихард Римершмид , который создавал мебель, керамику и другие декоративные предметы в сдержанном геометрическом стиле, указывающем на ар-деко. [ 78 ] Швейцарский художник Герман Обрист , живущий в Мюнхене, изобразил мотив coup de fouet или хлыстовой травмы, сильно стилизованную двойную кривую, напоминающую движение стебля цветка цикламена .

Колония художников Дармштадта была основана в 1899 году Эрнестом Людвигом, великим герцогом Гессеном . Архитектором, построившим дом великого князя, а также самое большое сооружение колонии (Брачную башню), был Йозеф Мария Ольбрих , один из Венского сецессиона основателей . Другими известными художниками колонии были Питер Беренс и Ганс Кристиансен . перестроить курортный комплекс в Бад-Наухайме Эрнест Людвиг также поручил в начале века . Совершенно новый комплекс Шпрудельхоф [ де ] был построен в 1905–1911 годах под руководством Вильгельма Йоста [ де ] и достиг одной из главных целей модерна: синтеза всех искусств. [ 79 ] Другим членом правящей семьи, заказавшим постройку в стиле модерн, была принцесса Елизавета Гессенская и Рейнская . В 1908 году она основала Марфо-Мариинский женский монастырь в Москве, а его католикон признан шедевром модерна. [ 80 ]

Другим заметным союзом в Германской империи был Deutscher Werkbund , основанный в 1907 году в Мюнхене по инициативе Германа Мутезиуса художниками Дармштадтской колонии Йозефом Марией Ольбрихом , Петером Беренсом ; другим основателем Венского сецессиона Йозефом Хоффманном , а также Wiener Werkstätte (основанным Хоффманном), Рихардом Римершмидом , Бруно Паулем и другими художниками и компаниями. [ 81 ] Позже бельгиец Генри ван де Вельде. к движению присоединился [ номер 2 ] . Великогерцогская школа искусств и ремесел [ де ] , основанная им в Веймаре , была предшественницей Баухауза , одного из самых влиятельных течений в модернистской архитектуре . [ 83 ]

В Берлине модерн был выбран для строительства нескольких железнодорожных вокзалов. Самый заметный [ 84 ] это Бюловштрассе работы Бруно Меринга (1900–1902), другими примерами являются станции Мехикоплац (1902–1904), Ботанический сад (1908–1909), Фронау (1908–1910), Виттенбергплац (1911–1913) и Панков (1912–1914). . Еще одно примечательное сооружение Берлина - Hackesche Höfe (1906 г.), в котором для фасада внутреннего двора используется полихромный глазурованный кирпич.

Стиль модерн в Страсбурге (тогда входившем в состав Германской империи в качестве столицы Рейхсланда Эльзас-Лотринген ) был особым брендом, поскольку он сочетал в себе влияние Нанси и Брюсселя с влияниями Дармштадта и Вены , чтобы создать местный синтез, который отражал история города между германским и французским королевствами.

Сецессия в Австро-Венгрии

[ редактировать ]

Венский сецессион

[ редактировать ]
Основная статья: Венский сецессион

Вена стала центром особого варианта модерна, который стал известен как Венский Сецессион . Движение получило свое название от Мюнхенского сецессиона, основанного в 1892 году. Венский сецессион был основан в апреле 1897 года группой художников, в которую входили Густав Климт , Коломан Мозер , Йозеф Хоффманн , Йозеф Мария Ольбрих , Макс Курцвейл , Эрнст Штер и другие. [ 77 ] Президентом группы стал художник Климт. Они возражали против консервативной ориентации на историзм, выраженной Венским Кюнстлерхаусом , официальным союзом художников. Сецессион основал журнал Ver Sacrum для продвижения своих работ во всех средствах массовой информации. [ 85 ] Архитектор Йозеф Ольбрих спроектировал в новом стиле купольное здание Сецессиона, которое стало витриной для картин Густава Климта и других художников Сецессиона.

Климт стал самым известным из художников Сецессиона, часто стирая границу между изобразительной и декоративной живописью. Коломан Мозер был чрезвычайно разносторонним художником в этом стиле; его работы включают журнальные иллюстрации, архитектуру, столовое серебро, керамику, фарфор, текстиль, витражи и мебель.

Самым выдающимся архитектором Венского сецессиона был Отто Вагнер . [ 86 ] он присоединился к движению вскоре после его создания, чтобы последовать за своими учениками Гофманом и Ольбрихом. Его основные проекты включали несколько станций городской железнодорожной сети (Stadtbahn ) , здания Linke Wienzeile (состоящие из Дома Майолики, Дома Медальонов и дома на Кёстлергассе). Станция Карлсплац сейчас является выставочным залом Венского музея . Кирхе -ам-Штайнхоф психиатрической больницы Штайнхоф (1904–1907) представляет собой уникальный и искусно выполненный образец религиозной архитектуры Сецессиона с традиционным куполообразным внешним видом, но гладким современным золото-белым интерьером, освещенным обилием современных витражей.

В 1899 году Йозеф Мария Ольбрих переехал в Дармштадтскую колонию художников , в 1903 году Коломан Мозер и Йозеф Хоффманн основали Wiener Werkstätte , школу и мастерскую для дизайнеров и мастеров мебели, ковров, текстиля и декоративных предметов. [ 87 ] В 1905 году Коломан Мозер и Густав Климт отделились от Венского сецессиона, позже, в 1907 году, Коломан Мозер покинул Wiener Werkstätte также , а другой ее основатель Йозеф Хоффманн присоединился к Deutscher Werkbund . [ 81 ] Густав Климт и Йозеф Хоффманн продолжили сотрудничество, они организовали выставку Kunstschau [ de ] в 1908 году в Вене и построили дворец Стокле в Брюсселе (1905–1911), который возвестил о приходе модернистской архитектуры . [ 88 ] [ 89 ] В июне 2009 года он был внесен в список наследия ЮНЕСКО Всемирного . [ 90 ]

Венгерский модерн

[ редактировать ]

Пионер и пророк Szecesszió ( «Сецессион» на венгерском языке), архитектор Одон Лехнер , создал здания, которые ознаменовали переход от историзма к модернизму в венгерской архитектуре. [ 92 ] Его идеей венгерского архитектурного стиля было использование архитектурной керамики и восточных мотивов. В своих работах он использовал пигорганит, запущенный в производство к 1886 году Жолнайской фарфоровой мануфактурой . [ 92 ] Этот материал использовался при строительстве известных венгерских зданий других стилей, например, здания венгерского парламента и церкви Матьяша .

Работы Одена Лехнера [ 93 ] включают Музей прикладного искусства (1893–1896 гг.), другие здания с аналогичными отличительными особенностями - Геологический музей (1896–1899 гг.) и здание Почтовой сберегательной кассы (1899–1902 гг.), Все в Будапеште . Однако из-за противодействия успеху Лехнера венгерского архитектурного истеблишмента он вскоре не смог получить новые заказы, сопоставимые с его предыдущими зданиями. [ 92 ] Но Лехнер был вдохновителем и мастером для следующего поколения архитекторов, сыгравших главную роль в популяризации нового стиля. [ 92 ] В процессе мадьяризации его ученикам были сданы в эксплуатацию многочисленные здания на окраинах королевства: например, Марселлу Комору [ ху ] и Дежсо Якабу было поручено построить синагогу (1901–1903) и ратушу (1908–1910) в Шабадке (ныне Суботица , Сербия ), уездная префектура (1905–1907) и Дворец культуры (1911–1913) в Марошвашархее (ныне Тыргу-Муреш , Румыния ). Позже Лехнер сам построил Голубую церковь в Пожошах (современная Братислава , Словакия ) в 1909–1913 годах.

Другим важным архитектором был Карой Кос , который был последователем Джона Раскина и Уильяма Морриса . финского национального романтизма , а за вдохновение — трансильванский язык. Кос взял за образец движение [ 94 ] Его наиболее известные здания включают Римско-католическую церковь в Зебегень (1908–09), павильоны Будапештского муниципального зоопарка (1909–1912) и Национальный музей Секели в Сепсисентдьёрдь (ныне Сфынту-Георге , Румыния, 1911–12).

  • Пакс, мозаика Миксы Рота, получившая серебряную медаль на Всемирной выставке в Париже в 1900 году.
    Пакс , мозаика Миксы Рота , получившая серебряную медаль на Всемирной выставке в Париже в 1900 году.
  • Кабинет Одена Фараго из Будапешта (1901 г.)
    Кабинет Одена Фараго из Будапешта (1901 г.)
  • Окно с цветочными мотивами из виллы Альпар в Будапеште работы Миксы Рота (1903 г.)
    Окно с цветочными мотивами из виллы Альпар в Будапеште работы Миксы Рота (1903 г.)

Движением, которое продвигало сецессию в искусстве, была Художественная колония Гёдёллё , основанная Аладаром Корёсфой-Кришем , также последователем Джона Раскина и Уильяма Морриса и профессором Королевской школы прикладных искусств в Будапеште в 1901 году. [ 95 ] Его артисты принимали участие во многих проектах, в том числе в Музыкальной академии Ференца Листа в Будапеште. [ 96 ]

Сотрудник художественной колонии Гёдёллё, [ 97 ] Микса Рот также участвовал в нескольких десятках проектов в стиле модерн, в том числе в зданиях Будапешта, включая дворец Грешам (витраж, 1906 г.) и банк Тёрёк [ фр ] (мозаика, 1906 г.), а также создавал мозаику и витражи для Дворца культуры (1911–1913 гг.). ) в Марошвашархее.

Известным дизайнером мебели является Одон Фараго [ ху ], который объединил традиционную народную архитектуру, восточную архитектуру и международный модерн в очень живописном стиле. Пал Хорти [ ху ] , другой венгерский дизайнер, имел гораздо более сдержанный и функциональный стиль, выполненный из дуба с тонкими узорами из черного дерева и латуни.

Сецессия в Богемии, Моравии и Словакии

[ редактировать ]

Самые известные сецессионские здания в Праге являются образцами тотального искусства с самобытной архитектурой, скульптурой и картинами. [ 98 ] Главный железнодорожный вокзал (1901–1909) был спроектирован Йозефом Фантой и украшен картинами Вацлава Янсы и скульптурами Ладислава Шалоуна и Станислава Сухарды, а также других художников. Муниципальный дом (1904–1912) был спроектирован Освальдом Поливкой и Антонином Балшанеком, написан известным чешским художником Альфонсом Мухой и украшен скульптурами Йозефа Маржатки и Ладислава Шалоуна . Поливка, Маржатка и Шалоун одновременно сотрудничали в строительстве Новой ратуши (1908–1911) вместе со Станиславом Сухардой , а Муха позже расписал собора Святого Вита витражи в своем своеобразном стиле.

Самым важным чешским архитектором этого периода был Ян Котера , который учился в Вене у Отто Вагнера. Его самые известные работы — Дом Петерки на Вацлавской площади, 12 в Праге (1899–1900), Национальный дом в Простеёве (1905–1907) и Музей Восточной Чехии в Градце Кралове (1909–1912). Многие важные венские архитекторы родились в Моравии или Австрийской Силезии , например, Йозеф Хоффманн , Хуберт Гесснер , Йозеф Мария Ольбрих и Леопольд Бауэр .

Стиль сочетания венгерского Сецессио и национальных архитектурных элементов был типичен для словацкого архитектора Душана Юрковича . Его наиболее оригинальные работы — Дом культуры в Сакольце (ныне в Словакии , г.), курортные постройки в Лугачовице в 1901–1903 гг. 1905 Скалица (ныне Чехия ) на них сильно повлияло местное лемковское ( русинское ) народное искусство и столярное дело (1915–1917).

Сецессия в Галиции

[ редактировать ]
Основные статьи: Модерн в Польше и Молодая Польша

Важнейшими центрами сецессии в Галиции были Краков , Львов и Бельско-Бяла . Важнейшим примером стиля в Кракове является Дворец искусств (1898–1901), спроектированный Францишеком Мончинским под влиянием Сецессионного зала в Вене. Другие важные произведения, которые Мончинский создал в Кракове вместе с Тадеушем Стриеньским : Дом под земным шаром (1904–1905) и Старый театр (1903–1906). Самыми важными дизайнерами интерьера были Станислав Выспянский и Юзеф Мехоффер , которые спроектировали множество витражей и интерьеров зданий. Наиболее важными работами первых являются витражи во францисканской церкви и в Доме Краковского медицинского общества (1905 г.), а вторых в интерьере Дома под земным шаром .

Во Львове самым важным архитектором был Владислав Садловский , который учился в Вене и находился под влиянием Отто Вагнера . Он проектировал Львовский вокзал (1899–1904), Львовскую филармонию (1905–1908), Индустриальное училище (1907–1908). Другим важным архитектором, также вдохновленным Вагнером, был Иван Левинский .

Одним из самых известных зданий Бельско-Бялы является так называемый « Лягушачий дом» Эмануэля Роста (1903 г.). Другие важные примеры сецессиона были спроектированы венскими архитекторами: Максом Фабиани , автором дома на улице Барлицкого, 1 (1900 г.), а также Леопольдом Бауэром , который спроектировал дом на улице Стояловского, 51 (1903 г.) и восстановление церкви Святого Николая. 'Собор (1909–10).

Отделение в Словении, Боснии, Хорватии и Триесте

[ редактировать ]

Самым плодовитым словенским архитектором-сецессионистом был Цирил Метод Кох . [ 99 ] Он учился в классах Отто Вагнера в Вене и работал в городском совете Лайбаха (ныне Любляна , Словения ) с 1894 по 1923 год. После землетрясения в Лайбахе в 1895 году он спроектировал множество светских зданий в стиле сецессион, которые он перенял с 1900 по 1923 годы. 1910 год: [ 99 ] Дом Погачника (1901 г.), Здание Чудена (1901 г.), Фермерский ссудный банк (1906–07), отреставрированное здание Гауптмана в стиле сецессион в 1904 году. Кульминацией его карьеры стал Ссудный банк в Радмансдорфе (ныне Радовлица ) в 1906 году. [ 99 ]

Другим важным словенским архитектором, который работал также в Боснии, был Иосип Ванкаш , автор таких работ, как Гранд-отель Юнион (1902–1903) или Городской сберегательный банк в Любляне (1902–1903), а также особняк Йешуа Д. Салома. (1901 г.) и Главпочтамт в Сараево (1907–1913 гг.). Также Йоже Плечник и Макс Фабиани , оба важные архитекторы Венского сецессиона , родились в Словении. Последний спроектировал несколько зданий в Словении и Триесте, например, Дом Бартоли в Триесте (1906 г.).

В Хорватии наиболее важными примерами сецессии являются Дом Каллина в Загребе Вьекослава Бастла (1903–1904) и Хорватский государственный архив в Загребе Рудольфа Любинского (1911–1913).

Арта 1900 или модерн в Румынии

[ редактировать ]

Модерн появляется в Румынии в те же годы, что и в Западной Европе (с начала 1890-х годов до начала Первой мировой войны в 1914 году), но здесь мало зданий в этом стиле, изящное искусство преобладает . Самым известным из них является казино Констанца . Большинство румынских образцов архитектуры в стиле модерн на самом деле представляют собой смесь изящных искусств и модерна, например, дом Ромула Пореску или дом № 1. 61 на улице Василе Ласкара, оба в Бухаресте. [ 103 ] Это связано с тем, что этот стиль был несколько незаконным в румынской архитектуре из-за того, что он был популярен в Трансильвании , части Австро-Венгерской империи в то время, где румыны подвергались подавлению и дискриминации, несмотря на то, что они составляли большинство населения. Таким образом, люди, которые хотели дом в стиле модерн в 1900-х и начале 1910-х годов, могли разместить только некоторые тонкие орнаменты, напоминающие этот стиль, в то время как остальное было полностью изящным искусством или, в некоторых редких случаях, румынским возрождением . Примером этого является Дом Фанни и Исака Попперов в Бухаресте (Strada Sfintilor № 1), 1914 год, работы Альфреда Поппера , который в основном выполнен в академическом стиле изящных искусств, но имеет некоторые рельефы в стиле модерн с изображением женщин, танцующих и играющих на музыкальных инструментах. у оснований двух пилястр и цветов над арочной дверью . Частой особенностью, напоминающей этот стиль, являются арочные окна с изогнутыми деревянными элементами . Однако эта оконная особенность не обязательно может быть в стиле модерн, поскольку в архитектуре изящных искусств и возрождения рококо обычно используются изогнутые и извилистые линии, особенно в 1890-х, 1900-х и 1910-х годах.

One of the most notable Art Nouveau painters from Romania was Ștefan Luchian, who quickly took over the innovative and decorative directions of Art Nouveau for a short period of time. The moment was synchronized with the founding of the Ileana Society in 1897, of which he was a founding member, a company that organized an exhibition (1898) at the Union Hotel entitled The Exhibition of Independent Artists and published a magazine – the Ileana Magazine.[104]

Transylvania has examples of both Art Nouveau and Romanian Revival buildings, the former being from the Austro-Hungarian era. Most of them can be found in Oradea, nicknamed the "Art Nouveau capital of Romania",[105] but also in Timișoara, Târgu Mureș and Sibiu.[106][107][108]

Stile Liberty in Italy

[edit]
Main articles: Liberty style, Art Nouveau in Milan, and Art Nouveau in Turin

Art Nouveau in Italy was known as arte nuova, stile floreale, stile moderno and especially stile Liberty. Liberty style took its name from Arthur Lasenby Liberty and the store he founded in 1874 in London, Liberty department store, which specialised in importing ornaments, textiles and art objects from Japan and the Far East, and whose colourful textiles which were particularly popular in Italy. Notable Italian designers in the style included Galileo Chini, whose ceramics were often inspired both by majolica patterns. He was later known as a painter and a theatrical scenery designer; he designed the sets for two celebrated Puccini operas Gianni Schicchi and Turandot.[109][110][12]

Liberty style architecture varied greatly, and often followed historical styles, particularly the Baroque. Façades were often drenched with decoration and sculpture. Examples of the Liberty style include the Villino Florio (1899–1902) by Ernesto Basile in Palermo; the Palazzo Castiglioni in Milan by Giuseppe Sommaruga (1901–1903); Milan, and the Casa Guazzoni (1904–05) in Milan by Giovanni Battista Bossi (1904–06).[111]

Colorful frescoes, painted or in ceramics, and sculpture, both in the interior and exterior, were a popular feature of Liberty style. They drew upon both classical and floral themes. as in the baths of Acque della Salute, and in the Casa Guazzoni in Milan.

The most important figure in Liberty style design was Carlo Bugatti, the son of an architect and decorator, father of Rembrandt Bugatti, Liberty sculptor, and of Ettore Bugatti, famous automobile designer. He studied at the Milanese Academy of Brera, and later the Académie des Beaux-Arts in Paris. His work was distinguished by its exoticism and eccentricity, included silverware, textiles, ceramics, and musical instruments, but he is best remembered for his innovative furniture designs, shown first in the 1888 Milan Fine Arts Fair. His furniture often featured a keyhole design, and had unusual coverings, including parchment and silk, and inlays of bone and ivory. It also sometimes had surprising organic shapes, copied after snails and cobras.[112]

Art Nouveau and Secession in Serbia

[edit]
Main articles: Architecture of Serbia § Art Nouveau and Secession style, and Serbo-Byzantine Revival architecture

Due to the close proximity to Austria–Hungary and Vojvodina being part of the empire until 1918, both the Vienna Secession and Hungarian Szecesszió were prevalent movements in what is today's northern Serbia, as well as the Capital of Belgrade.[113] Famous Austrian and Hungarian architects would design many buildings in Subotica, Novi Sad, Palić, Zrenjanin, Vrbas, Senta, and Kikinda. Art Nouveau heritage in Belgrade, Pančevo, Aranđelovac, and Vrnjačka Banja are a mixture of French, German, Austrian, Hungarian, and local Serbian movements. From the curvy floral beauty of the Subotica's Synagogue to the Morava-style inspired rosettes on Belgrade's telegraph building, Art Nouveau architecture takes various shapes in present-day Serbia.

Back in early 1900s, north of the Sava and the Danube, resurgent Hungarian national sentiment infused the buildings in Subotica and Senta with local floral ethnic motifs, while in the tiny Kingdom of Serbia, national romantics like Branko Tanezević and Dragutin Inkiostiri-Medenjak (both born in the Austro-Hungarian Empire), translated Serbia's traditional motifs into marvellous buildings. Other architects, like Milan Antonović and Nikola Nestorović brought the then-fashionable sinuous lines and natural motifs to the homes and businesses of their wealthy patrons, so they could show off their worldliness and keeping up with the trends in Paris, Munich and Vienna.[114]

Modernismo and Modernisme in Spain

[edit]
Main articles: Modernisme and Valencian Art Nouveau

A highly original variant of the style emerged in Barcelona, Catalonia, at about the same time that the Art Nouveau style appeared in Belgium and France. It was called Modernisme in Catalan and Modernismo in Spanish. Its most famous creator was Antoni Gaudí. Gaudí used floral and organic forms in a very novel way in Palau Güell (1886–1890). According to UNESCO, "the architecture of the park combined elements from the Arts and Crafts movement, Symbolism, Expressionism, and Rationalism, and presaged and influenced many forms and techniques of 20th-century Modernism."[116][117][118] He integrated crafts as ceramics, stained glass, wrought ironwork forging and carpentry into his architecture. In his Güell Pavilions (1884–1887) and then Parc Güell (1900–1914) he also used a new technique called trencadís, which used waste ceramic pieces. His designs from about 1903, the Casa Batlló (1904–1906) and Casa Milà (1906–1912),[115] are most closely related to the stylistic elements of Art Nouveau.[119] Later structures such as Sagrada Família combined Art Nouveau elements with revivalist Neo-Gothic.[119] Casa Batlló, Casa Milà, Güell Pavilions, and Parc Güell were results of his collaboration with Josep Maria Jujol, who himself created houses in Sant Joan Despí (1913–1926), several churches near Tarragona (1918 and 1926) and the sinuous Casa Planells (1924) in Barcelona.

Besides the dominating presence of Gaudí, Lluís Domènech i Montaner also used Art Nouveau in Barcelona in buildings such as the Castell dels Tres Dragons (1888), Casa Lleó Morera, Palau de la Música Catalana (1905) and Hospital de Sant Pau (1901–1930).[119] The two latter buildings have been listed by UNESCO as World Cultural Heritage.[120]

Another major modernista was Josep Puig i Cadafalch, who designed the Casa Martí and its Els Quatre Gats café, the Casimir Casaramona textile factory (now the CaixaFòrum art museum), Casa Macaya, Casa Amatller, the Palau del Baró de Quadras (housing Casa Àsia for 10 years until 2013) and the Casa de les Punxes ('House of Spikes').

A distinctive Art Nouveau movement was also in the Valencian Community. Some of the notable architects were Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor, Timoteo Briet Montaud, and José María Manuel Cortina Pérez. Valencian Art Nouveau defining characteristics are a notable use of ceramics in decoration, both in the façade and in ornamentation, and also the use of Valencian regional motives.

Another remarkable variant is the Madrilenian Art Nouveau or Modernismo madrileño, with such notable buildings as the Longoria Palace, the Casino de Madrid or the Cementerio de la Almudena, among others. Renowned modernistas from Madrid were architects José López Sallaberry, Fernando Arbós y Tremanti and Francisco Andrés Octavio [es].

See also: Art Nouveau in Alcoy

The Modernisme movement left a wide art heritage including drawings, paintings, sculptures, glass and metal work, mosaics, ceramics, and furniture. A part of it can be found in Museu Nacional d'Art de Catalunya.

Inspired by a Paris café called Le Chat Noir, where he had previously worked, Pere Romeu i Borràs [ca] decided to open a café in Barcelona that was named Els Quatre Gats (Four Cats in Catalan).[121] The café became a central meeting point for Barcelona's most prominent figures of Modernisme, such as Pablo Picasso and Ramon Casas i Carbó who helped to promote the movement by his posters and postcards. For the café he created a picture called Ramon Casas and Pere Romeu on a Tandem that was replaced with his another composition entitled Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile in 1901, symbolizing the new century.

Antoni Gaudí designed furniture for many of the houses he built; one example is an armchair called the for the Battle House. He influenced another notable Catalan furniture designer, Gaspar Homar [ca] (1870–1953) who often combined marquetry and mosaics with his furnishings.[122]

Arte Nova in Portugal

[edit]

The Art Nouveau variant in Aveiro (Portugal) was called Arte Nova, and its principal characteristic feature was ostentation: the style was used by bourgeoisie who wanted to express their wealth on the façades while leaving the interiors conservative.[124] Another distinctive feature of Arte Nova was the use of locally produced tiles with Art Nouveau motifs.[124]

The most influential artist of Arte Nova was Francisco Augusto da Silva Rocha.[124] Though he was not trained as an architect, he designed many buildings in Aveiro and in other cities in Portugal.[125][124] One of them, the Major Pessoa residence, has both an Art Nouveau façade and interior, and now hosts the Museum of Arte Nova.[124]

There are other examples of Arte Nova in other cities of Portugal.[126][127] Some of them are the Museum-Residence Dr. Anastácio Gonçalves by Manuel Joaquim Norte Júnior [pt] (1904–1905) in Lisbon, Café Majestic by João Queiroz [pt] (1921) and Livraria Lello bookstore by Xavier Esteves [pt] (1906), both in Porto.

Jugendstil in the Nordic countries

[edit]

Finland

[edit]

Art Nouveau was popular in the Nordic countries, where it was usually known as Jugendstil, and was often combined with the National Romantic Style of each country. The Nordic country with the largest number of Jugendstil buildings is the Grand Duchy of Finland, then a part of Russian Empire.[128] The Jugendstil period coincided with Golden Age of Finnish Art and national awakening. After Paris Exposition in 1900 the leading Finnish artist was Akseli Gallen-Kallela.[129] He is known for his illustrations of the Kalevala, the Finnish national epic, as well as for painting numerous Judendstil buildings in the Duchy.

The architects of the Finnish pavilion at the Exposition were Herman Gesellius, Armas Lindgren, and Eliel Saarinen. They worked together from 1896 to 1905 and created many notable buildings in Helsinki including Pohjola Insurance building (1899–1901) and National Museum of Finland (1905–1910)[130] as well as their joint residence Hvitträsk in Kirkkonummi (1902). Architects were inspired by Nordic legends and nature, rough granite façade thus became a symbol for belonging to the Finnish nation.[131] After the firm dissolved, Saarinen designed the Helsinki Railway Station (1905–1914) in clearer forms, influenced by American architecture.[131] The sculptor who worked with Saarinen in construction of National Museum of Finland and Helsinki Railway Station was Emil Wikström.

Another architect who created several notable works in Finland was Lars Sonck. His major Jugendstil works include Tampere Cathedral (1902–1907), Ainola, the home of Jean Sibelius (1903), Headquarters of the Helsinki Telephone Association (1903–1907) and Kallio Church in Helsinki (1908–1912). Also, Magnus Schjerfbeck, brother of Helene Schjerfbeck, made tuberculosis sanatorium known as Nummela Sanatorium in 1903 using the Jugendstil style.[132][133][134]

Norway

[edit]
  • Viking-Art Nouveau chair by Lars Kinsarvik (1900)
    Viking-Art Nouveau chair by Lars Kinsarvik (1900)
  • Art Nouveau Centre in Ålesund (1905–1907)
    Art Nouveau Centre in Ålesund (1905–1907)
  • Graphic design by Gerhard Munthe (1914)
    Graphic design by Gerhard Munthe (1914)
  • Interior of Art Nouveau Centre in Ålesund
    Interior of Art Nouveau Centre in Ålesund
  • Ornaments of a door in Art Nouveau Centre in Ålesund
    Ornaments of a door in Art Nouveau Centre in Ålesund

Norway also was aspiring independence (from Sweden) and local Art Nouveau was connected with a revival inspired by Viking folk art and crafts. Notable designers included Lars Kisarvik, who designed chairs with traditional Viking and Celtic patterns, and Gerhard Munthe, who designed a chair with a stylised dragon-head emblem from ancient Viking ships, as well as a wide variety of posters, paintings and graphics.[135]

The Norwegian town of Ålesund is regarded as the main centre of Art Nouveau in Scandinavia because it was completely reconstructed after a fire of 23 January 1904.[136] About 350 buildings were built between 1904 and 1907 under an urban plan designed by the engineer Frederik Næsser. The merger of unity and variety gave birth to a style known as Ål Stil. Buildings of the style have linear decor and echoes of both Jugendstil and vernacular elements, e.g. towers of stave churches or the crested roofs.[136] One of the buildings, Swan Pharmacy, now hosts the Art Nouveau Centre.

Sweden and Denmark

[edit]

Jugendstil masterpieces of other Nordic countries include Engelbrektskyrkan (1914) and Royal Dramatic Theatre (1901–1908) in Stockholm, Sweden[137] and former City Library (now Danish National Business Archives) in Aarhus, Denmark (1898–1901).[138] The architect of the latter is Hack Kampmann, then a proponent of National Romantic Style who also created Custom House, Theatre and Villa Kampen in Aarhus. Denmark's most notable Art Nouveau designer was the silversmith Georg Jensen. The Baltic Exhibition in Malmö 1914 can be seen as the last major manifestation of the Jugendstil in Sweden.[139]

Modern in Russia

[edit]
Main articles: Mir Iskusstva, Ballets Russes, and Art Nouveau architecture in Russia

Модерн ('Modern') was a very colourful Russian variation of Art Nouveau which appeared in Moscow and Saint Petersburg in 1898 with the publication of a new art journal, Мир искусства (Mir Iskusstva, 'The World of Art'), by Russian artists Alexandre Benois and Léon Bakst, and chief editor Sergei Diaghilev. The magazine organized exhibitions of leading Russian artists, including Mikhail Vrubel, Konstantin Somov, Isaac Levitan, and the book illustrator Ivan Bilibin. The World of Art style made less use of the vegetal and floral forms of French Art Nouveau; it drew heavily upon the bright colours and exotic designs of Russian folklore and fairy tales. The most influential contribution of the Mir Iskusstva was the creation of a new ballet company, the Ballets Russes, headed by Diaghilev, with costumes and sets designed by Bakst and Benois. The new ballet company premiered in Paris in 1909, and performed there every year through 1913. The exotic and colourful sets designed by Benois and Bakst had a major impact on French art and design. The costume and set designs were reproduced in the leading Paris magazines, L'Illustration, La Vie parisienne and Gazette du bon ton, and the Russian style became known in Paris as à la Bakst. The company was stranded in Paris first by the outbreak of World War I, and then by the Russian Revolution in 1917, and ironically never performed in Russia.[140]

Of Russian architects, the most prominent in the pure Art Nouveau style was Fyodor Schechtel. The most famous example is the Ryabushinsky House in Moscow. It was built by a Russian businessman and newspaper owner, and then, after the Russian Revolution, became the residence of the writer Maxim Gorky, and is now the Gorky Museum. Its main staircase, made of a polished aggregate of concrete, marble and granite, has flowing, curling lines like the waves of the sea, and is illuminated by a lamp in the form of a floating jellyfish. The interior also features doors, windows and ceiling decorated with colorful frescoes of mosaic.[141] Schechtel, who is also considered a major figure in Russian symbolism, designed several other landmark buildings in Moscow, including the rebuilding of the Moscow Yaroslavsky railway station, in a more traditional Moscow revival style.[141]

Other Russian architects of the period created Russian Revival architecture, which drew from historic Russian architecture. These buildings were created mostly in wood, and referred to the Architecture of Kievan Rus'. One example is the Teremok House in Talashkino (1901–1902) by Sergey Malyutin, and Pertsova House (also known as Pertsov House) in Moscow (1905–1907). He also was a member of Mir iskusstva movement. The Saint Petersburg architect Nikolai Vasilyev built in a range of styles before emigrating in 1923. This building is most notable for stone carvings made by Sergei Vashkov inspired by the carvings of Cathedral of Saint Demetrius in Vladimir and Saint George Cathedral in Yuryev-Polsky of the XII and XIII centuries. Another example of this Russian Revival architecture is the Marfo-Mariinsky Convent (1908–1912), an updated Russian Orthodox Church by Alexey Shchusev, who later, ironically, designed Lenin's Mausoleum in Moscow.

Several art colonies in Russia in this period were built in the Russian Revival style. The two best-known colonies were Abramtsevo, funded by Savva Mamontov, and Talashkino, Smolensk Governorate, funded by Princess Maria Tenisheva.

Ukrainian Modern architecture

[edit]
Main article: Hutsul Secession

Early 20th-century architecture in Ukrainian lands (southwestern part of the Russian Empire, Eastern Galicia, Bukovina and Transcarpathia in Austria-Hungary) developed under the influence of Ukrainian folk architecture, as well as trends of European Art Nouveau, such as Zakopane Style. Ukrainian "modern" architecture first came to prominence in Poltava Governorate, where its most active promoters were Vasyl Krychevskyi and Opanas Slastion. In the late 1900s and early 1910s, a number of buildings in what was then known simply as "Ukrainian style" were constructed in Kyiv, Kharkiv, Odesa, Katerynoslav and a number of other places in the Russian Empire. In Western Ukraine, which was at that time part of Austria-Hungary, the local Ukrainian style was influenced by Hutsul architecture, as well as Western European trends and influences from Great Ukraine.[142]

Jūgendstils (Art Nouveau in Riga)

[edit]
Main article: Art Nouveau architecture in Riga
  • Façade of house at Elizabetes ielā, 10b, by Mikhail Eisenstein (1903)
    Façade of house at Elizabetes ielā, 10b, by Mikhail Eisenstein (1903)
  • Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903), now hosting Riga Jūgendstils museum
    Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903), now hosting Riga Jūgendstils museum
  • National Romantic decoration on a house built by Pēkšēns (1908)
    National Romantic decoration on a house built by Pēkšēns (1908)
  • Ministry of Education, built by Edgar Friesendorf (1911)
    Ministry of Education, built by Edgar Friesendorf (1911)

Riga, the present-day capital of Latvia, was at the time one of the major cities of the Russian Empire. Art Nouveau architecture in Riga nevertheless developed according to its own dynamics, and the style became overwhelmingly popular in the city. Soon after the Latvian Ethnographic Exhibition in 1896 and the Industrial and Handicrafts Exhibition in 1901, Art Nouveau became the dominant style in the city.[143] Thus Art Nouveau architecture accounts for one-third of all the buildings in the centre of Riga, making it the city with the highest concentration of such buildings anywhere in the world. The quantity and quality of Art Nouveau architecture was among the criteria for including Riga in UNESCO World Cultural Heritage.[144]

There were different variations of Art Nouveau architecture in Riga:

  • in Eclectic Art Nouveau, floral and other nature-inspired elements of decoration were most popular. Examples of that variation are works of Mikhail Eisenstein,
  • in Perpendicular Art Nouveau, geometrical ornaments were integrated into the vertical compositions of the façades. Several department stores were built in this style, and it is sometimes also referred to as "department store style" or Warenhausstil in German,
  • National Romantic Art Nouveau was inspired by local folk art, monumental volumes and the use of natural building materials.

Some later Neo-Classical buildings also contained Art Nouveau details.

Style Sapin in La Chaux-de-Fonds, Switzerland

[edit]
Main article: Style Sapin
  • Villa Fallet with fir-inspired decoration by Le Corbusier (1904–05)
    Villa Fallet with fir-inspired decoration by Le Corbusier (1904–05)
  • Crematorium (1908–1910), interior, with stylised fir tree design on ceiling. The symbolist murals by L'Epplattenier were added later.
    Crematorium (1908–1910), interior, with stylised fir tree design on ceiling. The symbolist murals by L'Epplattenier were added later.
  • Crematorium, with stylised sapin or pine cone detail
    Crematorium, with stylised sapin or pine cone detail
  • Crematorium, with pine cone detail
    Crematorium, with pine cone detail

A variation called Style Sapin ('Fir-tree Style') emerged in La Chaux-de-Fonds in the Canton of Neuchâtel in Switzerland. The style was launched by the painter and artist Charles l’Eplattenier and was inspired especially by the sapin, 'fir tree', and other plants and wildlife of the Jura Mountains. One of his major works was the crematorium in the town, which featured triangular tree forms, pine cones, and other natural themes from the region. The style also blended in the more geometric stylistic elements of Jugendstil and Vienna Secession.[145]

Another notable building in the style is the Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, a chalet designed and built in 1905 by a student of L'Epplattenier, the eighteen-year-old Le Corbusier. The form of the house was a traditional Swiss chalet, but the decoration of the façade included triangular trees and other natural features. Le Corbusier built two more chalets in the area, including the Villa Stotzer, in a more traditional chalet style.[146][145][147][148]

Tiffany Style and Louis Sullivan in the United States

[edit]

In the United States, the firm of Louis Comfort Tiffany played a central role in American Art Nouveau. Born in 1848, he studied at the National Academy of Design in New York City, began working with glass at the age of 24, entered the family business started by his father, and in 1885 set up his own enterprise devoted to fine glass, and developed new techniques for its colouring. In 1893, he began making glass vases and bowls, again developing new techniques that allowed more original shapes and colouring, and began experimenting with decorative window glass. Layers of glass were printed, marbled and superimposed, giving an exceptional richness and variety of colour in 1895 his new works were featured in the Art Nouveau gallery of Siegfried Bing, giving him a new European clientele. After the death of his father in 1902, he took over the entire Tiffany enterprise, but still devoted much of his time to designing and manufacturing glass art objects. At the urging of Thomas Edison, he began to manufacture electric lamps with multicoloured glass shades in structures of bronze and iron, or decorated with mosaics, produced in numerous series and editions, each made with the care of a piece of jewellery. A team of designers and craftsmen worked on each product. The Tiffany lamp in particular became one of the icons of the Art Nouveau, but Tiffany's craftsmen designed and made extraordinary windows, vases, and other glass art. Tiffany's glass also had great success at the 1900 Exposition Universelle in Paris; his stained glass window called the Flight of Souls won a gold medal.[149] The Columbian Exposition was an important venue for Tiffany; a chapel he designed was shown at the Pavilion of Art and Industry. The Tiffany Chapel, along with one of the windows of Tiffany's home in New York, are now on display at the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida.

Another important figure in American Art Nouveau was the architect Louis Sullivan. Sullivan was a leading pioneer of American modern architecture. He was the founder of the Chicago School, the architect of some of the first skyscrapers, and the teacher of Frank Lloyd Wright. His most famous saying was "Form follows function." While the form of his buildings was shaped by their function, his decoration was an example of American Art Nouveau. At the 1893 World's Columbian Exposition in Chicago, most famous for the neoclassical architecture of its renowned White City, he designed a spectacular Art Nouveau entrance for the very functional Transportation Building.[150][151]

While the architecture of his Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (now the Sullivan Center) was strikingly modern and functional, he surrounded the windows with stylised floral decoration. He invented equally original decoration for the National Farmer's Bank of Owatonna, Minnestota (1907–1908) and the Merchants' National Bank in Grinell, Iowa. He invented a specifically American variety of Art Nouveau, declaring that decorative forms should oscillate, surge, mix and derive without end. He created works of great precision which sometimes combined Gothic with Art Nouveau themes.[152]

Also worth noting are the Uhl brothers from Toledo, Ohio, who set new standards in metal furniture production with their designs for the Toledo Metal Furniture Co.

Art Nouveau in Argentina

[edit]

Flooded with European immigrants, Argentina welcomed all artistic and architectural European styles, including Art Nouveau. There was an environment of huge investments and flexible rules for construction, which encouraged young architects from Europe to come and grow their portfolio to later go back to Europe. As a result of this, Argentina became the country outside of Europe with most art nouveau buildings.[153] Cities with the most notable Art Nouveau heritage in Argentina are Buenos Aires, Rosario and Mar del Plata.[154]

Paris was a prototype for Buenos Aires with the construction of large boulevards and avenues in the 19th century.[153] The local style along with French influence was also following Italian Liberty as many architects (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) were Italians. In works of Julián García Núñez [es] Catalan influence can be noted as he completed his studies in Barcelona in 1900 as well as in the work of Eduardo Rodríguez Ortega.[153] The influence of Vienna Secession can be found at Paso y Viamonte building, Club Español, Regimiento de Granaderos a Caballo and the Savoy hotel.[153]

Some local features are the adaptation to the previously existent "chorizo house" format of buildings, which implied a relatively narrow façade for an actually deep building inside of the block, with multiple patios or holes for air and light; as well as the characteristic "cut corners" on every block that was a requirement by law in Buenos Aires since the end of 1800s; material availability was also different than in Europe, and buildings will often be covered of a "simil piedra París" which was an imitation of the Parisian stone made by mixing cement with sand and different minerals.

The introduction of Art Nouveau in Rosario is connected to Francisco Roca Simó [es] who trained in Barcelona.[155] His Club Español building [es] (1912) features one of the largest stained glass windows in Latin America produced (as well as tiling and ceramics) by the local firm Buxadera, Fornells y Cía.[156] The sculptor of the building is Diego Masana from Barcelona.[156]

Belgian influence on Argentinian Art Nouveau is represented by the Villa Ortiz Basualdo, now hosting the Juan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata where the furniture, interiors, and lighting are by Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau in the rest of the world

[edit]

As in Argentina, Art Nouveau in other countries was mostly influenced by foreign artists:

Art Nouveau motifs can also be found in French Colonial artchitechture throughout French Indochina.

A notable art movement called Bezalel school appeared in the Palestine region in dating to the late Ottoman and British Mandate periods. It has been described as "a fusion of oriental art and Jugendstil."[167] Several artists associated with the Bezalel school were noted for their Art Nouveau style, including Ze'ev Raban, Ephraim Moses Lilien and Abel Pann.[168]

Characteristics, decoration and motifs

[edit]

Early Art Nouveau, particularly in Belgium and France, was characterized by undulating, curving forms inspired by lilies, vines, flower stems and other natural forms, used in particular in the interiors of Victor Horta and the decoration of Louis Majorelle and Émile Gallé.[172] It also drew upon patterns based on butterflies and dragonflies, borrowed from Japanese art, which were popular in Europe at the time.[172]

Early Art Nouveau also often featured more stylised forms expressing movement, such as the coup de fouet or "whiplash" line, depicted in the cyclamen plants drawn by designer Hermann Obrist in 1894. A description published in Pan magazine of Hermann Obrist's wall hanging Cyclamen (1894), compared it to the "sudden violent curves generated by the crack of a whip,"[173] The term "whiplash", though it was originally used to ridicule the style, is frequently applied to the characteristic curves employed by Art Nouveau artists.[173] Such decorative undulating and flowing lines in a syncopated rhythm and asymmetrical shape, are often found in the architecture, painting, sculpture, and other forms of Art Nouveau design.[173]

Other floral forms were popular, inspired by lilies, wisteria and other flowers, particularly in the lamps of Louis Comfort Tiffany and the glass objects made by the artists of the School of Nancy and Émile Gallé. Other curving and undulating forms borrowed from nature included butterflies, peacocks, swans, and water lilies. Many designs depicted women's hair intertwined with stems of lilies, irises and other flowers.[174] Stylised floral forms were particularly used by Victor Horta in carpets, balustrades, windows, and furniture. They were also used extensively by Hector Guimard for balustrades, and, most famously, for the lamps and railings at the entrances of the Paris Metro. Guimard explained: "That which must be avoided in everything that is continuous is the parallel and symmetry. Nature is the greatest builder and nature makes nothing that is parallel and nothing that is symmetrical."[175]

Earlier Art Nouveau furniture, such as that made by Louis Majorelle and Henry van de Velde, was characterized by the use of exotic and expensive materials, including mahogany with inlays of precious woods and trim, and curving forms without right angles. It gave a sensation of lightness.

In the second phase of Art Nouveau, following 1900, the decoration became purer and the lines were more stylised. The curving lines and forms evolved into polygons and then into cubes and other geometric forms. These geometric forms were used with particular effect in the architecture and furniture of Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser and Josef Hoffmann, especially the Stoclet Palace in Brussels, which announced the arrival of Art Deco and modernism.[88][89][90]

Another characteristic of Art Nouveau architecture was the use of light, by opening up of interior spaces, by the removal of walls, and the extensive use of skylights to bring a maximum amount of light into the interior. Victor Horta's residence-studio and other houses built by him had extensive skylights, supported on curving iron frames. In the Hotel Tassel he removed the traditional walls around the stairway, so that the stairs became a central element of the interior design.

Relationship with contemporary styles and movements

[edit]

As an art style, Art Nouveau has affinities with the Pre-Raphaelites and the Symbolist styles, and artists like Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt and Jan Toorop could be classed in more than one of these styles. Unlike Symbolist painting, however, Art Nouveau has a distinctive appearance; and, unlike the artisan-oriented Arts and Crafts movement, Art Nouveau artists readily used new materials, machined surfaces, and abstraction in the service of pure design.

Art Nouveau did not eschew the use of machines, as the Arts and Crafts movement did. For sculpture, the principal materials employed were glass and wrought iron, resulting in sculptural qualities even in architecture. Ceramics were also employed in creating editions of sculptures by artists such as Auguste Rodin.[178] though his sculpture is not considered Art Nouveau.

Art Nouveau architecture made use of many technological innovations of the late 19th century, especially the use of exposed iron and large, irregularly shaped pieces of glass for architecture.

Art Nouveau tendencies were also absorbed into local styles. In Denmark, for example, it was one aspect of Skønvirke ('Aesthetic work'), which itself more closely relates to the Arts and Crafts style.[179][180] Likewise, artists adopted many of the floral and organic motifs of Art Nouveau into the Młoda Polska ('Young Poland') style in Poland.[181] Młoda Polska, however, was also inclusive of other artistic styles and encompassed a broader approach to art, literature, and lifestyle.[182]

Architecturally, Art Nouveau has affinities with styles that, although modern, exist outside the modernist tradition established by architects like Walter Gropius and Le Corbusier. It is particularly closely related to Expressionist architecture, which shares its preference for organic shapes, but grew out of an intellectual dissatisfaction with Art Nouveau's approach to ornamentation. As opposed to Art Nouveau's focus on plants and vegetal motifs, Expressionism takes inspiration from things like caves, mountains, lightning, crystal, and rock formations.[183] Another style conceived as a reaction to Art Nouveau was Art Deco, which rejected organic surfaces altogether in preference for a rectilinear style derived from the contemporary artistic avant-garde.

Genres

[edit]

Art Nouveau is represented in painting and sculpture, but it is most prominent in architecture and the decorative arts. It was well-suited to the graphic arts, especially the poster, interior design, metal and glass art, jewellery, furniture design, ceramics and textiles.

Posters and graphic art

[edit]
Main article: Art Nouveau posters and graphic arts

The graphic arts flourished in the Art Nouveau period, thanks to new technologies of printing, particularly colour lithography, which allowed the mass production of colour posters. Art was no longer confined to galleries, museums and salons; it could be found on Paris walls, and in illustrated art magazines, which circulated throughout Europe and to the United States. The most popular theme of Art Nouveau posters was women; women symbolizing glamour, modernity and beauty, often surrounded by flowers.

In Britain, the leading graphic artist in the Art Nouveau style was Aubrey Beardsley (1872–1898). He began with engraved book illustrations for Le Morte d'Arthur, then black and white illustrations for Salome by Oscar Wilde (1893), which brought him fame. In the same year, he began engraving illustrations and posters for the art magazine The Studio, which helped publicize European artists such as Fernand Khnopff in Britain. The curving lines and intricate floral patterns attracted as much attention as the text.[184]

The Swiss-French artist Eugène Grasset (1845–1917) was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat noir in 1885 and made his first posters for the Fêtes de Paris. He made a celebrated poster of Sarah Bernhardt in 1890, and a wide variety of book illustrations. The artist-designers Jules Chéret, Georges de Feure and the painter Henri de Toulouse-Lautrec all made posters for Paris theaters, cafés, dance halls cabarets. The Czech artist Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895 made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda by Victorien Sardou. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. Over the next four years, he also designed sets, costumes, and even jewellery for the actress.[185][186] Based on the success of his theater posters, Mucha made posters for a variety of products, ranging from cigarettes and soap to beer biscuits, all featuring an idealized female figure with an hourglass figure. He went on to design products, from jewellery to biscuit boxes, in his distinctive style.[187]

In Vienna, the most prolific designer of graphics and posters was Koloman Moser (1868–1918), who actively participated in the Secession movement with Gustav Klimt and Josef Hoffmann, and made illustrations and covers for the magazine of the movement, Ver Sacrum, as well as paintings, furniture and decoration.[188]

Painting

[edit]

Painting was another domain of Art Nouveau, though most painters associated with Art Nouveau are primarily described as members of other movements, particularly post-impressionism and symbolism. Alphonse Mucha was famous for his Art Nouveau posters, which frustrated him. According to his son and biographer, Jiří Mucha, he did not think much of Art Nouveau. "What is it, Art Nouveau? he asked. "... Art can never be new."[189] He took the greatest pride in his work as a history painter. His Art Nouveau-inspired painting Slava is a portrait of the daughter of his patron in Slavic costume, which was modelled after his theatrical posters.[189]

The painters most closely associated with Art Nouveau were Les Nabis, post-impressionist artists who were active in Paris from 1888 until 1900. One of their stated goals was to break down the barrier between the fine arts and the decorative arts. They painted not only canvases, but also decorative screens and panels. Many of their works were influenced by the aesthetics of Japanese prints. The members included Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, and Paul Sérusier.[190]

The Austrian painter Gustav Klimt was an exponent of Art Nouveau painting, and more specifically a representative of the Modernist movement of the Viennese Secession. Klimt painted canvases and murals in an ornate personal style, which he also expressed through handicrafts, such as those found in the Viennese Secession Gallery. Klimt found one of his most recurring sources of inspiration in the female nude. His works are sensual, with a naturalistic, individual, organic style, inspired by nature following the decorative style of Gaudí.

Каталонские художники-модернисты (Рамон Касас, Сантьяго Русиньоль, Алейш Клапес, Хоаким Суньер, Эрменегильдо Англада Камараса, Хуан Брюлль, Рикар Канальс, Хавьер Госе, Хосеп Мария Серт, Мигель Утрилло и др.), тесно связанные с авангардом Парижа. и находившиеся под огромным влиянием Антонио Гауди, местом встреч была таверна Els Quatre Gats. Из группы вышел Пабло Пикассо.

Учениками Англады Камарасы были аргентинцы Грегорио Лопес Нагиль, Тито Читтадини и Рауль Мацца, которые отвечали за транспортировку новой художественной живописи в Южную Америку.

В Бельгии Фернан Кнопф работал как в живописи, так и в графическом дизайне. Настенные росписи Густава Климта были интегрированы в декоративную схему Йозефа Гофмана дворца Стоклет (1905–1911). Фреска Климта для столовой дворца Стокле считается шедевром позднего модерна.

Один сюжет действительно появлялся как в традиционной живописи, так и в стиле модерн; Американскую танцовщицу Лои Фуллер изображали французские и австрийские художники и плакатисты. [ 43 ]

Одним из особых стилей, который стал популярным в период модерна, особенно в Брюсселе, было сграффито , техника, изобретенная в эпоху Возрождения, заключающаяся в нанесении слоев тонированной штукатурки для создания фресок на фасадах домов. В частности, его использовал бельгийский архитектор Поль Ханкар для домов, которые он построил для двух друзей-художников, Поля Коши и Альберта Чамберлани.

Стеклянное искусство

[ редактировать ]
Основная статья: Искусство стекла в стиле модерн

Искусство стекла было средой, в которой модерн нашел новые и разнообразные способы выражения. Было проведено интенсивное количество экспериментов, особенно во Франции, чтобы найти новые эффекты прозрачности и непрозрачности: в гравюре были камеи, двойные слои и кислотная гравировка - техника, позволяющая производить серийное производство. Город Нанси мастерские Эмиля Галле и студия «Даум» , которой руководили Огюст стал важным центром французской стекольной промышленности, здесь располагались и Антонен Даум. Они работали со многими известными дизайнерами, в том числе с Эрнестом Бюссьером [ фр ] , Анри Берже (иллюстратор ) [ фр ] и Амальриком Вальтером . Они разработали новый метод инкрустации стекла путем вдавливания в незавершенное изделие фрагментов разноцветного стекла. Они часто сотрудничали с дизайнером мебели Луи Мажорелем , чей дом и мастерские находились в Нанси. Еще одной особенностью модерна было использование витражей с этой цветочной тематикой в ​​жилых салонах, особенно в домах в стиле модерн в Нанси. Многие из них были работой Жака Грюбера , который делал окна для виллы Мажорель и других домов. [ 192 ]

В Бельгии ведущей фирмой была стекольная фабрика Валь Сен-Ламбер , которая создавала вазы органических и цветочных форм, многие из которых были созданы Филиппом Вольферсом . Вольферс был особенно известен созданием произведений из символистского стекла, часто с металлическими украшениями. В Богемии , тогдашнем регионе Австро-Венгерской империи, известном производством хрусталя, компании J. & L. Lobmeyr и Joh. Лётц Витве также экспериментировал с новыми техниками окраски, создавая более яркие и насыщенные цвета. В Германии эксперименты возглавил Карл Кёппинг, который из выдувного стекла создал чрезвычайно изящные бокалы в форме цветов; настолько хрупкий, что немногие выживают сегодня. [ 193 ]

В Вене стеклянные конструкции движения Сецессиона были гораздо более геометрическими, чем во Франции или Бельгии; Отто Пручер был самым строгим дизайнером стекла этого механизма. [ 193 ] создала ряд цветочных витражей В Великобритании Маргарет Макдональд Макинтош для архитектурной выставки под названием «Дом любителя искусства» .

В Соединенных Штатах Луи Комфорт Тиффани и его дизайнеры прославились своими лампами, в стеклянных абажурах которых использовались общие цветочные темы, замысловато соединенные вместе. Лампы Тиффани приобрели популярность после Всемирной Колумбийской выставки в Чикаго в 1893 году, где Тиффани выставил свои лампы в часовне, напоминающей византийский стиль. Тиффани много экспериментировала с процессами окрашивания стекла, запатентовав в 1894 году процесс стекла Favrile , в котором оксиды металлов использовались для окраски внутренней части расплавленного стекла, придавая ему переливающийся эффект. В его мастерских было произведено несколько различных серий ламп Тиффани с разными цветочными узорами, а также витражи, ширмы, вазы и ряд декоративных предметов. Его работы были сначала импортированы в Германию, затем во Францию ​​Зигфридом Бингом , а затем стали одной из декоративных сенсаций Выставки 1900 года. Американский конкурент Tiffany, компания Steuben Glass , была основана в 1903 году в Корнинге, штат Нью-Йорк , Фредериком Кардером , который, как и Tiffany, использовал процесс Fevrile для создания поверхностей с переливающимися цветами. Еще одним известным американским художником по стеклу был Джон Ла Фарж , создавший замысловатые и красочные витражи как на религиозные, так и на чисто декоративные темы. [ 193 ]

Примеры витражей в церквях можно найти в статье Религиозные постройки в стиле модерн .

Металлическое искусство

[ редактировать ]

Теоретик архитектуры XIX века Виолле-ле-Дюк выступал за демонстрацию, а не за скрытие железных каркасов современных зданий, но архитекторы в стиле модерн Виктор Орта и Эктор Гимар пошли еще дальше: они добавили железный декор в форме кривых, вдохновленных цветочными и растительными мотивами. формы как в интерьерах, так и в экстерьерах зданий. Они приняли форму лестничных перил внутри, светильников и других деталей внутри, а также балконов и других украшений снаружи. Они стали одними из самых отличительных особенностей архитектуры в стиле модерн. Использование металлических украшений в растительных формах вскоре также появилось в столовом серебре, лампах и других декоративных предметах. [ 194 ]

В США дизайнер Джордж Грант Элмсли выполнил чрезвычайно замысловатые чугунные конструкции для балюстрад и другого внутреннего убранства зданий чикагского архитектора Луи Салливана .

В то время как французские и американские дизайнеры использовали цветочные и растительные формы, Джозеф Мария Ольбрих и другие художники Сецессиона создавали чайники и другие металлические предметы в более геометрическом и сдержанном стиле. [ 195 ]

Ювелирные изделия

[ редактировать ]

Ювелирные изделия в стиле модерн характеризуются тонкими изгибами и линиями. В его дизайне часто используются природные объекты, включая цветы, животных или птиц. Женское тело также популярно, часто появляясь в камео . Оно часто включало длинные ожерелья из жемчуга или цепочки из стерлингового серебра, перемежающиеся стеклянными бусинами или заканчивающиеся серебряным или золотым кулоном, который сам по себе часто создавался как украшение для хранения одного ограненного драгоценного камня из аметиста , перидота или цитрина . [ 196 ]

Период ар-нуво принес заметную стилистическую революцию в ювелирную промышленность, возглавляемую главным образом крупными фирмами Парижа. В течение предыдущих двух столетий в ювелирных украшениях основное внимание уделялось созданию эффектных оправ для бриллиантов. Во времена правления модерна бриллианты обычно играли второстепенную роль. Ювелиры экспериментировали с множеством других камней, включая агат , гранат , опал , лунный камень , аквамарин и другие полудрагоценные камни, а также с широким спектром новых техник, среди прочего эмалирования , и новыми материалами, включая рог , формованное стекло, и слоновая кость .

Среди первых известных парижских ювелиров в стиле модерн был Луи Окок , чья семейная ювелирная фирма была основана в 1821 году. Самый известный дизайнер периода модерн, Рене Лалик , проходил обучение в студии Aucoc с 1874 по 1876 год. Лалик стал центральным дизайнером фигура из ювелирных украшений и стекла в стиле модерн, использующая природу, от стрекоз в качестве моделей до трав. Художники, не относящиеся к традиционному миру ювелирных изделий, такие как Поль Фолло , наиболее известный как дизайнер мебели, экспериментировали с дизайном ювелирных изделий. Среди других известных французских дизайнеров ювелирных украшений в стиле модерн были Жюль Брато и Жорж Анри. В США самым известным дизайнером был Луи Комфорт Тиффани , чьи работы демонстрировались в магазине Зигфрида Бинга , а также на Парижской выставке 1900 года.

В Британии наиболее заметной фигурой был дизайнер Liberty & Co. & Cymric Арчибальд Нокс , который изготовил множество предметов в стиле модерн, в том числе серебряные пряжки для ремней. CR Ashbee разработал подвески в форме павлинов. Универсальный из Глазго дизайнер Чарльз Ренни Макинтош также создавал украшения с использованием традиционных кельтских символов. В Германии центром ювелирного модерна был город Пфорцхайм большинство немецких фирм, в том числе Theodor Fahrner , где располагалось . Они быстро создали работы, отвечающие спросу на новый стиль. [ 196 ]

Архитектура и орнамент

[ редактировать ]
См. Также: Религиозные постройки в стиле модерн.

Архитектура в стиле модерн была реакцией на эклектичные стили, доминировавшие в европейской архитектуре во второй половине XIX века. Это выражалось в декорировании: либо декоративном (на основе цветов и растений, например чертополоха, [ 197 ] ирисы, [ 198 ] цикламены, орхидеи, кувшинки и т. д.) или скульптурные (см. соответствующий раздел ниже). Если к орнаменту относят лица людей (или маскароны ), то использование людей в различных формах скульптуры (статуи и рельефы: см. соответствующий раздел ниже) было распространено и в некоторых формах модерна. До Венского Сецессиона модерн и различные формы фасадов национального романтического стиля были асимметричными и часто украшались полихромной керамической плиткой. Украшение обычно предполагало движение; не было никакого различия между структурой и орнаментом. [ 199 ] Мотив завитка или «хлыста» , основанный на формах растений и цветов, широко использовался в раннем модерне, но декор стал более абстрактным и симметричным в Венском сецессионе и других более поздних версиях стиля, как во дворце Стоклет в Брюссель (1905–1911). [ 200 ]

Этот стиль впервые появился в Брюссельском доме Ханкара Поля Ханкара (1893) и в отеле Tassel (1892–93) Виктора Орты . Отель «Тассель» посетил Эктор Гимар , который использовал тот же стиль в своей первой крупной работе « Замок Беранже» (1897–98). Орта и Гимар также разработали мебель и внутреннюю отделку, вплоть до дверных ручек и коврового покрытия. В 1899 году, основываясь на славе замка Беранже, Гимар получил заказ на проектирование входов на станции нового парижского метро , ​​открывшегося в 1900 году. Хотя немногие из оригиналов сохранились, они стали символом движения в стиле модерн. в Париже.

В Париже архитектурный стиль также был реакцией на строгие правила, наложенные на фасады зданий Жоржем -Эженом Османом , префектом Парижа при Наполеоне III . Эркерные окна были наконец разрешены в 1903 году, и архитекторы в стиле модерн пошли на противоположную крайность, особенно в домах Жюля Лавирота , которые по сути представляли собой большие скульптурные произведения, полностью покрытые декором. Важный квартал домов в стиле модерн возник во французском городе Нанси , вокруг виллы Мажорель (1901–02), резиденции дизайнера мебели Луи Мажореля . Он был спроектирован Анри Соважем как витрина для дизайна мебели Мажореля. [ 199 ]

Многие здания в стиле модерн были включены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО как часть городских центров (в Берне , Будапеште , Львове , Париже, Порту , Праге , Риге , Санкт-Петербурге , Страсбурге ( Нойштадте ), Вене ). Наряду с ними были здания, вошедшие в список как отдельные объекты:

Скульптура

[ редактировать ]

Скульптура была еще одной формой самовыражения художников модерна, иногда пересекающейся с керамикой. Фарфоровая статуэтка «Танцовщица с шарфом» работы Агатона Леонара получила признание как в керамике, так и в скульптуре на Парижской выставке 1900 года. Керамические скульптуры создавали также скульпторы других стран: богемцы Станислав Сухарда и Ладислав Шалун , бельгиец Шарль Ван дер Стаппен и каталонец Ламберт Эскалер. [ ок .] , создавший статуи из полихромной терракоты. Другим известным скульптором того времени был Агусти Кероль Субирас из Каталонии, создавший статуи в Испании, Мексике, Аргентине и на Кубе . [ 202 ]

В архитектурной скульптуре использовались не только статуи, но и рельефы. Архитекторы и скульпторы в стиле модерн черпали вдохновение в животных мотивах (бабочки, [ 203 ] павлины, [ 204 ] лебеди, [ 205 ] совы, [ 206 ] летучие мыши, [ 207 ] драконы, [ 208 ] медведи [ 209 ] ). Атланты , [ 210 ] кариатиды , [ 211 ] херувимы , [ 212 ] и горгульи [ 213 ] также использовались.

Мебель

[ редактировать ]
Основная статья: Мебель в стиле модерн

Дизайн мебели в период модерна был тесно связан с архитектурой зданий; архитекторы часто проектировали мебель, ковры, светильники, дверные ручки и другие декоративные детали. Мебель зачастую была сложной и дорогой; тонкая отделка, обычно полированная или лакированная, считалась необходимой, а континентальный дизайн обычно был очень сложным, с изогнутыми формами, изготовление которых было дорогостоящим. У этого также был недостаток: владелец дома не мог изменить мебель или добавить предметы в другом стиле, не нарушая при этом общий эффект комнаты. По этой причине, когда архитектура модерна вышла из моды, стиль мебели также во многом исчез.

Во Франции центр дизайна и производства мебели находился в Нанси , где два крупных дизайнера, Эмиль Галле и Луи Мажорель, имели свои студии и мастерские и где был основан Альянс промышленности искусств (позже названный Школой Нанси). в 1901 году. Оба дизайнера основывали свою структуру и орнамент на формах, взятых из природы, включая цветы и насекомых, таких как стрекоза, популярный мотив в дизайне в стиле модерн. Галле был особенно известен тем, что использовал рельефную маркетри в виде пейзажей или поэтических тем. Мажорель был известен тем, что использовал экзотические и дорогие породы дерева, а также прикреплял бронзовые скульптуры на растительные темы к своим предметам мебели. Оба дизайнера использовали машины на первых этапах производства, но все детали были обработаны вручную. Среди других известных дизайнеров мебели школы Нэнси были Эжен Валлен и Эмиль Андре ; оба были архитекторами по образованию, и оба проектировали мебель, которая напоминала мебель бельгийских дизайнеров, таких как Орта и Ван де Вельде, которая имела меньше декора и более точно повторяла изогнутые растения и цветы.

Среди других известных французских дизайнеров были Анри Беллери-Дефонтен , который черпал вдохновение из неоготических стилей Виолле-ле-Дюк ; и Жорж де Фёр , Эжен Гайяр и Эдуард Колонна , которые работали вместе с арт-дилером Зигфридом Бингом , чтобы оживить французскую мебельную промышленность новыми темами. Их работы были известны «абстрактным натурализмом», единством прямых и изогнутых линий и влиянием рококо . Мебель de Feure в павильоне Bing завоевала золотую медаль на Парижской выставке 1900 года. Самым необычным и колоритным французским дизайнером был Франсуа-Рупер Карабин , скульптор по образованию, чья мебель отличалась скульптурными обнаженными женскими формами и символическими животными, особенно кошками, сочетавшими элементы модерна с символизмом . Другими влиятельными парижскими дизайнерами мебели были Шарль Плюме и Александр Шарпантье . [ 214 ] Во многих отношениях старая лексика и приемы классической французской мебели в стиле рококо XVIII века были переосмыслены в новом стиле. [ 10 ]

В Бельгии архитекторы-пионеры в стиле модерн движения Виктор Орта и Генри ван де Вельде проектировали мебель для своих домов, используя энергичные изогнутые линии и минимум декора. Бельгийский дизайнер Гюстав Серрюрье-Бови добавил больше декора, применив латунные полоски изогнутой формы. В Нидерландах, где этот стиль назывался Nieuwe Kunst или Новое искусство, HP Berlag, Lion Cachet и Theodor Nieuwenhuis следовали другому курсу, курсу английского движения искусств и ремесел , с более геометрическими рациональными формами.

В Британии мебель Чарльза Ренни Макинтоша была чисто декоративно-прикладной, строгой и геометрической, с длинными прямыми линиями и прямыми углами и минимумом декора. [ 215 ] Континентальный дизайн был гораздо более сложным, часто с использованием изогнутых форм как в основных формах изделия, так и в прикладных декоративных мотивах. В Германии мебель Питера Беренса и модерна была в основном рационалистической, с геометрическими прямыми линиями и некоторым декором, прикрепленным к поверхности. Их целью была полная противоположность французскому модерну; простота конструкции и простота материалов для мебели, которая может быть недорогой и легко производиться серийно. То же самое можно сказать и о мебели дизайнеров Wiener Werkstätte в Вене во главе с Отто Вагнером , Йозефом Хоффманном , Йозефом Марией Ольбрихом и Коломаном Мозером . Мебель была геометрической и имела минимум декора, хотя по стилю она часто следовала национальным историческим прецедентам, особенно стилю Бидемайер . [ 216 ]

Итальянский и испанский дизайн мебели пошел в своем направлении. Карло Бугатти в Италии спроектировал необычный стул «Улитка», деревянный, покрытый расписным пергаментом и медью, для Туринской международной выставки 1902 года. В Испании, следуя примеру Антонио Гауди и движения модернизма , дизайнер мебели Гаспар Хомар создал работы, вдохновленные естественными формами с элементами каталонского исторического стиля. [ 135 ]

В Соединенных Штатах дизайн мебели чаще вдохновлялся движением искусств и ремесел или историческими американскими моделями, чем модерном. Одним из дизайнеров, который представил темы ар-нуво, был Чарльз Рольфс из Буффало, штат Нью-Йорк , чей дизайн мебели из американского белого дуба был основан на мотивах кельтского искусства и готического искусства с элементами ар-нуво в металлической отделке, нанесенной на детали. [ 135 ]

Керамика

[ редактировать ]

Керамическое искусство, в том числе фаянс , было еще одной процветающей сферой творчества художников в стиле модерн в англоязычных странах, подпадающих под более широкое движение художественной керамики . Во второй половине 19-го века произошло множество технологических инноваций в производстве керамики, в частности, разработка высокотемпературной ( grand feu ) керамики с кристаллизованной и матовой глазурью. В то же время были заново открыты несколько утерянных техник, таких как глазурь сан-де-беф . Керамика в стиле модерн также находилась под влиянием традиционной и современной японской и китайской керамики, растительные и цветочные мотивы которой хорошо сочетались со стилем модерн. Во Франции художники также заново открыли для себя традиционные методы обработки керамики ( gres ) и заново изобрели их, добавив новые мотивы. [ 221 ]

Эмиль Галле из Нанси создавал глиняные изделия естественных цветов земли с натуралистическими темами растений и насекомых. Керамика также нашла новое важное применение в архитектуре: архитекторы в стиле модерн, в том числе Жюль Лавирот и Гектор Гимар , начали украшать фасады зданий архитектурной керамикой , многие из которых были изготовлены фирмой Александра Биго , придавая им особый характер в стиле модерн. скульптурный вид. [ 221 ]

Одним из пионеров французского керамиста в стиле модерн был Эрнест Шапле , чья карьера в керамике длилась тридцать лет. Он начал производить керамику под влиянием японских и китайских прототипов. Начиная с 1886 года, он работал с художником Полем Гогеном над изделиями из керамики с накладными фигурами, множеством ручек, росписью и частично глазурью, а также сотрудничал со скульпторами Феликсом Бракемоном , Жюлем Далу и Огюстом Роденом . Его работы были высоко оценены на выставке 1900 года.

Крупнейшие национальные керамические фирмы заняли важное место на Парижской выставке 1900 года: Национальная мануфактура в Севре за пределами Парижа; Нимфенбург , Мейсен , Villeroy & Boch в Германии и Doulton в Великобритании. Среди других ведущих французских керамистов были Таксиль Доат , Пьер-Адриен Дальпайра , Эдмон Лашеналь , Альберт Даммус [ фр ] и Огюст Делаэрш . [ 222 ]

Во Франции керамика в стиле модерн иногда переходила грань скульптуры. Фарфоровая статуэтка «Танцовщица с шарфом» работы Агатона Леонара , изготовленная для Национальной мануфактуры в Севре , получила признание в обеих категориях на Парижской выставке 1900 года.

Фабрика Zsolnay в Пече , Венгрия, была основана Миклошем Жолнаем (1800–1880) в 1853 году и возглавлялась его сыном Вилмошем Жолнаем (1828–1900) вместе с главным дизайнером Таде Сикорским (1852–1940) для производства керамики и другой керамики. В 1893 году Жолнай представил фарфоровые изделия из эозина . Он привел фабрику к всемирному признанию, демонстрируя ее инновационную продукцию на всемирных ярмарках и международных выставках, в том числе на Всемирной выставке 1873 года в Вене , затем на Всемирной выставке 1878 года в Париже , где Жолнай получил Гран-при . Морозостойкие строительные украшения Жолнаи использовались во многих зданиях, особенно во времена модерна. [ 223 ]

Керамическая плитка также была отличительной особенностью португальского Arte Nova , продолжавшего давнюю азулежу традицию страны .

Мозаика

[ редактировать ]

Мозаики использовались многими художниками в стиле модерн разных направлений, особенно каталонского модернизма ( Госпиталь Сан-Пау , Дворец каталонской музыки , Дом Ллео-Морера и многие другие). Антонио Гауди изобрел новую технику обработки материалов под названием тренкадис , в которой использовались отходы керамики.

Красочная майоликовая плитка с цветочным орнаментом была отличительной чертой Майоликового дома в Вене Отто Вагнера (1898 г.) и построек произведений русской Абрамцевской колонии , особенно построек Михаила Врубеля .

Текстиль и обои

[ редактировать ]

Текстиль и обои были важным средством стиля модерн с самого начала и важным элементом дизайна интерьера в стиле модерн. В Великобритании текстильные проекты Уильяма Морриса помогли запустить движение искусств и ремесел , а затем и модерн. Многие дизайны были созданы для универмага Liberty в Лондоне, что популяризировало этот стиль по всей Европе. Одним из таких дизайнеров была студия Silver Studio , представившая красочные стилизованные цветочные узоры. Другие отличительные проекты были созданы Школой Глазго и Маргарет Макдональд Макинтош . Школа Глазго представила несколько отличительных мотивов, в том числе стилизованные яйца, геометрические формы и «Розу Глазго».

Во Франции большой вклад был внесен дизайнером Эженом Грассе , который в 1896 году опубликовал «La Plante et ses Applications Decorationales» , предложив дизайн в стиле модерн, основанный на различных цветах и ​​растениях. Многие выкройки были разработаны и изготовлены для крупнейших французских производителей текстиля в Мюлузе, Лилле и Лионе немецкими и бельгийскими мастерскими. Немецкий дизайнер Герман Обрист специализировался на цветочных узорах, особенно на цикламенах и стиле «хлыст», основанном на цветочных стеблях, который стал основным мотивом этого стиля. Бельгийский Генри ван де Вельде представил текстильную работу La Veillée d'Anges в Салоне La Libre Esthéthique в Брюсселе, вдохновленную символикой Поля Гогена и Наби . В Нидерландах текстиль часто вдохновлялся узорами батика из голландских колоний в Ост-Индии . Народное искусство также вдохновило на создание гобеленов, ковров, вышивки и текстиля в Центральной Европе и Скандинавии, в творчестве Герхарда Мунте и Фриды Хансен в Норвегии. Five Swans Дизайн Отто Экмана появился более чем в ста различных вариантах. Венгерский дизайнер Янош Васари объединил элементы модерна с фольклорными темами. [ 225 ]

Музеи

[ редактировать ]

Существует 4 типа музеев, представляющих наследие в стиле модерн:

  • Музеи широкого профиля (не посвященные конкретно модерну, но с большой коллекцией предметов в этом стиле). Памятники в стиле модерн выделены курсивом ;
  • Дома-музеи художников модерна (все, кроме музея Альфонса Мухи, являются памятниками модерна);
  • Музеи, посвященные местным движениям в стиле модерн (все являются памятниками стиля модерн);
  • Другие здания в стиле модерн, имеющие статус музея или имеющие внутри музей (не посвященные местным движениям в стиле модерн или конкретным художникам).
Страна Музеи широкого профиля Дома-музеи художников модерна Музеи, посвященные местным движениям в стиле модерн Другие здания в стиле модерн, имеющие статус музея или имеющие внутри музей.
 Австрия Музей прикладного искусства в Вене Здание сецессиона в Вене Павильоны Вагнера на Карлсплац и Хитцинг в Вене
 Аргентина Муниципальный художественный музей Хуана Карлоса Кастаньино в Мар-дель-Плата
 Бельгия Музей Фин-де-Секля в Брюсселе , Музей плитки Gilliot & Roelants в Хемиксеме Maison и Atelier Horta в Брюсселе
Дом Коши в Брюсселе
Дом Autrique в Брюсселе 		Бельгийский центр комиксов , Музей музыкальных инструментов в Брюсселе
 Чили Паласио Бабурицца в Вальпараисо
 Чешская Республика Восточночешский музей в Градце Кралове Музей Альфонса Мухи в Праге Музей современного искусства в Оломоуце
 Дания Музей Сёндеръюлланд в Скербеке
 Франция Музей Орсе , Музей декоративного искусства , Музей Карнавале , Пти-Пале в Париже ; Исторический музей в Агенау ; Музей современного искусства в Страсбурге , Музей изящных искусств Нанси Вилла Мажорель в Нанси ; Музей Лалика [ фр ] в Винген-сюр-Модер ; Музей школы Нанси в Нанси Максим в стиле модерн «Коллекция 1900» над Максима рестораном в Париже (только для групп от двадцати и более человек)
 Финляндия Атенеум и Финский национальный музей в Хельсинки , Художественный музей Турку в Турку Хвиттреск (дом Германа Гезеллиуса , Армаса Линдгрена и Элиэля Сааринена ) в Киркконумми и музей Галлен-Каллела в Эспоо
 Германия Музей Брохана в Берлине, Музей Майолики в Карлсруэ , Государственный музей в Майнце , Музей Висбадена в Висбадене Музей Дармштадтской колонии [ de ] в Дармштадте Музей Остхаус в Хагене
 Венгрия Музей прикладного искусства и его филиал Вилла Дьёрдь Рат в Будапеште , Городской музей [ ху ] в Гёдёллё. Дом-музей Миксы Рот в Будапеште Дом венгерского модерна в Будапеште Геологический музей в Будапеште
 Италия Муниципальный музей [ it ] в Казале Монферрато Вилла Бернаскони в Черноббио
 Латвия Рижский музей модерна в Риге
 Мексика Музей объекта объекта в Мехико
 Норвегия Центр модерна в Олесунне Норвежский музей современного искусства в Осло
 Португалия Музей модерна в Авейру Музей-резиденция доктора. Анастасио Гонсалвес в Лиссабоне
 Румыния Национальный музей Секели в Сфынту-Георге Дом Дарвас-Ла Рош в Ораде
 Россия Абрамцевская колония Московской области ; Всероссийский музей декоративного искусства и Музей Горького в Москве ; Государственный Русский музей , Музей политической истории России в Санкт-Петербурге Дом-музей Федора Ливчака в Ульяновске [ 226 ] Музей Талашкинского художественного поселения в с. Фленово Смоленской области (только на русском языке) Музей русской литературы Серебряного века в Москве , Музей модерна в Самаре , Усадьба Асеевых в Тамбове ; Муниципальный музей в Приморске и музей-усадьба Щербова в Гатчине (обе Ленинградская область ), Таганрогский музей архитектуры и урбанизма в Таганроге , Музей архитектуры Прекрасной эпохи в Ульяновске
 Сербия Музей прикладного искусства в Белграде Дом Йована Цвиича в Белграде , Студия Уроса Предича в Белграде , Синагога в Нови-Саде , Синагога в Суботице , Дворец Райхле в Суботице
 Испания Национальный художественный музей Каталонии в Барселоне , CaixaForum в Мадриде , Музей модерна и ар-деко в Саламанке , Музей Агбар де лес Айгуэс в Корнелья-де-Льобрегат [ 227 ] Дом-музей Гауди в Барселоне , Дом-музей Луиса Доменека и Монтанера в Кане-де-Мар Музей каталонского модернизма [ ca ] в Барселоне , Дом-музей в стиле модерн [ es ] в Новельде Храм Святого Семейства , Больница Сант-Пау , Дом Висенс в Барселоне.
 Швеция Биологический музей в Стокгольме , Рёсский музей в Гетеборге.
  Швейцария Музей изящных искусств в Ла Шо-де-Фон [ fr ]
 Великобритания Музей Виктории и Альберта в Лондоне ; Музей Келвингроув в Глазго , Художественная галерея Хауорт в Аккрингтоне [ 228 ] Дом Макинтош в Хантерианском музее и художественной галерее в Глазго Музей Хорнимана в Лондоне
 Украина Художественный музей в Черновцах , Краеведческий музей в Полтаве
 олень Музей американского искусства Чарльза Хосмера Морса в Винтер-Парке , Флорида, Метрополитен-музей в Нью-Йорке, Центр Гетти в Лос-Анджелесе; Купер Хьюитт, Смитсоновский музей дизайна в Нью-Йорке, Чикагский институт искусств в Чикаго

Существует множество других зданий и сооружений в стиле модерн, которые не имеют статуса музея, но могут быть официально посещены за плату или неофициально бесплатно (например, железнодорожные вокзалы, церкви, кафе, рестораны, пабы, гостиницы, магазины, офисы, библиотеки, кладбища, фонтаны, а также многочисленные жилые дома, которые до сих пор обитаемы).

Потомство

[ редактировать ]

Критикуемый за «примитивную экстравагантность», модерн начал угасать после 1911 года. [ 229 ] В истории европейской архитектуры XX века, с 1930-х по 1950-е годы, влиятельные историки, такие как Николаус Певснер , Зигфрид Гидион и Генри-Рассел Хичкок , не принимали во внимание модерн. В результате первые версии книги Певснера « Гений европейской архитектуры» остались без упоминания Гектора Гимара или Антонио Гауди . Первые крупные работы, посвященные модерну, были опубликованы в конце 1950-х годов Джонни Уотсером .

Влияние на ар-деко

[ редактировать ]

Ар-нуво был одним из факторов, которые привели к появлению ар-деко , стиля, созданного коллективными усилиями нескольких французских дизайнеров по созданию нового современного стиля примерно в 1910 году. Это связано с тем, что ар-нуво сломал господство возрождения и эклектизма XIX века , противостоя академические конвенции. Через свои разнообразные проявления он изобрел новые орнаментальные системы, уже не зависящие от исторических формул, через извилистые растительные формы в большинстве стран мира, геометрический декор в Австро-Венгрии и Великобритании, переосмысление национальных традиций в странах Северной , Центральной и Восточной Европы . Идея создания нового стиля, с новыми орнаментами и формами была значительным вкладом, который внес модерн в изобретение ар-деко. Еще один аспект, заимствованный из модерна, — это акцент на домашней роскоши.

Некоторые мелкие детали и извилистые линии модерна также встречаются в архитектуре и дизайне ар-деко 1920-х годов, но немного упрощены. Точно так же плоские цвета и видимые контуры, популяризированные плакатами в стиле модерн, очень часто используются в иллюстрациях в стиле ар-деко. По сравнению со многими дизайнами в стиле модерн, где растительные мотивы кажутся разрастающимися и трансформирующимися на объекте или архитектурном орнаменте, большинство работ в стиле ар-деко имеют четкую композиционную структуру, подобную неоклассицизму .

Помимо идей, взятых из франко-бельгийского модерна, влияние оказали также геометрические мотивы и объемы, найденные в Великобритании и Вене. Найденные здесь цветы, спирали и квадраты очень похожи на те, что встречаются в ар-деко. Чарльз Ренни Макинтош даже предвосхитил формы ар-деко в своих более поздних творениях. Одной из сецессионистских работ, которая лучше всего предвосхищает этот стиль, является дворец Стоклет в Брюсселе с его зиккуратными выступами, вертикальной щелью лестничного окна, а также общей простотой и скромным орнаментом. [ 235 ]

возрождения

[ редактировать ]

В 1960-е годы постмодернизм зародился . Это было и остается движением, которое ставит под сомнение модернизм ( статус-кво после Второй мировой войны ) и способствует включению и переосмыслению элементов исторических стилей в новые проекты. Хотя в 1950-х годах состоялось несколько международных выставок модерна, успешное возрождение произошло в 1960-х, и особенно в 1970-х, с подъемом постмодернизма. Помимо выставок, это возрождение могло быть связано с поколением « цветочной власти », задавшим тон в то время, признавшим свои жизненные идеалы в цветочном орнаменте и эротически «эмансипированных» художественных темах около 1900-х годов.

Стиль модерн также был одним из главных источников вдохновения для многих плакатов психоделического рока того же периода. Ведущими сторонниками движения психоделического искусства 1960-х годов были художники плакатов из Сан-Франциско , такие как Рик Гриффин , Виктор Москосо , Бонни Маклин , Стэнли Маус , Элтон Келли и Уэс Уилсон . По сравнению с землистыми цветами, характерными для модерна, эти плакаты имели очень насыщенные контрастные цвета, а также сильно стилизованный текст, иногда трудно читаемый. Этот стиль процветал примерно с 1966 по 1972 год.

С другой стороны, культовые картины Густава Климта сегодня встречаются на многих китчевых сувенирах: кружках, тарелках, салфетках, брелоках и так далее. Это проблематично, поскольку одно из определений китча — это «воспроизведение или копирование в промышленном масштабе произведений искусства, размножаемых и эксплуатируемых в коммерческих целях». [ 237 ] «Поцелуй» был напечатан на бесчисленных размерах и материалах. В похожей ситуации находятся Альфонса Мухи плакаты .

Одним из художников, нашедших в стиле модерн главный источник вдохновения, был австрийский художник и архитектор Фриденсрайх Хундертвассер . Он черпал вдохновение из множества источников, в том числе из Эгона Шиле , барочной и персидской миниатюры, а также извилистых орнаментов в стиле модерн. [ 238 ]

См. также

[ редактировать ]

Примечания

[ редактировать ]
  1. ↑ Некоторые исследователи также относят отель Jassedé (1893 г.) к стилю модерн. [ 44 ]
  2. ^ Некоторые источники, например, архив Werkbund, называют Ван де Вельде одним из основателей. [ 82 ]
  3. ↑ Сделано в качестве пасхального подарка императора Николая II своей жене.

Ссылки

[ редактировать ]
  1. ^ Хронология истории искусств Хайльбрунна, Метрополитен-музей, модерн
  2. ^ Jump up to: а б с Сембах, Клаус-Юрген, L'Art Nouveau (2013), стр. 8-30
  3. ^ Стернер (1982), 6.
  4. ^ Jump up to: а б Виктор Орта. Архивировано 19 апреля 2019 года в Wayback Machine - Британская энциклопедия.
  5. ^ Jump up to: а б с д Центр всемирного наследия ЮНЕСКО. «Крупные городские дома архитектора Виктора Орта (Брюссель)» . whc.unesco.org . Архивировано из оригинала 13 мая 2013 года . Проверено 26 декабря 2019 г.
  6. ^ Уден, Бернар, в Словаре архитекторов статья Виктора Орты
  7. ^ «Ар нуво», Хронология истории искусств Хайльбрунна , Метрополитен-музей
  8. ^ Винь, Жорж, Гектор Гимар – Великолепный жест модерна , (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, стр. 194
  9. ^ Jump up to: а б с д и Дункан (1994), стр. 23–24.
  10. ^ Jump up to: а б с д и ж Гонтар, Кибела. Арт Нуво. В Хайльбрунне Хронология истории искусств. Архивировано 15 мая 2021 года в Wayback Machine . Нью-Йорк: Метрополитен-музей, 2000 г. (октябрь 2006 г.)
  11. ^ Jump up to: а б Мэдсен, С. Чуди (1977). Модерн (на румынском языке). Издательство «Меридиан». стр. 7, 71.
  12. ^ Jump up to: а б с д Мишель Лавалле, «Ар нуво», Словарь искусства Grove Oxford University Press , по состоянию на 11 апреля 2008 г.
  13. ^ «Ретоа в стиле модерн» . 7 мая 2019 года. Архивировано из оригинала 9 июля 2020 года . Проверено 6 мая 2020 г.
  14. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 335–358.
  15. ^ Бульон, Жан-Поль, Journal de l'Art Nouveau (1985), стр. 6
  16. ^ «Председатель | Макмердо, Артур Хейгейт | Виктория и Альберта Изучите коллекции» . 1883. Архивировано из оригинала 27 февраля 2020 года . Проверено 27 февраля 2020 г.
  17. ^ Лингенхайм, Клэр. Модерн и индустрия (PDF) (на французском языке). Академия Страсбурга. Архивировано (PDF) из оригинала 20 января 2022 года . Проверено 20 января 2022 г. Виолле ле Дюк — представитель рационалистического движения, в котором архитектура становится настоящей наукой, в которой форма вытекает из функции.
  18. ^ Фруассар-Пезоне, Росселла (2005). Искусство во всем . Париж: издания CNRS.
  19. ^ Рехт, Роланд (2000). «Виолле-ле-Дюк и Готфрид Земпер: монументальные концепции достояния» . Revue Germanique Internationale (на французском языке) (13): 155–168. дои : 10.4000/rgi.780 . Архивировано из оригинала 20 января 2022 года . Проверено 20 января 2022 г. Природа как модель
  20. ^ Брессани, Мартин (2014). Виолле ле Дюк, материалы и строительные технологии (на французском языке). Париж: Editions du Patrimoine. Строительство для архитектора означает использование материалов с учетом их качества и их природы.
  21. ^ Полиак, Лоуренс (2005). Виолле-ле-Дюк и восстановление полихромии (на французском языке). Монреаль: Монреальский университет. Интересно видеть, как стиль его фресок в Нотр-Даме является предшественником стиля модерн.
  22. ^ Виолле-ле-Дюк, Интервью об архитектуре.
  23. ^ Бульон 1985 , с. 24.
  24. ↑ Интервью в L'Echo de Paris , 28 декабря 1891 г., цитируется по Bouillon (1985).
  25. ^ Бульон 1985 , с. 26.
  26. ^ Лахор 2007 , с. 30.
  27. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 91–93.
  28. ^ Уден, Бернар, Dictionnaiare des Architectes (1994), стр. 237
  29. ^ Сембах, модерн, с. 47
  30. ^ Jump up to: а б Кюло и Пирло, Брюссельский модерн (2005), стр. 74–75.
  31. ^ БЕКАЭРТ, ГЕРТ (1985). Влияние Виолле-ле-Дюка на архитектуру Бельгии и Нидерландов около 1900 года . Север. п. 38.
  32. ^ Орта, Виктор (1925). Выступление Виктора Орты в Королевской академии Бельгии .
  33. ^ Сембах, Модерн - Утопия примирения (1991), стр. 46–47
  34. ^ Лахор 2007 , с. 127.
  35. ^ Кюло и Пирло 2005 , с. 74.
  36. ^ Кюло и Пирло 2005 , с. 74–75.
  37. ^ Фар-Беккер 2015 , с. 143.
  38. ^ Сачар, Брайан (1984). Атлас европейской архитектуры . Ван Ностранд Рейнхольд. п. 27 . ISBN  978-0-4422-8149-6 .
  39. ^ Шампиньёль, Бернар (1976). Арт Нуво . Образовательная серия Бэррона. стр. 115, 121. ISBN.  978-0-8120-5111-7 .
  40. ^ Цитировать веб- сайт ЮНЕСКО. Архивировано 28 мая 2020 г. на Wayback Machine.
  41. ^ Кюло и Пирло (2005), с. 20
  42. ^ Фар-Беккер 2015 , с. 152.
  43. ^ Jump up to: а б Бульон 1985 года .
  44. ^ Гектор Гимар. Архивировано 25 февраля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  45. ^ Фар-Беккер 2015 , с. 74.
  46. ^ Мартин Эйдельберг и Сюзанна Генрион-Гиле, «Орта и Бинг: ненаписанный эпизод модерна», The Burlington Magazine , vol. 119, Специальный выпуск, посвященный европейскому искусству с 1890 года (ноябрь 1977 г.), стр. 747–752.
  47. ^ Дункан (1994), стр. 15–16, 25–27.
  48. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 391–413.
  49. ^ Сарниц, Август, Отто Вагнер (2018), стр. 49–50.
  50. ^ Сарниц, Август, Хоффманн , (2016), с. 14
  51. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 296–27.
  52. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 179–188.
  53. ^ Тексье 2012 , стр. 86–87.
  54. ^ Лахор 2007 , с. 104.
  55. ^ Дункан (1994), с. 37.
  56. ^ Фар-Беккер 2015 , с. 136.
  57. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 136–137.
  58. ^ Фар-Беккер 2015 , с. 140.
  59. ^ Кюло и Пирло 2005 , с. 87.
  60. ^ Лахор 2007 , с. 91.
  61. ^ Стернер (1982), стр. 38–42.
  62. ^ Jump up to: а б Райли 2004 , с. 323.
  63. ^ Jump up to: а б Фар-Беккер 2015 , с. 171.
  64. ^ Jump up to: а б Фар-Беккер 2015 , стр. 170–171.
  65. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 166–167.
  66. ^ Ходж, Сьюзи (2020). Краткая история женщин-художниц . Издательство Лоуренса Кинга. п. 21. ISBN  978-1786276551 .
  67. ^ Гуди, Лахлан (2020). История шотландского искусства . Темза и Гудзон. п. 250. ИСБН  978-0-500-29695-0 .
  68. ^ «ВиА · Искусство и ремесла: Введение» . Архивировано из оригинала 15 февраля 2020 года . Проверено 29 февраля 2020 г. .
  69. ^ Ар-нуво Розалинд Ормистон и Майкла Робинсона, 58 лет.
  70. ^ «Ар Нуво – Искусство модерна» . 22 февраля 2013 г. Архивировано из оригинала 22 февраля 2013 г.
  71. ^ Ар-нуво Ормистона и Робинсона, 61 год.
  72. ^ Лахор 2007 , с. 160.
  73. ^ Мутер, Грант (1985). «Леон Солон и Джон Уодсворт». Журнал Общества декоративного искусства (9): 41–49. JSTOR   41809144 .
  74. ^ Он был заказан семьей красильщиков и печатников Уордлов, торгующих под торговыми марками Thomas Wardle & Co и Bernard Wardle and Co. Обнародованы книги выкроек Уордлов. Архивировано 3 декабря 2013 года в Wayback Machine.
  75. ^ А. Филип МакМэхон, «Рецензия на Ф. Шмаленбаха, Югендстиль », Парнас , том. 7 (октябрь 1935 г.), 27.
  76. ^ Рейнхольд Хеллер, «Недавняя стипендия по «золотому веку» Вены, Густав Климт и Эгон Шиле», The Art Bulletin , vol. 59 (март 1977 г.), стр. 111–118.
  77. ^ Jump up to: а б «Ассоциация художников-визуалистов Венского отделения - Официальный сайт» . Архивировано из оригинала 25 апреля 2019 года . Проверено 16 августа 2019 г.
  78. ^ Лахор 2007 , с. 52.
  79. ^ Бад-Наухайм. Архивировано 16 июля 2019 г. в Wayback Machine - Европейский маршрут в стиле модерн.
  80. ↑ Москва. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  81. ^ Jump up to: а б Юнгханс, Курт (1982). Немецкий Веркбунд. Его первое десятилетие (на немецком языке). Хеншельверлаг Искусство и общество. п. 140. ИСБН  388520097X .
  82. ^ Генри ван де Вельде. Архивировано 8 августа 2019 г. в Wayback Machine - Werkbundarchiv.
  83. ^ Певснер, Николаус; Флеминг, Джон; Честь, Хью, ред. (1999). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (мягкая обложка) (5-е изд.). Лондон: Книги Пингвина. п. 880. ИСБН  978-0-14-051323-3 .
  84. ^ Берлин. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  85. ^ Лахор 2007 , с. 63.
  86. ^ «Журнал «Coup de Fouet», том 27 (2016), стр. 14–25» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 28 июля 2019 года . Проверено 28 июля 2019 г.
  87. ^ Лахор 2007 , с. 120.
  88. ^ Jump up to: а б Уден, Бернар, Словарь архитекторов (1994), стр. 33–34
  89. ^ Jump up to: а б Сембах, «Ар нуво» (2013), стр. 203–213
  90. ^ Jump up to: а б «Стоклет Хаус» . Центр всемирного наследия ЮНЕСКО . 4 июля 2009 г. Архивировано из оригинала 21 июля 2016 г. Проверено 24 июля 2019 г.
  91. ^ «Города» . Европейский маршрут в стиле модерн .
  92. ^ Jump up to: а б с д «Журнал «Coup de Fouet», том 23 (2014), стр. 2–35» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 14 июля 2020 г. Проверено 7 июля 2019 г.
  93. ^ Одон Лехнер. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  94. ^ « Журнал Coup de Fouet , том 8 (2006), стр. 37–41» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 23 августа 2019 г. Проверено 7 июля 2019 г.
  95. ^ « Журнал Coup de Fouet , том 14 (2009), стр. 16» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 г. Проверено 7 июля 2019 г.
  96. ↑ Аладар Кёрёсфёи-Криш. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  97. ^ [1] Архивировано 10 июля 2019 года в Wayback Machine. Колония художников Гёдёллё - статья Дэвида А. Хилла.
  98. ^ Прага. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  99. ^ Jump up to: а б с « Журнал Coup de Fouet , том 13 (2009), стр. 36–41» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  100. ^ Константин, Пол (1972). Искусство 1900 года в Румынии (на румынском языке). Издательство «Меридиан». п. 93.
  101. ^ «Турист в Бухаресте: Липскани 72 и 74» . Проверено 12 октября 2022 г.
  102. ^ Jump up to: а б Селак, Карабела и Марку-Лападат, 2017 г. , с. 85.
  103. ^ Флоря, Василе (2016). Румынское искусство от истоков до наших дней . Письмо. стр. 297, 302, 305, 306, 313, 317. ISBN.  978-606-33-1053-9 .
  104. ^ Елена Олариу... с. 16
  105. ^ «Орадя, столица стиля модерн в Румынии, отмечает «Международный день модерна 2019» » . infooradea.ro . 7 июня 2019 года. Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  106. ^ «Наследие Тимишоары – Кладири» . Heritageoftimisoara.ro . Архивировано из оригинала 16 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  107. ^ Унгвари, Зриньи Имре. «Общественные здания Тыргу-Муреша в стиле модерн» . Wondersofttransylvania.com . Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2021 г.
  108. ^ «Ул. Митрополии № 20» . Патримониу.Сибиу.ру . Архивировано из оригинала 23 мая 2021 года . Проверено 23 мая 2020 г.
  109. ^ «Сицилийская свобода – итальянский модерн – журнал Best of Sicily» . Bestofsicily.com. Архивировано из оригинала 29 января 2020 года . Проверено 15 февраля 2022 г.
  110. ^ Генри Р. Хоуп, обзор Х. Леннинга, The Art Nouveau , The Art Bulletin , vol. 34 (июнь 1952 г.), 168–171 (особенно 168–169): В 1952 г., обсуждая состояние модерна, автор отметил, что модерн еще не был приемлемым исследованием для серьезной истории искусства или предметом, подходящим для крупного музея. выставки и соответствующие каталоги. Он предсказал грядущие перемены
  111. ^ «История Милана ::: Здания и дома Свободы» . Архивировано из оригинала 15 июня 2012 года . Проверено 2 августа 2019 г.
  112. ^ Райли 2004 , с. 310.
  113. ^ «Мир модерна – Сербия» . Проверено 8 сентября 2022 г.
  114. ^ «Лики и расцветы модерна в Сербии» . 9 июня 2019 года . Проверено 8 сентября 2022 г.
  115. ^ Jump up to: а б Хронология. Архивировано 25 июля 2019 года в Wayback Machine - Официальный сайт Casa Milà.
  116. ^ Упоминание Парка Гуэля в классификации ЮНЕСКО.
  117. ^ Джеймс Грейди, «Специальное библиографическое приложение: библиография стиля модерн», в Журнале Общества историков архитектуры , том. 14 (май 1955 г.), стр. 18–27.
  118. ↑ Cronologia. Архивировано 19 сентября 2020 г. в Wayback Machine - Официальный сайт Палау Гуэля.
  119. ^ Jump up to: а б с Дункан (1994), с. 52.
  120. ^ Jump up to: а б «Список всемирного наследия: Дворец каталонской музыки и больница Сан-Пау, Барселона» . ЮНЕСКО. Архивировано из оригинала 6 января 2022 года . Проверено 19 марта 2022 г.
  121. ^ Маккалли, Мэрилин (1978). Els Quarte Gats: Искусство в Барселоне около 1900 года . Издательство Принстонского университета. п. 64.
  122. ^ Райли 2004 , с. 311.
  123. ^ Дом майора Пессоа. Архивировано 11 августа 2020 года в Wayback Machine - Информационная система архитектурного наследия.
  124. ^ Jump up to: а б с д и « Журнал Coup de Fouet , том 11 (2008), стр. 2–7» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 18 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  125. ^ Франсиско Аугусто да Силва Роша. Архивировано 31 октября 2020 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  126. ^ Лиссабон. Архивировано 17 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  127. ^ Порту. Архивировано 5 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  128. ^ «Мир модерна» . Архивировано из оригинала 21 марта 2021 года . Проверено 11 апреля 2021 г.
  129. ^ Мартин, Т. и Пуса, Э. 1985, с. 12.
  130. ^ Национальный музей Финляндии. Архивировано 26 июля 2019 г. в Wayback Machine - Музеи ЕС.
  131. ^ Jump up to: а б «Европейский маршрут в стиле модерн: Хельсинки» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 26 апреля 2016 года . Проверено 2 января 2016 г.
  132. ^ «Магнус Шерфбек» . Музей финской архитектуры . Архивировано из оригинала 15 февраля 2020 года . Проверено 15 февраля 2020 г.
  133. ^ Пальмберг, Альберт (апрель 1908 г.). «Борьба с туберкулезом в Финляндии» . Британский журнал туберкулеза . 2 (2): 109–114. дои : 10.1016/S0366-0850(08)80065-8 . Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 26 марта 2019 г.
  134. ^ фон Бонсдорф, Аксель (1926). «Опыт лечения санокризином в санатории Нуммела в Финляндии». Акта Медика Скандинавия . 64 : 123–130. дои : 10.1111/j.0954-6820.1926.tb14017.x .
  135. ^ Jump up to: а б с Райли 2004 , с. 312.
  136. ^ Jump up to: а б «Европейский маршрут в стиле модерн: Олесунн» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 4 июня 2016 года . Проверено 2 января 2016 г.
  137. ^ Стокгольм. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  138. ^ Орхус. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  139. ^ «Балтийская выставка 1914 года» . Архивировано из оригинала 24 октября 2020 года . Проверено 24 ноября 2020 г.
  140. ↑ Дункан, Алистер, Art Déco , Thames and Hudson (1988), стр. 147–48.
  141. ^ Jump up to: а б Фар-Беккер 2015 , стр. 189–192.
  142. ^ «Украинская современная архитектура» . Архивировано из оригинала 16 апреля 2013 года . Проверено 8 декабря 2023 г.
  143. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Рига» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  144. ^ «Исторический центр Риги» . ЮНЕСКО . Архивировано из оригинала 22 июня 2020 года . Проверено 11 марта 2016 г.
  145. ^ Jump up to: а б « Журнал Coup de Fouet , том 16 (2010), стр. 2–10» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 25 июля 2019 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  146. ^ Журнал 2015 , с. 49.
  147. ^ Школа искусств и стиля Fir. Архивировано 26 июля 2019 г. в Wayback Machine - Ла Шо-де-Фон.
  148. ^ «Фонд Ле Корбюзье» . Архивировано из оригинала 14 марта 2014 года . Проверено 28 июля 2019 г.
  149. ^ Лахор 2007 , с. 167.
  150. ^ Копер, ХФ «Луи Салливан» . Британская энциклопедия . Архивировано из оригинала 27 июля 2019 года . Проверено 27 июля 2019 г.
  151. ^ Крэйвен, Джеки (15 ноября 2018 г.). «О Луи Салливане, архитекторе» . МысльКо . Архивировано из оригинала 27 июля 2019 года . Проверено 27 июля 2019 г.
  152. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 325–330.
  153. ^ Jump up to: а б с д «Европейский маршрут в стиле модерн: Буэнос-Айрес» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  154. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Карта» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 17 апреля 2019 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  155. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Росарио» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  156. ^ Jump up to: а б « Журнал Coup de Fouet , том 10 (2012), стр. 44–47» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 16 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  157. ^ DK Eyewitness Топ-10 Мехико . Лондон: ДК / Пингвин. 2012. ISBN  9780756694562 . Архивировано из оригинала 12 февраля 2022 года . Проверено 12 февраля 2022 г. - через Google Книги.
  158. ^ Снимок Rough Guides: Мехико . Лондон: Rough Guides / Пингвин. 2016. ISBN  9780241290705 . Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 12 февраля 2022 г.
  159. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Гавана» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  160. ^ « Журнал Coup de Fouet , том 12 (2008), стр. 28–29» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 15 июля 2019 года . Проверено 15 июля 2019 г.
  161. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Людериц» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  162. ^ «Европейский маршрут в стиле модерн: Вальпараисо» . www.artnouveau.eu . Архивировано из оригинала 23 июля 2020 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  163. ^ Виллино Сильвейра. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  164. ^ Харбин. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  165. ^ « Журнал Coup de Fouet , том 30 (2018), стр. 77–83» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 7 июля 2019 г.
  166. ↑ Дворец изящных искусств. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  167. ^ «Художники AATC – Зеев Рабан» . Архивировано из оригинала 10 мая 2004 года . Проверено 12 января 2020 г.
  168. ^ Мишофи, Алек (2019). Секуляризация священного . Брилл.
  169. ^ Ричард (10 сентября 2018 г.). «Гробницы Пер-Лашез — Эрнест Кайя» . paristoric.com .
  170. ^ «Бессмертный» . pop.cultural.gouv.fr . Проверено 21 июля 2024 г.
  171. ^ Jump up to: а б Кроитору-Тончу, Моника (2022). Альфред Поппер - 1874-1946 - (повторное) открытие архитектора (на румынском языке). СИММЕТРИЯ. п. 60. ИСБН  978-973-1872-51-3 .
  172. ^ Jump up to: а б Дюшер, Характеристики стилей (1989), стр. 198–199
  173. ^ Jump up to: а б с Дункан (1994), стр. 27–28.
  174. ^ Рено и Лазе, (2006) Стили архитектуры и мебели , стр. 108–109
  175. ^ Фар-Беккер 2015 , стр. 74–85.
  176. ^ «Мезон» . pop.cultural.gouv.fr . Проверено 8 сентября 2023 г.
  177. ^ Константин, Пол (1972). Искусство 1900 года в Румынии (на румынском языке). Издательство «Меридиан». п. 93.
  178. ^ «Роден, японская мечта» (PDF) . Архивировано из оригинала (PDF) 26 июля 2011 года . Проверено 30 июня 2010 г. Эдмон Лашеналь выпустил издания скульптур Родена.
  179. ^ Дженнифер Опи, «Блюдо Торвальда Биндесбёлля», в журнале The Burlington Magazine , том. 132 (май 1990 г.), с. 356.
  180. ^ Клэр Селькурт, «Новый классицизм: дизайн 1920-х годов в Дании», в «Журнале декоративного и пропагандистского искусства» , том. 4 (весна 1987 г.), стр. 16–29 (особенно 18, № 4).
  181. ^ Данута А. Бочзар, «Польский плакат», в Art Journal , вып. 44 (весна 1984 г.), стр. 16–27 (особенно 16).
  182. ^ Данута Баторска, «Зофия Стрыеньская: принцесса польской живописи», в журнале Woman's Art Journal , том. 19 (осень 1998 г. – зима 1999 г.), стр. 24–29 (особенно 24–25).
  183. ^ Пент, Вольфганг (1973). Экспрессионистская архитектура , Темза и Гудзон, ISBN   0-500-34058-7 , стр.19. Упоминание Таута об «архитектуре земной коры» и о том, что Пельциг считал «важным для скульптурной реконструкции земной поверхности».
  184. ^ Лахор 2007 , с. 99.
  185. ^ Введение в творчество Альфонса Мухи и модерн. Архивировано 18 января 2012 года в Wayback Machine , лекция Яна К. Джонстона из Университетского колледжа Маласпина , Нанаймо , Британская Колумбия.
  186. ^ Фрейзер, Джули. H. «Искусство переработки». Архивировано 11 апреля 2015 г. на Wayback Machine style2000.com.
  187. ^ Лахор 2007 , с. 112.
  188. ^ Лахор 2007 , стр. 120–121.
  189. ^ Jump up to: а б Сато 2015 , с. 43.
  190. ^ Бетар, Дафна, «Революция Наби», в Les Nabis et le Decor , Beaux-Arts Éditions, стр. 8–21
  191. ^ « Журнал Coup de Fouet , том 31 (2019), стр. 34» (PDF) . Архивировано (PDF) из оригинала 7 августа 2019 года . Проверено 15 августа 2019 г.
  192. ^ Райли 2004 , с. 318.
  193. ^ Jump up to: а б с Райли 2004 , с. 320.
  194. ^ Райли 2004 , с. 322.
  195. ^ Райли 2004 , с. 324.
  196. ^ Jump up to: а б «Ювелирные украшения в стиле модерн» . Архивировано из оригинала 23 ноября 2016 года . Проверено 22 ноября 2016 г.
  197. ^ Чертополох. Архивировано 15 марта 2021 года в Wayback Machine - Мир ар-нуво.
  198. ^ Ирис. Архивировано 15 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  199. ^ Jump up to: а б Рено и Лазе, Стили архитектуры и мебели (2006), стр. 107–111
  200. ^ Бони, Энн, L'Architecture Moderne (2012), стр. 36–40
  201. ^ «Список всемирного наследия: Работы Антонио Гауди» . ЮНЕСКО. Архивировано из оригинала 5 октября 2021 года . Проверено 19 марта 2022 г.
  202. ^ Agustí Querol Subirats. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  203. ↑ Бабочка . Архивировано 28 февраля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  204. ↑ Павлин . Архивировано 16 марта 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  205. ^ Лебедь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  206. ^ Сова. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  207. ^ Летучая мышь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  208. ^ Дракон. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  209. ^ Медведь. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  210. ↑ Атлант . Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  211. ^ Кариатида. Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  212. ^ Путти. Архивировано 21 января 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  213. ↑ Горгулья . Архивировано 11 апреля 2021 года в Wayback Machine - World Art Nouveau.
  214. ^ Райли 2004 , с. 302.
  215. ^ Люси-Смит, 160 лет.
  216. ^ Райли 2004 , с. 308.
  217. ^ ван Леммен, Ганс (2013). 5000 лет плитки . Издательство Британского музея. п. 223. ИСБН  978-0-7141-5099-4 .
  218. ^ «Бессмертный» . pop.cultural.gouv.fr . Проверено 8 сентября 2023 г.
  219. ^ «Магазин» . pop.cultural.gouv.fr . Проверено 16 января 2024 г.
  220. ^ Мариана Челак, Октавиан Карабела и Мариус Марку-Лападат (2017). Архитектура Бухареста — аннотированный путеводитель . Орден архитекторов Румынии. п. 85. ИСБН  978-973-0-23884-6 .
  221. ^ Jump up to: а б Райли 2004 , стр. 314–15.
  222. ^ Эдмонд Лашеналь и его наследие , Мартин Эйдельберг, Клэр Касс, Hudson Hills Press; иллюстрированное издание (25 февраля 2007 г.)
  223. ↑ Хронология. Архивировано 19 августа 2013 г. на Wayback Machine , по состоянию на 23 января 2008 г.
  224. ^ Журнал УралНИИПроект РААСН – 2014. – № 2. – с. 27—32. – ISSN 2074-2932 (на русском языке)
  225. ^ Райли 2004 , с. 328.
  226. ^ «Официальный сайт музея-заповедника «Родина Ленина»» . Архивировано из оригинала 15 февраля 2022 года . Проверено 31 мая 2020 г.
  227. ^ Маседо, Гизела (21 марта 2019 г.). «Одна из первых работ Гауди воскресла» . Газета . Проверено 3 июня 2021 г.
  228. ^ «Художественная галерея Haworth». Архивировано 21 июня 2017 года в Wayback Machine на веб-сайте городского совета Хиндберна.
  229. ^ Критикос, Михаэла (2009). Арт-деко или хорошо темперированный модернизм - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИММЕТРИЯ. п. 79. ИСБН  978-973-1872-03-2 .
  230. ^ Критикос, Михаэла (2009). Арт-деко или хорошо темперированный модернизм - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИММЕТРИЯ. п. 80. ИСБН  978-973-1872-03-2 .
  231. ^ Симина Стан. «Вилла Базиле Г. Ассан из Бухареста» . Проверено 14 апреля 2023 г.
  232. ^ Критикос, Михаэла (2009). Арт-деко или хорошо темперированный модернизм - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИММЕТРИЯ. п. 81. ИСБН  978-973-1872-03-2 .
  233. ^ Уилхайд, Элизабет (2022). Дизайн – целая история . Темза и Гудзон. п. 105. ИСБН  978-0-500-29687-5 .
  234. ^ «Авеню Монтень, 26» . pss-archi.eu . Проверено 27 сентября 2023 г.
  235. ^ Критикос, Михаэла (2009). Арт-деко или хорошо темперированный модернизм - Арт-деко или хорошо темперированный модернизм (на английском и румынском языках). СИММЕТРИЯ. стр. 79–80. ISBN  978-973-1872-03-2 .
  236. ^ «Книжный магазин Интеллект и таунхаус» . Inventory.onroerenderfgoed.be . Проверено 11 февраля 2024 г.
  237. ^ «китч – определение и парадигма» . dexonline.ro . Проверено 19 сентября 2023 г.
  238. ^ Вольф, Норберт (2015). Арт нуво . Престель. стр. 277. ИСБН  978-3-7913-8155-8 .

Библиография

[ редактировать ]
  • Бони, Энн, Современная архитектура , Париж, Ларусс (2012) ISBN   978-2-03-587641-6
  • Бульон, Жан-Поль (1985). Журнал модерна . Пэрис: Скира. ISBN  2605000699 .
  • Селак, Мариана; Карабелла, Октавиан; Марку-Лападат, Мариус (2017). Архитектура Бухареста — Аннотированный путеводитель . Орден Архитекторов Румынии. ISBN  9789730238846 .
  • Кюло, Морис; Пирло, Анн-Мари (2005). Брюссельский модерн (на французском языке). Брюссель: Архивы современной архитектуры. ISBN  2-87143-126-4 .
  • Дункан, Аластер, Модерн , Мир искусства , Нью-Йорк: Темза и Гудзон , 1994. ISBN   0500202737
  • Фар-Беккер, Габриэле (2015). L'Art Nouveau (на французском языке). ХФ Ульманн. ISBN  9783848008575 .
  • Хеллер, Стивен и Сеймур Чваст, Графический стиль от викторианского к цифровому , новое изд. Нью-Йорк: Harry N. Abrams, Inc. , 2001. стр. 53–57.
  • Гюиг, Рене, Искусство и современный мир , Том 1, Библиотека Ларусса, Париж, 1970 г.
  • Журнель, Гиймет Морель (2015). Ле Корбюзье – Строя современную жизнь (на французском языке). Editions du Patrimoine: Центр национальных памятников. ISBN  978-2-7577-0419-6 .
  • Лахор, Жан (2007) [1901]. Модерн (на французском языке). Бэйслайн Ко. Лтд. ISBN  9781859956670 .
  • Ормистон, Розалинда; Робинсон, Майкл (2013). Модерн – Плакаты, иллюстрации и изобразительное искусство . Издательство Flame Tree. ISBN  9781847862808 .
  • Слива, Жиль (2014). Парижская архитектура Прекрасной эпохи (на французском языке). Издания париграммы. ISBN  9782840968009 .
  • Рено, Кристоф и Лазе, Кристоф, Стили архитектуры и мебели , Издания Жан-Поля Жиссеро, 2006 г. (на французском языке). ISBN   9782877474658
  • Райли, Ноэль (2004). Грамматика декоративного искусства (на французском языке). Фламмарион.
  • Сарниц, август (2018 г.). Отто Вагнер (на французском языке). Одеколон: Сумки. ISBN  9783836564328 .
  • Сато, Тамако (2015). Альфонс Муха: Художник как провидец Кёльн: Ташен. ISBN  9783836550093 .
  • Сембах, Клаус-Юрген (2013). Модерн: Утопия примирения (на французском языке). Ташен. ISBN  9783822830055 .
  • Стернер, Габриэле, «Ар-нуво, искусство перехода: от индивидуализма к массовому обществу» , 1-е английское изд. (оригинальное название: «Ар-нуво: художественные формы между индивидуализмом и массовым обществом »), перевод Фредерика Г. Питерса и Дианы С. Питерс, издатель Вудбери, Нью-Йорк: Образовательная серия Бэррона , 1982. ISBN   0812021053
  • Тексье, Саймон (2012). Париж: Панорама архитектуры . Париграмма. ISBN  9782840966678 .
  • Тибо, Филипп (2018). Муха и модерн (на французском языке). Париж: Éditions du Chêne. ISBN  9782812318061 .
  • Вайн, Джордж (2016). Гектор Гимар: Великолепный жест модерна (на французском языке). Париж: Editions du Patrimoine - Центр национальных памятников. ISBN  9782757704943 .

Дальнейшее чтение

[ редактировать ]
[ редактировать ]
Retrieved from "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Art_Nouveau&oldid=1242075029#Arte_Nova_in_Portugal"
Arc.Ask3.Ru: конец переведенного документа.
Arc.Ask3.Ru
Номер скриншота №: 1d26fcefff1c2d446998040447c321d0__1722033060
URL1:https://arc.ask3.ru/arc/aa/1d/d0/1d26fcefff1c2d446998040447c321d0.html
Заголовок, (Title) документа по адресу, URL1:
Art Nouveau - Wikipedia
Данный printscreen веб страницы (снимок веб страницы, скриншот веб страницы), визуально-программная копия документа расположенного по адресу URL1 и сохраненная в файл, имеет: квалифицированную, усовершенствованную (подтверждены: метки времени, валидность сертификата), открепленную ЭЦП (приложена к данному файлу), что может быть использовано для подтверждения содержания и факта существования документа в этот момент времени. Права на данный скриншот принадлежат администрации Ask3.ru, использование в качестве доказательства только с письменного разрешения правообладателя скриншота. Администрация Ask3.ru не несет ответственности за информацию размещенную на данном скриншоте. Права на прочие зарегистрированные элементы любого права, изображенные на снимках принадлежат их владельцам. Качество перевода предоставляется как есть. Любые претензии, иски не могут быть предъявлены. Если вы не согласны с любым пунктом перечисленным выше, вы не можете использовать данный сайт и информация размещенную на нем (сайте/странице), немедленно покиньте данный сайт. В случае нарушения любого пункта перечисленного выше, штраф 55! (Пятьдесят пять факториал, Денежную единицу (имеющую самостоятельную стоимость) можете выбрать самостоятельно, выплаичвается товарами в течение 7 дней с момента нарушения.)