✖


Jump to content

Барокко

(Перенаправлено из периода барокко )
Чтобы узнать о других значениях, см. Барокко (значения) .

Барокко
Вверху: Венера и Адонис работы Питера Пауля Рубенса (1635–1640); в центре: «Экстаз святой Терезы» ( Бернини 1651 г.); внизу: Версальский дворец во Франции ( ок. 1660–1715).
Годы активности 17–18 вв.

Барокко ​ ( Великобритания : / bə ˈ r ɒ k / bə- ROK , США : /- ˈ r oʊ k / -⁠ ROHK ; Французский: [baʁɔk] ) — западный стиль архитектуры живописи , музыки , танца , . , скульптуры , поэзии и других искусств, процветавший с начала 17 века до 1750-х годов [1] Он следовал за искусством эпохи Возрождения и маньеризмом и предшествовал стилям рококо (в прошлом часто называемому «поздним барокко») и неоклассицизму . поощряла его Католическая церковь как средство противодействия простоте и строгости протестантской архитектуры, искусства и музыки, хотя искусство лютеранского барокко также развивалось в некоторых частях Европы. [2]

Стиль барокко использовал контраст, движение, яркие детали, глубокие цвета, величие и удивление, чтобы вызвать чувство трепета. Этот стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился на остальную часть Италии, Франции, Испании и Португалии, а затем в Австрию, южную Германию и Польшу. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, названный рокайль или рококо , который появлялся во Франции и Центральной Европе до середины-конца 18 века. На территориях Испанской и Португальской империй, включая Пиренейский полуостров, он продолжался вместе с новыми стилями до первого десятилетия XIX века.

В декоративном искусстве этот стиль использует обильные и замысловатые орнаменты. Отход от ренессансного классицизма в каждой стране идет по-своему. Но общая особенность состоит в том, что везде исходной точкой являются элементы орнамента, привнесенные эпохой Возрождения . Классический репертуар переполнен, плотен, перекликается, загружен, чтобы вызвать шоковый эффект. Новые мотивы, представленные барокко: картуш , трофеи и оружие, корзины с фруктами или цветами и другие, выполненные в маркетри , лепнине или резные. [3]

Происхождение слова

[ редактировать ]
Подвеска в виде сирены , выполненная из барочной жемчужины (туловище) с золотыми эмалированными креплениями, украшенными рубинами, вероятно ок. 1860 , в Метрополитен-музее (Нью-Йорк, Нью-Йорк).

Английское слово «барокко» происходит непосредственно от французского языка . Некоторые ученые утверждают, что французское слово произошло от португальского термина barroco «испорченная жемчужина», указывая на латинское verruca «бородавка». [4] или к слову с романским суффиксом -ϒccu (распространен в доримской Иберии ). [5] [6] Другие источники предполагают, средневековый латинский термин, используемый в логике, baroco . что наиболее вероятным источником является [7]

В XVI веке средневековое латинское слово baroco вышло за рамки схоластической логики и стало использоваться для обозначения всего, что казалось абсурдно сложным. Французский философ Мишель де Монтень (1533–1592) помог придать термину «бароко» (написанному им «Барроко» ) значение «причудливый, бесполезно сложный». [8] Другие ранние источники связывают бароко с магией, сложностью, путаницей и избытком. [7]

Слово «барокко» также ассоциировалось с жемчугом неправильной формы до 18 века. Термины «французское барокко» и «португальское барроко» часто ассоциировались с ювелирными изделиями. В примере 1531 года этот термин используется для описания жемчуга в описи Карла V. сокровищ Франции [9] Позже это слово появляется в издании Le Dictionnaire de l'Académie Française описывается 1694 года, в котором барокко как «используемое только для жемчуга неправильной круглой формы». [10] Португальский словарь 1728 года также описывает барроко как «грубую и неровную жемчужину». [11]

Альтернативное происхождение слова «барокко» указывает на имя итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612). [12]

В 18 веке этот термин начали использовать для описания музыки, причем не в лестном смысле. В анонимной сатирической рецензии на премьеру оперы Жана-Филиппа Рамо « Ипполит и Арисия» в октябре 1733 года, которая была напечатана в « Меркурий де Франс» в мае 1734 года, критик писал, что новизной в этой опере было « дю барокко », жалуясь что музыка лишена связной мелодичности, не жалеет диссонансов, постоянно меняет тональность и размер и быстро проходит через все композиционные приемы. [13]

В 1762 году Le Dictionnaire de l'Académie Française зафиксировало, что этот термин может образно описывать что-то «неправильное, причудливое или неравное». [14]

Жан-Жак Руссо , который был музыкантом и композитором, а также философом, писал в « Энциклопедии» в 1768 году: «Музыка барокко — это та музыка, в которой гармония запутана и наполнена модуляциями и диссонансами. Пение резкое и неестественное, интонация трудная, а движения ограниченные. Похоже, этот термин происходит от слова «бароко», используемого логиками». [8] [15]

В 1788 году Катремер де Куинси определил этот термин в «Методической энциклопедии» как «архитектурный стиль, который сильно украшен и измучен». [16]

Французские термины «стиль барокко» и «музыка барокко» появились в словаре Французской академии в 1835 году. [17] К середине 19 века искусствоведы и историки приняли термин «барокко» как способ высмеивать постренессансное искусство. В таком смысле это слово использовалось в 1855 году ведущим историком искусства Якобом Буркхардтом , который писал, что художники барокко «презирали детали и злоупотребляли ими», потому что им не хватало «уважения к традициям». [18]

В 1888 году историк искусства Генрих Вельфлин опубликовал первую серьезную академическую работу по стилю « Ренессанс и барокко» , в которой описывались различия между живописью, скульптурой и архитектурой эпохи Возрождения и барокко. [19]

Архитектура: истоки и характеристики

[ редактировать ]
Основная статья: архитектура барокко
Квадратура или тромпельный потолок церкви Джезу в Риме, работа Джованни Баттиста Гаулли , 1673-1678 гг. [20]

Стиль архитектуры барокко стал результатом доктрин, принятых католической церковью на Тридентском соборе в 1545–1563 годах в ответ на протестантскую Реформацию . Первая фаза Контрреформации придала религиозной архитектуре строгий академический стиль, который понравился интеллектуалам, но не массам прихожан. Вместо этого Совет Трента решил обратиться к более популярной аудитории и заявил, что искусство должно передавать религиозные темы с прямым и эмоциональным участием. [21] [22] маркер идентичности в ответ на Великое иконоборчество кальвинистов Точно так же искусство лютеранского барокко развивалось как конфессиональный . [23]

Церкви в стиле барокко были спроектированы с большим центральным пространством, где прихожане могли находиться рядом с алтарем, с куполом или куполом высоко над головой, позволяющим свету освещать церковь внизу. Купол был одной из центральных символических особенностей архитектуры барокко, иллюстрирующей союз неба и земли. Внутренняя часть купола была щедро украшена картинами с изображением ангелов и святых, а также лепными статуэтками ангелов, создавая у тех, кто внизу, впечатление, будто они смотрят на небо. [24] Еще одной особенностью церквей в стиле барокко являются квадратуры ; Картины -тромплей на потолке в лепных рамах, настоящие или нарисованные, переполненные картинами святых и ангелов и соединенные архитектурными деталями с балюстрадами и консолями. Квадратурные картины Атлантов под карнизами, кажется, поддерживают потолок церкви. В отличие от расписных потолков Микеланджело в Сикстинской капелле , в которых сочетались разные сцены, каждая со своей собственной перспективой, которые нужно было рассматривать поочередно, росписи потолка в стиле барокко были тщательно созданы так, чтобы зритель на полу церкви мог видеть весь потолок в правильной перспективе, как если бы фигуры были реальными.

Интерьеры церквей в стиле барокко в эпоху высокого барокко становились все более богато украшенными и сосредоточивались вокруг алтаря, обычно размещаемого под куполом. Самыми знаменитыми декоративными произведениями высокого барокко являются Кресло Святого Петра (1647–1653) и Балдахин Святого Петра (1623–1634), оба работы Джана Лоренцо Бернини , в базилике Святого Петра в Риме. Балдекен Святого Петра — пример баланса противоположностей в искусстве барокко; гигантские размеры произведения при кажущейся легкости купола; и контраст между массивными витыми колоннами из бронзы, золота и мрамора и струящимися драпировками ангелов на балдахине. [25] Дрезденская церковь Фрауэнкирхе является выдающимся примером искусства лютеранского барокко, строительство которой было завершено в 1743 году по заказу лютеранского городского совета Дрездена и «сравнивалось наблюдателями восемнадцатого века с собором Святого Петра в Риме». [2]

Витая колонна в интерьере церквей – одна из характерных особенностей барокко. Это дает не только ощущение движения, но и совершенно новый способ отражения света.

. картуш Еще одной характерной чертой декора барокко был Это были большие таблички, вырезанные из мрамора или камня, обычно овальной формы и с закругленной поверхностью, на которых были изображены или тексты позолоченными буквами, и размещались в качестве внутреннего украшения или над дверными проемами зданий, передавая послания тем, кто находился внизу. Они продемонстрировали большое разнообразие изобретений и были найдены во всех типах зданий, от соборов и дворцов до небольших часовен. [26]

Архитекторы барокко иногда использовали принудительную перспективу для создания иллюзий. Для Палаццо Спада в Риме Франческо Борромини использовал колонны уменьшающегося размера, сужающийся пол и миниатюрную статую в саду за ним, чтобы создать иллюзию длины коридора в тридцать метров, хотя на самом деле его длина составляла всего семь метров. Статуя в конце прохода кажется в натуральную величину, хотя ее высота всего шестьдесят сантиметров. Борромини создал иллюзию с помощью математика.

Итальянское Барокко

[ редактировать ]
Основная статья: архитектура итальянского барокко

Первым зданием в Риме с фасадом в стиле барокко была церковь Джезу , построенная в 1584 году; по стандартам позднего барокко он был простым, но ознаменовал разрыв с предшествовавшими ему традиционными фасадами эпохи Возрождения. Интерьер этой церкви оставался очень строгим вплоть до эпохи высокого барокко, когда она была богато украшена.

В Риме в 1605 году Павел V стал первым из серии пап , которые заказали базилики и церковные здания, призванные вызывать эмоции и трепет благодаря разнообразию форм, богатству красок и драматических эффектов. [31] Среди наиболее влиятельных памятников раннего барокко был фасад базилики Святого Петра (1606–1619), а также новый неф и лоджия, соединявшие фасад с куполом Микеланджело в более ранней церкви. Новый дизайн создал резкий контраст между парящим куполом и непропорционально широким фасадом, а также контраст на самом фасаде между дорическими колоннами и огромной массой портика. [32]

В середине-конце 17 века этот стиль достиг своего расцвета, позже названного высоким барокко. Многие монументальные произведения были заказаны Папами Урбаном VIII и Александром VII . Скульптор и архитектор Джан Лоренцо Бернини спроектировал новую четверную колоннаду вокруг площади Святого Петра (1656–1667 гг.). Три галереи колонн в гигантском эллипсе уравновешивают огромный купол и придают церкви и квадрату единство и ощущение гигантского театра. [33]

Другим крупным новатором итальянского высокого барокко был Франческо Борромини , чьей основной работой была церковь Сан-Карло алле Кваттро Фонтане или Святого Карла Четырех Фонтанов (1634–1646). Ощущение движения придает не декор, а сами стены, которые имеют волнообразную форму, а также вогнутые и выпуклые элементы, в том числе овальную башню и балкон, вставленные в вогнутый траверс. Интерьер был столь же революционным; основное пространство церкви было овальным, под овальным куполом. [33]

Расписные потолки, наполненные ангелами и святыми, а также архитектурными эффектами в стиле тромпель, были важной особенностью итальянского высокого барокко. Среди основных работ - «Введение святого Игнатия в рай» Андреа Поццо (1685–1695) в церкви Сант-Игнацио в Риме и «Триумф имени Иисуса» Джованни Баттисты Гаулли в церкви Джезу в Риме (1669–1695). 1683), в котором фигуры выступают из рамы картины, драматическое косое освещение и контрасты света и тьмы. [34]

Стиль быстро распространился из Рима в другие регионы Италии: он появился в Венеции в церкви Санта-Мария-делла-Салюте (1631–1687) Бальдассаре Лонгена , весьма оригинальной восьмиугольной формы, увенчанной огромным куполом . Он появился также в Турине , особенно в Часовне Святой Плащаницы (1668–1694) Гуарино Гуарини . Этот стиль стал использоваться и во дворцах; Гуарини спроектировал Палаццо Кариньяно в Турине, а Лонгена спроектировал Ка'Реццонико на Большом канале (1657 г.), законченный Джорджо Массари и украшенный картинами Джованни Баттисты Тьеполо . [35] Серия сильных землетрясений на Сицилии потребовала восстановления большинства из них, а некоторые были построены в стиле позднего барокко или рококо .

Испанское барокко

[ редактировать ]
Основная статья: архитектура испанского барокко

Католическая церковь в Испании, и особенно иезуиты , были движущей силой испанской архитектуры барокко. Первой крупной работой в этом стиле была часовня Сан-Исидро в Мадриде , начатая в 1643 году Педро де ла Торре . Чрезвычайное богатство орнамента снаружи контрастировало с простотой интерьера, разделенного на несколько пространств и использующего световые эффекты для создания ощущения тайны. [38] Собор Сантьяго-де-Компостела был модернизирован с помощью ряда пристроек в стиле барокко, начиная с конца 17-го века, начиная с богато украшенной колокольни (1680 г.), а затем по бокам двух еще более высоких и богато украшенных башен, называемых Обрадорио , добавленных между 1738 и 1750 годы, Фернандо де Касас Новоа . Еще одной достопримечательностью испанского барокко является башня-часовня дворца Сан-Тельмо в Севилье работы Леонардо де Фигероа . [39]

Гранада была отвоевана у мавров только в 15 веке и имела свою особую разновидность барокко. Художник, скульптор и архитектор Алонсо Кано спроектировал интерьер собора Гранады в стиле барокко между 1652 годом и своей смертью в 1657 году. Он отличается резким контрастом массивных белых колонн и золотого декора.

Самая орнаментальная и богато украшенная архитектура испанского барокко называется стилем Чурригереско , названным в честь братьев Чурригера , которые работали в основном в Саламанке и Мадриде. Среди их работ - здания на главной площади Саламанки, Пласа-Майор (1729 г.). [39] Этот очень декоративный стиль барокко оказал влияние на многие церкви и соборы, построенные испанцами в Америке.

Среди других известных испанских архитекторов в стиле барокко позднего барокко - Педро де Рибера , ученик Чурригеры, спроектировавший Реал Хосписио де Сан-Фернандо в Мадриде, и Нарцисо Томе , спроектировавший знаменитый алтарь Эль Прозрачный в соборе Толедо (1729–1732), который при определенном освещении создает иллюзию плавания вверх. [39]

Архитекторы испанского барокко оказали влияние далеко за пределы Испании; их работа имела большое влияние на церкви, построенные в испанских колониях в Латинской Америке и на Филиппинах. церковь, построенная иезуитами для колледжа Сан-Франциско Хавьера в Тепоцотлане , с ее богато украшенным фасадом и башней в стиле барокко. Хорошим примером является [40]

Центральная Европа

[ редактировать ]

С 1680 по 1750 год в Центральной Европе, Австрии, Богемии и юго-западной Польше было построено множество богато украшенных соборов, аббатств и паломнических церквей . Некоторые из них были выполнены в стиле рококо , отчетливом, более ярком и асимметричном стиле, который возник из барокко, затем заменил его в Центральной Европе в первой половине 18 века, пока он, в свою очередь, не был заменен классицизмом. [47]

Князья многих государств этого региона также выбирали барокко или рококо для своих дворцов и резиденций и часто использовали для их строительства архитекторов, получивших итальянское образование. [48]

Ярким примером является церковь Святого Николая (Мала Страна) в Праге (1704–1755), построенная Кристофом Динценхофером и его сыном Килианом Игнацем Динценхофером . Украшение покрывает все стены внутри церкви. Алтарь расположен в нефе под центральным куполом и окружен часовнями, свет падает с верхнего купола и из окружающих часовен. Алтарь целиком окружен арками, колоннами, изогнутыми балюстрадами и пилястрами из цветного камня, богато украшенными скульптурой, создающей нарочитую путаницу между реальной архитектурой и убранством. Архитектура превращается в театр света, цвета и движения. [25]

в итальянском стиле В Польше польское барокко продолжалось с начала 17 до середины 18 века и подчеркивало богатство деталей и цветов. Первым зданием в стиле барокко в современной Польше и, вероятно, одним из самых узнаваемых является церковь Святых Петра и Павла в Кракове , спроектированная Джованни Баттистой Тревано . Колонна Сигизмунда в Варшаве , возведенная в 1644 году, стала первым в мире светским памятником в стиле барокко, построенным в форме колонны. [49] Примером роскошного стиля резиденции является Вилянувский дворец , построенный между 1677 и 1696 годами. [50] Самым известным архитектором в стиле барокко, действовавшим в Польше, был голландец Тильман ван Гамерен , и его известные работы включают варшавскую церковь Св. Казимежа и дворец Красинского , церковь Св. Анны в Кракове и дворец Браницких в Белостоке . [51] Однако самым знаменитым произведением польского барокко является Познаньская церковь Фара , детали которой выполнены Помпео Феррари . После Тридцатилетней войны по соглашениям Вестфальского мира два уникальных глинобитных были построены сооружения в стиле барокко: Церковь Мира в Яворе , Церковь Мира Святой Троицы в Свиднице, крупнейший деревянный храм в стиле барокко в Европе.

Немецкое Барокко

[ редактировать ]
Основная статья: Архитектура Германии § Барокко

Многие государства Священной Римской империи на территории сегодняшней Германии выглядели впечатляющими зданиями в стиле барокко. [52] Среди известных архитекторов были Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах , Лукас фон Хильдебрандт и Доминикус Циммерманн в Баварии , Бальтазар Нойман в Брюле и Маттеус Даниэль Пёппельман в Дрездене. В Пруссии в Фридрих II Прусский был вдохновлен Большим Трианоном и Версальского дворца использовал его в качестве модели для своей летней резиденции Сан-Суси Потсдаме , спроектированной для него Георгом Венцеславом фон Кнобельсдорфом (1745–1747). Еще одним произведением дворцовой архитектуры в стиле барокко является Цвингер (Дрезден) , бывшая оранжерея дворца курфюрстов Саксонии XVIII века.

Одним из лучших примеров церкви в стиле рококо является Базилика Vierzehnheiligen, или Базилика Четырнадцати Святых Помощников , паломническая церковь, расположенная недалеко от города Бад-Штаффельштайн недалеко от Бамберга, в Баварии, на юге Германии. Базилика была спроектирована Бальтазаром Нейманом и построена между 1743 и 1772 годами. Ее план представляет собой серию переплетающихся кругов вокруг центрального овала с алтарем, расположенным точно в центре церкви. Интерьер этой церкви иллюстрирует вершину декора в стиле рококо. [53] Еще одним ярким примером этого стиля является Паломническая церковь Виса ( нем . Wieskirche ). Его спроектировали братья Й.Б. и Доминикус Циммерманны . Он расположен у подножия Альп , в коммуне Штайнгаден в округе Вайльхайм-Шонгау , Бавария, Германия. Строительство велось между 1745 и 1754 годами, а интерьер был украшен фресками и лепниной в традициях школы Вессобраннера . Сейчас это ЮНЕСКО объект Всемирного наследия .

Французское Барокко

[ редактировать ]
Основные статьи: архитектура французского барокко и стиль Людовика XIV.

Барокко во Франции развивалось совершенно иначе, чем богато украшенные и драматические местные версии барокко из Италии, Испании и остальной Европы. По сравнению с ним он кажется суровым, более отстраненным и сдержанным, вытесняя неоклассицизм и архитектуру Просвещения . В отличие от итальянских зданий, здания французского барокко не имеют ломаных фронтонов и криволинейных фасадов. Даже религиозные здания избегали интенсивной пространственной драмы, которую можно обнаружить в работах Борромини . Стиль тесно связан с произведениями, построенными для Людовика XIV (годы правления 1643–1715), и из-за этого он также известен как стиль Людовика XIV . Людовик XIV пригласил мастера барокко Бернини представить проект нового восточного крыла Лувра , но отклонил его в пользу более классического проекта Клода Перро и Луи Ле Вау . [65] [66]

Основными архитекторами стиля были Франсуа Мансар (1598–1666), Пьер Ле Мюэ (церковь Валь-де-Грас , 1645–1665) и Луи Ле Вау ( Во-ле-Виконт , 1657–1661). стиль барокко, в основном частое использование прикладного ордера и тяжелой рустовки Мансар был первым архитектором, который ввел во французский архитектурный словарь . Мансарда не была изобретена Мансаром, но она стала ассоциироваться с ним, так как он часто ею пользовался. [67]

Главным королевским проектом того периода было расширение Версальского дворца , начатое в 1661 году Ле Вау с украшением художника Шарля Ле Брюна . Сады специально для того , были спроектированы Андре Ленотром чтобы дополнить и усилить архитектуру. Galerie des Glaces ( Зеркальный зал ), центральная часть замка, с картинами Ле Брюна, была построена между 1678 и 1686 годами. Мансар завершил Большой Трианон в 1687 году. Часовня, спроектированная Робертом де Коттом , была завершена в 1710 году. После смерти Людовика XIV Людовик XV добавил к нему более уютный Малый Трианон и богато украшенный театр. Фонтаны в садах были спроектированы так, чтобы их можно было видеть изнутри и придавать драматический эффект. Дворцом восхищались и копировали его другие монархи Европы, особенно Петр Великий из России, который посетил Версаль в начале правления Людовика XV и построил свою собственную версию в Петергофском дворце недалеко от Санкт-Петербурга между 1705 и 1725 годами. [68]

Португальское барокко

[ редактировать ]

Архитектура барокко в Португалии просуществовала около двух столетий (конец XVII и XVIII веков). Во времена правления Иоанна V и Иосифа I увеличился импорт золота и алмазов в период, называемый королевским абсолютизмом, который позволил процветать португальскому барокко.

Архитектура барокко в Португалии находится в особой ситуации и отличается от остальной Европы.

Это обусловлено несколькими политическими, художественными и экономическими факторами, которые порождают несколько фаз, и различными видами внешних влияний, что приводит к уникальному сочетанию, [73] часто неправильно понимаемые теми, кто ищет итальянское искусство, вместо этого находят конкретные формы и характер, которые придают ему уникальное португальское разнообразие. Еще одним ключевым фактором является существование иезуитской архитектуры, также называемой «простым стилем» (Estilo Chão или Estilo Plano). [74] который, как следует из названия, проще и выглядит несколько строгим.

Постройки представляют собой однокомнатные базилики, глубокую главную капеллу, боковые капеллы (с небольшими дверями для сообщения), без внутреннего и наружного убранства, с простым порталом и окнами. Это практичное здание, позволяющее строить его по всей империи с небольшими изменениями и готовить к украшению позже или при наличии экономических ресурсов.

Фактически, первое португальское барокко не лишено строительства, потому что «простой стиль» легко трансформировать с помощью декора (живопись, плитка и т. д.), превращая пустые пространства в помпезные, сложные сценарии барокко. То же самое можно применить и к экстерьеру. Впоследствии здание легко адаптировать к вкусу времени и места и добавить новые функции и детали. Практичный и экономичный.

Благодаря большему количеству жителей и лучшим экономическим ресурсам север, особенно районы Порту и Браги , [75] [76] [77] стал свидетелем архитектурного обновления, заметного в большом списке церквей, монастырей и дворцов, построенных аристократией.

Порту – город барокко в Португалии. Его исторический центр входит в ЮНЕСКО список Всемирного наследия . [78]

Многие из работ в стиле барокко в историческом районе города и за его пределами принадлежат Николау Насони, итальянскому архитектору, живущему в Португалии, рисующему оригинальные здания со сценографическими элементами, такие как церковь и башня Клеригуш , [79] лоджии собора Порту , церковь Мизерикордиа, дворец Сан-Жуан-Ново , [80] дворец Фрейшо , [81] Епископальный дворец ( португальский : Paço Episcopal do Porto ) [82] наряду со многими другими.

Русское Барокко

[ редактировать ]
Основные статьи: Нарышкинское барокко , Петровское барокко , Елизаветинское барокко и Сибирское барокко.

Дебют русского барокко, или петровского барокко , последовал за длительным визитом Петра Великого в Западную Европу в 1697–1698 годах, где он посетил замки Фонтенбло и Версаль , а также другие архитектурные памятники. По возвращении в Россию он решил построить аналогичные памятники в Санкт-Петербурге , который стал новой столицей России в 1712 году. Ранние крупные памятники петровского барокко включают Петропавловский собор и Меншиковский дворец .

В годы правления Анны и Елизаветы в русской архитектуре господствовал роскошный стиль барокко итальянца Франческо Бартоломео Растрелли , переросший в елизаветинское барокко . Знаковыми зданиями Растрелли являются Зимний дворец , Екатерининский дворец и Смольный собор . Другими отличительными памятниками елизаветинского барокко являются колокольня Троице -Сергиевой лавры и Красные ворота . [86]

В Москве , широкое распространение получило нарышкинское барокко особенно в архитектуре православных храмов конца 17 века. Это было сочетание западноевропейского барокко с традиционными русскими народными стилями.

Барокко в испанской и португальской колониальной Америке

[ редактировать ]
Основные статьи: мексиканское искусство § Мексиканское барокко , барокко в Бразилии , Андское барокко , чурригереск , новое испанское барокко и испанские миссии в Америке
Фасад иезуитской церкви Куско , Перу, работы Жана-Батиста Жиля и Диего Мартинеса де Овьедо, 1576–1668 гг. [90]
Сохранившиеся колониальные настенные росписи 1802 года с изображением ада. [91] [92] [93] Тадео Эскаланте, внутри церкви Сан-Хуан-Баутиста в Уаро , Перу.

В связи с колонизацией Америки европейскими странами барокко естественным образом переместилось в Новый Свет , найдя особенно благоприятную почву в регионах, где доминируют Испания и Португалия , поскольку обе страны представляют собой централизованные и непреодолимо католические монархии, в дальнейшем подчиняющиеся Риму и приверженцам барокко Контрреформация . Европейские художники мигрировали в Америку и учились в школе, и наряду с широким проникновением католических миссионеров , многие из которых были опытными художниками, создали многообразное барокко, часто под влиянием народных вкусов. Криолло . и местные ремесленники многое сделали, чтобы придать этому барокко уникальные черты Основными центрами культивирования американского барокко, которые сохранились до сих пор, являются (в этом порядке) Мексика , Перу , Бразилия , Куба , Эквадор , Колумбия , Боливия , Гватемала , Никарагуа , Пуэрто-Рико и Панама .

Картина внутри церкви 18 века в Гондурасе.

Особо следует отметить так называемое «миссионерское барокко», разработанное в рамках испанского сокращения территорий, простирающихся от Мексики и юго-западных частей современных Соединенных Штатов до юга, вплоть до Аргентины и Чили, поселений коренных народов, организованных испанскими католиками. миссионеры, чтобы обратить их в христианскую веру и приобщить их к западной жизни, сформировав гибридное барокко под влиянием местной культуры, где процветали Криоллос и многие местные ремесленники и музыканты, даже грамотные, некоторые из которых обладали большими способностями и талантом. В отчетах миссионеров часто повторяется, что западное искусство, особенно музыка, оказывало гипнотическое воздействие на лесников, а изображения святых считались обладающими великой силой. Многие туземцы были обращены, и была создана новая форма поклонения, страстная, насыщенная мистикой, суевериями и театральностью, которая доставляла удовольствие праздничным мессам, священным концертам и мистериям. [94] [95]

The Colonial Baroque architecture in the Spanish America is characterized by a profuse decoration (portal of La Profesa Church, Mexico City; façades covered with Puebla-style azulejos, as in the Church of San Francisco Acatepec in San Andrés Cholula and Convent Church of San Francisco, Puebla), which will be exacerbated in the so-called Churrigueresque style (Façade of the Tabernacle of the Mexico City Metropolitan Cathedral, by Lorenzo Rodríguez; Church of San Francisco Javier, Tepotzotlán; Church of Santa Prisca de Taxco). In Peru, the constructions mostly developed in the cities of Lima, Cusco, Arequipa and Trujillo, since 1650 show original characteristics that are advanced even to the European Baroque, as in the use of cushioned walls and solomonic columns (Iglesia de la Compañía de Jesús, Cusco; Basilica and Convent of San Francisco, Lima).[96] Other countries include: the Metropolitan Cathedral of Sucre in Bolivia; Cathedral Basilica of Esquipulas in Guatemala; Tegucigalpa Cathedral in Honduras; León Cathedral in Nicaragua; the Church of la Compañía de Jesús, Quito, Ecuador; the Church of San Ignacio, Bogotá, Colombia; the Caracas Cathedral in Venezuela; the Cabildo of Buenos Aires in Argentina; the Church of Santo Domingo in Santiago, Chile; and Havana Cathedral in Cuba. It is also worth remembering the quality of the churches of the Spanish Jesuit Missions in Bolivia, Spanish Jesuit missions in Paraguay, the Spanish missions in Mexico and the Spanish Franciscan missions in California.[97]

In Brazil, as in the metropolis, Portugal, the architecture has a certain Italian influence, usually of a Borrominesque type, as can be seen in the Co-Cathedral of Recife (1784) and Church of Nossa Senhora da Glória do Outeiro in Rio de Janeiro (1739). In the region of Minas Gerais, highlighted the work of Aleijadinho, author of a group of churches that stand out for their curved planimetry, façades with concave-convex dynamic effects and a plastic treatment of all architectural elements (Church of São Francisco de Assis, Ouro Preto, 1765–1788).

Baroque in the Spanish and Portuguese Colonial Asia

[edit]
See also: Earthquake Baroque

In the Portuguese colonies of India (Goa, Daman and Diu) an architectural style of Baroque forms mixed with Hindu elements flourished, such as the Se Cathedral and the Basilica of Bom Jesus of Goa, which houses the tomb of St. Francis Xavier. The set of churches and convents of Goa was declared a World Heritage Site in 1986.

In the Philippines, which was a Spanish colony for over three centuries, a large number of Baroque constructions are preserved. Four of these as well as the Baroque and Neoclassical city of Vigan are both UNESCO World Heritage Sites; and although they lack formal classification, The Walled City of Manila along with the city of Tayabas both contain a significant extent of Spanish-Baroque-era architecture.

Echoes in Wallachia and Moldavia

[edit]
Main article: Brâncovenesc style

As we saw, the Baroque is a Western style, born in Italy. Through the commercial and cultural relationships of Italians with countries of the Balkan Peninsula, including Moldavia and Wallachia, Baroque influences arrive to Eastern Europe. These influences were not very strong, since they usually take place in architecture and stone-sculpted ornaments, and are also mixed intensely with details taken from Byzantine and Islamic art.

Before and after the fall of the Byzantine Empire, all the art of Wallachia and Moldavia was primarily influenced by that of Constantinople. Until the end of the 16th century, with little modifications, the plans of churches and monasteries, the murals, and the ornaments carved in stone remain the same as before. From a period starting with the reigns of Matei Basarab (1632–1654) and Vasile Lupu (1634–1653), which coincided with the popularization of Italian Baroque, new ornaments were added, and the style of religious furniture changed. This was not random at all. Decorative elements and principles were brought from Italy, through Venice, or through the Dalmatian regions, and they were adopted by architects and craftsmen from the east. The window and door frames, the pisanie with dedication, the tombstones, the columns and railings, and a part of the bronze, silver or wooden furniture, received a more important role than the one they had before. They existed before too, inspired by the Byzantine tradition, but they gained a more realist look, showing delicate floral motifs. The relief that existed before too, became more accentuated, having volume and consistency. Before this period, reliefs from Wallachia and Moldavia, like the ones from the East, had only two levels, at a small distance one from the other, one at the surface and the other in depth. Big flowers, maybe roses, peonies or thistles, thick leaves, of acanthus or another similar plant, were twisting on columns, or surround door and windows. A place where the Baroque had a strong influence was columns and the railings. Capitals were more decorated than before with foliage. Columns have often twisting shafts, a local reinterpretation of the Solomonic column. Maximalist railings are placed between these columns, decorated with rinceaux. Some of the ones from the Mogoșoaia Palace are also decorated with dolphins. Cartouches are also used sometimes, mostly on tombstones, like on the one of Constantin Brâncoveanu. This movement, is known as the Brâncovenesc style, after Constantin Brâncoveanu, a ruler of Wallachia whose reign (1654-1714) is highly associated with this kind of architecture and design. The style is also present during the 18th century, and in a part of the 19th. Many of the churches and residences erected by boyards and voivodes of these periods are Brâncovenesc. Although Baroque influences can be clearly seen, the Brâncovenesc style takes much more inspiration from the local tradition.

As the 18th century passed, with the Phanariot (members of prominent Greek families in Phanar, Istanbul) reigns in Wallachia and Moldavia, Baroque influences come from Istanbul too. They came before too, during the 17th century, but with the Phanariots, more Western Baroque motifs that arrived to the Ottoman Empire had their final destination in present-day Romania. In Moldavia, Baroque elements come from Russia too, where the influence of Italian art was strong.[102]

Painting

[edit]
Main article: Baroque painting

Baroque painters worked deliberately to set themselves apart from the painters of the Renaissance and the Mannerism period after it. In their palette, they used intense and warm colours, and particularly made use of the primary colours red, blue and yellow, frequently putting all three in close proximity.[112] They avoided the even lighting of Renaissance painting and used strong contrasts of light and darkness on certain parts of the picture to direct attention to the central actions or figures. In their composition, they avoided the tranquil scenes of Renaissance paintings, and chose the moments of the greatest movement and drama. Unlike the tranquil faces of Renaissance paintings, the faces in Baroque paintings clearly expressed their emotions. They often used asymmetry, with action occurring away from the centre of the picture, and created axes that were neither vertical nor horizontal, but slanting to the left or right, giving a sense of instability and movement. They enhanced this impression of movement by having the costumes of the personages blown by the wind, or moved by their own gestures. The overall impressions were movement, emotion and drama.[113] Another essential element of baroque painting was allegory; every painting told a story and had a message, often encrypted in symbols and allegorical characters, which an educated viewer was expected to know and read.[114]

Early evidence of Italian Baroque ideas in painting occurred in Bologna, where Annibale Carracci, Agostino Carracci and Ludovico Carracci sought to return the visual arts to the ordered Classicism of the Renaissance. Their art, however, also incorporated ideas central the Counter-Reformation; these included intense emotion and religious imagery that appealed more to the heart than to the intellect.[115]

Another influential painter of the Baroque era was Michelangelo Merisi da Caravaggio. His realistic approach to the human figure, painted directly from life and dramatically spotlit against a dark background, shocked his contemporaries and opened a new chapter in the history of painting. Other major painters associated closely with the Baroque style include Artemisia Gentileschi, Elisabetta Sirani, Giovanna Garzoni, Guido Reni, Domenichino, Andrea Pozzo, and Paolo de Matteis in Italy; Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo and Diego Velázquez in Spain; Adam Elsheimer in Germany; and Nicolas Poussin and Georges de La Tour in France (though Poussin spent most of his working life in Italy). Poussin and de La Tour adopted a "classical" Baroque style with less focus on emotion and greater attention to the line of the figures in the painting than to colour.

Peter Paul Rubens was the most important painter of the Flemish Baroque style. Rubens' highly charged compositions reference erudite aspects of classical and Christian history. His unique and immensely popular Baroque style emphasised movement, colour, and sensuality, which followed the immediate, dramatic artistic style promoted in the Counter-Reformation. Rubens specialized in making altarpieces, portraits, landscapes, and history paintings of mythological and allegorical subjects.

One important domain of Baroque painting was Quadratura, or paintings in trompe-l'œil, which literally "fooled the eye". These were usually painted on the stucco of ceilings or upper walls and balustrades, and gave the impression to those on the ground looking up were that they were seeing the heavens populated with crowds of angels, saints and other heavenly figures, set against painted skies and imaginary architecture.[47]

In Italy, artists often collaborated with architects on interior decoration; Pietro da Cortona was one of the painters of the 17th century who employed this illusionist way of painting. Among his most important commissions were the frescoes he painted for the Palazzo Barberini (1633–39), to glorify the reign of Pope Urban VIII. Pietro da Cortona's compositions were the largest decorative frescoes executed in Rome since the work of Michelangelo at the Sistine Chapel.[116]

François Boucher was an important figure in the more delicate French Rococo style, which appeared during the late Baroque period. He designed tapestries, carpets and theatre decoration as well as painting. His work was extremely popular with Madame de Pompadour, the Mistress of King Louis XV. His paintings featured mythological romantic, and mildly erotic themes.[117]

Hispanic Americas

[edit]
Main articles: Cusco School, Quito School, and Indochristian art
Example of Bolivian painting (part of the Cusco School): an Arquebusier Angel; by Master of Calamarca; 17th century

In the Hispanic Americas, the first influences were from Sevillan Tenebrism, mainly from Zurbarán —some of whose works are still preserved in Mexico and Peru— as can be seen in the work of the Mexicans José Juárez and Sebastián López de Arteaga, and the Bolivian Melchor Pérez de Holguín. The Cusco School of painting arose after the arrival of the Italian painter Bernardo Bitti in 1583, who introduced Mannerism in the Americas. It highlighted the work of Luis de Riaño, disciple of the Italian Angelino Medoro, author of the murals of the Church of San Pedro, Andahuaylillas. It also highlighted the Indian (Quechua) painters Diego Quispe Tito and Basilio Santa Cruz Pumacallao, as well as Marcos Zapata, author of the fifty large canvases that cover the high arches of Cusco Cathedral. In Ecuador, the Quito School was formed, mainly represented by the mestizo Miguel de Santiago and the criollo Nicolás Javier de Goríbar.

In the 18th century sculptural altarpieces began to be replaced by paintings, developing notably the Baroque painting in the Americas. Similarly, the demand for civil works, mainly portraits of the aristocratic classes and the ecclesiastical hierarchy, grew. The main influence was the Murillesque, and in some cases – as in the criollo Cristóbal de Villalpando – that of Juan de Valdés Leal. The painting of this era has a more sentimental tone, with sweet and softer shapes. Its proponents incluse Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos in Colombia, and Juan Rodríguez Juárez and Miguel Cabrera in Mexico.

Sculpture

[edit]
Main article: Baroque sculpture

The dominant figure in baroque sculpture was Gian Lorenzo Bernini. Under the patronage of Pope Urban VIII, he made a remarkable series of monumental statues of saints and figures whose faces and gestures vividly expressed their emotions, as well as portrait busts of exceptional realism, and highly decorative works for the Vatican such as the imposing Chair of St. Peter beneath the dome in St. Peter's Basilica. In addition, he designed fountains with monumental groups of sculpture to decorate the major squares of Rome.[120]

Baroque sculpture was inspired by ancient Roman statuary, particularly by the famous first century CE statue of Laocoön and His Sons, which was unearthed in 1506 and put on display in the gallery of the Vatican. When he visited Paris in 1665, Bernini addressed the students at the academy of painting and sculpture. He advised the students to work from classical models, rather than from nature. He told the students, "When I had trouble with my first statue, I consulted the Antinous like an oracle."[121] That Antinous statue is known today as the Hermes of the Museo Pio-Clementino.

Notable late French baroque sculptors included Étienne Maurice Falconet and Jean Baptiste Pigalle. Pigalle was commissioned by Frederick the Great to make statues for Frederick's own version of Versailles at Sanssouci in Potsdam, Germany. Falconet also received an important foreign commission, creating the famous Bronze Horseman statue of Peter the Great found in St. Petersburg.

In Spain, the sculptor Francisco Salzillo worked exclusively on religious themes, using polychromed wood. Some of the finest baroque sculptural craftsmanship was found in the gilded stucco altars of churches of the Spanish colonies of the New World, made by local craftsmen; examples include the Chapel del Rosario, Puebla, (Mexico), 1724–1731.

Furniture

[edit]
Main article: Louis XIV furniture

The main motifs used are: horns of plenty, festoons, baby angels, lion heads holding a metal ring in their mouths, female faces surrounded by garlands, oval cartouches, acanthus leaves, classical columns, caryatids, pediments, and other elements of Classical architecture sculpted on some parts of pieces of furniture,[128] baskets with fruits or flowers, shells, armour and trophies, heads of Apollo or Bacchus, and C-shaped volutes.[129]

During the first period of the reign of Louis XIV, furniture followed the previous Louis XIII style, and was massive, and profusely decorated with sculpture and gilding. After 1680, thanks in large part to the furniture designer André-Charles Boulle, a more original and delicate style appeared, sometimes known as Boulle work. It was based on the inlay of ebony and other rare woods, a technique first used in Florence in the 15th century, which was refined and developed by Boulle and others working for Louis XIV. Furniture was inlaid with plaques of ebony, copper, and exotic woods of different colors.[130]

New and often enduring types of furniture appeared; the commode, with two to four drawers, replaced the old coffre, or chest. The canapé, or sofa, appeared, in the form of a combination of two or three armchairs. New kinds of armchairs appeared, including the fauteuil en confessionale or "Confessional armchair", which had padded cushions ions on either side of the back of the chair. The console table also made its first appearance; it was designed to be placed against a wall. Another new type of furniture was the table à gibier, a marble-topped table for holding dishes. Early varieties of the desk appeared; the Mazarin desk had a central section set back, placed between two columns of drawers, with four feet on each column.[130]

Music

[edit]
Main article: Baroque music
Antonio Vivaldi, (1678–1741)

The term Baroque is also used to designate the style of music composed during a period that overlaps with that of Baroque art. The first uses of the term 'baroque' for music were criticisms. In an anonymous, satirical review of the première in October 1733 of Jean-Philippe Rameau's Hippolyte et Aricie, printed in the Mercure de France in May 1734, the critic implied that the novelty of this opera was "du barocque," complaining that the music lacked coherent melody, was filled with unremitting dissonances, constantly changed key and meter, and speedily ran through every compositional device.[131] Jean-Jacques Rousseau, who was a musician and noted composer as well as philosopher, made a very similar observation in 1768 in the famous Encyclopédie of Denis Diderot: "Baroque music is that in which the harmony is confused, and loaded with modulations and dissonances. The singing is harsh and unnatural, the intonation difficult, and the movement limited. It appears that term comes from the word 'baroco' used by logicians."[15]

Common use of the term for the music of the period began only in 1919, by Curt Sachs,[132] and it was not until 1940 that it was first used in English in an article published by Manfred Bukofzer.[131]

The baroque was a period of musical experimentation and innovation which explains the amount of ornaments and improvisation performed by the musicians. New forms were invented, including the concerto and sinfonia. Opera was born in Italy at the end of the 16th century (with Jacopo Peri's mostly lost Dafne, produced in Florence in 1598) and soon spread through the rest of Europe: Louis XIV created the first Royal Academy of Music. In 1669, the poet Pierre Perrin opened an academy of opera in Paris, the first opera theatre in France open to the public, and premiered Pomone, the first grand opera in French, with music by Robert Cambert, with five acts, elaborate stage machinery, and a ballet.[133] Heinrich Schütz in Germany, Jean-Baptiste Lully in France, and Henry Purcell in England all helped to establish their national traditions in the 17th century.

Several new instruments, including the piano, were introduced during this period. The invention of the piano is credited to Bartolomeo Cristofori (1655–1731) of Padua, Italy, who was employed by Ferdinando de' Medici, Grand Prince of Tuscany, as the Keeper of the Instruments.[134][135] Cristofori named the instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte ("a keyboard of cypress with soft and loud"), abbreviated over time as pianoforte, fortepiano, and later, simply, piano.[136]

Composers and examples

[edit]

Dance

[edit]
Main article: Baroque dance

The classical ballet also originated in the Baroque era. The style of court dance was brought to France by Marie de' Medici, and in the beginning the members of the court themselves were the dancers. Louis XIV himself performed in public in several ballets. In March 1662, the Académie Royale de Danse, was founded by the King. It was the first professional dance school and company, and set the standards and vocabulary for ballet throughout Europe during the period.[133]

Literary theory

[edit]

Heinrich Wölfflin was the first to transfer the term Baroque to literature.[137] The key concepts of Baroque literary theory, such as "conceit" (concetto), "wit" (acutezza, ingegno), and "wonder" (meraviglia), were not fully developed in literary theory until the publication of Emanuele Tesauro's Il Cannocchiale aristotelico (The Aristotelian Telescope) in 1654. This seminal treatise - inspired by Giambattista Marino's epic Adone and the work of the Spanish Jesuit philosopher Baltasar Gracián - developed a theory of metaphor as a universal language of images and as a supreme intellectual act, at once an artifice and an epistemologically privileged mode of access to truth.[138]

Theatre

[edit]
Set design for Andromedé by Pierre Corneille, (1650)
Design for a theater set created by Giacomo Torelli for the ballet Les Noces de Thétis, from Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

The Baroque period was a golden age for theatre in France and Spain; playwrights included Corneille, Racine and Molière in France; and Lope de Vega and Pedro Calderón de la Barca in Spain.

During the Baroque period, the art and style of the theatre evolved rapidly, alongside the development of opera and of ballet. The design of newer and larger theatres, the invention the use of more elaborate machinery, the wider use of the proscenium arch, which framed the stage and hid the machinery from the audience, encouraged more scenic effects and spectacle.[139]

The Baroque had a Catholic and conservative character in Spain, following an Italian literary model during the Renaissance.[140] The Hispanic Baroque theatre aimed for a public content with an ideal reality that manifested fundamental three sentiments: Catholic religion, monarchist and national pride and honour originating from the chivalric, knightly world.[141]

Two periods are known in the Baroque Spanish theatre, with the division occurring in 1630. The first period is represented chiefly by Lope de Vega, but also by Tirso de Molina, Gaspar Aguilar, Guillén de Castro, Antonio Mira de Amescua, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Diego Jiménez de Enciso, Luis Belmonte Bermúdez, Felipe Godínez, Luis Quiñones de Benavente or Juan Pérez de Montalbán. The second period is represented by Pedro Calderón de la Barca and fellow dramatists Antonio Hurtado de Mendoza, Álvaro Cubillo de Aragón, Jerónimo de Cáncer, Francisco de Rojas Zorrilla, Juan de Matos Fragoso, Antonio Coello y Ochoa, Agustín Moreto, and Francisco Bances Candamo.[142] These classifications are loose because each author had his own way and could occasionally adhere himself to the formula established by Lope. It may even be that Lope's "manner" was more liberal and structured than Calderón's.[143]

Lope de Vega introduced through his Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) the new comedy. He established a new dramatic formula that broke the three Aristotle unities of the Italian school of poetry (action, time, and place) and a fourth unity of Aristotle which is about style, mixing of tragic and comic elements showing different types of verses and stanzas upon what is represented.[144] Although Lope has a great knowledge of the plastic arts, he did not use it during the major part of his career nor in theatre or scenography. The Lope's comedy granted a second role to the visual aspects of the theatrical representation.[145]

Tirso de Molina, Lope de Vega, and Calderón were the most important play writers in Golden Era Spain. Their works, known for their subtle intelligence and profound comprehension of a person's humanity, could be considered a bridge between Lope's primitive comedy and the more elaborate comedy of Calderón. Tirso de Molina is best known for two works, The Convicted Suspicions and The Trickster of Seville, one of the first versions of the Don Juan myth.[146]

Upon his arrival to Madrid, Cosimo Lotti brought to the Spanish court the most advanced theatrical techniques of Europe. His techniques and mechanic knowledge were applied in palace exhibitions called "Fiestas" and in lavish exhibitions of rivers or artificial fountains called "Naumaquias". He was in charge of styling the Gardens of Buen Retiro, of Zarzuela, and of Aranjuez and the construction of the theatrical building of Coliseo del Buen Retiro.[147] Lope's formulas begin with a verse that it unbefitting of the palace theatre foundation and the birth of new concepts that begun the careers of some play writers like Calderón de la Barca. Marking the principal innovations of the New Lopesian Comedy, Calderón's style marked many differences, with a great deal of constructive care and attention to his internal structure. Calderón's work is in formal perfection and a very lyric and symbolic language. Liberty, vitality and openness of Lope gave a step to Calderón's intellectual reflection and formal precision. In his comedy it reflected his ideological and doctrine intentions in above the passion and the action, the work of Autos sacramentales achieved high ranks.[148] The genre of Comedia is political, multi-artistic and in a sense hybrid. The poetic text interweaved with Medias and resources originating from architecture, music and painting freeing the deception that is in the Lopesian comedy was made up from the lack of scenery and engaging the dialogue of action.[149]

The best known German playwright was Andreas Gryphius, who used the Jesuit model of the Dutch Joost van den Vondel and Pierre Corneille. There was also Johannes Velten who combined the traditions of the English comedians and the commedia dell'arte with the classic theatre of Corneille and Molière. His touring company was perhaps the most significant and important of the 17th century.

The foremost Italian baroque tragedian was Federico Della Valle. His literary activity is summed up by the four plays that he wrote for the courtly theater: the tragicomedy Adelonda di Frigia (1595) and especially his three tragedies, Judith (1627), Esther (1627) and La reina di Scotia (1628). Della Valle had many imitators and followers who combined in their works Baroque taste and the didactic aims of the Jesuits (Francesco Sforza Pallavicino, Girolamo Graziani, etc.)

In the Tsardom of Russia, the development of the Russian version of Baroque took shape only in the second half of the 17th century, primarily due to the initiative of tsar Alexis of Russia, who wanted to open a court theatre in 1672. Its director and dramatist was Johann Gottfried Gregorii, a German-Russian Lutheran pastor, who wrote, in particular, a 10-hour play The Action of Artaxerxes. The dramaturgy of Symeon of Polotsk and Demetrius of Rostov became key contribution to the Russian Baroque.[150]

Spanish colonial Americas

[edit]

Following the evolution marked from Spain, at the end of the 16th century, the companies of comedians, essentially transhumant, began to professionalize. With professionalization came regulation and censorship: as in Europe, the theatre oscillated between tolerance and even government protection and rejection (with exceptions) or persecution by the Church. The theatre was useful to the authorities as an instrument to disseminate the desired behavior and models, respect for the social order and the monarchy, school of religious dogma.[151]

The corrales were administered for the benefit of hospitals that shared the benefits of the representations. The itinerant companies (or "of the league"), who carried the theatre in improvised open-air stages by the regions that did not have fixed locals, required a viceregal license to work, whose price or pinción was destined to alms and works pious.[151] For companies that worked stably in the capitals and major cities, one of their main sources of income was participation in the festivities of the Corpus Christi, which provided them with not only economic benefits, but also recognition and social prestige. The representations in the viceregal palace and the mansions of the aristocracy, where they represented both the comedies of their repertoire and special productions with great lighting effects, scenery, and stage, were also an important source of well-paid and prestigious work.[151]

Born in the Viceroyalty of New Spain[152] but later settled in Spain, Juan Ruiz de Alarcón is the most prominent figure in the Baroque theatre of New Spain. Despite his accommodation to Lope de Vega's new comedy, his "marked secularism", his discretion and restraint, and a keen capacity for "psychological penetration" as distinctive features of Alarcón against his Spanish contemporaries have been noted. Noteworthy among his works La verdad sospechosa, a comedy of characters that reflected his constant moralizing purpose.[151] The dramatic production of Sor Juana Inés de la Cruz places her as the second figure of the Spanish-American Baroque theatre. It is worth mentioning among her works the auto sacramental El divino Narciso and the comedy Los empeños de una casa.

Gardens

[edit]
Main article: Baroque garden

The Baroque garden, also known as the jardin à la française or French formal garden, first appeared in Rome in the 16th century, and then most famously in France in the 17th century in the gardens of Vaux le Vicomte and the Palace of Versailles. Baroque gardens were built by Kings and princes in Germany, the Netherlands, Austria, Spain, Poland, Italy and Russia until the mid-18th century, when they began to be remade into by the more natural English landscape garden.

The purpose of the baroque garden was to illustrate the power of man over nature, and the glory of its builder, Baroque gardens were laid out in geometric patterns, like the rooms of a house. They were usually best seen from the outside and looking down, either from a château or terrace. The elements of a baroque garden included parterres of flower beds or low hedges trimmed into ornate Baroque designs, and straight lanes and alleys of gravel which divided and crisscrossed the garden. Terraces, ramps, staircases and cascades were placed where there were differences of elevation, and provided viewing points. Circular or rectangular ponds or basins of water were the settings for fountains and statues. Bosquets or carefully trimmed groves or lines of identical trees, gave the appearance of walls of greenery and were backdrops for statues. On the edges, the gardens usually had pavilions, orangeries and other structures where visitors could take shelter from the sun or rain.[157]

Baroque gardens required enormous numbers of gardeners, continual trimming, and abundant water. In the later part of the Baroque period, the formal elements began to be replaced with more natural features, including winding paths, groves of varied trees left to grow untrimmed; rustic architecture and picturesque structures, such as Roman temples or Chinese pagodas, as well as "secret gardens" on the edges of the main garden, filled with greenery, where visitors could read or have quiet conversations. By the mid-18th century most of the Baroque gardens were partially or entirely transformed into variations of the English landscape garden.[157]

Besides Versailles and Vaux-le-Vicomte, celebrated baroque gardens still retaining much of their original appearance include the Royal Palace of Caserta near Naples; Nymphenburg Palace and Augustusburg and Falkenlust Palaces, Brühl in Germany; Het Loo Palace, Netherlands; the Belvedere Palace in Vienna; Royal Palace of La Granja de San Ildefonso, Spain; and Peterhof Palace in St. Petersburg, Russia.[157]

Urban planning and design

[edit]

16th through 19th century European cities witnessed a large change in urban design and planning principals that reshaped the landscapes and built environment. Rome, Paris, and other major cities were transformed to accommodate growing populations through improvements in housing, transportation, and public services. Throughout this time, the Baroque style was in full swing, and the influences of elaborate, dramatic, and artistic architectural styles extended into the urban fabric through what is known as Baroque urban planning. The experience of living and walking in the cities aims to complement the emotions of the Baroque style. This style of planning often embraced displaying the wealth and strength of the ruling powers, and the important buildings served as the visual and symbolic center of the cities.[158]

St. Peter's Square is located directly in front of St. Peter's Basilica in Vatican City.

The replanning of the city of Rome under the rule of Pope Sixtus V revived and expanded the city in the 16th century. Many grand piazzas and squares were added as public spaces to contribute to the dramatic effect of the Baroque style. The piazzas featured fountains and other decorative features to embody the emotions of the time. An important factor in Baroque style planning was to connect churches, government structures, and piazzas together in a refined network of axis'. This allowed the important landmarks of the Catholic Church to become the focal points of the city. [159]

As another example of Baroque urban planning, Paris was in desperate need for an urban revival in the 19th century. The city underwent a dramatic change within its urban fabric through the help of Baron Haussmann. Under the rule of Napoleon III, Haussmann was appointed to reconstruct Paris by adding a new network of streets, parks, trains, and public services. Some of the characteristics of Haussmann's design include straight, wide boulevards lined with trees, and short access to parks and green spaces. [160] The plan highlights some important buildings, such as the Paris Opera House.

Aerial view of Barcelona

More characteristics of Baroque urban planning are embodied in Barcelona. The Eixample district, designed by Ildefons Cerdà, showcases wide avenues in a grid system with a few diagonal boulevards. The intersections are unique with octagonal blocks, which provide the streets with great visibility and light. [161] Many works in this district come from architect Antoni Gaudí, who displays a unique style. Centered in the Eixample district design is the Sagrada Família by Gaudí, which poses great significance to the city.

Posterity

[edit]

Transition to rococo

[edit]
Основная статья: Рококо
Смотрите также: стиль Людовика XV.

Рококо является заключительной стадией барокко, и во многих отношениях фундаментальные качества барокко — иллюзия и драма — доведены до их логических крайностей. Начавшись во Франции как реакция на тяжелое барочное величие двора Людовика XIV в Версальском дворце , движение рококо стало ассоциироваться, в частности, с могущественной мадам де Помпадур (1721–1764), любовницей нового короля Людовика XV. (1710–1774). Из-за этого стиль также был известен как Помпадур . Хотя он тесно связан с правлением Людовика XV, он не появился в этот период. Множество работ последних лет правления Людовика XIV являются примерами раннего рококо. Название механизма происходит от французского rocaille , что означает «камень», и относится к камням и ракушкам, украшающим интерьеры пещер, поскольку подобные формы раковин стали общей чертой дизайна рококо. Он начался как стиль дизайна и декоративного искусства и характеризовался элегантными плавными формами. За ней последовала архитектура, а затем живопись и скульптура. Французский художник, с которым чаще всего ассоциируется термин рококо, — Жан-Антуан Ватто , чьи пасторальные сцены, или галантные праздники , доминируют в начале 18 века.

Между рококо и барокко есть множество сходств. Оба стиля настаивают на монументальных формах и поэтому используют непрерывные пространства, двойные колонны или пилястры и роскошные материалы (включая позолоченные элементы). Есть и заметные различия. Проекты рококо освободились от приверженности симметрии, которая доминировала в архитектуре и дизайне со времен Возрождения . Многие мелкие предметы, такие как чернильницы или фарфоровые фигурки, а также некоторые украшения часто бывают асимметричными. Это идет рука об руку с тем фактом, что большая часть орнаментов состояла из интерпретации листвы и морских раковин, а не из такого количества классических орнаментов, унаследованных от эпохи Возрождения, как в барокко. Еще одним ключевым отличием является тот факт, что, поскольку барокко является основным культурным проявлением духа Контрреформации , оно чаще всего связано с церковной архитектурой. Напротив, рококо в основном ассоциируется с дворцами и бытовой архитектурой. В Париже популярность рококо совпала с появлением салона как нового типа общественных собраний, места проведения которого часто оформлялись в этом стиле. Комнаты в стиле рококо обычно были меньше, чем их аналоги в стиле барокко, что отражало движение к домашней интимности. [167] Цвета также соответствуют этому изменению: от землистых тонов картин Караваджо и интерьеров из красного мрамора и позолоченных оправ времен Людовика XIV до пастельных и непринужденных бледно-голубых, розовых Помпадура и белых времен Людовика XV и белых. Франция мадам де Помпадур. Подобно цветам, в живописи и скульптуре произошел переход от серьезных, драматических и моралистических сюжетов к беззаботным и радостным темам.

Последнее различие между барокко и рококо – это интерес, который аристократы 18-го века проявляли к Восточной Азии . Шинуазри — это стиль в изобразительном искусстве, архитектуре и дизайне, популярный в 18 веке, который был в значительной степени вдохновлен китайским искусством, но в то же время и рококо. Поскольку путешествие в Китай или другие страны Дальнего Востока в то время было трудным и поэтому оставалось загадкой для большинства жителей Запада, европейское воображение питалось восприятием Азии как места богатства и роскоши, и, следовательно, покровители, от императоров до купцов, соперничали друг с другом в украшая свои жилища азиатскими товарами и оформляя их в азиатском стиле. Там, где азиатские предметы было трудно достать, европейские мастера и художники выступили, чтобы удовлетворить спрос, создав смесь форм рококо и азиатских фигур, мотивов и техник. Помимо европейских воссозданий предметов в восточноазиатском стиле, китайская лаковая посуда использовалась повторно по-разному. Европейские аристократы полностью украсили несколько помещений дворцов китайскими лаковыми панелями, использовавшимися в качестве стеновых панелей. Благодаря своему внешнему виду черный лак был популярен в западных мужских исследованиях. Используемые панели обычно были глянцевыми и черными, изготовленными в Провинция Хэнань Китая. Они были сделаны из нескольких слоев лака, а затем на них были вырезаны мотивы, наполненные цветом и золотом. китайские, а также японские лаковые Некоторые европейские плотники XVIII века также использовали панели для изготовления мебели. Для производства азиатские ширмы были демонтированы и использованы для облицовки мебели европейского производства.

Осуждение и академическое открытие

[ редактировать ]

Пионер немецкого искусства и археолог Иоганн Иоахим Винкельман также осудил стиль барокко и высоко оценил высшие ценности классического искусства и архитектуры. К 19 веку барокко стало объектом насмешек и критики. Критик-неоклассик Франческо Милиция писал: «Борроминини в архитектуре, Бернини в скульптуре, Пьетро да Кортона в живописи... являются чумой хорошего вкуса, заразившей большое количество художников». [168] В XIX веке критика пошла еще дальше; Британский критик Джон Раскин заявил, что скульптура в стиле барокко не только плоха, но и морально испорчена. [168]

Историк искусства швейцарского происхождения Генрих Вёльфлин (1864–1945) начал реабилитацию слова «барокко» в своей работе «Ренессанс и барокко» (1888); Вельфлин определил барокко как «движение, импортированное в массы», искусство, противоположное искусству Возрождения. Он не проводил различий между маньеризмом и барокко, как это делают современные писатели, и игнорировал более позднюю фазу, академическое барокко, которое продолжалось до 18 века. Искусство и архитектура барокко вошли в моду в межвоенный период и в значительной степени остались в фаворе критиков. Термин «барокко» до сих пор может использоваться, часто уничижительно, для описания произведений искусства, ремесел или дизайна, которые, как считается, имеют чрезмерный орнамент или сложность линий. [169] В то же время «барокко» стало общепринятым термином для обозначения различных направлений в римском искусстве и римской архитектуре 2-го и 3-го веков нашей эры, которые демонстрируют некоторые из тех же характеристик, что и более позднее барокко. [ нужна ссылка ]

Возрождения и влияние через эклектизм

[ редактировать ]

подвергающееся резкой критике, барокко позже стало источником вдохновения для художников, архитекторов и дизайнеров 19 века благодаря романтизму , движению, которое развилось в 18 веке и достигло своего пика в 19 веке. Он характеризовался акцентом на эмоции и индивидуализм , а также прославлением прошлого и природы, предпочитая средневековье классическому. Сочетание литературных, религиозных и политических факторов побудило британских архитекторов и дизайнеров конца XVIII и XIX веков обратиться за вдохновением к Средневековью. Романтизм является причиной того, что XIX век наиболее известен как век возрождения . [175] Во Франции романтизм не был ключевым фактором, приведшим к возрождению готической архитектуры и дизайна. Вандализм памятников и зданий, связанных с Ancien Régime (Старым режимом), произошел во время Французской революции . В связи с этим археолог Александр Ленуар был назначен хранителем депо Пти-Огюстен, куда перевозились скульптуры, статуи и гробницы, удаленные из церквей, аббатств и монастырей. Он организовал Музей французских памятников (1795-1816) и первым возродил вкус к искусству Средневековья, которое медленно прогрессировало и расцвело четверть века спустя. [176]

Этот вкус и возрождение средневекового искусства привели к возрождению других периодов, включая барокко и рококо. Возрождение началось с тем сначала из Средневековья, затем, ближе к концу правления Луи-Филиппа I (1830-1848), из эпохи Возрождения . Вдохновение барокко и рококо было более популярно во время правления Наполеона III (1852-1870) и продолжилось позже, после падения Второй Французской империи . [177]

По сравнению с тем, как в Англии архитекторы и дизайнеры считали готику национальным стилем, рококо считалось одним из наиболее представительных движений для Франции. Французы чувствовали себя гораздо более связанными со стилями Ancien Régime и Империи Наполеона , чем со средневековым прошлым или прошлым эпохи Возрождения, хотя готическая архитектура появилась во Франции, а не в Англии.

Возрождение XIX века со временем привело к эклектике (смешению элементов разных стилей). Поскольку архитекторы часто возрождали классические стили, большинство зданий и проектов в стиле эклектики имеют особый вид. Помимо чистого возрождения, барокко также было одним из главных источников вдохновения для эклектики. и Спаренная колонна гигантский ордер — два элемента, широко используемые в барокко, часто присутствуют в такого рода зданиях XIX — начала XX веков. Эклектика не ограничивалась только архитектурой. Многие образцы стиля Второй Империи (1848-1870 гг.) содержат элементы, взятые из разных стилей. Ренессанса, Людовика XV (рококо) и Небольшая мебель того периода избежала трех наиболее распространенных исторических влияний, которые иногда сохраняются отдельно, а иногда и сочетаются: стили Людовика XVI . Возрождения и вдохновение также иногда исходили из барокко, как в случае с римейками и арабесками , имитирующими маркетри Буля , а также из других стилей, таких как готика, ренессанс или Английское регентство . [178]

Belle Époque — это период, который начался примерно в 1871–1880 годах и закончился началом Первой мировой войны в 1914 году. Он характеризовался оптимизмом, региональным миром, экономическим процветанием, колониальной экспансией, а также технологическими, научными и культурными инновациями. Эклектизм достиг своего пика в этот период с архитектурой изящных искусств . Стиль получил свое название от Школы изящных искусств в Париже, где он развивался и где учились многие из основных представителей этого стиля. Здания в этом стиле часто имеют ионические колонны с угловыми объемами (как во французском барокко), рустованный цокольный этаж, общую простоту, но с некоторыми действительно детализированными деталями, арочные двери и арку над входом, подобную арке Пти -Пале в Париже. Стиль стремился к богатству барокко через богато украшенные монументальные структуры, которые напоминали Людовика XIV Версаль . Что касается дизайна Belle Époque , то вызывала восхищение вся мебель прошлого, в том числе, возможно, вопреки ожиданиям, стиль Второй Империи (стиль продолжающегося периода), который оставался популярным до 1900 года. В 1900 году произошло гигантское перепросмотр стилей всех стран всех предшествующих периодов. Все, от китайских до испанских моделей, от буля до готики, нашло свое применение в производстве мебели, но некоторые стили ценились больше, чем другие. Высокое Средневековье Особенно ценилось и раннее Возрождение. Также предпочтение отдавалось экзотике всех мастей и буйному дизайну в стиле рококо. [179]

Возрождение и влияние барокко исчезли и исчезли с появлением ар-деко , стиля, созданного коллективными усилиями нескольких французских дизайнеров по созданию нового современного стиля примерно в 1910 году. До Первой мировой войны он был малоизвестен, но стал очень популярным в межвоенный период , будучи тесно связано с 1920-ми и 1930-ми годами. Движение представляло собой смесь множества характеристик, взятых из модернистских течений 1900-х и 1910-х годов, таких как Венский сецессион , кубизм , фовизм , примитивизм , супрематизм , конструктивизм , футуризм , де Стиль и экспрессионизм . Помимо модернизма, в ар-деко также присутствуют элементы, взятые из стилей, популярных во время Прекрасной эпохи, таких как возрождение рококо , неоклассицизм или стиль нео- Людовика XVI . Пропорции, объемы и структура архитектуры изящного искусства до Первой мировой войны присутствуют в ранних зданиях в стиле ар-деко 1910-х и 1920-х годов. Элементы, заимствованные из барокко, встречаются довольно редко, архитекторы и дизайнеры отдают предпочтение стилю Людовика XVI.

В конце межвоенного периода, с ростом популярности международного стиля , характеризующегося полным отсутствием каких-либо украшений, это привело к полному отказу от влияния и возрождению барокко. Многие архитекторы и дизайнеры международного стиля, а также художники- модернисты критиковали барокко за его экстравагантность и то, что они считали «излишеством». По иронии судьбы, это произошло как раз в то же время, когда резко возродилась критическая оценка оригинального барокко.

Постмодернистская оценка и реинтерпретации

[ редактировать ]

Признание барокко вновь появилось с появлением постмодернизма , движения, которое поставило под сомнение модернизм ( статус-кво после Второй мировой войны) и которое способствовало включению элементов исторических стилей в новые проекты, а также оценке домодернистского прошлого.

См. также

[ редактировать ]

Примечания

[ редактировать ]
  1. ^ «О периоде барокко — Музыка барокко» . www.baroque.org . Проверено 26 октября 2022 г.
  2. ^ Jump up to: а б Исцели, Бриджит (1 декабря 2011 г.). « Лучше папист, чем кальвинист»: искусство и идентичность в поздней лютеранской Германии» . Немецкая история . 29 (4). Немецкое историческое общество: 584–609. дои : 10.1093/gerhis/ghr066 .
  3. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 153, 154, 156.
  4. ^ «Происхождение слова БАРОККО» . Этимологический словарь .
  5. ^ «БАРОККО: Этимология БАРОККО» . Национальный центр текстовых и лексических ресурсов . эмпр. в порту. барроко «гранитная скала» и «неправильная жемчужина», засвидетельствовано отд. XIII и с. в форме барокко ( Inquisitiones , стр. 99, Portugaliae Monumenta Historica , 1856 кв. в Маха.), ориг. обс., проб. доримский из-за суффа. -ǒccu очень широко распространён на территории Пиренейского полуострова.
  6. ^ «Барокко» . Британская энциклопедия . Том. 3 (11-е изд.). 1911.
  7. ^ Jump up to: а б Роберт Хадсон Винсент, Винсент, Роберт Хадсон (сентябрь 2019 г.). «Барокко: Логика английской поэтики барокко» . Ежеквартальный журнал «Современный язык» . 80 (3): 233–259. дои : 10.1215/00267929-7569598 . S2CID   202373825 .
  8. ^ Jump up to: а б «БАРОККО: Этимология БАРОККО» . Национальный центр текстовых и лексических ресурсов . Проверено 4 января 2019 г.
  9. ^ Майкл Мир, Французский ренессанс и драма в стиле барокко: текст, спектакль, теория , Rowman & Littlefield, 2015, ISBN   1-61149-549-0
  10. ^ «Говорят только о жемчуге очень несовершенной округлости». Словарь Французской академии (1694 г.). Архивировано 8 июня 2020 г. в Wayback Machine.
  11. ^ Блюто, Рафаэль (1728). Словарь португальского и латиноамериканского языков . Том. 2. п. 58. Архивировано из оригинала 2 января 2019 года . Проверено 1 января 2019 г.
  12. ^ «Барокко» . Интернет-этимологический словарь . Проверено 31 декабря 2018 г. Но Кляйн предполагает, что это имя могло быть от имени итальянского художника Федерико Бароччи (1528–1612), чьи работы повлияли на стиль.
  13. ^ Клод В. Палиска, «Барокко». Словарь музыки и музыкантов New Grove , второе издание, под редакцией Стэнли Сэди и Джона Тиррелла (Лондон: Macmillan Publishers, 2001).
  14. ^ «Также говорят в переносном смысле, означая неправильный, причудливый, неровный». Словарь Французской академии (1762 г.). Архивировано 28 декабря 2019 г. в Wayback Machine.
  15. ^ Jump up to: а б Энциклопедия ; Письмо о французской музыке под руководством Дени Дидро.
  16. ^ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique , Архитектура , том 1, цитируется Б. Мильорини, Manierismo, baròcco, rococo , Rome, 1962, p. 46
  17. ^ «Сборник словарей d'autrefois для публичного доступа» . artflsrv03.uchicago.edu . Архивировано из оригинала 21 августа 2020 года . Проверено 2 января 2019 г.
  18. ^ Буркхардт, Джейкоб (1855). Цицерон: руководство по наслаждению произведениями искусства Италии . Швайгхаузер. п. 356. OCLC   315796790 .
  19. ^ Хопкинс, Оуэн, Les Styles en Architecture (2014), стр. 70.
  20. ^ Денизо, Жерар (2018). Прогулка по истории искусств (на румынском языке). плохой стр. 117. ISBN  978-606-006-149-6 .
  21. ^ Хьюз, Дж. Квентин (1953). Влияние итальянского маньеризма на мальтийскую архитектуру. Архивировано 14 марта 2017 года в Wayback Machine . Мелитенсиават . Проверено 8 июля 2016 г., стр. 104–110.
  22. ^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, Искусство Гарднера сквозь века (Бельмонт, Калифорния: Thomson/Wadsworth , 2005), стр. 516.
  23. ^ Исцели, Бриджит (20 февраля 2018 г.). «Реформация и лютеранское барокко» . Издательство Оксфордского университета . Проверено 1 мая 2018 г. Однако труды теологов лишь до определенной степени могут продвинуться в объяснении эволюции конфессионального сознания и формирования религиозной идентичности. Лютеранская привязанность к религиозным образам была результатом не только осторожного одобрения их использования самим Лютером, но также и особого религиозного и политического контекста, в котором разворачивалась его Реформация. После смерти реформатора в 1546 году вопрос имиджа снова стал предметом ожесточенных споров. Но по мере распространения кальвинизма с его иконоборческими тенденциями немецкие лютеране отреагировали на это, подтвердив свою приверженность правильному использованию религиозных образов. В 1615 году лютеране Берлина даже взбунтовались, когда их правители-кальвинисты удалили изображения из городского собора.
  24. ^ Дючер, стр. 102
  25. ^ Jump up to: а б Дюшер (1988), с. 106–107
  26. ^ Дючер (1988), стр. 102
  27. ^ Jump up to: а б с Бейли 2012 , стр. 211.
  28. ^ Ходж 2019 , с. 29.
  29. ^ Бэйли 2012 , стр. 213.
  30. ^ Хопкинс 2014 , с. 73.
  31. ^ Кабанн (1988), стр. 12
  32. ^ Дючер (1988)
  33. ^ Jump up to: а б Дюшер (1988), с. 104.
  34. ^ Кабанн (1988), стр. 15
  35. ^ Кабанн (1988), страницы 18–19.
  36. ^ 1000 архитектурных чудес (на румынском языке). Издательство Аквила. 2009. стр. 190. ISBN.  978-973-714-450-8 .
  37. ^ Бэйли 2012 , стр. 12.
  38. ^ Кабанн (1988), стр. 48–49.
  39. ^ Jump up to: а б с Кабанн (1988), стр. 48–51
  40. ^ Кабанн (1988), стр. 63
  41. ^ 1000 архитектурных чудес (на румынском языке). Издательство Аквила. 2009. стр. 208. ISBN.  978-973-714-450-8 .
  42. ^ Бэйли 2012 , с. 216.
  43. ^ Бэйли 2012 , стр. 188.
  44. ^ Jump up to: а б Джонс 2014 , с. 230.
  45. ^ Хопкинс 2014 , с. 77.
  46. ^ Бэйли 2012 , стр. 231.
  47. ^ Jump up to: а б Дючер (2014) , с. 92.
  48. ^ Кабанн (1988), стр. 89–94.
  49. ^ «Колонна Сигизмунда III Вазы в Варшаве» . Культура.пл . Проверено 24 июня 2019 г.
  50. ^ "ВИЛАНОВ ПАЛАС" . www.anothertravelguide.com . Проверено 24 июня 2019 г.
  51. ^ «Тильман ц Гамерен — архитектор Варшавы: поляк по выбору, голландец по происхождению —» . КОДАРТ . Проверено 24 июня 2019 г.
  52. ^ «Архитектура Священной Римской империи» .
  53. ^ Дючер (1988), стр. 104–105.
  54. ^ Хопкинс 2014 , с. 85.
  55. ^ Шарман, Рут (2022). Ив Сен-Лоран и искусство . Темза и Гудзон. п. 147. ИСБН  978-0-500-02544-4 .
  56. ^ Хопкинс 2014 , с. 86.
  57. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 39.
  58. ^ Ларбодьер, Жан-Марк (2015). Архитектура Парижа от истоков до наших дней (на французском языке). Массин. п. 73. ИСБН  978-2-7072-0915-3 .
  59. ^ Бэйли 2012 , стр. 238.
  60. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 31.
  61. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 21.
  62. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 18.
  63. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 15.
  64. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 37.
  65. ^ Кабанн (1988), стр. 25–32.
  66. ^ Джонс 2014 , с. 223.
  67. ^ Хопкинс 2014 , с. 84, 85.
  68. ^ Кабанн (1988), стр. 28–33.
  69. ^ Бэйли 2012 , с. 269.
  70. ^ Бэйли 2012 , с. 245.
  71. ^ ван Леммен, Ганс (2013). 5000 лет плитки . Издательство Британского музея. п. 129. ИСБН  978-0-7141-5099-4 .
  72. ^ Бэйли 2012 , с. 246.
  73. ^ «Эпоха барокко в Португалии» . www.nga.gov .
  74. ^ «Характеристика наземной архитектуры» . Архивировано из оригинала 8 августа 2014 года . Проверено 3 февраля 2020 г. .
  75. ^ Бери, Дж. Б. (1956). «Позднее барокко и рококо в Северной Португалии». Журнал Общества историков архитектуры . 15 (3): 7–15. дои : 10.2307/987760 . JSTOR   987760 .
  76. ^ «Экскурсия по барокко Браги» . Попробуйте Брагу . 30 августа 2017 г.
  77. ^ «Новости – Северное региональное управление культуры» . www.культуранорте.gov.pt . Архивировано из оригинала 3 февраля 2020 года . Проверено 3 февраля 2020 г. .
  78. ^ Центр, Всемирное наследие ЮНЕСКО. «Исторический центр Порту, мост Луиса I и монастырь Серра-ду-Пилар» . Центр всемирного наследия ЮНЕСКО .
  79. ^ «Архитектура и барокко» . www.torredosclerigos.pt .
  80. ^ «Церковь Св. Жуана Ново» . www.upt.pt. ​
  81. ^ «ДГПК | Общие исследования» . www.patrimoniocultural.gov.pt .
  82. ^ «ДГПК | Общие исследования» . www.patrimoniocultural.gov.pt .
  83. ^ Бэйли 2012 , с. 360.
  84. ^ Бэйли 2012 , с. 354.
  85. ^ Бэйли 2012 , с. 358.
  86. ^ Уильям Крафт Брумфилд (1993). «Глава восьмая: Основы барокко в Санкт-Петербурге». История русской архитектуры . Кембридж: Издательство Кембриджского университета. ISBN  978-0-521-40333-7 .
  87. ^ Коннер Горри (2018). 100 мест на Кубе, которые должна посетить каждая женщина . Рассказы путешественников. ISBN  978-1609521301 .
  88. ^ «Иглесия де Санто-Доминго» . Веб-сайт Министерства туризма Чили (на испанском языке). Архивировано из оригинала 21 января 2016 года.
  89. ^ Хопкинс 2014 , с. 83.
  90. ^ Фред С. Кляйнер (2010). Искусство Гарднера сквозь века: западная перспектива . Том. 2 (Пятнадцать изд.). Бостон: Сенгадж . п. 608. ИСБН  978-1-305-64505-9 .
  91. ^ Елена Фиппс; Джоанна Хехт; Кристина Эстерас Мартин (2004). Колониальные Анды: гобелены и изделия из серебра, 1530–1830 гг . Нью-Йорк: Метрополитен-музей . п. 106. ИСБН  030010491X .
  92. ^ Сантьяго Себастьян Лопес (1990). Иберо-американское барокко. Иконографическое послание . Мадрид: Encuentro Editions. п. 241. ИСБН  9788474902495 .
  93. ^ Ананда Коэн Суарес (май 2016 г.). «Живопись за рамкой: религиозные фрески колониального Перу» . МАВКОР Йельского университета .
  94. ^ Томас да Коста Кауфманн (1999). «12 / Восток и Запад: иезуитское искусство и художники в Центральной Европе и центральноевропейское искусство в Америке» . У Джона В. О'Мэлли; Говен Александр Бейли; Стивен Дж. Харрис; Т. Фрэнк Кеннеди (ред.). Иезуиты: культура, наука и искусство, 1540–1773, Том 1 . Университет Торонто Пресс. стр. 274–304. ISBN  978-0-8020-4287-3 .
  95. ^ Говен Александр Бейли (1999). Искусство о миссиях иезуитов в Азии и Латинской Америке, 1542–1773 гг . Университет Торонто Пресс. стр. 4–10. ISBN  978-0-8020-8507-8 .
  96. ^ Хосе Мария Аскарате Ристори; Альфонсо Эмилио Перес Санчес; Хуан Антонио Рамирес Домингес (1983). «История искусства» .
  97. ^ Ларус (1990). ЭНЦИКЛОПЕДИЧЕСКИЙ СЛОВАРЬ ЛАРУСА. 12 ТОМОС . Барселона: Редакция «Планета».
  98. ^ Бэйли 2012 , стр. 226.
  99. ^ Бэйли 2012 , стр. 378.
  100. ^ Флоря, Василе (2016). Румынское искусство от истоков до наших дней (на румынском языке). Письмо. стр. 243. ISBN  978-606-33-1053-9 .
  101. ^ Celac, Carabela & Marcu-Lapadat 2017 , стр. 216.
  102. ^ Джордж Опреску (1985). Руководство по истории искусств - Барокко (на румынском языке). Издательство «Меридиан». С. 233, 234, 235, 236, 237, 238.
  103. ^ Ходж 2017 , с. 23.
  104. ^ Фортенберри 2017 , с. 246.
  105. ^ Фортенберри 2017 , с. 244.
  106. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 150. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  107. ^ Фортенберри 2017 , с. 243.
  108. ^ Фортенберри 2017 , с. 256.
  109. ^ Фортенберри 2017 , с. 262.
  110. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 425. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  111. ^ Моррилл, Ребекка (2019). Великие женщины-художницы . Файдон. п. 304. ИСБН  978-0-7148-7877-5 .
  112. ^ Пратер и Бауэр, Картина барокко (1997), стр. 11
  113. ^ Пратер и Бауэр, Картина барокко (1997), стр. 3–15
  114. ^ Пратер и Бауэр, Картина барокко (1997), стр. 12
  115. ^ «Элементы стиля барокко». В книге «Искусство и гуманитарные науки сквозь эпохи » под редакцией Эдварда И. Блейберга, Джеймса Аллана Эванса, Кристен Мосслер Фигг, Филипа М. Сёргела и Джона Блока Фридмана, 466–470. Том. 5, Эпоха барокко и Просвещения 1600–1800 гг. Детройт, Мичиган: Гейл, 2005.
  116. ^ Дючер (1988), страницы 108–109.
  117. ^ Кабанн (1988), стр. 102–104
  118. ^ Фортенберри 2017 , с. 252.
  119. ^ «Слава верхом на Пегасе» . Collections.louvre.fr . 1698 . Проверено 14 апреля 2022 г.
  120. ^ Баучер (1998) , с. 146.
  121. ^ Баучер (1998) , с. 16.
  122. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 44. ИСБН  978-1-84484-899-7 .
  123. ^ «Парижский кабинет 17 века» . musees-strasbourg.skin-web.org . Проверено 13 сентября 2023 г.
  124. ^ «Пирсовый стол» . Институт искусств Чикаго .
  125. ^ Жакмар, Альберт (2012). Декоративное искусство . Паркстоун. п. 70. ИСБН  978-1-84484-899-7 .
  126. ^ Бэйли 2012 , с. 287.
  127. ^ «Наклонная стойка регистрации» . Институт искусств Чикаго .
  128. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 168.
  129. ^ Старлинг, Неага (1970). Стили в декоративном искусстве (на румынском языке). идет поиск стр. 176 и 177.
  130. ^ Jump up to: а б Рено и Лазе, Стили архитектуры и мебели (2006), стр. 59
  131. ^ Jump up to: а б Палиска 2001 .
  132. ^ Сакс, Курт (1919). Музыка барокко [ Музыка барокко ]. Ежегодник Музыкальной библиотеки Петерса (на немецком языке). Том 26. Лейпциг: Издание Петерса. стр. 7–15.
  133. ^ Jump up to: а б Белый (2005) , стр. 152–54.
  134. ^ Эрлих, Кирилл (1990). Фортепиано: История . Издательство Оксфордского университета , США; Переработанное издание. ISBN  0-19-816171-9 .
  135. ^ Пауэрс, Венди (октябрь 2003 г.). «Фортепиано: Фортепиано Бартоломео Кристофори (1655–1731)» . Хайльбрунн. Хронология истории искусств . Нью-Йорк: Метрополитен-музей . Проверено 27 января 2014 г.
  136. ^ Исаков (2012) , с. 23.
  137. ^ Генрих Вельфлин, Возрождение и барокко (Мюнхен: Ф. Брукманн, 1888); на английском языке, Ренессанс и Барокко , пер. Кэтрин Саймон (Итака: издательство Корнельского университета, 1964).
  138. ^ Сом, Филип (1991). Питтореско. Марко Боскини, его критики и их критика живописной живописи в Италии семнадцатого и восемнадцатого веков . Издательство Кембриджского университета. п. 126. ИСБН  9780521382564 .
  139. ^ «Театры и постановки в стиле барокко» . Британская энциклопедия . Проверено 14 ноября 2019 г.
  140. ^ Гонсалес Мас (1980) , стр. 107-1. 1–2
  141. ^ Гонсалес Мас (1980) , с. 8.
  142. ^ Гонсалес Мас (1980) , с. 13.
  143. ^ Гонсалес Мас (1980) , с. 91.
  144. ^ Лопе де Вега, 2010, Комедии: Средство от несчастья. Лучший мэр Эль Рей, стр. 446–447
  145. ^ Амадей-Пулис (1990) , с. 6.
  146. ^ Уилсон, Эдвард М.; Мойр, Дункан (1992). История испанской литературы: Сигло Де Оро: Театр (1492–1700). Редакция Ариэль, стр. 155–158
  147. ^ Амадей-Пулис (1990) , стр. 26–27.
  148. ^ Молина Хименес, Мария Белен (2008). Музыкальный театр Кальдерона де ла Барка: Текстовый анализ. ЭДИТУМ, с. 56
  149. ^ Амадей-Пулис (1990) , стр. 6–9.
  150. ^ Кан, Эндрю; Липовецкий, Марк ; Рейфман, Ирина; Сэндлер, Стефани (2018). История русской литературы . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. стр. 153–157. ISBN  9780199663941 .
  151. ^ Jump up to: а б с д Майя Рамос Смит; Консепсьон Реверте Берналь; Мерседес де лос Рейес Пенья (1996). Америка и испанский театр Золотого века II Иберо-американский театральный конгресс - Третья презентация: Актеры и труппы Америки в эпоху вице-короля . Кадис: Служба публикаций Кадисского университета. стр. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN.  84-7786-536-1 .
  152. ↑ По словам самого драматурга, он родился в Мехико в 1580 или 1581 году. Однако в Таско было найдено свидетельство о крещении от 30 декабря 1572 года, принадлежащее мальчику по имени Хуан, сыну Педро Руиса де Аларкона и Леоноры. де Мендоса, родители поэта. Несмотря на заявления Аларкона, большинство критиков считают Таско его местом рождения. См. Лола Хоса, Хуан Руис де Аларкон и новое искусство понимания комедии , Мадрид, Международная ассоциация латиноамериканцев, 2008, стр. 7–14.
  153. ^ Бэйли 2012 , стр. 328.
  154. ^ Бэйли 2012 , стр. 332.
  155. ^ Бэйли 2012 , стр. 334.
  156. ^ Бэйли 2012 , стр. 336.
  157. ^ Jump up to: а б с Клюкерт, Эренфрид (2015). «Сады в стиле барокко». Искусство барокко – Архитектура-Скульптура-Живопись . Кельн: HF Ulmann. стр. 152–160. ISBN  978-3-8480-0856-8 . (французский перевод с немецкого)
  158. ^ Коэн, Гэри Б.; Сабо, Франц AJ (31 декабря 2022 г.), «ВВЕДЕНИЕ: Воплощения власти: строительство городов в стиле барокко в Австрии и Европе» , Embodiments of Power , Berghahn Books, стр. 1–8, doi : 10.1515/9780857450500-004 , ISBN  978-0-85745-050-0 , получено 1 декабря 2023 г.
  159. ^ Мур544. «Барочная перепланировка Рима» . {{cite journal}}: Для цитирования журнала требуется |journal= ( помощь ) CS1 maint: числовые имена: список авторов ( ссылка )
  160. ^ Выезд, Эми. За фасадом: османизация в Париже как трансформация... , Университет Теннесси, Ноксвилл, апрель 2016 г., track.tennessee.edu/cgi/viewcontent.cgi?article=1321&context=pursuit.
  161. ^ Бауселлс, Марта (1 апреля 2016 г.). «История городов № 13: нелюбимый планировщик Барселоны изобретает науку «урбанизации» » . Хранитель . ISSN   0261-3077 . Проверено 1 декабря 2023 г.
  162. ^ Мартин, Генри (1927). Le Style Louis XIV (на французском языке). Фламмарион. п. 38.
  163. ^ Ходж 2019 , с. 95.
  164. ^ Хопкинс 2014 , с. 94.
  165. ^ Здоровый 2019 , стр. 104.
  166. ^ Здоровый 2019 , с. 99, 100.
  167. ^ Хопкинс 2014 , с. 294.
  168. ^ Jump up to: а б Баучер (1998) , с. 9.
  169. ^ asisbiz.com (27 января 2020 г.). «Статья и фотографии Asisbiz на улице Чжуншань, 3, Шанхай, Китай» . асисбиз . Проверено 24 октября 2022 г.
  170. ^ «Большая консоль с центральной проекцией» . Collections.louvre.fr . Проверено 20 сентября 2023 г.
  171. ^ Бреск-Ботье, Женевьева (2008). Лувр, история дворца . Издания Лувра. п. 136. ИСБН  978-2-7572-0177-0 .
  172. ^ «Канделябр с одиннадцатью лампочками» . Collections.louvre.fr . Проверено 20 сентября 2023 г.
  173. ^ Jump up to: а б Джонс 2014 , с. 296.
  174. ^ Джонс 2014 , с. 294.
  175. ^ Книга по архитектуре: большие идеи просто объяснены . ДК. 2023. с. 164. ИСБН  978-0-2414-1503-0 .
  176. ^ М. Жаллют, К. Невиль (1966). История декоративных стилей (на французском языке). Ларусс. п. 37.
  177. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 128, 141.
  178. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 141, 143.
  179. ^ Сильви, Шадене (2001). Французская мебель • От Людовика XIII до ар-деко . Литтл, Браун и компания. п. 157.
  180. ^ Хопкинс 2014 , с. 203.
  181. ^ Георгий, Роза (2010). 17 век - Столетия искусства . плохой стр. 76. ISBN  978-606-8251-30-1 .
  182. ^ Хопкинс, Оуэн (2020). Постмодернистская архитектура: меньше – это скучно . Файдон. п. 198. ИСБН  978-0-7148-7812-6 .
  183. ^ Ходж 2019 , с. 102.
  184. ^ Хопкинс, Оуэн (2020). Постмодернистская архитектура: меньше – это скучно . Файдон. п. 57. ИСБН  978-0-7148-7812-6 .
  185. ^ «Дом, Херенграхт 120, 1015 BT в Амстердаме» . Monumentenregister.culturalelerfgoed.nl . Проверено 22 сентября 2023 г.

Источники

[ редактировать ]
  • Амадей-Пулис, Мария Алисия (1990). Кальдерон и барокко: возвышение и обман чувств . Монографии Университета Пердью на романских языках (на итальянском языке). Том 31. Амстердам; Филадельфия: Издательство Джона Бенджамина. ISBN  978-9-02-721747-9 .
  • Бейли, Говен Александр (2012). Барокко и Рококо . Файдон. ISBN  978-0-7148-5742-8 .
  • Белый, Люсьен (2005). Людовик XIV – Величайший король в мире (на французском языке). Издания Жан-Поль Жиссеро. ISBN  978-2-87-747772-7 .
  • Баучер, Брюс (1998). Итальянская скульптура в стиле барокко . Мир искусства. Темза и Гудзон. ISBN  0-500-20307-5 .
  • Кабанн, Пьер (1988). Классическое искусство и барокко (на французском языке). Париж: Ларусс. ISBN  978-2-03-583324-2 .
  • Кауза, Рафаэлло, L'Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (на французском языке) Hachcette, Париж ISBN   2-86535-036-3
  • Селак, Мариана; Карабела, Октавиан; Марку-Лападат, Мариус (2017). Архитектура Бухареста — аннотированный путеводитель . Орден Архитекторов Румынии. ISBN  978-973-0-23884-6 .
  • Дюшер, Роберт (1988). Характеристика стилей . Париж: Фламмарион. ISBN  2-08-011539-1 .
  • Дюшер, Роберт (2014). Характеристика стилей .
  • Гарднер, Хелен, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия. 2005. Искусство Гарднера сквозь века , 12-е издание. Бельмонт, Калифорния: Томсон/Уодсворт . ISBN   978-0-15-505090-7 (твердый переплет)
  • Фортенберри, Дайан (2017). Художественный музей (переработанная ред.). Лондон: Phaidon Press. ISBN  978-0-7148-7502-6 .
  • Гонсалес Мас, Эсекьель (1980). История испанской литературы: (17 век). Барокко , Том 3 . Редакция УПР.
  • Ходж, Сьюзи (2017). Краткая история искусства . Издательство Лоуренса Кинга. ISBN  978-1-78067-968-6 .
  • Ходж, Сьюзи (2019). Краткая история архитектуры . Издательство Лоуренса Кинга. ISBN  978-1-7862-7370-3 .
  • Хопкинс, Оуэн (2014). Архитектурные стили: наглядное руководство . Лоуренс Кинг. ISBN  978-178067-163-5 .
  • Исаков, Стюарт (2012). Естественная история фортепиано: инструмент, музыка, музыканты – от Моцарта до современного джаза и всего, что между ними . Издательство Кнопф Даблдей.
  • Джонс, Денна, изд. (2014). Архитектура: вся история . Лондон: Темза и Гудзон. ISBN  978-0-500-29148-1 .
  • Палиска, Клод В. (2001). "Барокко". В Стэнли Сэди (ред.). Словарь музыки и музыкантов New Grove . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета. ISBN  9781561592630 .
  • Пратер, Андреас и Бауэр, Герман, La Peinture du baroque (1997), (на французском языке), Ташен, Париж ISBN   3-8228-8365-4
  • Сунд, июль (2019 г.). Экзотика: фетиш для иностранцев . Файдон. ISBN  978-0-7148-7637-5 .
  • Тазартес, Мауриция, Фонтен де Рим , (2004), (на французском языке) Цитадели, Париж ISBN   2-85088-200-3

Дальнейшее чтение

[ редактировать ]
  • Андерсен, Лизелотта. 1969. Искусство барокко и рококо , Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс. ISBN   978-0-8109-8027-3
  • Бэйли, Говен Александр . 2012. Барокко и рококо , Лондон: Phaidon Press. ISBN   978-0-7148-5742-8
  • Базен, Жермен , 1964. Барокко и рококо . Серия Praeger «Мир искусства». Нью-Йорк: Прегер. (Первоначально опубликовано на французском языке под названием Classique, baroque et rococo . Париж: Larousse. Английское издание переиздано под названием Baroque and Rococo Art , Нью-Йорк: Praeger, 1974)
  • Буси-Глюксманн, Кристина . 1994. Разум барокко: эстетика современности . Мудрец.
  • Бейли, Говен; Лантье, Лилиан, «Барокко» (2003), Grove Art Online , Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. Проверено 30 марта 2021 г. (требуется подписка)
  • Хиллз, Хелен (ред.). 2011. Переосмысление барокко . Фарнем, Суррей; Берлингтон, Вирджиния: Эшгейт. ISBN   978-0-7546-6685-1 .
  • Хофер, Филип. 1951. Книжная иллюстрация в стиле барокко: краткий обзор. Издательство Гарвардского университета, Кембридж.
  • Ортола, Поликарп, 2013, Эстетика гемотафономии: стилистические параллели между наукой, литературой и изобразительным искусством . Сан-Висент-дель-Распейг : ECU. ISBN   978-84-9948-991-9 .
  • Китсон, Майкл . 1966. Эпоха барокко . Достопримечательности мирового искусства. Лондон: Хэмлин; Нью-Йорк: МакГроу-Хилл.
  • Ламберт, Грегг , 2004. Возвращение барокко в современную культуру . Континуум. ISBN   978-0-8264-6648-8 .
  • Мартин, Джон Руперт . 1977. Барокко . Иконные издания. Нью-Йорк: Харпер и Роу. ISBN   0-06-435332-X (ткань); ISBN   0-06-430077-3 (пбк.)
  • Палиска, Клод В. (1991) [1961]. Музыка Барокко . Прентис Холл История музыки (3-е изд.). Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл. ISBN  0-13-058496-7 . OCLC   318382784 .
  • Ригль, Алоис (2010). Хопкинс, Эндрю (ред.). Истоки искусства барокко в Риме (Тексты и документы) . Исследовательский институт Гетти. ISBN  978-1-6060-6041-4 .
  • Вёльфлин, Генрих (1964) [Первоначально опубликовано на немецком языке, 1888 г.]. Ренессанс и барокко . Перевод Саймона, Кэтрин. Коллинз. ISBN  0-00-217349-2 .
  • Вюймен, Жан-Клод , 2013. Эпистема барокко: слово и вещь . Германн. ISBN   978-2-7056-8448-8 .
  • Уэйкфилд, Стив. 2004. Художественная литература Карпентье в стиле барокко: возвращение взгляда Медузы . Коллекция Темзы. Серия A, Монографии 208. Рочестер, Нью-Йорк: Тамесис. ISBN   1-85566-107-1 .
  • Массимо Колелья, Разлука и разговор. Интертекстуальные обзоры вокруг Кира Перса в «Ксении. Ежеквартальный журнал литературы и культуры» (Генуя), IV, 1, 2019, стр. 11-37.
  • Массимо Колелья, Савойское барокко между меценатством и риторикой. Мария Джованна Баттиста ди Савойя Немур и Королевская литературная академия Турина , с предисловием Марии Луизы Дольо, 1563 г. Фонд искусства и культуры Компании Сан-Паоло, Турин («Высокие исследования эпохи и культуры барокко», IV-1), 2019.
  • Массимо Колелья, Seicento сатира: «Il Viaggio» Антонио Абати (с критическим изданием в приложении) , в «La parole del testo», XXVI, 1–2, 2022, стр. 77-100.
[ редактировать ]
Викискладе есть медиафайлы, связанные с искусством барокко .

]

Retrieved from "https://en.wikipedia.org/w/index.php?title=Baroque&oldid=1238210595"
Arc.Ask3.Ru: конец переведенного документа.
Arc.Ask3.Ru
Номер скриншота №: 0a78f6b129a9ed72e2428bad3c284c19__1722610680
URL1:https://arc.ask3.ru/arc/aa/0a/19/0a78f6b129a9ed72e2428bad3c284c19.html
Заголовок, (Title) документа по адресу, URL1:
Baroque - Wikipedia
Данный printscreen веб страницы (снимок веб страницы, скриншот веб страницы), визуально-программная копия документа расположенного по адресу URL1 и сохраненная в файл, имеет: квалифицированную, усовершенствованную (подтверждены: метки времени, валидность сертификата), открепленную ЭЦП (приложена к данному файлу), что может быть использовано для подтверждения содержания и факта существования документа в этот момент времени. Права на данный скриншот принадлежат администрации Ask3.ru, использование в качестве доказательства только с письменного разрешения правообладателя скриншота. Администрация Ask3.ru не несет ответственности за информацию размещенную на данном скриншоте. Права на прочие зарегистрированные элементы любого права, изображенные на снимках принадлежат их владельцам. Качество перевода предоставляется как есть. Любые претензии, иски не могут быть предъявлены. Если вы не согласны с любым пунктом перечисленным выше, вы не можете использовать данный сайт и информация размещенную на нем (сайте/странице), немедленно покиньте данный сайт. В случае нарушения любого пункта перечисленного выше, штраф 55! (Пятьдесят пять факториал, Денежную единицу (имеющую самостоятельную стоимость) можете выбрать самостоятельно, выплаичвается товарами в течение 7 дней с момента нарушения.)