История живописи

Лубанг Джериджи Салех Пещера в Калимантане , Индонезия , содержит одну из старейших известных фигуративных картин — изображение быка возрастом 40 000 лет.

Доярка Иоганна Вермеера , ок. 1657 г.

История живописи уходит корнями в прошлое, к артефактам и произведениям искусства, созданным доисторическими художниками, и охватывает все культуры. Он представляет собой непрерывную, хотя и периодически прерываемую, традицию античности. В разных культурах, на разных континентах и на протяжении тысячелетий история живописи представляет собой непрекращающуюся реку творчества, которая продолжается и в 21 веке. ^{[ 1 ]} До начала 20 века он опирался в первую очередь на репрезентативные , религиозные и классические мотивы, после чего более чисто абстрактные и концептуальные предпочтение получили подходы.

Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи , в целом, на несколько столетий раньше. ^{[ 2 ]} Африканское искусство , еврейское искусство , исламское искусство , индонезийское искусство , индийское искусство , ^{[ 3 ]} Китайское искусство и японское искусство ^{[ 4 ]} каждый оказал значительное влияние на западное искусство, и наоборот. ^{[ 5 ]}

Первоначально служившая утилитарным целям, а затем имперскому, частному, гражданскому и религиозному покровительству, восточная и западная живопись позже нашла аудиторию среди аристократии и среднего класса. От Нового времени средневековья до и эпохи Возрождения художники работали на церковь и богатую аристократию. ^{[ 6 ]} Начиная с эпохи барокко художники получали частные заказы от более образованного и зажиточного среднего класса. ^{[ 7 ]} Наконец на Западе появилась идея « искусства ради искусства ». ^{[ 8 ]} начал находить выражение в творчестве таких художников- романтиков , как Франсиско де Гойя , Джон Констебль и Дж. М. У. Тернер . ^{[ 9 ]} В 19 веке возникла коммерческая художественная галерея , которая оказала покровительство в 20 веке. ^{[ 10 ]}

Предыстория

Самым старым известным картинам возрастом около 40 000 лет, они найдены как во Франко-Кантабрийском регионе в Западной Европе, так и в пещерах района Марос ( Сулавеси , Индонезия ). Самый древний вид наскальной живописи — это ручные трафареты и простые геометрические фигуры; Самые старые бесспорные образцы фигуративной наскальной живописи несколько моложе, около 35 000 лет. ^{[ 11 ]} В ноябре 2018 года ученые сообщили об обнаружении древнейшей на тот момент известной фигуративной картины неизвестного животного возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео ( Калимантан ). ). ^{[ 12 ]}^{[ 13 ]} Однако в декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карсте Марош-Пангкеп в Сулавеси, оценивались еще старше, по меньшей мере, в 43 900 лет. Находка была отмечена как «старейшая иллюстрированная запись повествования и самое раннее изобразительное произведение искусства в мире». ^{[ 14 ]}^{[ 15 ]} А совсем недавно, в 2021 году, сообщалось о наскальном изображении свиньи, найденном на индонезийском острове и датируемом более 45 500 лет назад. ^{[ 16 ]} есть Примеры наскальной живописи по всему миру — в Индонезии, Франции, Индии, Испании, Южной Африке , Китае, Австралии и т. д.

Высказывались различные предположения относительно значения, которое эти картины имели для людей, создавших их. Доисторические художники, возможно, рисовали животных, чтобы «поймать» их душу или дух и облегчить охоту на них, или картины могут представлять собой анимистическое видение и дань уважения окружающей природе . Они могут быть результатом базовой потребности в выражении, присущей человеку, или же они могли быть предназначены для передачи практической информации.

Скальные убежища Бхимбетки , наскальная живопись , каменный век , Индия
Ласко , Лошадь
Эланд , наскальная живопись , Дракенсберг , Южная Африка
Ласко , Быки и лошади
Испанская наскальная живопись быков
Петроглифы из Швеции, скандинавский бронзовый век (окрашенные)
Ласко , Зубр ( Bos primigenius primigenius )
Пиктограммы из Большой галереи, Национальный парк Каньонлендс, Каньон Подкова , Юта , ок. 1500 г. до н.э.
Куэва-де-лас-Манос (по-испански «Пещера рук») в провинции Санта-Крус в Аргентине, ок. 7300 г. до н.э.
Гвион Наскальные рисунки Гвиона, найденные в северо-западном регионе Кимберли в Западной Австралии ок. 15000 г. до н.э. ^{[ 17 ]}

Во времена палеолита изображение человека на наскальных рисунках было редкостью. В основном рисовались животные, не только животные, которые использовались в пищу, но и животные, олицетворявшие силу, такие как носороги или крупные кошачьи , как в пещере Шове. Иногда рисовались знаки в виде точек. Редкие человеческие изображения включают отпечатки ладоней и трафареты, а также фигуры, изображающие человека и животных гибриды . Пещера Шове в департаменте Ардеш во Франции содержит наиболее важные сохранившиеся наскальные рисунки эпохи палеолита, написанные около 31 000 г. до н.э. Наскальные рисунки Альтамиры в Испании были созданы между 14 000 и 12 000 годами до нашей эры и изображают, среди прочего, бизонов . Зал быков в Ласко , Дордонь, Франция, является одним из самых известных наскальных рисунков и датируется примерно 15 000–10 000 годами до нашей эры.

Есть ли смысл у картин, он остается неизвестным. Пещеры не находились в жилой зоне, поэтому, возможно, использовались для сезонных ритуалов. Животные сопровождаются знаками, предполагающими возможное магическое использование. Стрелкообразные символы в Ласко иногда интерпретируются как используемые в качестве календарей или альманахов , но доказательства остаются неубедительными. ^{[ 18 ]} Самым важным произведением эпохи мезолита были марширующие воины , наскальная живопись в Сингл-де-ла-Мола, Кастельон , Испания, датированная примерно 7000–4000 годами до нашей эры. Используемая техника, вероятно, заключалась в выплевании или выдувании пигментов на камень. Картины достаточно натуралистичны, хотя и стилизованы. Фигуры не трехмерны, хотя и перекрываются.

Самыми ранними известными индийскими рисунками были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы , найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка , а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Подобные работы продолжались, и через несколько тысячелетий, в VII веке, резные колонны Аджанты , штат Махараштра, представляют собой прекрасный образец индийской живописи. Цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Восточный

Фрески, изображающие придворную жизнь в гробнице Сюй Сяньсю, династия Северная Ци , 571 год нашей эры, расположенная в Тайюане , Шаньси , Китай. провинция

*Картина на шелке с изображением человека верхом на драконе* , роспись на шелке , датированная V – III веками до нашей эры, периодом Воюющих царств , из гробницы Зиданку № 1. 1 в Чанше , Хунань провинция

История восточной живописи включает в себя широкий спектр влияний различных культур и религий. Развитие восточной живописи исторически аналогично развитию западной живописи , в целом на несколько столетий раньше. ^{[ 2 ]} Африканское искусство , еврейское искусство , исламское искусство , индонезийское искусство , индийское искусство , ^{[ 19 ]} Китайское искусство , корейское искусство и японское искусство. ^{[ 4 ]} каждый оказал значительное влияние на западное искусство, и наоборот. ^{[ 5 ]}

Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. Самые ранние картины были не репрезентативными, а декоративными; они состояли из узоров или рисунков, а не из изображений. Раннюю керамику рисовали спиралями, зигзагами, точками или животными. Лишь в период Воюющих царств (403–221 гг. до н. э.) художники начали изображать окружающий мир. Японская живопись — одно из старейших и наиболее изысканных японских искусств , охватывающее большое разнообразие жанров и стилей. История японской живописи — это долгая история синтеза и конкуренции между исконной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей. Корейская живопись, как самостоятельная форма, возникла около 108 г. до н. э., примерно после падения Кочосона , что делает ее одной из старейших в мире. Произведения искусства того периода превратились в различные стили, которые характеризовали период Троецарствия Кореи , в первую очередь картины и фрески, украшающие гробницы Когурё королевской семьи . В период Троецарствия и на протяжении При династии Корё корейская живопись характеризовалась прежде всего сочетанием корейских пейзажей, черт лица, буддистской тематики и акцентом на наблюдениях за небом, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии.

Восточноазиатский

См. также Китайская живопись , Японская живопись , Корейская живопись .

Лаковая штате картина из гробницы Цзинмэнь (кит. 荊門楚墓; пиньинь: Цзинмэнь чо му) в Чу запряженной двумя лошадьми. (704–223 до н. э.), изображающая мужчин, едущих в колеснице,
Фрагмент фрески, изображающей китайского философа Конфуция , из гробницы Западной Хань (202 г. до н.э. – 9 г. н.э.) в уезде Дунпин , провинция Шаньдун.
Китаянка, фреска из гробницы Западной Хань (202 г. до н.э. - 9 г. н.э.) в Сиане (древний Чанъань ), провинция Шэньси.
Картины на плитке с изображением духов-хранителей в китайских одеждах времен династии Хань (202 г. до н.э. – 220 г. н.э.)
«Джентльмены в беседе» , гробница, датируемая династией Восточная Хань (25–220 гг. н.э.).
Лаковая корзина из командования Леланга с изображением сидящих мужчин, династия Восточная Хань (25-220 гг. н.э.)
Женщины-придворные, фреска из гробницы Восточной Хань (25-220 гг. н. э.) в Чжэнчжоу , провинция Хэнань.
Женщины-придворные, фреска из гробницы Восточной Хань (25-220 гг. н. э.) в Чжэнчжоу , провинция Хэнань.
Мужская фигура из лаковой росписи по дереву, период Северной Вэй , V век нашей эры.
Буддийское искусство расписных рельефных скульптур из гротов Юнган , династия Северная Вэй (386-535 гг. н.э.)
Император Сунь Цюань в « Свитке тринадцати императоров» и «Учёные Северной Ци, сопоставляющие классические тексты» , автор Янь Либэнь (ок. 600–673 гг. н. э.), китайский
«Восемьдесят семь небожителей», картина У Даоцзы (685–758), династия Тан , китайский язык.
Портрет Сияющей Ночи Белой работы Хань Ганя , VIII век, династия Тан , китаец
Весенняя прогулка при дворе Тан , картина Чжан Сюань , 8 век, династия Тан , китайский язык.
Слуга , 8 век, династия Тан , китаец
Дамы, делающие шелк , ремейк оригинала Чжан Сюаня VIII века, написанного императором Сун Хуэйцзуном , начало XII века, китайский язык.
Иллюстрированная сутра периода Нара , VIII век, японский язык.
Дамы, играющие в двойные шестерки , автор Чжоу Фан (730–800 гг. н.э.), династия Тан , китайский язык.
Дворцовый концерт , династия Тан , Китай.
Реки Сяо и Сян , автор Дун Юань (ок. 934–962 гг. Н.э.), китайский язык.
«Ночные пирушки» — времен династии Сун , написанного в 10 веке ремейк романа Гу Хунчжуна .
Придворный портрет императора Шэньцзуна Сун (годы правления 1067–1085), китайский
Золотой фазан и хлопковая роза , работа императора Хуэйцзуна из Сун (годы правления 1100–1126 гг.), Китай.
Слушая Гуцинь , император Сун Хуэйцзун (1100–1126 гг. н.э.), китайский
Играющие дети , Су Хан Чен, ок. 1150, китайский
XII века. Китайский, анонимный художник династии Сун
Портрет дзэн- буддиста Учжуня Шифаня , 1238 год нашей эры, китаец
Ма Линь , 1246 год нашей эры, китаец.
Человек и его лошадь на ветру , Чжао Мэнфу (1254–1322 гг.), Китайский.
Сюкей-сансуи (Осенний пейзаж), Сэссю Тойо (1420–1506), японец.
Кано Масанобу XV века , основатель школы Кано , Чжоу Маошу, ценящий лотосы , японец
Каннон в белых одеждах, Бодхисаттва Сострадания , картина Кано Мотонобу (1476–1559), японец.
Йи Ам (1499–?), Мать-Собака , 15 век, Национальный музей Кореи.
Тан Инь , Рыбак осенью , (1523), китаец
Корабли Наньбан, прибывающие для торговли в Японию , 16 век, японцы.
Экранная картина, изображающая людей, играющих в Го , работы Кано Эйтоку (1543–1590), японец.
Правая панель экрана «Сосновые деревья» ( Shōrin-zu byōbu , экран «Сосновые деревья» ) работы Хасегавы Тохаку (1539–1610), японский.
Свиток с каллиграфией Бодхидхармы : «Дзен указывает прямо на человеческое сердце, загляни в свою природу и стань Буддой», Хакуин Экаку (1686–1769), японский
Подвесной свиток 1672 г., Кано Таню (1602–1674), японец.
Пионы , автор Юн Шоупин (1633–1690), китаец.
Гэндзи Моногатари , Тоса Мицуоки (1617–1691), японец.
Вид на Кымган , Чон Сон (1676–1759), 1734 г., корейский
Ике-но Тайга (1723–1776), Рыба весной , японский язык.
Школа Маруяма , Сосна, Бамбук, Слива , шестистворчатая ширма, Маруяма Окё (1733–1795), японский.
Кот и бабочка , Ким Хон До (1745–?), 18 век, корейский.
Поездка на лодке , Син Юнбок (1758–?), 1805, корейский.
Школа Римпа , Осенние цветы и луна , Сакаи Хоицу (1761–1828), японский
Тануки (енотовидная собака) как чайник, картина Кацусика Хокусай (1760–1849), японец.
Дом среди абрикосовых деревьев , Чо Хи Рён (1797–1859), кореец
Кацусика Хокусай , Дракон дыма, убегающий с горы Фудзи , японский
Миягава Иссё , укиё-э без названия, японский язык картина
Томиока Тессай (1837–1924), Нихонга стиль , Танцы двух божеств , 1924, японский.

Китай, Япония и Корея имеют сильные традиции живописи, которые также тесно связаны с искусством каллиграфии и гравюры (настолько, что их обычно называют живописью). Для традиционной живописи Дальнего Востока характерны водные техники, меньший реализм, «элегантные» и стилизованные сюжеты, графический подход к изображению, важность белого пространства (или негативного пространства ) и предпочтение пейзажа (вместо человеческой фигуры) как предмет. Помимо чернил и цвета на шелковых или бумажных свитках, золото на лаке также было распространенным материалом в живописи восточноазиатских произведений искусства. Хотя в прошлом шелк был довольно дорогим материалом для рисования, изобретение бумаги в I веке нашей эры ханьским придворным евнухом Цай Лунем обеспечило не только дешевый и широко распространенный материал для письма, но также дешевый и широко распространенный материал для живописи. (что делает его более доступным для общественности).

Идеологии конфуцианства , даосизма и буддизма сыграли важную роль в восточноазиатском искусстве. Художники средневековой династии Сун , такие как Линь Тинггуй и его «Отмывание Луоханя». ^{[ 20 ]} (размещенный в Смитсоновской галерее искусств Фрира ) XII века являются прекрасными примерами буддийских идей, слитых с классическим китайским искусством. На последней картине на шелке (изображение и описание представлены по ссылке) лысый буддист Луохан изображен в практической обстановке, стирающей белье у реки. Тем не менее, сама картина визуально ошеломляет: Луохань изображен с богатой детализацией и яркими, непрозрачными цветами в отличие от туманной, коричневой и мягкой лесной среды. Кроме того, верхушки деревьев окутаны клубящимся туманом, создавая обычное «негативное пространство», упомянутое выше в восточноазиатском искусстве.

В японизме конца 19-го века, постимпрессионисты такие как Ван Гог и Анри де Тулуз-Лотрек , и тоналисты , такие как Джеймс Макнил Уистлер начала 19-го века, укиё-э , восхищались японскими художниками такими как Хокусай (1760–1849) и Хиросигэ (1797–1797). 1858) и находились под их влиянием.

Панорама вдоль реки во время фестиваля Цин Мин , римейк 18-го века оригинала династии Сун 12-го века китайского художника Чжан Цзэдуаня . Оригинальная картина Чжана почитается учёными как «один из величайших шедевров китайской цивилизации». ^{[ 21 ]} Примечание: прокрутка начинается справа.

китайский

Самые ранние сохранившиеся образцы китайских живописных произведений искусства относятся к периоду Воюющих царств (481–221 гг. До н.э.): картины на шелке или фрески гробниц на камнях, кирпиче или камне. Часто они имели упрощенный стилизованный формат и имели более или менее элементарные геометрические узоры. На них часто изображались мифологические существа, домашние сцены, сцены труда или дворцовые сцены, наполненные придворными чиновниками. Произведения искусства в этот период и последующих династий Цинь (221–207 до н. э.) и Хань (202 до н. э. – 220 н. э.) создавались не как средство само по себе или для более высокого личного самовыражения; скорее произведения искусства были созданы, чтобы символизировать и чтить погребальные обряды, изображения мифологических божеств или духов предков и т. д. Картины на шелке с изображением придворных чиновников и бытовых сцен можно было найти во времена династии Хань, наряду со сценами мужчин, охотящихся верхом на лошадях или принимающих участие в военный парад. Была также роспись трехмерных произведений искусства, таких как фигурки и статуи, например, оригинальные цвета, покрывающие статуи солдат и лошадей. Терракотовая армия . В социальном и культурном климате древней восточной династии Цзинь (316–420 гг. н.э.), базирующейся в Нанкине на юге, живопись стала одним из официальных занятий конфуцианских чиновников и аристократов (наряду с музыкой, исполняемой на цитре гуцинь , написание причудливой каллиграфии , написание и чтение стихов). Живопись стала распространенной формой художественного самовыражения, и в этот период художники при дворе или в элитных социальных кругах оценивались и оценивались своими сверстниками.

Становление классической китайской пейзажной живописи во многом приписывают художнику Восточная Цзинь династии Гу Кайчжи (344–406 гг. н.э.), одному из самых известных художников в истории Китая. Подобно удлиненным сценам свитков Кайчжи, династии Тан (618–907 гг. Н.э.) китайские художники, такие как У Даози, рисовали яркие и очень подробные произведения искусства на длинных горизонтальных свитках (которые были очень популярны во времена Тан), например, его «Восемьдесят семь небесных людей» . Живописные произведения периода Тан отражали эффекты идеализированной ландшафтной среды с редким количеством объектов, людей или активности, а также были монохромными по своей природе (пример: фрески гробницы принца Иде в мавзолее Цяньлин). Были также такие личности, как художник ранней эпохи Тан Чжан Цзыцянь , написавший превосходные пейзажные картины, которые значительно опередили его время в изображении реализма. Однако большего уровня зрелости и реализма ландшафтное искусство достигло лишь во времена Пяти династий и Десяти королевств. период (907–960 гг. н. э.). В это время появились выдающиеся художники-пейзажисты, такие как Дун Юань (пример его работ см. в этой статье), а также те, кто рисовал более яркие и реалистичные изображения домашних сцен, такие как Гу Хунчжун и его «Ночные пиры Хань Сизая ».

Во времена китайской династии Сун (960–1279 гг. н.э.) не только пейзажное искусство было усовершенствовано, но и портретная живопись стала более стандартизированной и сложной, чем раньше (например, обратитесь к императору Хуэйцзуну из Сун ), и достигла своей классической возрастной зрелости во время китайской династии Сун (960–1279 гг. н.э.). Династия Мин (1368–1644 гг. Н.э.). В конце 13-го века и первой половине 14-го века китайцам при монголами контролируемой династии Юань не разрешалось занимать высшие государственные посты (зарезервированные для монголов или других этнических групп из Центральной Азии), а императорские экзамены были прекращены для в настоящее время. Многие китайцы, получившие конфуцианское образование, которым теперь не хватало профессии, вместо этого обратились к искусству живописи и театра, поскольку период Юань стал одной из самых ярких и богатых эпох для китайского искусства. Примером может служить Цянь Сюань (1235–1305 гг. н.э.), который был чиновником династии Сун, но из патриотизма отказался служить двору Юань и посвятил себя живописи. Примеры превосходного искусства этого периода включают богатые и детально расписанные фрески дворца Юнлэ, ^{[ 22 ]}^{[ 23 ]} или «Дворец долголетия Дачуньянг», построенный в 1262 году нашей эры, объект Всемирного наследия ЮНЕСКО . Внутри дворца картины занимают площадь более 1000 квадратных метров и в основном посвящены даосской тематике. Именно во времена династии Сун художники также собирались в общественных клубах или на собраниях, чтобы обсудить свое искусство или работы других, похвала которых часто приводила к убеждениям торговать и продавать драгоценные произведения искусства. Однако было также много резких критиков чужого искусства, показывающих разницу в стиле и вкусе разных художников. В 1088 году нашей эры учёный-эрудит и государственный деятель Шэнь Го однажды написал о работах некоего Ли Чэна , которого он раскритиковал следующим образом:

...Тогда был Ли Чэн, который, изображая павильоны и домики среди гор, многоэтажные здания, пагоды и тому подобное, всегда рисовал карнизы , как видно снизу. Его идея заключалась в том, что «нужно смотреть снизу вверх, точно так же, как человек, стоящий на ровной земле и смотрящий вверх на карниз пагоды, может видеть ее стропила и консольные стропила карниза». Это все неправильно. В общем, правильный способ нарисовать пейзаж — это увидеть маленькое с точки зрения большого… точно так же, как смотрят на искусственные горы в садах (когда гуляют). Если применить (метод Ли) к изображению реальных гор, глядя на них снизу, то можно увидеть только один профиль за раз, а не богатство их многочисленных склонов и профилей, не говоря уже обо всем происходящем. в долинах и каньонах , в переулках и во дворах со своими жилищами и домами. Если бы мы стояли к востоку от горы, ее западные части оказались бы на исчезающей границе дальнего расстояния, и наоборот. Неужели это нельзя было назвать удачной картиной? Г-н Ли не понимал принципа «видеть малое с точки зрения большого». Он, конечно, великолепно умел точно уменьшать высоты и расстояния, но стоит ли придавать такое значение углам и углам зданий? ^{[ 24 ]}

Хотя высокий уровень стилизации, мистическая привлекательность и сюрреалистическая элегантность часто предпочитались реализму (например, в стиле шань-шуй ), начиная со средневековой династии Сун, тогда и позже было много китайских художников, которые изображали сцены природы, которые были ярко реальными. Художники более поздней династии Мин после этой династии Сун будут делать упор на сложные детали и реализм объектов природы, особенно в изображениях животных (таких как утки, лебеди, воробьи, тигры и т. д.) среди пятен ярких цветов и зарослей кисти. и дерево (хорошим примером может служить анонимная картина династии Мин « Птицы и цветки сливы» , ^{[ 25 ]} хранится в галерее Фрира Смитсоновского музея в Вашингтоне, округ Колумбия). Было много известных художников династии Мин; Цю Ин является прекрасным примером выдающегося художника эпохи Мин (известного даже в свое время), использующего в своих работах домашние сцены, суетливые дворцовые сцены и природные сцены речных долин и крутых гор, окутанных туманом и клубящимися облаками. Во времена династии Мин также существовали разные и конкурирующие школы искусства, связанные с живописью, такие как школа У и школа Чжэ .

Классическая китайская живопись продолжалась и в раннюю современную династию Цин , с очень реалистичными портретными картинами, как это было в поздней династии Мин в начале 17 века. Портреты императора Канси , императора Юнчжэна и императора Цяньлуна являются прекрасными образцами реалистической китайской портретной живописи. В период правления Цяньлуна и в продолжающемся XIX веке стили живописи европейского барокко оказали заметное влияние на китайские портретные картины, особенно с нарисованными визуальными эффектами освещения и теней. Точно так же восточноазиатские картины и другие произведения искусства (например, фарфор и лаковые изделия) высоко ценились в Европе с момента первого контакта в 16 веке.

Китайские картины маслом

Западные техники масляной живописи начали проникать в Китай в 19 веке и стали преобладать среди китайских художников и студентов-художников в начале 20 века, что совпало с растущим взаимодействием Китая с Западом. Такие художники, как Ли Тьефу , Хун И , Сюй Бэйхун , Ян Вэньлян , Линь Фэнмянь , Фан Ганминь , Пан Юлян уехали за границу, преимущественно в Париж и Токио, чтобы изучать западное искусство. Благодаря им в Китае росли и процветали такие художественные движения, как импрессионизм , кубизм , фовизм , постимпрессионизм , остановленные только Второй мировой войной и рождением Китайской Народной Республики, когда модернистские художественные стили считались несовместимыми с преобладающие политические идеалы и реализм были единственной приемлемой художественной формой. Тем не менее, наследие тесного взаимодействия с западным искусством начала 20 века сохранилось. Картины маслом сохранились как важный материал в китайских художественных сценах; В результате были изменены традиционные китайские рисунки тушью.

Портрет мадам Лю , (1942) Ли Тьефу, холст, масло
Портрет Кан Ювэя (1904) Ли Тьефу, холст, масло
Портрет госпожи Чэн (1941), картон, масло Сюй Бэйхун

японский

Японская живопись (絵画) — одно из старейших и наиболее изысканных японских искусств, охватывающее большое разнообразие жанров и стилей. Как и японское искусство в целом, японская живопись развивалась в результате долгой истории синтеза и конкуренции между родной японской эстетикой и адаптацией импортированных идей. Укиё-э , или «картины парящего мира», — это жанр японских гравюр на дереве (или « гравюр на дереве ») и картин, созданных между 17 и 20 веками, с мотивами пейзажей, театра и куртизанских кварталов. Это основной художественный жанр японской гравюры на дереве . Японская гравюра, особенно периода Эдо , оказала огромное влияние на французскую живопись XIX века. В то время как в 19 веке японские художники разработали новую технику живописи, называемую йогой , которая во многом заимствовала западные техники и материалы живописи, такие известные художники включают Харада Наодзиро , Фудзисима Такэдзи и Курода Сэйки .

корейский

Корейская живопись, как самостоятельная форма, возникла около 108 г. до н. э., примерно после падения Кочосона , что делает ее одной из старейших в мире. Произведения искусства того периода превратились в различные стили, которые характеризовали период Троецарствия Кореи , в первую очередь картины и фрески, украшающие гробницы Когурё королевской семьи . В период Троецарствия и во времена династии Корё корейская живопись характеризовалась прежде всего сочетанием пейзажей в корейском стиле, черт лица, буддийских тем и акцентом на наблюдениях за небесами, чему способствовало быстрое развитие корейской астрономии. Лишь во времена династии Чосон конфуцианские темы начали укореняться в корейских картинах, используемых в гармонии с местными аспектами.

История корейской живописи характеризуется использованием монохромных работ черной кистью, часто на шелковой бумаге или шелке. Этот стиль проявляется в «Мин-Хва», или красочном народном искусстве, росписях гробниц, ритуальном и праздничном искусстве, оба из которых включают широкое использование цвета.

Южная Азия

Танцующие плавающие фигуры , фреска ок. 850.
Моголы , Акбар принимает Хан Килан , губернатор Нагаура , в 1570 году, Акбарнама
Деканская живопись ; молодой Ибрагим Адил Шах II занимается разносом, ок. 1590 г.
Моголы , борьба Юдиштхиры с Карной, 1598 год.
Могол Нилгай , 1625–1650 гг.
Император Шах Джахан и сыновья, ок. 1628 г. или позже. В портретах Великих Моголов обычно используются виды в профиль.
Дама, слушающая музыку, ок. 1750.
Картина Бахсоли, изображающая беседующие Радху и Кришну, ок. 1730.
Деканская живопись , Султан Ибрагим Адиль Шах II из Биджапура , ок. 1590. Вид в три четверти, который производит мощное и живое впечатление от натурщика, несмотря на отсутствие как могольской точности, так и очень связного моделирования поверхностей.
Могольский портрет раджи Джагата Сингха из Нурпура (годы правления 1618–1646 гг.), Вероятно, 1619 г.
Картина Пахари , Чамба , ок. 1665 г., воин садится на лошадь.
Портрет Говардхана Чанда, стиль живописи Пахари , ок. 1750.
Картина Кангра , ок. 1775 год: Кришна играет на флейте перед гопи.
Равана убивает Джатхаю; пленница Сита в отчаянии, автор Раджа Рави Варма
Акбар и Тансен посещают Харидаса во Вриндаване , в стиле Раджастхана , ок. 1750.
Кришна, вызывающий коров, картина Пахари , Биласпур , 18 век
Мужчина с детьми, стиль живописи Пахари , 1760 год.
Фирменный стиль , 1770-е, Багровый Рогатый Фазан ( Сатир Трагапан )
Радха арестовывает Кришну , живописи Пахари , 1770 год. стиль
Рама и Сита в лесу , живописи Пахари , 1780 год. стиль
Поздняя живопись Кангры , 1815/1825, Рама , Лакшмана и Сита.
Поздняя раджпутская живопись , Кота , ок. 1830-е годы, Рам Сингх II Охота на тигра.

Индийский

Скальные убежища Бхимбетки , наскальная живопись , каменный век , Индия

Индийские картины исторически вращались вокруг религиозных божеств и королей. Индийское искусство — собирательный термин для нескольких различных школ искусства, существовавших на Индийском субконтиненте . Картины варьировались от больших фресок Аджанты до замысловатых миниатюрных картин Великих Моголов и украшенных металлом произведений школы Танджора . Картины из Гандхара - Таксилы созданы под влиянием персидских произведений запада. Восточный стиль живописи в основном развивался вокруг Наланда художественной школы . Работы в основном вдохновлены различными сценами из индийской мифологии .

История

Самыми ранними индийскими рисунками были наскальные рисунки доисторических времен, петроглифы , найденные в таких местах, как скальные убежища Бхимбетка , а некоторые из них старше 5500 г. до н.э. Такие работы продолжались, и через несколько тысячелетий, в VII веке, резные колонны Аджанты , штат Махараштра, представляют собой прекрасный образец индийской живописи, а цвета, в основном различные оттенки красного и оранжевого, были получены из минералов.

Пещеры Аджанта в Махараштре, Индия, представляют собой высеченные в скалах пещерные памятники, датируемые II веком до нашей эры и содержащие картины и скульптуры, которые считаются шедеврами буддийского религиозного искусства. ^{[ 27 ]} и универсальное изобразительное искусство. ^{[ 28 ]}

Картина Мадхубани

Живопись Мадхубани — это стиль индийской живописи, практикуемый в регионе Митхила штата Бихар, Индия. Истоки живописи Мадхубани окутаны древностью.

Могол

Живопись Великих Моголов — особый стиль индийской живописи , обычно ограничивающийся иллюстрациями к книгам и выполненными в миниатюрах, который возник, развился и оформился в период Империи Великих Моголов 16–19 веков.

Раджпут

Раджпутская живопись развивалась и процветала в 18 веке при королевских дворах Раджпутаны , Индия. В каждом королевстве раджпутов развился особый стиль, но с некоторыми общими чертами. Картины раджпутов изображают ряд тем, события таких эпосов, как Рамаяна и Махабхарата, жизнь Кришны, красивые пейзажи и людей. Миниатюры были предпочтительным средством живописи раджпутов, но некоторые рукописи также содержат картины раджпутов, и картины были даже сделаны на стенах дворцов, внутренних покоях фортов, хавели, особенно хавели Шеквайта.

Использовались цвета, извлеченные из определенных минералов, растительных источников, раковин и даже полученных путем обработки драгоценных камней, золота и серебра. Подготовка желаемых цветов была длительным процессом, иногда занимавшим недели. Используемые кисти были очень хорошими.

Танджор

Танджорская живопись — важная форма классической южноиндийской живописи, родом из города Танджор в штате Тамил Наду. Этот вид искусства восходит к началу 9 века, периоду, когда доминировали правители Чола , которые поощряли искусство и литературу. Эти картины известны своей элегантностью, насыщенными цветами и вниманием к деталям. Темами большинства этих картин являются индуистские боги и богини, а также сцены из индуистской мифологии . В наше время эти картины стали очень популярным сувениром во время праздников в Южной Индии.

Процесс создания картины Танджора включает в себя множество этапов. Первый этап предполагает изготовление предварительного эскиза изображения на основе. Основа состоит из ткани, наклеенной на деревянную основу. Затем меловой порошок или оксид цинка смешивают с водорастворимым клеем и наносят на основу. Чтобы сделать основание более гладким, мягкий абразив иногда используют . После выполнения рисунка происходит декорирование украшений и одежды на изображении полудрагоценными камнями. Для украшения украшений также используются шнурки или нитки. Поверх этого наклеивается золотая фольга. Наконец, красители используются для придания цвета фигурам на картинах.

Мадрасская школа

Во время британского правления в Индии корона обнаружила, что в Мадрасе проживают одни из самых талантливых и интеллектуальных художественных умов в мире. Поскольку британцы также основали огромное поселение в Мадрасе и его окрестностях, Джорджтаун был выбран для создания института, который отвечал бы художественным ожиданиям королевской семьи в Лондоне. Это стало известно как Мадрасская школа искусств . Сначала традиционных художников нанимали для изготовления изысканной мебели, изделий из металла и сувениров, а их работы отправляли в королевские дворцы королевы.

В отличие от Бенгальской школы, где «копирование» является нормой обучения, Мадрасская школа процветает за счет «создания» новых стилей, аргументов и тенденций.

Бенгальская школа

Бенгальская школа искусств была влиятельным стилем искусства, который процветал в Индии во времена британского владычества в начале 20 века. Это было связано с индийским национализмом, но его также продвигали и поддерживали многие британские руководители сферы искусства.

Бенгальская школа возникла как авангардное и националистическое движение, реагирующее на стили академического искусства , ранее пропагандировавшиеся в Индии как индийскими художниками , такими как Раджа Рави Варма , так и в британских художественных школах. После широкого влияния индийских духовных идей на Запад, британский учитель рисования Эрнест Бинфилд Гавел попытался реформировать методы обучения в Калькуттской школе искусств , поощряя студентов подражать миниатюрам Великих Моголов . Это вызвало огромные споры, приведшие к забастовке студентов и жалобам местной прессы, в том числе националистов, которые считали это регрессивным шагом. Гавела поддержал художник Абаниндранат Тагор , племянник поэта Рабиндраната Тагора . Тагор написал ряд работ под влиянием искусства Великих Моголов, стиля, который, как он и Гавел, считали выражением особых духовных качеств Индии, в отличие от «материализма» Запада. На самой известной картине Тагора «Бхарат Мата» («Мать Индия») изображена молодая женщина с четырьмя руками в стиле индуистских божеств, держащая в руках предметы, символизирующие национальные устремления Индии. Позже Тагор попытался установить связи с японскими художниками, стремясь создать Паназиатская модель искусства.

Влияние Бенгальской школы в Индии снизилось с распространением модернистских идей в 1920-х годах. В период после обретения независимости индийские художники проявили большую адаптивность, поскольку они свободно заимствовали европейские стили и свободно объединяли их с индийскими мотивами в новых формах искусства. Хотя такие художники, как Фрэнсис Ньютон Соуза и Тайб Мехта, были более западными в своем подходе, были и другие, такие как Ганеш Пайн и Макбул Фида Хусейн, которые разработали полностью местные стили работы. Сегодня, после процесса либерализации рынка в Индии, художники все чаще оказываются на международной арт-сцене, что помогает им освоить новые формы искусства, которых до сих пор не было в Индии. Джитиш Каллат прославился в конце 1990-х годов благодаря своим картинам, которые были одновременно современными и выходили за рамки общего определения. Однако, в то время как художники Индии в новом веке пробуют новые стили, темы и метафоры, было бы невозможно получить такое быстрое признание без помощи деловых домов, которые сейчас выходят на поле искусства, как никогда раньше. .

Современный индийский

Амрита Шер-Гил — индийская художница, иногда известная как индийская Фрида Кало . ^{[ 29 ]} и сегодня считается важной женщиной-художницей Индии 20-го века, чье наследие стоит на одном уровне с наследием мастеров Бенгальского Возрождения ; ^{[ 30 ]}^{[ 31 ]} она также является «самой дорогой» женщиной-художницей Индии. ^{[ 32 ]}

Сегодня она входит в число девяти мастеров , чьи работы были объявлены сокровищами искусства археологической службой Индии в 1976 и 1979 годах. ^{[ 33 ]} и более 100 ее картин сейчас выставлены в Национальной галерее современного искусства в Нью-Дели. ^{[ 34 ]}

В колониальную эпоху западное влияние начало оказывать влияние на индийское искусство. Некоторые художники разработали стиль, который использовал западные идеи композиции, перспективы и реализма для иллюстрации индийских тем. Другие, как Джамини Рой , сознательно черпали вдохновение в народном искусстве.

Ко времени обретения независимости в 1947 году несколько художественных школ Индии предоставили доступ к современным методам и идеям. Для демонстрации этих художников были созданы галереи. Современное индийское искусство обычно демонстрирует влияние западных стилей, но часто вдохновляется индийскими темами и образами. Крупные артисты начинают получать международное признание, сначала среди индийской диаспоры, но также и среди неиндийской публики.

Группа прогрессивных художников , созданная вскоре после обретения Индией независимости в 1947 году, была призвана создать новые способы выражения Индии в постколониальную эпоху. Основателями были шесть выдающихся художников — К. Х. Ара , С. К. Бакре , Х. А. Гаде , М. Ф. Хусейн , С. Х. Раза и Ф. Н. Соуза . Хотя группа была распущена в 1956 году, она оказала глубокое влияние на изменение идиомы индийского искусства. Почти все крупные художники Индии 1950-х годов были связаны с этой группой. Некоторые из тех, кто хорошо известен сегодня, - это Бал Чабда, Маниши Дей , Мукул Дей , В.С. Гайтонде , Рам Кумар , Тайб Мехта и Акбар Падамси . Другие известные художники, такие как Джахар Дасгупта , Прокаш Кармакар, Джон Уилкинс , Нараянан Рамачандран и Биджон Чоудхури, обогатили художественную культуру Индии. Они стали иконами современного индийского искусства. Историки искусства, такие как профессор Рай Ананд Кришна, также ссылались на работы современных художников, отражающие индийский дух. Гита Вадхера получила признание за перевод на холст сложных индийских духовных тем, таких как суфийская мысль, Упанишады и Бхагавад-Гита.

Индийское искусство получило импульс благодаря экономической либерализации страны с начала 1990-х годов. Художники из разных областей теперь начали привносить разные стили работы. В постлиберальной Индии многие художники зарекомендовали себя на международном арт-рынке, например художник-абстракционист Натвар Бхавсар , художник-фигуратив Деваджьоти Рэй и скульптор Аниш Капур, чьи гигантские постминималистские произведения привлекли внимание своими огромными размерами. В США и Европе также открылось множество арт-домов и галерей для демонстрации индийских произведений искусства.

Юго-Восточная Азия

индонезийский

Самым старым известным наскальным рисункам возрастом более 44 000–50 000 лет они найдены в пещерах района Марос ( Сулавеси , Индонезия). Самый древний вид наскальной живописи — это ручные трафареты и простые геометрические фигуры; Самые старые бесспорные образцы фигуративной наскальной живописи несколько моложе, около 35 000 лет. ^{[ 11 ]}

Обнаружение древнейшей на тот момент известной картины фигуративного искусства возрастом более 40 000 (возможно, 52 000) лет, изображающей неизвестное животное, в пещере Лубанг Джериджи Салех на индонезийском острове Борнео . Однако в декабре 2019 года фигуративные наскальные рисунки, изображающие охоту на свиней в карсте Марош-Пангкеп в Сулавеси, оценивались еще старше, по меньшей мере, в 43 900 лет. Находка была отмечена как «старейшая иллюстрированная запись повествования и самое раннее изобразительное произведение искусства в мире». ^{[ 14 ]}^{[ 15 ]}

Другими примерами индонезийской живописи являются декоративное искусство Кении, основанное на местных природных мотивах, таких как папоротники и птицы-носороги, украшающие стены длинных домов Кении. Другое известное традиционное искусство — геометрическая резьба по дереву Тораджа. Балийские картины изначально представляют собой повествовательные изображения, изображающие сцены балийских легенд и религиозных сценариев. Классические балийские картины часто украшают лонтарские рукописи, а также потолки храмовых павильонов. Известные современные индонезийские художники европейской традиции включают Радена Салеха , Яна Торопа , Басуки Абдуллу и Абдуллу Суриосуброто , их темы исследуют пейзажную и портретную живопись.

Традиционная балийская картина, изображающая петушиные бои .
Захват принца Дипонегоро , 1857 год.
Яванский пейзаж с тиграми, слушающими шум путешествующей группы , 1849 год.
Колесо жизни , И Кетут Муртика (р. 1952), холст, гуашь
Палиндон до 1920 года Деталь картины Камасан , образец классической живописи в стиле Камасан.
Танцовщица в маске (автор А. А. Где Аном Сукавати) в музее Пури Лукисан.
Танцоры Легонга .
Роспись индонезийского храма .

Филиппинский

Филиппинскую живопись в целом можно рассматривать как объединение многих культурных влияний, хотя в ее нынешней форме она имеет тенденцию быть более западной с восточными корнями.

Раннюю филиппинскую живопись можно найти в рисунках из красной глины (глина, смешанная с водой), украшенных на ритуальной керамике Филиппин, такой как кувшин Манунггул . Свидетельства филиппинского гончарного дела, датированные еще 6000 годом до нашей эры, были найдены в пещере Санга-Санга, Сулу и пещере Лоренте, Кагаян. К 5000 году до нашей эры гончарное дело практиковалось по всей стране. Ранние филиппинцы начали заниматься гончарным делом раньше своих камбоджийских соседей и примерно в то же время, что и тайцы, что, по-видимому, было частью широко распространенного развития гончарных технологий в ледниковый период. Дальнейшие свидетельства живописи проявляются в традиции татуировок ранних филиппинцев, в частности висайцев, которых испанские исследователи называли Пинтадос или «Нарисованные люди». ^{[ 35 ]} Они украшали свои тела различными цветными пигментами, узорами, отсылающими к флоре, фауне и небесным светилам. Некоторые из наиболее сложных картин, созданных ранними филиппинцами и сохранившихся до наших дней, представлены в искусстве и архитектуре Маранао, которые хорошо известны драконами -нага и Сариманоками, вырезанными и нарисованными в прекрасном Панолонге их Торогана или Королевского дома. .

Филиппинцы начали создавать картины в европейских традициях в испанский период 17 века. ^{[ 36 ]} Самыми ранними из этих картин были церковные фрески и религиозные образы из библейских источников, а также гравюры, скульптуры и литографии с изображением христианских икон и представителей европейской знати. Большинство картин и скульптур 19-го и 20-го веков представляли собой смесь религиозных, политических и пейзажных произведений искусства, наполненных сладостью, тьмой и светом. Ранние художники- модернисты, такие как Дамиан Доминго, были связаны с религиозной и светской живописью. Искусство Хуана Луны и Феликса Идальго демонстрировало тенденцию к политическому заявлению. Такие художники, как Фернандо Аморсоло, использовали постмодернизм для создания картин, иллюстрирующих филиппинскую культуру, природу и гармонию. Другие художники, такие как Фернандо Зобель, использовали в своих работах реальность и абстракцию .

Хуан Луна , «Смерть Клеопатры» , 1881 г.
Хуан Луна , Сполиариум , ок. 1884 г.
Богоматерь Одиночества Порта Вага
церкви Лила Роспись потолка
Лоренцо де ла Роша Икаса, филиппинка , 1895 г.
Фабиан де ла Роса , Женщины, работающие на рисовом поле , 1902 год.
Хуан Луна , Тампухан , 1895 г.
Хосе Онорато Лосано, индейцы , 1847 г.

Западный

Египет, Греция и Рим

Древний Египет , цивилизация с очень сильными традициями архитектуры и скульптуры (и то, и другое изначально было окрашено в яркие цвета), также имел множество фресок в храмах и зданиях и рисовал иллюстрации на папирусных рукописях . Египетская настенная и декоративная живопись часто графична, иногда скорее символична, чем реалистична. Египетская живопись изображает фигуры жирными очертаниями и плоским силуэтом , в которых симметрия является постоянной характеристикой. Египетская живопись имеет тесную связь с ее письменностью – египетскими иероглифами . Нарисованные символы встречаются среди первых форм письменности. Египтяне также рисовали на полотне , остатки которого сохранились до наших дней. Древние египетские картины сохранились благодаря чрезвычайно сухому климату. Древние египтяне создавали картины, чтобы сделать загробную жизнь умершего приятным местом. Темы включали путешествие по загробному миру или их божества-защитники, знакомящие умершего с богами подземного мира. Некоторыми примерами таких картин являются изображения богов и богинь. Ра , Гор , Анубис , Нут , Осирис и Исида . На некоторых рисунках на гробницах изображены действия, которыми умершие занимались при жизни и хотели продолжать заниматься вечно. В Новом царстве и позже Книгу Мертвых хоронили вместе с погребенным человеком. Это считалось важным для знакомства с загробной жизнью.

Сеннеджем пашет свои поля на паре волов , ок. 1200 г. до н.э.
Древний Египет , Богиня Исида , настенная живопись, ок. 1360 г. до н.э.
Древний Египет , царица Нефертари
Древний Египет, папирус
Древний Египет
Древний Египет
Кносс , Минойская цивилизация , бронзового века. Крит
Панно Питса , одно из немногих сохранившихся панно из архаической Греции , ок. 540–530 до н.э.
Сцена симпозиума в гробнице водолаза в Пестуме , около 480 г. до н. э. Греческое искусство
Фреска солдат из Агиоса Афанасия, Салоники , Древняя Македония , IV век до н.э.
Грек . сражается амазонкой с Деталь расписного саркофага, найденного в Италии, 350-325 гг. до н. э.
Фреска древнего македонского солдата ( торакитая ) в кольчуге и со щитом- туреосом , III век до нашей эры.
Фреска с изображением жертвоприношения Ифигении.
Римское искусство с изображением Геркулеса и Телефа
Римское искусство с изображением Мелеагра и Аталанты
Римское искусство, изображающее Дирцеи наказание
Римское искусство с изображением Пирифоя и Гипподамии
Римское искусство, Помпеи , Вилла Мистерий , ок. 60-50 гг. до н.э.
Римское искусство, фрески виллы Боскореале , ок. 40 г. до н.э.
Римское искусство, Помпеи
Три грации , фреска из Помпеи.
«Падение Икара» , фреска из Помпеи, 40-79 гг. н.э.
Римское искусство, Помпеи
Римское искусство, портреты мумий Фаюма из римского Египта.
Римское искусство из Дома Веттиев , Помпеи, I век нашей эры.
Амуры, играющие с лирой , римская фреска из Геркуланума
Римская фреска с сидящей Венерой , так называемая «Деа Барберини», IV век нашей эры.

К северу от Египта располагалась Минойская цивилизация с центром на острове Крит . дворце, Настенные росписи, найденные в Кносском похожи на египетские , но гораздо более свободны по стилю. Микенская Греция , начиная примерно с 1600 г. до н. э., создавала искусство, подобное искусству минойского Крита. Древнегреческое искусство во время греческого Темного века стало гораздо менее сложным, но обновление греческой цивилизации по всему Средиземноморью во время Архаической Греции привело к появлению новых форм греческого искусства с ориентализирующим стилем .

В Древней Греции были квалифицированные художники, скульпторы (хотя в то время оба занятия считались простым ручным трудом) и архитекторы. Парфенон является примером их архитектуры , сохранившейся до наших дней. Греческую мраморную скульптуру часто называют высшей формой классического искусства. Роспись по керамике Древней Греции и керамике дает особенно информативное представление о том, как функционировало общество Древней Греции. Чернофигурная вазопись и краснофигурная вазопись дают множество сохранившихся примеров того, чем была греческая живопись. Некоторые известные греческие художники, рисующие деревянные панели, которые упоминаются в текстах, - это Апеллес , Зевксис и Паррасий , однако сохранилось несколько примеров древнегреческой живописи на панно, в основном это просто письменные описания их современников или более поздних римлян. Зевксис жил в 5–6 г. до н. э. и, как говорят, первым использовал сфумато . По словам Плиния Старшего , реалистичность его картин была такова, что нарисованный виноград пытались съесть птицы. Апеллеса называют величайшим художником Античность за идеальную технику рисунка, блестящий цвет и лепку.

Римское искусство находилось под влиянием Греции и отчасти может считаться потомком древнегреческой живописи. Однако римская живопись имеет важные уникальные характеристики. Сохранившиеся римские картины включают настенные росписи и фрески , многие из которых находятся на виллах в Кампании , на юге Италии, в таких местах, как Помпеи и Геркуланум . Такую живопись можно разделить на четыре основных «стиля» или периода. ^{[ 37 ]} и может содержать первые примеры обманки , псевдоперспективы и чистого пейзажа. ^{[ 38 ]} Едва ли не единственными сохранившимися из Древнего мира живописными портретами являются большое количество гробов-портретов бюстной формы, найденных на позднеантичном кладбище Аль-Файюма . Хотя они не принадлежали ни к лучшему периоду, ни к высочайшему качеству, они впечатляют сами по себе и дают представление о качестве, которым должны были обладать лучшие древние произведения. Сохранилось также очень небольшое количество миниатюр из позднеантичных иллюстрированных книг и гораздо большее количество их экземпляров периода раннего средневековья.

Средний возраст

Хлопковое бытие. Миниатюра Авраама, встречающего ангелов.
Византийская икона , VI век.
Византийская художественная мозаика в Равенне
Византия, VI век.
Келлская книга
Келлская книга
Братья Лимбург
Братья Лимбург
Книга часов
Захват Иерусалима во время Первого крестового похода , ок. 1099
Лист Моргана , из Винчестерской Библии 1160–1175 гг., Сцены из жизни Давида.
Ярославские Евангелия ок. 1220-е годы
Каролинги
Каролингский Святой Марк
Портрет евангелиста
Джоттино
Витале из Болоньи
Симоне Мартини
Симоне Мартини
Чимабуэ
Джотто
Джотто
Джотто
Андрей Рублёв
Андрей Рублёв
Амброджо Лоренцетти
Пьетро Лоренцетти
Дуччио
Бонавентура Берлингьери , Святой Франциск Ассизский , 1235 г.
Церковь Хора
Архангельский собор
Рогир ван дер Вейден (ок. 1435 г.)
Рогир ван дер Вейден , Сент-Иво (ок. 1450 г.)
Воронецкий монастырь

Возникновение христианства придало стилям живописи иной дух и цели. Византийское искусство , когда его стиль утвердился в VI веке, уделяло большое внимание сохранению традиционной иконографии и стиля и постепенно развивалось в течение тысячелетий Византийской империи и живых традиций греческой и русской православной иконописи . Византийская живопись имеет иератический смысл, а иконы считались и остаются олицетворением божественного откровения. было много Фресок , но их сохранилось меньше, чем мозаик . Византийское искусство сравнивают с современной абстракцией из-за его плоскостности и сильно стилизованных изображений фигур и пейзажа. Некоторые периоды византийского искусства, особенно так называемое македонское искусство примерно X века, отличаются более гибким подходом. Фрески палеологического Возрождения начала XIV века сохранились в церкви Хора в Стамбуле.

В постантичной католической Европе первым возникшим самобытным художественным стилем, включавшим живопись, было островное искусство Британских островов, где единственными сохранившимися примерами являются миниатюры в иллюминированных рукописях, таких как Келлская книга . ^{[ 39 ]} Они наиболее известны своим абстрактным декором, хотя изображались и фигуры, а иногда и сцены, особенно на портретах евангелистов . Искусство Каролингов и Оттона также сохранилось в основном в рукописях, хотя некоторые настенные росписи сохранились, и многие другие задокументированы. Искусство этого периода сочетает в себе островное и «варварское» влияние с сильным византийским влиянием и стремлением восстановить классическую монументальность и уравновешенность.

Стены романских и готических церквей были украшены фресками, а также скульптурой, и многие из немногих сохранившихся фресок имеют большую интенсивность и сочетают в себе декоративную энергию островного искусства с новой монументальностью в обработке фигур. Гораздо больше миниатюр в иллюминированных рукописях сохранилось с того периода, демонстрируя те же характеристики, которые сохраняются и в готический период .

Панно становится более распространенным в романский период под сильным влиянием византийских икон. К середине 13 века средневековое искусство и готическая живопись стали более реалистичными, с появлением интереса к изображению объема и перспективы в Италии у Чимабуэ , а затем у его ученика Джотто . Начиная с Джотто, трактовка композиции лучшими художниками также стала гораздо более свободной и новаторской. Они считаются двумя великими средневековыми мастерами живописи западной культуры. Чимабуэ, придерживаясь византийской традиции, использовал более реалистичный и драматический подход к своему искусству. Его ученик Джотто поднял эти новшества на более высокий уровень, что, в свою очередь, заложило основы западной традиции живописи. Оба художника были пионерами движения к натурализму.

В церквях строилось все больше и больше окон, а использование красочных витражей стало основным элементом декора. Один из самых известных примеров этого находится в соборе Нотр-Дам де Пари . К 14 веку западные общества стали богаче и культурнее, а художники нашли новых покровителей среди дворянства и даже буржуазии . Иллюминированные рукописи приобрели новый характер, в их пейзажах появились стройные, модно одетые придворные дамы. Этот стиль вскоре стал известен как международный стиль, а темперные панно и алтари приобрели важное значение.

Ренессанс и маньеризм

Роберт Кампен , ок. 1425
Ян ван Эйк , 1434 г.
Рогир ван дер Вейден , ок. 1435
Хьюго ван дер Гус , ок. 1470 г.
Дирик Баутс , 1464–1467 гг.
Ганс Мемлинг , ок. 1466–1473 гг.
Питер Крист , ок. 1470 г.
Иероним Босх , ок. 1480–1505 гг.
Фра Анджелико , 1425–1428 гг.
Паоло Уччелло , ок. 1470 г.
Мазаччо , 1426–1427 гг.
Жан Фуке , 1450 г.
Андреа Мантенья , ок. 1458–1460 гг.
Пьеро делла Франческа (1463–1465 гг.).
Сандро Боттичелли , 1483–1485 гг.
Леонардо да Винчи , 1503–1506 гг.
Рафаэль , 1505–1506 гг.
Микеланджело , ок. 1511
Лукас Кранах Старший , ок. 15:30
Альбрехт Дюрер , 1500 г.
Матиас Грюневальд , 1512–1516 гг.
Джованни Беллини , ок. 1480 г.
Джорджоне , ок. 1505
Тициан , 1520–1523 гг.
Школа Фонтенбло , 1530 г.
Бронзино , 1540–1545 гг.
Питер Брейгель , 1565 г.
Ганс Гольбейн Младший , 1527 г.
Якопо Тинторетто , 1582 г.
Паоло Веронезе (1562–1563 гг.).
Иоахим Этевал , 1595 г.
Эль Греко , 1596–1600 гг.

Ренессанс (по-французски «возрождение»), культурное движение, охватывающее примерно XIV–середину XVII веков, ознаменовало изучение классических источников, а также достижения науки, которые глубоко повлияли на европейскую интеллектуальную и художественную жизнь. В Нидерландах , особенно в современной Фландрии , в начале 15 века утвердился новый способ живописи. Следуя за достижениями в освещении рукописей , особенно братьями Лимбург , художники увлеклись осязаемым в видимом мире и начали изображать объекты чрезвычайно натуралистическим способом. ^{[ 40 ]} Принятие масляной живописи, изобретение которой традиционно, но ошибочно приписывалось Яну ван Эйку , сделало возможным новое правдоподобие в изображении этого натурализма. Масляная краска уже присутствовала в работах Мельхиора Бродерлама , но такие художники, как Ян ван Эйк и Роберт Кампен, подняли ее использование на новую высоту и использовали ее для изображения натурализма, к которому они стремились. Благодаря этому новому средству художники того периода смогли создавать более насыщенные цвета с глубокими интенсивными тонами. Иллюзия сияющего света с фарфоровой отделкой характерна для ранней нидерландской живописи и существенно отличается от матовой поверхности темперной краски, используемой в Италии. ^{[ 40 ]} В отличие от итальянцев, творчество которых во многом опиралось на искусство Древней Греции и Рима, северяне сохранили стилистические остатки скульптуры и иллюминированных рукописей Средневековья (особенно ее натурализм). Самым важным художником этого времени был Ян ван Эйк , чьи работы входят в число лучших работ художников, которые теперь известны как ранние нидерландские художники или фламандские примитивисты (поскольку большинство художников работали в городах современной Фландрии). Первым художником этого периода был Мастер Флемаль , ныне известный как Робер Кампен , чьи работы следуют искусству интернациональной готики . Другим важным художником этого периода был Рогир ван дер Вейден , чьи композиции подчеркивали человеческие эмоции и драму, продемонстрированные, например, в его «Снятии с креста» , которое входит в число самых известных произведений 15-го века и было самой влиятельной нидерландской картиной Христа. распятие. Другими важными художниками этого периода являются Хьюго ван дер Гус. (чьи работы пользовались большим влиянием в Италии), Дирик Баутс (который был одним из первых северных художников, продемонстрировавших использование единой точки схода), ^{[ 40 ]} Петрус Кристус , Ганс Мемлинг и Жерар Давид .

В Италии искусство классической античности вдохновило стиль живописи, подчеркивающий идеал. Такие художники, как Паоло Уччелло , Мазаччо , Фра Анджелико , Пьеро делла Франческа , Андреа Мантенья , Филиппо Липпи , Сандро Боттичелли , Леонардо да Винчи , Микеланджело Буонарроти и Рафаэль подняли живопись на более высокий уровень благодаря использованию перспективы и изучению анатомии человека. и пропорций, а также благодаря развитию беспрецедентного совершенства в технике рисования и живописи. Несколько более натуралистический стиль возник в Венеции . Художники венецианской школы , такие как Джованни Беллини , Джорджоне , Тициан , Тинторетто и Веронезе , меньше заботились о точности рисунка, чем о богатстве цвета и единстве эффекта, которых можно было достичь при более спонтанном подходе к живописи.

Фламандские, голландские и немецкие художники эпохи Возрождения, такие как Ганс Гольбейн Младший , Альбрехт Дюрер , Лукас Кранах , Маттиас Грюневальд , Иероним Босх и Питер Брейгель, представляют подход, отличный от их итальянских коллег, более реалистичный и менее идеализированный. Жанровая живопись стала популярной идиомой среди художников Севера, таких как Питер Брейгель .

Французская традиция интернациональной готики разовьет новый стиль, объединив сильные хроматические тона готики с итальянской перспективой и объемами кватроченто , а также натуралистические инновации фламандских примитивов , получивших название École de Tours . Ее основными представителями являются Жан Фуке , Бартелеми д'Эйк из Нидерландов, Жан и Франсуа Клуэ , Жан Перреаль , Николя Фроман и Школа Фонтенбло .

революцию идей и науки ( астрономии , географии Живопись эпохи Возрождения отражает произошедшую в этот период ), Реформацию и изобретение книгопечатания . Дюрер, считающийся одним из величайших гравёров, утверждает, что художники — не просто ремесленники , но мыслители и . С развитием станковой живописи в эпоху Возрождения живопись получила независимость от архитектуры. Станковые картины — передвижные картины, которые можно было легко повесить на стены — стали популярной альтернативой картинам, прикрепленным к мебели, стенам или другим конструкциям. После столетий, когда доминировали религиозные образы, светские сюжеты медленно вернулись в западную живопись. Художники включали в свои картины образы окружающего мира или плоды собственного воображения. Те, кто мог позволить себе такие расходы, могли стать покровителями и заказать портреты себя или своей семьи.

Высокое Возрождение породило стилизованное искусство, известное как маньеризм . Вместо сбалансированных композиций и рационального подхода к перспективе, которые характеризовали искусство на заре XVI века, маньеристы искали нестабильность, искусственность и сомнение. Невозмутимые лица и жесты Пьеро делла Франческа и спокойные Девы Рафаэля сменяются обеспокоенными выражениями лиц Понтормо и эмоциональным накалом Эль Греко . Беспокойные и нестабильные композиции, часто крайние или дизъюнктивные эффекты перспективы и стилизованные позы характерны для итальянских маньеристов, таких как Тинторетто , Понтормо и Бронзино , и появились позже в творчестве северных маньеристов, таких как Хендрик Гольциус , Бартоломеус Шпрангер и Иоахим Втевал. .

Барокко и Рококо

Караваджо , 1595–1597 гг.
Артемизия Джентилески , 1614–1620 гг.
Питер Пауль Рубенс , 1632–1635 гг.
Франс Хальс , 1624 г.
Джудит Лейстер , 1630 г.
Рембрандт ван Рейн , 1642 г.
Питер де Хох , 1658 г.
Иоганнес Вермеер , ок. 1660 г.
Ян Стен , ок. 1665 г.
Якоб ван Рейсдал , 1670 г.
Виллем Клас. Хеда , 1631 г.
Диего Веласкес , 1656–1657 гг.
Хузепе де Рибера , 1620–1624 гг.
Николя Пуссен , ок. 1637–1638 гг.
Жорж де Латур , 1640-е гг.
Гвидо Рени , 1625 г.
Сальватор Роза , ок. 1645 г.
Бартоломе Эстебан Мурильо , ок. 1650–1655 гг.
Клод Лоррен , 1648 г.
Антонис ван Дейк , 1635–1636 гг.
Каналетто , 1723 год.
Джованни Баттиста Тьеполо , ок. 1752–1753 гг.
Антуан Ватто , ок. 1720 г.
Жан-Оноре Фрагонар , ок. 1767–1768 гг.
Франсуа Буше , 1751 г.
Элизабет Луиза Виже-Лебрен , после 1782 года.
Морис Кантен де Латур , ок. 1761 г.
Томас Гейнсборо , ок. 1770 г.
Джошуа Рейнольдс , 1769 г.
Жан-Батист-Симеон Шарден , ок. 1728 г.
Уильям Хогарт , ок. 1757 г.
Анжелика Кауфман , ок. 1780 г.

Живопись барокко связана с барокко культурным движением , движением, которое часто отождествляют с абсолютизмом и контрреформацией или католическим возрождением; ^{[ 41 ]}^{[ 42 ]} Однако существование важной живописи в стиле барокко в неабсолютистских и протестантских государствах также подчеркивает ее популярность, поскольку этот стиль распространился по всей Западной Европе. ^{[ 43 ]}

Для живописи барокко характерен большой драматизм, насыщенный, глубокий цвет, насыщенность света и темных теней. Искусство барокко должно было вызывать эмоции и страсть, а не спокойную рациональность, которая ценилась в эпоху Возрождения. В период, начинающийся примерно с 1600 года и продолжающийся на протяжении всего 17 века, живопись характеризуется как барокко. Среди величайших художников барокко — Караваджо , Рембрандт , Франс Хальс , Рубенс , Веласкес , Пуссен и Иоганн Вермеер . Караваджо — наследник гуманистической живописи Высокого Возрождения . Его реалистический подход к человеческой фигуре, написанной прямо с натуры и резко освещенной на темном фоне, потряс современников и открыл новую главу в истории живописи. Живопись барокко часто драматизирует сцены с помощью световых эффектов; это можно увидеть в работах Рембрандта, Вермеера, Ленена , Ла Тура и Жузепе де Рибера .

В Италии стиль барокко олицетворяют религиозные и мифологические картины в великой манере таких художников, как Карраччи , Гвидо Рени и Лука Джордано . Иллюзионистские фрески на потолке церкви Пьетро да Кортона, казалось, открывались небу. Гораздо более спокойный тип барокко возник в Голландской республике , где станковые картины на бытовые темы были популярны среди коллекционеров среднего класса, и многие художники стали специалистами в жанрах , другие - в пейзажах, морских пейзажах или натюрмортах. Вермеер, Жерар тер Борх и Питер де Хох привнесли большое техническое усовершенствование в живопись домашних сцен , как и Виллем Клас, . Хеда к натюрморту. Напротив, Рембрандт преуспел в рисовании всех типов предметов и разработал индивидуальный живописный стиль, в котором светотени и темный фон, заимствованные у Караваджо и утрехтских караваджистов, теряют свою театральность.

В 18 веке рококо стало более легким продолжением барокко, часто легкомысленным и эротичным. Рококо первым получил развитие в декоративном искусстве и дизайне интерьера во Франции. Преемственность Людовика XV внесла изменения в придворных художников и общую художественную моду. 1730-е годы представляли собой пик развития рококо во Франции, примером которого являются работы Антуана Ватто и Франсуа Буше . Рококо все еще сохранял вкус барокко к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал интегрировать множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился благодаря французским художникам и гравированным изданиям. Его с готовностью приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии , где он слился с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как Фредерицианское рококо развивалось в Королевстве Пруссия .

Французские мастера Ватто , Буше и Фрагонар представляют этот стиль, а также Джованни Баттиста Тьеполо и Жан-Батист-Симеон Шарден, которого некоторые считали лучшим французским художником 18-го века – Антирококо . Портретная живопись была важной составляющей живописи во всех странах, но особенно в Англии, где лидерами были Уильям Хогарт в резком реалистическом стиле и Фрэнсис Хейман , Анжелика Кауфман (швейцарка), Томас Гейнсборо и Джошуа Рейнольдс в более лестных стилях. под влиянием Антониса ван Дейка . Во Франции в эпоху рококо Жан-Батист Грез (любимый художник Дени Дидро ), ^{[ 44 ]} преуспел в портретах и исторических картинах , а Морис Кантен де Латур и Элизабет Виже-Лебрен были высококвалифицированными художниками-портретистами . Ла Тур специализировался на пастельной живописи, которая в этот период стала популярной.

Уильям Хогарт помог разработать теоретическую основу красоты рококо. Хотя он и не ссылался намеренно на это движение, в своем «Анализе красоты» (1753) он утверждал, что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме ). . Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали высказывать критику поверхностности и вырождения искусства. Блондель осудил «нелепую мешанину ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. ^{[ 45 ]}

К 1785 году рококо вышло из моды во Франции, его заменил порядок и серьезность художников- неоклассиков , таких как Жак-Луи Давид .

XIX век: Неоклассицизм, Историческая живопись, Романтизм, Импрессионизм, Постимпрессионизм, Символизм.

После рококо в конце 18 века возник в архитектуре, а затем и в живописи суровый неоклассицизм , лучше всего представленный такими художниками, как Давид и его наследник Энгр . Работы Энгра уже содержат большую часть чувственности, но не спонтанности, которая была характерна для романтизма . Это движение обратило свое внимание на ландшафт и природу, а также на человеческую фигуру и верховенство естественного порядка над волей человечества. Существует оппозиция идеалам Просвещения, поскольку считается, что человечество находится во власти хаоса природы. Идея о том, что люди не выше сил природы, противоречит идеалам Древней Греции и Возрождения, согласно которым человечество было превыше всего и владело своей судьбой. Это мышление побудило художников-романтиков изображать величественные , разрушенные церкви, кораблекрушения, массовые убийства и безумие.

К середине XIX века художники освободились от требований покровительства и изображали только сцены из религии, мифологии, портретной живописи или истории. Идея «искусство ради искусства» начала находить выражение в творчестве таких художников, как Франсиско де Гойя, Джон Констебль и Дж. М. У. Тернер. Художники-романтики считали пейзажную живопись важным жанром, выражающим тщеславие человечества в противовес величию природы. До этого пейзажная живопись не считалась самым важным жанром для художников (как портрет или историческая живопись). Но таким художникам, как Дж. М. У. Тёрнер и Каспар Давид Фридрих, удалось поднять пейзажную живопись до уровня, соперничающего с исторической живописью. Некоторые из крупнейших художников этого периода — Эжен Делакруа , Теодор Жерико , Дж. М. У. Тернер , Каспар Давид Фридрих и Джон Констебль . Поздние работы Франсиско де Гойи демонстрируют романтический интерес к иррациональному, в то время как работы Арнольда Беклина пробуждают тайну, а картины эстетического направления. Художник Джеймс Макнил Уистлер вызывает одновременно утонченность и декаданс . В Соединенных Штатах романтическая традиция пейзажной живописи была известна как Школа реки Гудзон : ^{[ 46 ]} Среди представителей - Томас Коул , Фредерик Эдвин Черч , Альберт Бирштадт , Томас Моран и Джон Фредерик Кенсетт . Люминизм — движение в американской пейзажной живописи, связанное со Школой реки Гудзон .

Ведущий Барбизонской школы художник Камиль Коро писал как в романтическом, так и в реалистическом ключе; его работы являются прообразом импрессионизма , как и картины Эжена Будена , который был одним из первых французских художников-пейзажистов, рисовавших на открытом воздухе. Буден также оказал большое влияние на молодого Клода Моне , которого в 1857 году он познакомил с пленэрной живописью. Главной силой поворота к реализму в середине века был Гюстав Курбе . Во второй трети века импрессионисты, такие как Эдуард Мане , Клод Моне , Пьер-Огюст Ренуар , Камиль Писсарро , Альфред Сислей , Берта Моризо , Мэри Кассат и Эдгар Дега, работали в более прямом подходе, чем это ранее демонстрировалось публично. Они избегали аллегорий и повествований в пользу индивидуальных ответов на современный мир, иногда написанных практически без предварительного изучения, полагаясь на ловкость рисунка и высокохроматическую палитру. Мане, Дега, Ренуар, Моризо и Кассат сосредоточили свое внимание прежде всего на человеческой теме. И Мане, и Дега переосмыслили классические образные каноны в современных ситуациях; в случае с Мане переосмысление было встречено враждебно публикой. Ренуар, Моризо и Кассат обратились за вдохновением к домашней жизни, причем Ренуар сосредоточился на обнаженной женской фигуре. Моне, Писсарро и Сислей использовали пейзаж в качестве основного мотива, а быстротечность света и погоды играла важную роль в их работах. В то время как Сислей наиболее близко придерживался первоначальных принципов импрессионистского восприятия пейзажа, Моне искал вызовы все более хроматическим и изменчивым условиям, кульминацией которых стала серия монументальных работ Водяные лилии написаны в Живерни .

Писсарро перенял некоторые эксперименты постимпрессионизма . Немного более молодые постимпрессионисты, такие как Винсент Ван Гог , Поль Гоген и Жорж Сёра , вместе с Полем Сезанном привели искусство к грани модернизма ; для Гогена импрессионизм уступил место личному символизму; Сёра превратил ломаный цвет импрессионизма в научное оптическое исследование, построенное на фризе. композиции; Бурный метод нанесения красок Ван Гога в сочетании со звучным использованием цвета предсказал экспрессионизм и фовизм , а Сезанн, желая объединить классическую композицию с революционной абстракцией природных форм, стал рассматриваться как предшественник искусства 20-го века. . Очарование импрессионизма ощущалось во всем мире, в том числе в Соединенных Штатах, где оно стало неотъемлемой частью живописи американских импрессионистов, таких как Чайльд Хассам , Джон Твахтман и Теодор Робинсон ; и в Австралии, где художники Гейдельбергской школы, такие как Артур Стритон , Фредерик МакКаббин и Чарльз Кондер рисовали на пленэре и особенно интересовались австралийским пейзажем и светом. Это также оказало влияние на художников, которые в теории не были в первую очередь импрессионистами, таких как художник-портретист и пейзажист Джон Сингер Сарджент . В то же время в Америке на рубеже 20-го века существовал естественный и почти замкнутый реализм, богато воплощенный в фигуративном творчестве Томаса Икинса , школе Ашкана , а также пейзажах и морских пейзажах Уинслоу Гомера , все картины которого были глубоко вложены в прочность природных форм. Визионерский пейзаж, мотив которого во многом зависит от двусмысленности ноктюрна, нашел своих сторонников в лице Альберта Пинкэма Райдера и Ральфа Альберта Блейклока .

В конце 19-го века также существовало несколько, довольно непохожих друг на друга, групп художников-символистов , чьи работы нашли отклик у молодых художников 20-го века, особенно у фовистов и сюрреалистов . Среди них были Гюстав Моро , Одилон Редон , Пьер Пюви де Шаванн , Анри Фантен-Латур , Арнольд Бёклин , Эдвард Мунк , Фелисьен Ропс , Ян Тороп и Густав Климт , среди других, включая русских символистов , таких как Михаил Врубель .

Художники-символисты использовали мифологию и образы сновидений для визуального языка души, ища вызывающие воспоминания картины, которые напоминали бы статический мир тишины. Символы, используемые в символизме, — это не знакомые эмблемы господствующей иконографии , а глубоко личные, частные, неясные и двусмысленные отсылки. Художники-символисты, скорее философия, чем реальный стиль искусства, повлияли на современное движение модерн и Les Nabis . В своем исследовании сказочных сюжетов художники-символисты встречаются в разных веках и культурах, как и сегодня; Бернар Дельвайль описал Рене Магритта сюрреализм как «Символизм плюс Фрейд ». ^{[ 47 ]}

Современное и современное 20-го века

Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников произвели революцию в парижском художественном мире «дикими», разноцветными, выразительными пейзажами и фигурными картинами, которые критики назвали фовизмом . Пабло Пикассо создал свои первые картины в стиле кубизма, основываясь на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: кубу , сфере и конусу .

Пионеры 20 века

Наследие таких художников, как Ван Гог , Сезанн , Гоген и Сёра, имело важное значение для развития современного искусства. В начале 20-го века Анри Матисс и несколько других молодых художников, в том числе прекубисты Жорж Брак , Андре Дерен , Рауль Дюфи и Морис де Вламинк, произвели революцию в мире искусства Парижа своими «дикими», разноцветными, выразительными пейзажами и фигурами. картины, которые критики называли фовизмом . Анри Матисса Вторая версия «Танца» знаменует собой ключевой момент в его карьере и развитии современной живописи. ^{[ 48 ]} Он отражает зарождающееся увлечение Матисса примитивным искусством : интенсивные теплые цвета на прохладном сине-зеленом фоне и ритмичная последовательность танцующих обнаженных тел передают чувства эмоционального освобождения и гедонизма . Пабло Пикассо создал свои первые картины в стиле кубизма, основываясь на идее Сезанна о том, что все изображения природы можно свести к трем телам: кубу , сфере и конусу . В картине «Авиньонские девицы» (1907) Пикассо драматично создал новую и радикальную картину, изображающую грубую и примитивную сцену публичного дома с пятью проститутками, жестоко нарисованными женщинами, напоминающую маски африканских племен и его собственные новые кубистические изобретения. аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком , примером которого является «Скрипка и подсвечник», Париж , примерно с 1908 по 1912 год. За аналитическим кубизмом, первым явным проявлением кубизма, последовал синтетический кубизм , практиковавшийся Брак, Пикассо, Фернан Леже. , Хуан Грис , Альберт Глейз , Марсель Дюшан и бесчисленное множество других художников 1920-х годов. Синтетический кубизм характеризуется введением различных фактур, поверхностей, коллажа элементов , папье-колле и большого разнообразия объединенных сюжетов.

Les Fauves (по-французски « Дикие звери ») были художниками начала 20-го века, экспериментировавшими со свободой выражения через цвет. Название группе дал в шутку, а не в качестве комплимента искусствовед Луи Воксель . Фовизм представлял собой недолговечную и разрозненную группу художников начала 20-го века, чьи работы подчеркивали живописные качества и творческое использование глубоких цветов вместо репрезентативных ценностей. Фовисты сделали сюжет картины легко читаемым, преувеличили перспективы, а интересное пророческое предсказание фовистов было высказано в 1888 году Полем Гогеном Полю Серюзье .

Какими вы видите эти деревья? Они желтые. Итак, поставьте желтый цвет; эта тень, скорее голубая, нарисуй ее чистым ультрамарином ; эти красные листья? Положите киноварь .

Лидерами движения были Анри Матисс и Андре Дерен — своего рода дружеские соперники, каждый из которых имел своих последователей. В конечном итоге Матисс стал ян для Пикассо инь . в 20 веке Среди художников-фовистов были Альберт Марке , Шарль Камуан , Морис де Вламинк , Рауль Дюфи , Отон Фрис , голландский художник Кес ван Донген и партнер Пикассо по кубизму Жорж Брак среди других. ^{[ 49 ]}

Фовизм как движение не имел конкретных теорий и просуществовал недолго: начиная с 1905 года и заканчивая 1907 годом, у них было всего три выставки. Матисс считался лидером движения из-за его старшинства по возрасту и предшествующего самоутверждения в мире академического искусства. Его портрет мадам 1905 года. Картина Матисса «Зеленая линия » (вверху) произвела фурор в Париже, когда была впервые выставлена. Он сказал, что хочет создавать искусство, приносящее удовольствие; искусство как украшение было его целью, и можно сказать, что использование им ярких цветов пытается сохранить спокойствие композиции. В 1906 году по предложению своего дилера Амбруаза Воллара Андре Дерен отправился в Лондон и создал серию картин, таких как «Мост Чаринг-Кросс, Лондон » (вверху) в стиле фовизма , перефразируя знаменитую серию художника импрессиониста - Клода Моне . Такие мастера, как Анри Матисс и Пьер Боннар, продолжали развивать свои повествовательные стили независимо от какого-либо движения на протяжении всего 20 века.

К 1907 году фовизм больше не был шокирующим новым движением, вскоре его сменил кубизм на экране радара критиков как последнее новое явление в современном искусстве того времени. В 1907 году Аполлинер , комментируя Матисса в статье, опубликованной в «Ла Фаланж», сказал: «Мы здесь не перед лицом экстравагантного или экстремистского начинания: искусство Матисса в высшей степени разумно». ^{[ 50 ]} Аналитический кубизм был совместно разработан Пабло Пикассо и Жоржем Браком примерно с 1908 по 1912 год. За аналитическим кубизмом, первым явным проявлением кубизма, последовал синтетический кубизм , практиковавшийся Брак, Пикассо, Фернан Леже , Хуан Грис , Альберт Глейз , Марсель Дюшан. и бесчисленное множество других художников в 1920-е годы. Синтетический кубизм характеризуется введением различных фактур, поверхностей, коллажа элементов , папье-колле и большого разнообразия объединенных сюжетов.

В период между 1910 годом и концом Первой мировой войны и после расцвета кубизма в Париже возникло несколько движений. Джорджо де Кирико переехал в Париж в июле 1911 года, где присоединился к своему брату Андреа (поэту и художнику, известному как Альберто Савинио ). Через своего брата он познакомился с Пьером Лапрадом, членом жюри Осеннего салона, где он выставил три своих сказочных работы: «Загадка оракула» , «Загадка полудня» и «Автопортрет ». В 1913 году он выставлял свои работы в Салоне Независимых и Осеннем Салоне, его работы были замечены Пабло Пикассо , Гийомом Аполлинером и некоторыми другими. Его захватывающие и загадочные картины считаются способствующими раннему зарождению сюрреализма . В первой половине 20-го века в Европе такие мастера, как Жорж Брак , Андре Дерен и Джорджо де Кирико , продолжали рисовать независимо от какого-либо движения.

Пионеры современного искусства

Андре Дерен , 1905, Сохнущие паруса , Фовизм
Анри Матисс, 1905, Женщина в шляпе , фовизм
Жан Метцингер , около 1905, Две обнаженные фигуры в экзотическом пейзаже , Дивизионизм , Протокубизм
Эдвард Мунк , Смерть Марата I (1907), образец экспрессионизма
Густав Климт , Экспрессионизм , 1907–1908.
Пабло Пикассо , 1908, Дриада , Протокубизм
Марк Шагал 1911, экспрессионизм и сюрреализм
Марсель Дюшан , 1911–1912, кубизм и дадаизм.
Альберт Глейз , 1912, Мужчина на балконе, Мужчина на балконе (Портрет доктора Тео Морино) , Кубизм
Жан Метцингер , 1912, Танцовщица в кафе , Кубизм
Франц Марк 1912, Синий всадник
Робер Делоне , 1911, Орфизм
Фрэнсис Пикабиа , 1912, Источник (Весна) , Абстрактное искусство
Василий Кандинский 1913, рождение абстрактного искусства
Амедео Модильяни , Портрет Сутина 1916 года, образец экспрессионизма
Фернан Леже 1919, синтетический кубизм , тубизм

В первые два десятилетия 20-го века и после кубизма возникло несколько других важных движений; футуризм ( Бала ), абстрактное искусство ( Кандинский ), «Синий всадник », «Баухаус » , ( Кандинский ) и ( Клее ), орфизм , ( Робер Делоне и Франтишек Купка ), Синхромизм ( Морган Рассел ), Де Стиль ( Мондриан ), Супрематизм ( Малевич ), конструктивизм ( Татлин ), дадаизм ( Дюшан , Пикабиа , Арп ) и сюрреализм ( Де Кирико , Андре Бретон , Миро , Магритт , Дали , Эрнст ). Современная живопись повлияла на все изобразительные искусства, от модернистской архитектуры и дизайна до авангардного кино, театра и современного танца , и стала экспериментальной лабораторией для выражения визуального опыта, от фотографии и конкретной поэзии до рекламного искусства и моды. Картина Ван Гога оказала большое влияние на экспрессионизм 20-го века , что можно увидеть в работах фовистов , Die Brücke (группа под руководством немецкого художника Эрнста Киршнера ) и экспрессионизма Эдварда Мунка , Эгона Шиле , Марка Шагала , Амедео . Модильяни , Хаим Сутин и другие..

Василий Кандинский , русский художник, гравёр и теоретик искусства, один из самых известных художников 20-го века, обычно считается первым значительным художником современного абстрактного искусства. Будучи ранним модернистом, в поисках новых способов визуального выражения и духовного выражения, он, как и современные оккультисты и теософы , предположил , что чистая визуальная абстракция имеет сопутствующие вибрации со звуком и музыкой. Они утверждали, что чистая абстракция может выражать чистую духовность. Его самые ранние абстракции обычно назывались как пример в «Композиции VII » (галерея выше) , что связано с творчеством музыкальных композиторов. Кандинский включил многие из своих теорий об абстрактном искусстве в свою книгу «О духовном в искусстве». Робер Делоне был французским художником, связанным с орфизмом (напоминающим связь между чистой абстракцией и кубизмом). Его более поздние работы были более абстрактными, напоминая Пауля Клее . Его ключевой вклад в абстрактную живопись связан со смелым использованием цвета и явной любовью к экспериментам с глубиной и тоном. По приглашению Василий Кандинский , Делоне и его жена, художница Соня Делоне , присоединились к «Синему всаднику» ( Der Blaue Reiter ), мюнхенской группе художников-абстракционистов, в 1911 году, и его искусство стало абстрактным. ^{[ 51 ]}

Другими крупными пионерами ранней абстракции являются русский художник Казимир Малевич , который после русской революции 1917 года и давления сталинского режима в 1924 году вернулся к живописи изображений « Крестьяне и рабочие в поле» , а также швейцарский художник Пауль Клее, чьи мастерские эксперименты с цветом. сделало его важным пионером абстрактной живописи в Баухаусе . Среди других важных пионеров абстрактной живописи — шведский художник Хильма аф Клинт , чешский художник Франтишек Купка, а также американские художники Стэнтон Макдональд-Райт и Морган Рассел , которые в 1912 году основали «Синхромизм» , художественное движение, которое очень напоминает орфизм .

Экспрессионизм и символизм — это широкие рубрики, включающие несколько важных и связанных между собой движений в живописи 20-го века, которые доминировали в большей части авангардного искусства, создаваемого в Западной, Восточной и Северной Европе. Работы экспрессионистов были написаны в основном между Первой и Второй мировыми войнами, в основном во Франции, Германии, Норвегии, России, Бельгии и Австрии. Художники-экспрессионисты связаны как с сюрреализмом, так и с символизмом, и каждый из них уникален и несколько эксцентрично индивидуален. Фовизм , Die Brücke и Der Blaue Reiter — три самые известные группы художников-экспрессионистов и символистов.

Художники столь же интересные и разнообразные, как Марк Шагал , чья картина «Я и деревня » (вверху) рассказывает автобиографическую историю, в которой исследуются отношения между художником и его происхождением, с использованием лексикона художественного символизма . Густав Климт , Эгон Шиле , Эдвард Мунк , Эмиль Нольде , Хаим Сутин , Джеймс Энсор , Оскар Кокошка , Эрнст Людвиг Кирхнер , Макс Бекман , Франц Марк , Кете Шмидт Кольвиц , Жорж Руо , Амедео Модильяни и некоторые американцы за рубежом, такие как Марсден Хартли , и Стюарт Дэвис считались влиятельными художниками-экспрессионистами. Хотя Альберто Джакометти в первую очередь считается ярким скульптором -сюрреалистом , он также создавал яркие картины в стиле экспрессионизма.

Пионеры абстракции

Пит Мондриан , 1912, ранний Де Стейл
Казимир Малевич 1916, Супрематизм
Тео ван Дусбург 1917, Де Стиль , Неопластицизм
Стэнтон Макдональд-Райт 1920, Синхромизм

Пита Мондриана Искусство было также связано с его духовными и философскими исследованиями. В 1908 году он заинтересовался теософским движением, основанным Еленой Петровной Блаватской в конце 19 века. Блаватская считала, что можно достичь более глубокого познания природы, чем то, которое достигается эмпирическими средствами, и большая часть работы Мондриана на всю оставшуюся жизнь была вдохновлена его поиском этого духовного знания.

Де Стиль, также известный как неопластицизм , был голландским художественным движением, основанным в 1917 году. Термин Де Стиль используется для обозначения совокупности работ с 1917 по 1931 год, основанных в Нидерландах. ^{[ 52 ]}^{[ 53 ]}

De Stijl — это также название журнала, который издавал голландский художник, дизайнер, писатель и критик Тео ван Дусбург и пропагандировал теории группы. Рядом с ван Дусбургом основными членами группы были художники Пит Мондриан , Вильмос Хусар и Барт ван дер Лек , а также архитекторы Геррит Ритвельд , Роберт ван 'т Хофф и JJP Oud . Художественная философия, легшая в основу творчества группы, известна как неопластицизм – новое пластическое искусство (или Nieuwe Beelding по-голландски).

Сторонники Де Стиджа стремились выразить новый утопический идеал духовной гармонии и порядка. Они выступали за чистую абстракцию и универсальность путем сведения к основам формы и цвета; они упростили визуальные композиции до вертикального и горизонтального направлений и использовали только основные цвета наряду с черным и белым. Действительно, согласно онлайн-статье галереи Тейт о неопластицизме, сам Мондриан излагает эти разграничения в своем эссе «Неопластицизм в изобразительном искусстве». Он пишет: «...эта новая пластическая идея будет игнорировать особенности внешнего вида, т. е. естественную форму и цвет. Напротив, она должна найти свое выражение в абстракции формы и цвета, т. е. в прямой линии и четко выраженном основном цвете». В статье Тейт далее резюмируется, что это искусство допускает «только основные цвета и бесцветные, только квадраты и прямоугольники, только прямые и горизонтальные или вертикальные линии». ^{[ 54 ]} В онлайн-статье Музея Гуггенхайма о Де Стидже эти черты резюмируются аналогичным образом: «Он [Де Стиль] был основан на фундаментальном принципе геометрии прямой линии, квадрата и прямоугольника в сочетании с сильной асимметричностью; преимущественное использование чистых основных цветов с черным и белым и соотношение положительных и отрицательных элементов в расположении беспредметных форм и линий». ^{[ 55 ]}

На движение Де Стиля повлияла кубистская живопись, а также мистицизм и идеи об «идеальных» геометрических формах (таких как «идеальная прямая линия») в неоплатонической философии математика М. Х. Я. Шёнмакерса . Работы Де Стиджа повлияли на стиль Баухаус и международный стиль архитектуры, а также на дизайн одежды и интерьера. Однако он не следовал общим принципам «изма» (кубизм, футуризм, сюрреализм) и не придерживался принципов художественных школ, таких как Баухаус; это был коллективный проект, совместное предприятие.

Дадаизм и сюрреализм

Фрэнсис Пикабиа 1916, Дадаизм
Курт Швиттерс , 1919, нарисованный коллаж , дадаизм
Макс Эрнст , 1921, Сюрреализм
Андре Массон , 1922, ранний сюрреализм.

Марсель Дюшан приобрел международную известность после своего печально известного успеха на Нью-Йоркской оружейной выставке в 1913 году (вскоре после того, как он осудил создание произведений искусства для шахмат ). После того, как картина Дюшана «Обнаженная, спускающаяся по лестнице» стала всемирно известной на выставке Armory в 1913 году в Нью-Йорке, он создал картину «Невеста, раздетая холостяками, даже большое стекло» . « Большое стекло» вывело искусство живописи на радикально новые границы: часть живописи, часть коллажа, часть конструкции. Дюшан стал тесно связан с движением Дада , которое зародилось в нейтральном Цюрихе , Швейцария, во время Первой мировой войны и достигло пика с 1916 по 1920 год. Движение в основном охватывало изобразительное искусство, литературу (поэзию, художественные манифесты, теорию искусства), театр и графический дизайн. и сосредоточил свою антивоенную политику через отказ от преобладающих стандартов в искусстве посредством антиискусственных культурных произведений. Фрэнсис Пикабиа , Ман Рэй , Курт Швиттерс , Тристан Цара , Ганс Рихтер , Жан Арп , Софи Тойбер-Арп , а также Дюшан и многие другие связаны с дадаистским движением. Дюшан и некоторые Дадаисты также связаны с сюрреализмом, движением, которое доминировало в европейской живописи 1920-х и 1930-х годов.

В 1924 году Андре Бретон опубликовал « Манифест сюрреализма» . Сюрреалистическое движение в живописи стало синонимом авангарда и включало художников, чьи работы варьировались от абстрактных до суперреалистических. С работами на бумаге, такими как Machine Turn Quickly (вверху), Фрэнсис Пикабиа продолжал свое участие в движении Дада до 1919 года в Цюрихе и Париже, прежде чем оторваться от него после того, как у него появился интерес к сюрреалистическому искусству. Ив Танги , Рене Магритт и Сальвадор Дали особенно известны своими реалистичными изображениями сновидений и фантастическими проявлениями воображения. » 1923–1924 годов Хоана Миро граничит «Вспаханное поле с абстракцией, это раннее изображение комплекса объектов и фигур, а также расположения сексуально активных персонажей; был первым сюрреалистическим шедевром Миро. ^{[ 56 ]} Миро В «Вспаханном поле» Босха также есть несколько параллелей с «Садом земных наслаждений» : похожие стаи птиц; бассейны, из которых выходит живность; и огромные бестелесные уши — все это отражает работу голландского мастера, которую Миро видел в «Прадо», будучи молодым художником . Более абстрактные Жоан Миро , Жан Арп , Андре Массон и Макс Эрнст имели большое влияние, особенно в Соединенных Штатах в 1940-е годы. На протяжении 1930-х годов сюрреализм продолжал становиться все более заметным для широкой публики. , В Великобритании возникла группа сюрреалистов и, по словам Бретона, их Лондонская международная выставка сюрреалистов 1936 года стала высшим достижением того периода и стала образцом для международных выставок. Группы сюрреалистов в Японии, и особенно в Латинской Америке, странах Карибского бассейна и Мексике, создавали новаторские и оригинальные произведения.

Дали и Магритт создали некоторые из наиболее широко известных образов этого движения. Картина «Это не трубка » 1928/1929 года Магритта является предметом книги Мишеля Фуко 1973 года «Это не трубка» (английское издание, 1991), в которой обсуждается картина и ее парадокс . Дали присоединился к группе в 1929 году и участвовал в быстром формировании визуального стиля между 1930 и 1935 годами.

Сюрреализм как визуальное движение нашел метод: обнажить психологическую истину, лишив обычные предметы их нормального значения, чтобы создать убедительный образ, выходящий за рамки обычной формальной организации и восприятия, иногда вызывающий у зрителя сочувствие, иногда смех и иногда возмущение и недоумение.

1931 год ознаменовался годом, когда несколько художников-сюрреалистов создали работы, которые стали поворотными моментами в их стилистической эволюции: в одном примере жидкие формы стали торговой маркой Дали, особенно в его «Постоянстве памяти» , в котором изображены часы, которые провисают, как будто они тают. Воспоминания о времени и его неотразимой тайне и абсурдности. ^{[ 57 ]}

Характеристики этого стиля – сочетание изобразительного, абстрактного и психологического – стали обозначать отчуждение, которое многие люди чувствовали в период модернизма , в сочетании с чувством более глубокого проникновения в психику, чтобы «сделать целостность со своей индивидуальностью».

Макс Эрнст, чья картина 1920 года «Самолет-убийца» , изучал философию и психологию в Бонне и интересовался альтернативными реальностями, с которыми сталкиваются безумцы. Его картины, возможно, были вдохновлены исследованием психоаналитика Зигмунда Фрейда бреда параноика Даниэля Пауля Шребера. Фрейд определил фантазию Шребера стать женщиной как комплекс кастрации . Центральное изображение двух пар ног отсылает к гермафродитным желаниям Шребера. Надпись Эрнста на обороте картины гласит: Картина любопытна своей симметрией. Оба пола уравновешивают друг друга. ^{[ 58 ]}

В 1920-е годы Андре Массона работы оказали огромное влияние, помогая вновь прибывшему в Париж молодому художнику Жоану Миро найти свои корни в новой сюрреалистической живописи. В письмах своему дилеру Пьеру Матиссу Миро признавал важность Массона как примера для него в первые годы его пребывания в Париже.

Спустя долгое время после того, как личная, политическая и профессиональная напряженность расколола группу сюрреалистов на воздух и эфир, Магритт, Миро, Дали и другие сюрреалисты продолжают определять визуальную программу в искусстве. Среди других выдающихся художников-сюрреалистов Джорджио де Кирико , Мерет Оппенгейм , Тойен , Грегуар Мишонце , Роберто Матта , Кей Сейдж , Леонора Кэррингтон , Доротея Таннинг и Леонор Фини и другие.

До и после войны

Эгон Шиле , Символизм и экспрессионизм 1912 г.
Эрнст Кирхнер , Мост , 1913 год.
Амедео Модильяни Символизм и экспрессионизм 1917
Джорджия О'Киф , «Американский модернизм» , 1921 год.
Стюарт Дэвис , Американский модернизм 1922 года.
Хаим Сутин , Экспрессионизм , ок. 1920 год

Der Blaue Reiter — немецкое движение, существовавшее с 1911 по 1914 год и являвшееся фундаментальным для экспрессионизма, наряду с Die Brücke , которое было основано в предыдущем десятилетии в 1905 году и представляло собой группу немецких художников- экспрессионистов , сформированную в Дрездене в 1905 году. Членами-основателями Die Brücke были Фриц. Блейль , Эрих Хекель , Эрнст Людвиг Кирхнер и Карл Шмидт-Ротлуфф . Среди более поздних членов были Макс Пехштейн , Отто Мюллер и другие. Группа была одной из плодотворных, которая со временем оказала большое влияние на эволюцию современного искусства 20 века и создала стиль экспрессионизма . ^{[ 59 ]}

Василий Кандинский , Франц Марк , Август Макке , Алексей фон Явленский , чья психически выразительная картина русского танцовщика «Портрет Александра Сахарова» , 1909 находится в галерее выше, Марианна фон Веревкин , Лионель Файнингер и другие основали группу «Синий всадник» в ответ на картины Кандинского « Страшный суд» отказ от выставки . У «Синего всадника» не было центрального художественного манифеста, но он был сосредоточен вокруг Кандинского и Марка. Также были задействованы художники Габриэле Мюнтер и Пауль Клее .

Название движения происходит от картины Кандинского, созданной в 1903 году. Также утверждается, что название могло произойти от увлечения Марка лошадьми и любви Кандинского к синему цвету. Для Кандинского синий — цвет духовности: чем темнее синий, тем больше он пробуждает в человеке стремление к вечному.

В США в период между Первой и Второй мировыми войнами художники, как правило, ездили в Европу за признанием. Такие художники, как Марсден Хартли , Патрик Генри Брюс , Джеральд Мерфи и Стюарт Дэвис , создали себе репутацию за рубежом. В Нью-Йорке Альберт Пинкхэм Райдер и Ральф Блейклок были влиятельными и важными фигурами в передовой американской живописи между 1900 и 1920 годами. В 1920-х годах фотограф Альфред Штиглиц выставлял Джорджию О'Киф , Артура Дава , Альфреда Генри Маурера , Чарльза Демута , Джона Марина и другие художники, в том числе европейские мастера Анри Матисс , Огюст Роден , Анри Руссо , Поль Сезанн и Пабло Пикассо , в своей галерее 291 .

Социальное сознание

Джордж Гросс , 1920, Новая объективность
Томас Харт Бентон 1920, Регионализм
Джордж Беллоуз , 1924, американский реализм.
Чарльз Демут Весна , 1921, Американский прецизионизм (протопоп -арт )

В течение 1920-х и 1930-х годов, а также во время Великой депрессии , сюрреализм, поздний кубизм, Баухаус , Де Стиль , дадаизм, немецкий экспрессионизм, экспрессионизм, а также модернистские и мастерские художники-колористы, такие как Анри Матисс и Пьер Боннар, характеризовали европейскую художественную сцену. В Германии Макс Бекманн , Отто Дикс , Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвещая приближение Второй мировой войны. В то время как в Америке живопись «Американская сцена» , а также движения соцреализма и регионализма, в мире искусства доминировали которые содержали как политические, так и социальные комментарии. Такие художники, как Бен Шан , Томас Харт Бентон , Грант Вуд , Джордж Тукер , Джон Стюарт Карри , Реджинальд Марш и другие, стали известными. В Латинской Америке, помимо уругвайского художника Хоакина Торреса Гарсиа и Руфино Тамайо из Мексики, движение монументалистов с Диего Риверой , Давидом Сикейросом , Хосе Ороско , Педро Нель Гомесом и Сантьяго Мартинесом Дельгадо , а также символистские картины Фриды Кало положили начало возрождению искусства для региона, с использованием колорита, исторических и политических посланий. Символистские работы Фриды Кало также тесно связаны с сюрреализмом и движением магического реализма в литературе. Психологическая драма многих автопортретов Кало (вверху) подчеркивает жизненность и актуальность ее картин для художников 21 века.

«Американская готика» — картина Гранта Вуда 1930 года. На ней изображены фермер с вилами и молодая женщина перед домом в стиле плотницкой готики . Это одно из самых знакомых изображений в американском искусстве 20-го века . Искусствоведы положительно отзывались о картине, например, Гертруда Стайн и Кристофер Морли . Они полагали, что картина должна была стать сатирой на жизнь маленького городка. Таким образом, это рассматривалось как часть тенденции ко все более критическому изображению сельской Америки по образцу « Уайнсбурга» Шервуда Андерсона 1919 года , Огайо , » Синклера Льюиса 1920 года «Мейн-стрит и Карла Ван Вехтена » «Татуированной графини в литературе. ^{[ 60 ]} Однако с наступлением Великой депрессии картина стала рассматриваться как изображение стойкого американского новаторского духа.

Диего Ривера, пожалуй, наиболее известен публике благодаря своей фреске 1933 года « Человек на распутье », расположенной в вестибюле здания RCA в Рокфеллер-центре . Когда его покровитель Нельсон Рокфеллер обнаружил, что на фреске изображен портрет Владимира Ленина и другие коммунистические изображения, он уволил Риверу, а незаконченная работа была в конечном итоге уничтожена сотрудниками Рокфеллера. Фильм «Колыбель будет роком» включает в себя инсценировку этого противоречия. Работы Фриды Кало (жены Риверы) часто характеризуются резким изображением боли. Из 143 ее картин 55 являются автопортретами , которые часто включают символическое изображение ее физических и психологических ран. Кало находилась под глубоким влиянием местной мексиканской культуры, что проявляется в ярких цветах и драматическом символизме ее картин. В ее работах также часто изображаются христианские и еврейские темы; она сочетала элементы классической религиозной мексиканской традиции, часто кровавой и жестокой, с сюрреалистическими изображениями. Хотя ее картины не являются откровенно христианскими, они, безусловно, содержат элементы мрачного мексиканского христианского стиля религиозных картин.

Политическая активность была важной частью жизни Давида Сикейроса и часто вдохновляла его отказаться от творческой карьеры. Его искусство глубоко укоренилось в Мексиканской революции , жестоком и хаотичном периоде в истории Мексики, когда различные социальные и политические фракции боролись за признание и власть. Период с 1920-х по 1950-е годы известен как Мексиканский Ренессанс, и Сикейрос активно пытался создать искусство, которое было бы одновременно мексиканским и универсальным. Он ненадолго отказался от рисования, чтобы сосредоточиться на организации горняков в Халиско.

Мировой конфликт

Эрнст Людвиг Кирхнер , 1935–1937, немецкий экспрессионизм.
Василий Кандинский Композиция X 1939, Геометрическая абстракция

В течение 1930-х годов радикальная левая политика характеризовала многих художников, связанных с сюрреализмом , включая Пабло Пикассо . ^{[ 61 ]} 26 апреля 1937 года, во время гражданской войны в Испании , баскский город Герника стал местом « бомбардировки Герники » легионом «Кондор» Люфтваффе нацистской Германии. Немцы атаковали, чтобы поддержать усилия Франсиско Франко по свержению правительства Басков и испанского республиканского правительства. Город был опустошен, хотя Бискайское собрание и Дуб Герники уцелели. Пабло Пикассо нарисовал свою фреску размером с Гернику в память об ужасах бомбардировок.

Пабло Пикассо , *Герника* , 1937, протест против фашизма.

В своем окончательном виде «Герника» представляет собой огромную черно-белую фреску высотой 3,5 метра (11 футов) и шириной 7,8 метра (26 футов), написанную маслом. Фреска представляет сцену смерти, насилия, жестокости, страданий и беспомощности, но не изображает их непосредственные причины. Выбор черно-белой картины контрастирует с интенсивностью изображенной сцены и вызывает непосредственность газетной фотографии. ^{[ 62 ]} Пикассо написал картину размером с фреску под названием «Герника» в знак протеста против бомбардировки. Картина впервые была выставлена в Париже в 1937 году, затем в Скандинавии , затем в Лондоне в 1938 году и, наконец, в 1939 году по просьбе Пикассо картина была отправлена в США в рамках расширенной ссуды (на хранение) в МоМА . Картина путешествовала по музеям США до своего окончательного возвращения в Музей современного искусства в Нью-Йорке, где она экспонировалась почти тридцать лет. Наконец, в соответствии с желанием Пабло Пикассо подарить картину народу Испании, в 1981 году она была отправлена в Испанию.

Во время Великой депрессии 1930-х годов, в годы Второй мировой войны, американское искусство характеризовалось социальным реализмом и американской сценической живописью в работах Гранта Вуда , Эдварда Хоппера , Бена Шана , Томаса Харта Бентона и некоторых других. «Ночные ястребы» (1942) — картина Эдварда Хоппера, на которой изображены люди, сидящие в закусочной поздно вечером в центре города. Это не только самая известная картина Хоппера, но и одна из самых узнаваемых в американском искусстве. В настоящее время она находится в коллекции Художественного института Чикаго . Сцена была вдохновлена закусочной ( после сноса) в Гринвич-Виллидж , родном районе Хоппера на Манхэттене . Хоппер начал рисовать ее сразу после нападения на Перл-Харбор . После этого события над страной царило большое ощущение уныния, ощущение, которое изображено на картине. Городская улица за пределами закусочной пуста, а внутри никто из трех посетителей, очевидно, не смотрит и не разговаривает с другими, а вместо этого погружен в свои мысли. Изображение современной городской жизни как пустой и одинокой — общая тема всех работ Хоппера.

Динамика развития художников в Европе в 1930-е годы быстро ухудшалась по мере того, как росла власть нацистов в Германии и во всей Восточной Европе. Климат стал настолько враждебным для художников и искусства, связанного с модернизмом и абстракцией , что многие уехали в Америку. Дегенеративное искусство — термин, принятый нацистским режимом в Германии практически для всего современного искусства . Такое искусство было запрещено на том основании, что оно носило антигерманский или еврейско-большевистский характер, а те, кого считали художниками-дегенератами, подвергались санкциям. В их число входило увольнение с преподавательских должностей, запрет на выставку или продажу своего искусства, а в некоторых случаях полный запрет на создание произведений искусства.

«Дегенеративное искусство» также называлось на выставке, организованной нацистами в Мюнхене в 1937 году и состоящей из хаотично развешенных модернистских произведений искусства, сопровождаемых текстовыми надписями, высмеивающими это искусство. Выставка, призванная настроить общественное мнение против модернизма, впоследствии побывала в нескольких других городах Германии и Австрии. Немецкий художник Макс Бекманн и множество других бежали из Европы в Нью-Йорк. В Нью-Йорке новое поколение молодых и ярких художников-модернистов во главе с Аршилом Горки , Виллемом де Кунингом и другими только начинало взрослеть.

Портрет Аршила Горки человека, которым мог бы быть Виллем де Кунинг (вверху), является примером эволюции абстрактного экспрессионизма из контекста фигурной живописи, кубизма и сюрреализма . Вместе со своими друзьями де Кунингом и Джоном Д. Грэмом Горький создавал абстрактные фигуративные композиции биоморфной формы, которые к 1940-м годам превратились в полностью абстрактные картины. Работы Горького кажутся тщательным анализом памяти, эмоций и формы, используя линию и цвет для выражения чувств и природы.

К середине века

1940-е годы в Нью-Йорке ознаменовали триумф американского абстрактного экспрессионизма , модернистского движения, которое объединило уроки, извлеченные из Анри Матисса , Пабло Пикассо , сюрреализма, Жоана Миро , кубизма, фовизма и раннего модернизма через великих учителей в Америке, таких как Ганс Хофманн и Джон. Д. Грэм . Американские художники извлекли выгоду из присутствия Пита Мондриана , Фернана Леже , Макса Эрнста и группы Андре Бретона , галереи Пьера Матисса и Пегги Гуггенхайм галереи «Искусство этого века », а также других факторов. фигуративное творчество Фрэнсиса Бэкона , Фриды Кало , Эдварда Хоппера , Люсьена Фрейда , Эндрю Уайета Своеобразной альтернативой абстрактному экспрессионизму послужило и других.

Американская живопись после Второй мировой войны под названием «Абстрактный экспрессионизм» включала таких художников, как Джексон Поллок , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Марк Ротко , Ганс Хофманн , Клиффорд Стилл , Франц Клайн , Адольф Готлиб , Марк Тоби , Барнетт Ньюман , Джеймс Брукс , Филип Гастон , Роберт Мазервелл , Конрад Марка-Релли , Джек Творков , Уильям Базиотес , Ричард Пусетт-Дарт , Эд Рейнхардт , Хедда Стерн , Джимми Эрнст , Эстебан Висенте , Брэдли Уокер Томлин и Теодорос Стамос и другие. Американский абстрактный экспрессионизм получил свое название в 1946 году от искусствоведа Роберта Коутса . Он рассматривается как сочетание эмоциональной интенсивности и самоотречения немецких экспрессионистов с антифигуративной эстетикой европейских абстрактных школ, таких как футуризм , Баухаус и синтетический кубизм. Абстрактный экспрессионизм, живопись действия и живопись цветового поля являются синонимами Нью-Йоркской школы .

Технически сюрреализм был важным предшественником абстрактного экспрессионизма с его упором на спонтанное, автоматическое или подсознательное творчество. Капающая краска Джексона Поллока на холст, лежащий на полу, – это техника, берущая свое начало в творчестве Андре Массона . Еще одним важным ранним проявлением того, что впоследствии стало абстрактным экспрессионизмом, являются работы американского художника Северо-Запада Марка Тоби , особенно его полотна «белого письма», которые, хотя и невелики по размеру, предвосхищают «сплошной» вид капельных картин Поллока.

Абстрактный экспрессионизм

Кроме того, абстрактный экспрессионизм имеет образ мятежного, анархического, весьма своеобразного и, по мнению некоторых, довольно нигилистического. На практике этот термин применяется к любому количеству художников, работающих (в основном) в Нью-Йорке, у которых были совершенно разные стили, и даже применяется к работам, которые не являются особенно абстрактными или экспрессионистскими. » Поллока Энергичные « картины действия с их «занятым» ощущением отличаются как технически, так и эстетически от жестокой и гротескной «Женщины» серии Виллема де Кунинга . Как видно выше в галерее, «Женщина V» — одна из шести картин, написанных де Кунингом между 1950 и 1953 годами, на которых изображена женская фигура в три четверти длины. Он начал первую из этих картин, «Женщина I из коллекции: Музей современного искусства , Нью-Йорк», в июне 1950 года, неоднократно меняя и закрашивая изображение до января или февраля 1952 года, когда картина была оставлена незавершенной. Вскоре после этого искусствовед Мейер Шапиро увидел картину в студии де Кунинга и призвал художника продолжать работу. В ответ де Кунинг начал создавать еще три картины на ту же тему; Коллекция «Женщина II» : Музей современного искусства , Нью-Йорк, «Женщина III» , Тегеранский музей современного искусства , «Женщина IV» , Художественный музей Нельсона-Аткинса , Канзас-Сити, Миссури . Летом 1952 года, проведенным в Ист-Хэмптоне , де Кунинг исследовал эту тему с помощью рисунков и пастели. Возможно, он закончил работу над «Женщиной I» к концу июня или, возможно, даже к ноябрю 1952 года, и, вероятно, три другие женские картины были завершены примерно в то же время. ^{[ 63 ]} Серия «Женщина» — это определенно фигуративные картины . Другой важный художник — Франц Кляйн , о чем свидетельствует его картина «Хай-стрит » в 1950 году, как и Джексон Поллок и другие абстрактные экспрессионисты, был назван «художником действия» из-за его, казалось бы, спонтанного и интенсивного стиля, меньше или вообще не сосредотачивающегося на цифры или образы, а на реальных мазках кисти и использовании холста. ^{[ 64 ]}^{[ 65 ]}^{[ 66 ]}^{[ 67 ]}

Клиффорд Стилл , Барнетт Ньюман , Адольф Готлиб и безмятежно мерцающие цветные блоки в работах Марка Ротко (которые не относятся к тому, что обычно называют экспрессионистскими и абстрактность которых Ротко отрицал), классифицируются как абстрактные экспрессионисты, хотя и с точки зрения Клемента. Гринберг назвал направление «Цветовое поле» абстрактным экспрессионизмом. И Ганса Хофмана , и Роберта Мазервелла (галерея) можно с уверенностью охарактеризовать как практиков живописи действия и живописи цветового поля.

Абстрактный экспрессионизм имеет много стилистического сходства с русскими художниками начала 20-го века, такими как Василий Кандинский . Хотя это правда, что спонтанность или впечатление спонтанности характеризовали многие работы абстрактных экспрессионистов, большинство этих картин требовали тщательного планирования, особенно потому, что этого требовали их большие размеры. Исключением могут быть капельные картины Поллока.

Почему этот стиль получил широкое признание в 1950-х годах, остается предметом споров. Американский социальный реализм был основным направлением в 1930-х годах. На него повлияла не только Великая депрессия , но и социальные реалисты Мексики, такие как Давид Альфаро Сикейрос и Диего Ривера . Политический климат после Второй мировой войны недолго терпел социальные протесты этих художников. Абстрактный экспрессионизм возник во время Второй мировой войны и начал демонстрироваться в начале 1940-х годов в галереях Нью-Йорка, таких как The Art of This Century Gallery . Конец 1940-х — середина 1950-х годов ознаменовали эпоху Маккарти . Это было после Второй мировой войны, во времена политического консерватизма и крайней художественной цензуры в Соединенных Штатах. Некоторые люди предполагают, что, поскольку предмет часто был совершенно абстрактным, абстрактный экспрессионизм стал для художников безопасной стратегией для следования этому стилю. Абстрактное искусство можно рассматривать как аполитичное. Или, если искусство было политическим, послание было в основном для инсайдеров. Однако таких теоретиков меньшинство. Будучи первой по-настоящему оригинальной школой живописи в Америке, абстрактный экспрессионизм продемонстрировал жизнеспособность и креативность страны в послевоенные годы, а также ее способность (или необходимость) развивать эстетическое чувство, не ограниченное европейскими стандартами. красоты.

Хотя абстрактный экспрессионизм быстро распространился по Соединенным Штатам, основными центрами этого стиля были Нью-Йорк и Калифорния, особенно в Нью-Йоркской школе , и район залива Сан-Франциско. Картины абстрактного экспрессионизма имеют общие характеристики, в том числе использование больших холстов, «сплошной» подход, при котором всему холсту уделяется равное внимание (в отличие от того, что центр представляет больший интерес, чем края). Холст как арена стал кредо живописи действия, а целостность картинной плоскости стала кредо художников Цветового поля. Многие другие художники начали выставлять свои картины, связанные с абстрактным экспрессионизмом, в 1950-х годах, в том числе Альфред Лесли , Сэм Фрэнсис , Джоан Митчелл , Хелен Франкенталер , Сай Твомбли , Милтон Резник , Майкл Голдберг , Норман Блюм , Рэй Паркер , Николас Кароне , Грейс Хартиган , Фридель Дзубас , и Роберт Гудноу среди других.

В течение 1950-х годов живопись Цветового поля первоначально относилась к определенному типу абстрактного экспрессионизма , особенно к работам Марка Ротко , Клиффорда Стилла, Барнетта Ньюмана, Роберта Мазервелла и Адольфа Готлиба . По сути, это абстрактные картины с большими плоскими цветными пространствами, которые выражали чувственные и визуальные ощущения и свойства больших участков поверхности с нюансами. Искусствовед Клемент Гринберг воспринимал живопись «Цветовое поле» как родственную живописи действия, но отличную от нее. Общий размах и гештальт работ первых художников цветового поля говорят о почти религиозном опыте, благоговении перед расширяющейся вселенной чувственности, цвета и поверхности. В начале-середине 1960-х годов живопись «Цветовое поле» стала относиться к стилям таких художников, как Жюль Олицки , Кеннет Ноланд и Хелен Франкенталер , чьи работы были связаны с абстрактным экспрессионизмом второго поколения, а также к более молодым художникам, таким как Ларри Зокс. и Фрэнк Стелла – все движутся в новом направлении. Такие артисты, как Клиффорд Стилл, Марк Ротко , Ганс Хофманн , Моррис Луис , Жюль Олицки , Кеннет Ноланд , Хелен Франкенталер , Ларри Зокс и другие часто использовали значительно сокращенные ссылки на природу, и они рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвета. В целом эти художники исключили узнаваемые образы. В «Горах и море» 1952 года, оригинальной работе « Цветовое поле », Хелен Франкенталер художница впервые использовала технику окрашивания.

В Европе произошло продолжение сюрреализма, кубизма, дадаизма и произведений Матисса . Также в Европе ташизм новейшее поколение завоевало (европейский эквивалент абстрактного экспрессионизма). Серж Поляков , Николя де Сталь , Жорж Матье , Виейра да Силва , Жан Дюбюффе , Ив Кляйн и Пьер Сулаж среди других считаются важными фигурами в послевоенной европейской живописи.

В конечном итоге абстрактная живопись в Америке превратилась в такие движения, как нео-дада , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с жесткими краями , минимализм , фигурная живопись на холсте, лирическая абстракция , неоэкспрессионизм и продолжение абстрактного экспрессионизма. В ответ на тенденцию к абстракции образы возникли в различных новых движениях, особенно в поп-арте .

Поп-арт

термин «поп-арт» использовал Ранее в Англии, в 1956 году, Лоуренс Аллоуэй для картин, прославляющих потребительство эпохи после Второй мировой войны. Это движение отвергло абстрактный экспрессионизм и его акцент на герменевтическом и психологическом интерьере в пользу искусства, которое изображало и часто прославляло материальную потребительскую культуру, рекламу и иконографию эпохи массового производства. ^{[ 68 ]} Ранние работы Дэвида Хокни и работы Ричарда Гамильтона, Питера Блейка и Эдуардо Паолоцци считались плодотворными примерами этого движения.

Поп-арт в Америке был в значительной степени первоначально вдохновлен работами Джаспера Джонса , Ларри Риверса и Роберта Раушенберга . Хотя картины Джеральда Мерфи , Стюарта Дэвиса и Чарльза Демута в 1920-х и 1930-х годах заложили основу для поп-арта в Америке. В Нью-Йорке в середине 1950-х годов Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс создали произведения искусства, которые на первый взгляд казались продолжением абстрактной экспрессионистской живописи. На самом деле их работы и работы Ларри Риверса были радикальным отходом от абстрактного экспрессионизма, особенно в использовании банальных и буквальных образов, а также включении и комбинировании обыденных материалов в их работы. Новаторство конкретного использования Джонсом различных изображений и объектов, таких как стулья, цифры, мишени, пивные банки и американский флаг; Картины Риверса с сюжетами, взятыми из популярной культуры, такие как Джордж Вашингтон , пересекающий Делавэр , и его включения изображений из рекламы, таких как верблюд из сигарет Camel , и удивительные конструкции Раушенберга с использованием включений объектов и изображений, взятых из популярной культуры, хозяйственных магазинов, свалок, улицы города и таксидермия дала начало радикально новому движению в американском искусстве . В конце концов, к 1963 году это движение стало известно во всем мире как поп-арт.

Американский поп-арт представлен художниками: Энди Уорхолом , Класом Ольденбургом , Уэйном Тибо , Джеймсом Розенквистом , Джимом Дайном , Томом Вессельманном и Роем Лихтенштейном и другими. Самая важная работа Лихтенштейна, пожалуй, « Ух!» (1963, Тейт Модерн , Лондон) ^{[ 69 ]}), один из самых ранних известных примеров поп-арта , адаптировал панель комиксов из выпуска DC Comics « All-American Men of War» 1962 года . ^{[ 70 ]} На картине изображен истребитель, запускающий ракету по самолету противника с красно-желтым взрывом. Мультяшный стиль усиливается звукоподражательной надписью « Ух ты! » и надписью в рамке : «Я нажал кнопку управления огнем... и впереди меня в небе пронеслись ракеты...» ^{[ 69 ]} Поп-арт объединяет популярную и массовую культуру с изобразительным искусством, привнося в эту смесь юмор, иронию, узнаваемые образы и содержание. В октябре 1962 года галерея Сидни Джениса организовала «Новые реалисты» — первую крупную групповую выставку поп-арта в художественной галерее на окраине Нью-Йорка. Сидни Дженис разместил выставку в витрине магазина на 57-й улице рядом со своей галереей на 15 E. 57th Street. Шоу произвело фурор в нью-йоркской школе и разошлось по всему миру. Ранее осенью 1962 года исторически важная и новаторская Новая живопись обычных предметов» выставка поп-арта « , куратором которой был Уолтер Хоппс в Художественном музее Пасадены, вызвала шок по западным Соединенным Штатам.

В то время как в центре Нью-Йорка, в галереях Ист-Виллидж на 10-й улице, художники формулировали американскую версию поп-арта . Клаас Ольденбург имел свою витрину и делал расписные предметы, а в Зеленой галерее на 57-й улице начали выставлять Тома Вессельмана и Джеймса Розенквиста . Позже Лео Кастелли выставлял других американских художников, в том числе большую часть карьеры Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна, а также использование им точек Бендея - техники, используемой в коммерческом воспроизведении. Существует связь между радикальными произведениями Дюшана и Ман Рэя , бунтующими дадаистами – с чувством юмора; и поп-артисты, такие как Алекс Кац (который стал известен своими пародиями на портретную фотографию и загородную жизнь), Клаас Ольденбург, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и другие.

В то время как на протяжении 20-го века многие художники продолжали практиковать пейзажную и фигуративную живопись, используя современные сюжеты и надежную технику, такие как Милтон Эйвери , Джон Д. Грэм , Фэрфилд Портер , Эдвард Хоппер , Бальтюс , Фрэнсис Бэкон , Николя де Сталь , Эндрю Уайет , Люсьен Фрейд. , Фрэнк Ауэрбах , Филип Перлштейн , Дэвид Парк , Натан Оливейра , Дэвид Хокни , Малкольм Морли , Ричард Эстес , Ральф Гоингс , Одри Флэк , Чак Клоуз , Сьюзен Ротенберг , Эрик Фишль , Виджа Селминс и Ричард Дибенкорн .

Фигуратив, пейзаж, натюрморт, морской пейзаж и реализм.

В период с 1930-х по 1960-е годы абстрактная живопись в Америке и Европе превратилась в такие движения, как абстрактный экспрессионизм , живопись цветового поля, пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с жесткими краями , минимализм , фигурная живопись на холсте и лирическая абстракция . Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции, позволив фигуративным образам продолжать свое существование в различных новых контекстах, таких как фигуративное движение области залива в 1950-х годах и новые формы экспрессионизма с 1940-х по 1960-е годы. В то время в Италии Джорджио Моранди был выдающимся художником-натюрмортом, исследовавшим самые разнообразные подходы к изображению повседневных бутылок и кухонных принадлежностей. ^{[ 71 ]} На протяжении ХХ века многие художники практиковали реализм и использовали выразительные образы; практикует пейзажную и фигуративную живопись с использованием современных сюжетов, твердой техники и уникальной выразительности, как -натюрморт художник Джорджио Моранди , Милтон Эйвери , Джон Д. Грэм , Фэрфилд Портер , Эдвард Хоппер , Эндрю Уайет , Бальтюс , Фрэнсис Бэкон , Леон Коссофф , Фрэнк Ауэрбах , Люсьен Фрейд , Филип Перлштейн , Виллем де Кунинг , Аршил Горки , Грейс Хартиган , Роберт Де Ниро-старший , Элейн де Кунинг и другие. Наряду с Анри Матиссом , Пабло Пикассо , Пьером Боннаром , Жоржем Браком и другими мастерами 20 века. В частности, Милтон Эйвери благодаря своему использованию цвета и своему интересу к морским пейзажам и пейзажным картинам, связанным с аспектом цветового поля абстрактного экспрессионизма, проявленным Адольфом Готлибом и Марком Ротко , а также уроками, которые американские художники извлекли из работ Анри Матисса . ^{[ 72 ]}^{[ 73 ]}

«Глава VI , 1949» — картина ирландского художника Фрэнсиса Бэкона , являющаяся примером европейского экспрессионизма после Второй мировой войны . Работа представляет собой искаженную версию «Портрета Иннокентия X», написанного испанским художником Диего Веласкесом в 1650 году. Работа представляет собой один из серии вариантов картины Веласкеса, которую Бэкон выполнил на протяжении 1950-х и начала 1960-х годов, всего более сорока -пять работ. ^{[ 74 ]} Когда его спросили, почему он был вынужден так часто возвращаться к этой теме, Бэкон ответил, что он ничего не имеет против Пап, что он просто «хотел предлог для использования этих цветов, и нельзя придать обычной одежде такого фиолетового цвета, не впадая в что-то вроде ложной фовистской манеры». ^{[ 75 ]} Папа в этой версии кипит гневом и агрессией, а темные цвета придают изображению гротескный и кошмарный вид. ^{[ 76 ]} Плиссированные шторы на заднем плане сделаны прозрачными и, кажется, падают на лицо Папы. ^{[ 77 ]} Итальянский художник Джорджио Моранди был важным пионером минимализма 20-го века. Родившийся в Болонье, Италия , в 1890 году, Моранди на протяжении всей своей карьеры концентрировался почти исключительно на натюрмортах и пейзажах, за исключением нескольких автопортретов. Обладая большой чувствительностью к тону, цвету и композиционному балансу, он снова и снова изображал одни и те же знакомые бутылки и вазы на картинах, отличавшихся простотой исполнения. Моранди выполнил 133 гравюры, что само по себе является значительным объемом работ, а его рисунки и акварели часто приближаются к абстракции в своей экономии средств. Благодаря своим простым и повторяющимся мотивам и экономному использованию цвета, цвета и поверхности Моранди стал дальновидным и важным предшественником минимализма . Он умер в Болонье в 1964 году.

После Второй мировой войны термин «Парижская школа» часто относился к Ташизму , европейскому эквиваленту американского абстрактного экспрессионизма, и эти художники также связаны с Коброй . Важными сторонниками являются Жан Дюбюффе , Пьер Сулаж , Николя де Сталь , Ганс Хартунг , Серж Поляков и Жорж Матье , среди некоторых других. В начале 1950-х годов Дюбюффе (который всегда был художником-фигуративом) и де Сталь отказались от абстракции и вернулись к изображениям через фигуру и пейзаж. Работы Де Сталя быстро получили признание в мире послевоенного искусства, и он стал одним из самых влиятельных художников 1950-х годов. Его возвращение к репрезентации (морские пейзажи, футболисты, джазовые музыканты, чайки) в начале 1950-х годов можно рассматривать как влиятельный прецедент для Фигуративного движения Американского залива , как и многие из этих художников-абстракционистов, таких как Ричард Дибенкорн , Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Уэйн. Тибо , Натан Оливейра , Джоан Браун и другие сделали аналогичный ход; возвращаясь к изображениям в середине 1950-х годов. Большая часть поздних работ де Сталя, в частности его разбавленные и разбавленные маслом на холсте абстрактные пейзажи середины 1950-х годов, предсказывает живопись Цветового поля и Лирическая абстракция 1960-х и 1970-х годов. Смелый и чрезвычайно яркий цвет Николя де Сталя в его последних картинах предсказал направление большей части современной живописи, последовавшей за ним, включая поп-арт 1960-х годов.

Арт брют, Новый Реализм, Фигуративное Движение Залива, Неодадаизм, фотореализм

Джон Бедер , Фотореализм

В течение 1950-х и 1960-х годов абстрактная живопись в Америке и Европе развивалась в такие движения, как цветового поля живопись , пост-живописная абстракция , оп-арт , живопись с жесткими краями , минимализм , фигурная живопись на холсте, лирическая абстракция и продолжение абстрактного экспрессионизма. . Другие художники отреагировали на тенденцию к абстракции искусством брют . ^{[ 78 ]} как это видно в «Корте на улице», 1962, Жана Дюбюффе , «флюксус» , «неодадаизм» , «новый реализм» , позволяя образам вновь возникать в различных новых контекстах, таких как поп-арт , фигуративное движение области залива (ярким примером является «Городской пейзаж I» Дибенкорна , (Пейзаж №1), 1963, холст, масло, 60 1/4 х 50 1/2 дюймов, коллекция: Музей современного искусства Сан-Франциско ), а позднее, в 1970-е годы, неоэкспрессионизм . которого является Дэвид Парк , Элмер Бишофф , Натан Оливейра и Ричард Дибенкорн, чья картина «Городской пейзаж 1» Фигуративное движение области залива , типичным примером , 1963 год, было влиятельными членами, процветало в 1950-х и 1960-х годах в Калифорнии. Хотя на протяжении всего 20-го века художники продолжали практиковать реализм и использовать образы, практикуя пейзажную и фигуративную живопись с современными сюжетами и солидной техникой, а также уникальной выразительностью, такие как Милтон Эйвери , Эдвард Хоппер , Жан Дюбюффе , Фрэнсис Бэкон , Франк Ауэрбах , Люсьен Фрейд , Филип Перлштейн. и другие. Молодые художники практиковали использование образов новыми и радикальными способами. Ив Кляйн , Марсьяль Райсс , Ники де Сен-Фалль , Вольф Фостелл , Дэвид Хокни , Алекс Кац , Малкольм Морли , Ральф Гоингс , Одри Флэк , Ричард Эстес , Чак Клоуз , Сьюзан Ротенберг , Эрик Фишль , Джон Бэдер и Вия Селминс были лишь немногими, кто стал известен в период с 1960-х по 1980-е годы. Фэрфилд Портер был в основном самоучкой и создавал репрезентативные работы в разгар движения абстрактного экспрессионизма . Его предметами были в первую очередь пейзажи, домашние интерьеры и портреты семьи, друзей и коллег-художников, многие из которых были связаны с Нью-Йоркской школой писателей, в том числе Джон Эшбери , Фрэнк О'Хара и Джеймс Шайлер . Многие из его картин были созданы в семейном летнем доме или вокруг него на острове Грейт-Спрус-Хед, штат Мэн .

Также в 1960-е и 1970-е годы наблюдалась реакция против живописи. Критики, такие как Дуглас Кримп, рассматривали работы таких художников, как Эд Рейнхардт , и заявили о «смерти живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели известность, некоторые из них: Fluxus , Happening , Video art , инсталляционное искусство , мейл-арт , ситуационисты , концептуальное искусство , постминимализм , искусство Земли , арте повера , перформанс и боди-арт среди других. ^{[ 79 ]}^{[ 80 ]}

Неодада – это также движение, которое зародилось в 1950-х и 1960-х годах и было связано с абстрактным экспрессионизмом только с помощью образов. Появление комбинированных изделий с использованием художественных материалов, отходя от прежних традиций живописи. Эта тенденция в искусстве иллюстрируется работами Джаспера Джонса и Роберта Раушенберга , чьи «комбинаты» в 1950-х годах были предшественниками поп-арта и инсталляционного искусства и использовали ассамбляж крупных физических объектов, включая чучела животных, птиц и рекламные произведения искусства. фотография. Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс , Ларри Риверс , Джон Чемберлен , Клаас Ольденбург , Джордж Сигал , Джим Дайн и Эдвард Кинхольц среди других были важными пионерами как абстракции, так и поп-арта; создание новых традиций художественного творчества; они сделали приемлемым в серьезных кругах современного искусства радикальное включение необычных материалов в свои произведения искусства.

Новая абстракция 1950-х – 1980-х годов.

Ив Кляйн , 1962, Монохромная картина.

Живопись Цветового поля ясно указывала на новое направление в американской живописи, вдали от абстрактного экспрессионизма . Живопись цветового поля связана с пост-живописной абстракцией , супрематизмом , абстрактным экспрессионизмом , резкой живописью и лирической абстракцией . В течение 1960-х и 1970-х годов абстрактная живопись продолжала развиваться в Америке в различных стилях. Геометрическая абстракция , оп-арт, живопись с жесткими краями , живопись цветового поля и минимальная живопись - вот некоторые взаимосвязанные направления продвинутой абстрактной живописи, а также некоторые другие новые движения. Моррис Луи был важным пионером в современной живописи цветового поля . Его работы могут служить мостом между абстрактным экспрессионизмом , живописью цветового поля и минималистским искусством . Два влиятельных учителя Йозеф Альберс и Ханс Хофманн познакомили новое поколение американских художников со своими передовыми теориями цвета и пространства. Йозефа Альберса больше всего помнят за его работы как художника и теоретика геометрического абстракционизма . Наиболее известны сотни картин и гравюр, входящих в эту серию. Посвящение площади . В этой строгой серии, начатой в 1949 году, Альберс исследовал хроматические взаимодействия с плоскими цветными квадратами, расположенными концентрически на холсте. Теории Альберса об искусстве и образовании сыграли определяющую роль для следующего поколения художников. Его собственные картины составляют основу как жесткой живописи, так и оп-арта.

Йозеф Альберс , Ганс Хофманн , Илья Болотовский , Бургойн Диллер , Виктор Вазарели , Бриджит Райли , Ричард Анушкевич , Фрэнк Стелла , Моррис Луис , Кеннет Ноланд ^{[ 81 ]} Эллсворт Келли , Барнетт Ньюман , Ларри Пунс , Рональд Дэвис , Ларри Зокс , Эл Хелд и некоторые другие, такие как Мино Ардженто , ^{[ 82 ]} — художники, тесно связанные с геометрической абстракцией , оп-артом, живописью цветового поля, а в случае Хофмана и Ньюмана — с абстрактным экспрессионизмом.

выставка под названием «Отзывчивый глаз» прошла В 1965 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке , куратором которой был Уильям К. Зейтц. Представленные работы были широкими и включали в себя минимализм Фрэнка Стеллы , оп-арт Ларри Пунса, работы Александра Либермана , а также мастеров движения оп-арта: Виктора Вазарели , Ричарда Анушкевича , Бриджит Райли и других. Выставка сосредоточилась на перцептивных аспектах искусства, возникающих как в результате иллюзии движения, так и взаимодействия цветовых отношений. Оп-арт, также известный как оптическое искусство, — это стиль, присутствующий в некоторых картинах и других произведениях искусства, в которых используются оптические иллюзии . Оп-арт также тесно связан с геометрической абстракцией и резкой живописью . Хотя иногда для этого используют термин «перцептивная абстракция».

Оп-арт — это метод живописи, касающийся взаимодействия иллюзии и плоскости изображения, понимания и видения. ^{[ 83 ]} Произведения оп-арта абстрактны, многие из наиболее известных произведений выполнены только в черно-белых тонах. Когда зритель смотрит на них, создается впечатление движения, скрытых изображений, мельканий и вибрации, узоров или, наоборот, вздутия или деформации.

Живопись Цветового поля стремилась избавить искусство от лишней риторики. Такие художники, как Клиффорд Стилл , Марк Ротко , Ганс Хофманн , Моррис Луис , Жюль Олицки , Кеннет Ноланд , Хелен Франкенталер , Джон Хойланд , Ларри Зокс и другие, часто использовали значительно сокращенные отсылки к природе, и они рисовали с четко сформулированным и психологическим использованием цвет. В целом эти художники исключили узнаваемые образы. Некоторые художники цитировали ссылки на прошлое или настоящее искусство, но в целом живопись цветового поля представляет абстракцию как самоцель. Развивая это направление современного искусства , художники стремились представить каждую картину как один единый, целостный, монолитный образ.

Вашингтонская школа цвета, Фигурный холст, Абстрактный иллюзионизм, Лирическая абстракция

Вашингтонская школа цвета , также известная как Вашингтонская школа цвета, ^{[ 84 ]} — художественное движение , зародившееся в 1950–1970-х годах в Вашингтоне, округ Колумбия , в США, созданное художниками- абстракционистами-экспрессионистами . Движение возникло в то время, когда общество, искусство и люди быстро менялись. Основателями этого движения являются Моррис Луис и Кеннет Ноланд . ^{[ 85 ]}^{[ 86 ]} однако еще четыре художника участвовали в первой художественной выставке 1965 года. ^{[ 87 ]}

Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Эллсворт Келли , Барнетт Ньюман , Рональд Дэвис , Нил Уильямс , Роберт Мэнголд , Чарльз Хинман , Ричард Таттл , Дэвид Новрос и Эл Ловинг — примеры художников, связанных с использованием фигурного холста в период, начинающийся в начало 1960-х годов. Многие художники-геометристы-абстракционисты , минималисты и художники с жесткими краями предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использование фигурного холста в первую очередь связано с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые носят холодно- абстрактный , формалистический, геометрический, объективный, рационалистический, чистый, резкий или минималистичный характер. Галерея Андре Эммериха, Галерея Лео Кастелли , Галерея Ричарда Фейгена и Галерея Парк-Плейс были важными витринами живописи Цветового поля , фигурной живописи на холсте и Лирической абстракции в Нью-Йорке в 1960-е годы. Есть связь с постживописной абстракцией. , который выступил против мистицизма абстрактного экспрессионизма , гиперсубъективности и акцента на том, чтобы сделать сам акт живописи драматически видимым, а также торжественного принятия плоского прямоугольника как почти ритуальной предпосылки для серьезной живописи. В 1960-е годы живопись цветового поля и минимализм часто были тесно связаны друг с другом. На самом деле к началу 1970-х годов оба движения стали решительно разнообразными.

Другое родственное движение конца 1960-х годов, «Лирическая абстракция» (термин, придуманный Ларри Олдричем, основателем Музея современного искусства Олдрича в Риджфилде, Коннектикут), охватывало то, что, по словам Олдрича, он видел в студиях многих художников того времени. ^{[ 88 ]} Это также название выставки, которая возникла в Музее Олдрича и побывала в Музее американского искусства Уитни и других музеях США в период с 1969 по 1971 год. ^{[ 89 ]}

Ронни Лэндфилд , 1968, Лирическая абстракция

Лирическая абстракция конца 1960-х годов характеризуется картинами Дэна Кристенсена , Ронни Лэндфилда , Питера Янга и других, а наряду с движением флюксус и постминимализмом (термин, впервые введенный Робертом Пинкус-Виттеном на страницах Artforum в 1969 году) ^{[ 90 ]} стремился расширить границы абстрактной живописи и минимализма, сосредоточив внимание на процессе, новых материалах и новых способах выражения. Постминимализм, часто включающий промышленные материалы, сырье, изделия, найденные предметы, инсталляцию, серийное повторение и часто со ссылками на дадаизм и сюрреализм , лучше всего иллюстрируется скульптурами Евы Гессе . ^{[ 90 ]} Лирическая абстракция, концептуальное искусство , постминимализм , земное искусство , видео, перформанс , искусство инсталляции , а также продолжение флюксуса, абстрактный экспрессионизм , цветового поля живопись , живопись с жесткими краями , минимализм , оп-арт , поп-арт , фотореализм и Нью. Реализм расширил границы современного искусства с середины 1960-х по 1970-е годы. ^{[ 91 ]} Лирическая абстракция — это тип свободной абстрактной живописи, возникший в середине 1960-х годов, когда художники-абстракционисты вернулись к различным формам живописного, живописного и экспрессионизма с преобладающим акцентом на процесс, гештальт и повторяющиеся композиционные стратегии в целом.

Лирическая абстракция имеет сходство с живописью цветового поля и абстрактным экспрессионизмом. Лирическая абстракция на примере Ронни Лэндфилда картины 1968 года «Для Уильяма Блейка » (вверху), особенно в свободном использовании краски – текстуры и поверхности. Прямой рисунок, каллиграфическое использование линий, эффекты нанесения кистью, разбрызгивания, окрашивания, ракеля, разливания и разбрызгивания краски внешне напоминают эффекты, наблюдаемые в абстрактном экспрессионизме и живописи цветового поля. Однако стили заметно различаются. 1940-1950-х годов его отличает От абстрактного экспрессионизма и живописи действия подход к композиции и драматургии. Как видно в живописи действия, упор делается на мазки, высокий композиционный драматизм, динамическую композиционную напряженность. В то время как в «Лирической абстракции» присутствует ощущение композиционной случайности, всей композиции, сдержанной и расслабленной композиционной драмы, а также акцент на процессе, повторении и всей чувственности. ^{[ 92 ]}^{[ 93 ]}

Жесткая живопись, минимализм, постминимализм, монохромная живопись.

Агнес Мартин , Роберт Мангольд , Брайс Марден , Джо Баер , Роберт Райман , Ричард Таттл , Нил Уильямс , Дэвид Новрос , Пол Могенсон, Чарльз Хинман — примеры художников, связанных с минимализмом и (за исключением Мартина, Бэра и Мардена) использованием фигурное полотно также в период, начинающийся с начала 1960-х годов. Многие художники-геометристы-абстракционисты , минималисты и художники с жесткими краями предпочитали использовать края изображения для определения формы картины, а не принимать прямоугольный формат. Фактически, использование фигурного холста в первую очередь связано с картинами 1960-х и 1970-х годов, которые носят холодно-абстрактный, формалистический, геометрический, объективный, рационалистический, чистый, резкий или минималистский характер. Галерея Bykert и галерея Park Place были важными витринами минимализма и фигурной живописи на холсте в Нью-Йорке в 1960-е годы.

В течение 1960-х и 1970-х годов такие художники, как Роберт Мазервелл , Адольф Готлиб , Филип Гастон , Ли Краснер , Сай Твомбли , Роберт Раушенберг , Джаспер Джонс , Ричард Дибенкорн , Йозеф Альберс , Элмер Бишофф , Агнес Мартин, Эл Хелд , Сэм Фрэнсис , Эллсворт Келли , Моррис Луис , Хелен Франкенталер , Джин Дэвис , Фрэнк Стелла , Кеннет Ноланд , Джоан Митчелл , Фридель Дзубас и более молодые артисты, такие как Брайс Марден, Роберт Мэнголд , Сэм Гиллиам , ^{[ 94 ]} Джон Хойланд , Шон Скалли , Пэт Стейр , Элизабет Мюррей , Ларри Пунс , Уолтер Дарби Баннард , Ларри Зокс , Ронни Лэндфилд , Рональд Дэвис , Дэн Кристенсен , Джоан Снайдер , Росс Блекнер , Арчи Рэнд , Сьюзан Крайл и десятки других произвели широкий фурор. разнообразие картин.

В 1960-е и 1970-е годы наблюдалась реакция против абстрактной живописи. Некоторые критики рассматривали работы таких художников, как Ад Рейнхардт , и заявляли о «смерти живописи». Художники начали практиковать новые способы создания искусства. Новые движения приобрели известность, некоторые из них: постминимализм , искусство Земли , видеоарт , искусство инсталляции , арте повера , перформанс , боди-арт , флюксус , хеппенинг , мейл-арт , ситуационисты и концептуальное искусство среди других.

Однако в 1960-х и 1970-х годах произошли еще другие важные инновации в абстрактной живописи, характеризующиеся монохромной живописью и резкой живописью, вдохновленными Эдом Рейнхардтом, Барнеттом Ньюманом , Милтоном Резником и Эллсвортом Келли . Такие разные художники, как Агнес Мартин, Эл Хелд, Ларри Зокс , Фрэнк Стелла , Ларри Пунс , Брайс Марден и другие, исследовали силу упрощения. Сближение живописи цветового поля , минимализма , резкой живописи, лирической абстракции и постминимализма стирало различия между движениями, которые стали более очевидными в 1980-х и 1990-х годах. Движение неоэкспрессионизма связано с более ранними разработками абстрактного экспрессионизма , нео-дадаизма , лирической абстракции и постминималистской живописи.

Неоэкспрессионизм

В конце 1960-х годов -абстракционист художник Филип Гастон помог осуществить переход от абстрактного экспрессионизма к неоэкспрессионизму в живописи, отказавшись от так называемой «чистой абстракции» абстрактного экспрессионизма в пользу более мультяшных изображений различных личных символов и объектов. Эти работы вдохновили новое поколение художников, заинтересованных в возрождении выразительных образов. Его картина «Живопись, курение, еда » (1973), представленная выше в галерее, является примером окончательного и окончательного возвращения Гастона к репрезентации.

В конце 1970-х — начале 1980-х годов также произошло возвращение к живописи, произошедшее почти одновременно в Италии, Германии, Франции и Великобритании . Эти движения назывались Transavantguardia , Neue Wilde , Figuration Libre , ^{[ 95 ]} Неоэкспрессионизм , лондонская школа, а в конце 1980-х — стакисты соответственно. Для этих картин характерны большие форматы, свободная выразительность рисунка, фигуративность, мифотворчество и воображение. Все работы в этом жанре стали называть неоэкспрессионизмом . Критическая реакция разделилась. Некоторые критики считали, что это вызвано стремлением крупных коммерческих галерей получить прибыль. Этот вид искусства продолжает пользоваться популярностью и в 21 веке, даже после арт-краха конца 1980-х годов. Ансельм Кифер - ведущая фигура европейского неоэкспрессионизма 1980-х годов. Темы Кифера расширились от акцента на роли Германии в цивилизации до судьбы искусства и культуры в целом. Его работы стали более скульптурными и затрагивают не только национальную идентичность и коллективную память, но и оккультную символику , теологию и мистицизм . Темой всех работ являются травмы, переживаемые целыми обществами, а также постоянное возрождение и обновление жизни.

В конце 1970-х годов в Соединенных Штатах художники, которые начали работать с оживленными поверхностями и вернулись к изображениям, такие как Сьюзен Ротенберг, приобрели популярность, особенно это видно на таких картинах, как « Лошадь 2 » 1979 года. В 1980-х годах американские художники, такие как Эрик Фишл , Дэвид Салле Джулиан Жан-Мишель Баския (который начинал как художник-граффити ), Шнабель и Кит Харинг , а также итальянские художники, такие как Миммо Паладино , Сандро Чиа и Энцо Кучки , среди прочих определили идею неоэкспрессионизма в Америке.

Неоэкспрессионизм — стиль современной живописи, который стал популярным в конце 1970-х годов и доминировал на арт-рынке до середины 1980-х годов. Оно развилось в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1960-х и 1970-х годов. Неоэкспрессионисты вернулись к изображению узнаваемых объектов, таких как человеческое тело (хотя иногда и в практически абстрактной манере), в грубой и бурно эмоциональной манере, используя яркие цвета и банальные цветовые гармонии. Художники-ветераны Филип Гастон , Франк Ауэрбах , Леон Коссофф , Герхард Рихтер , А.Р. Пенк и Георг Базелиц , а также художники немного моложе, такие как Ансельм Кифер , Эрик Фишль , Сьюзен Ротенберг , Франческо Клементе , Жан-Мишель Баския , Джулиан Шнабель , Кит Харинг , и многие другие стали известны благодаря работе в этом интенсивном экспрессионистском духе живописи.

Живопись по-прежнему занимает уважаемое место в современном искусстве . Искусство — это открытое поле, больше не разделенное дихотомией объективного и необъективного. Художники могут добиться успеха у критиков независимо от того, являются ли их изображения репрезентативными или абстрактными. Что имеет ценность, так это содержание, исследование границ среды и отказ от повторения произведений прошлого как конечной цели.

Современная живопись в 21 веке.

В начале 21 века современная живопись и современное искусство в целом продолжают развиваться в нескольких смежных модусах, характеризующихся идеей плюрализма . «Кризис» в живописи, современном искусстве и современной художественной критике сегодня вызван плюрализмом . Нет единого мнения, да и не должно быть, относительно репрезентативного стиля эпохи. Преобладает подход « все, что угодно »; синдром «все происходит» и, следовательно, «ничего не происходит»; это создает эстетическую пробку без четкого и четкого направления, и каждая полоса на художественной супермагистрали заполнена до отказа. Следовательно, великолепные и важные произведения искусства продолжают создаваться, хотя и в самых разных стилях и эстетических темпераментах, а рынку предоставлено право судить о достоинствах.

Америка

В период до и после освоения европейцами и заселения Америки, включая Северную Америку, Центральную Америку, Южную Америку и острова Карибского моря, Антильские острова , Малые Антильские острова и другие группы островов, коренные народы коренных народов создавали творческие произведения, включая архитектуру, гончарные изделия , керамика , ткачество , резьба , скульптура, живопись и фрески , а также другие религиозные и утилитарные предметы. На каждом континенте Америки существовали общества, которые были уникальными и индивидуально развитыми культурами; создавались тотемы, произведения религиозной символики, декоративно-выразительные живописные произведения. Африканское влияние было особенно сильно в искусстве Карибского бассейна и Южной Америки. Искусство коренных народов Америки оказало огромное влияние на европейское искусство и наоборот во время и после эпохи Великих географических открытий . Испания, Португалия, Франция, Нидерланды и Англия были могущественными и влиятельными колониальными державами в Америке в течение и после 15 века. К 19 веку культурное влияние начало распространяться через Атлантику в обе стороны.

Мексика и Центральная Америка

Фреска «Великая богиня Теотиуакана» с места в Тетитле, Мексика.
Фреска из комплекса Тепантитла в Теотиуакане , репродукция в Национальном музее антропологии в Мехико.
Часть фрески из комплекса Тепантитла представляет Тлалокана в Подземном мире, Мексика. один из уровней
Фреска с изображением комплекса «Ягуары» в Теотиуакане.
Портик А из Какаштлы представляет Человека-ягуара.
Фрагмент Красного храма, ок. 600–700 гг., Какаштла , Мексика.
Реконструкция гробницы 105 из Монте-Альбана .
Фреска майя из Бонампака , Мексика, 580–800 гг.
Фреска майя из Бонампака , 580–800 гг.
Фреска майя из Сан-Бартоло , доклассический период (1–250 гг. н. э.)
Картина на вазе трона «Повелитель шкуры ягуара», сцена двора майя , 700–800 гг.
Роспись вазы майя позднего классического периода (600–900 гг.)
Расписная керамическая фигурка короля из захоронения на острове Джайна , искусство майя, 400–800 гг. н.э.
Расписной рельеф стоянки майя Паленке с изображением сына Кинича Ахкала Мо Нааба III (678–730-е годы?, годы правления 722–729).
Картина из Дрезденского кодекса .
Микстековая Кодекса Зуш - картина из Нуттал .
Ацтекская Кодекса картина из Борджиа изображает Миктлантекутли и Кецалькоатля .
Ацтекская изображает из Кодекса Борбоникуса Тлалока . картина
Картина из Matriculo de Tributos, изображающая Ичкауипилли , Мексика.
Картина из Кодекса Мендосы, изображающая ацтекскую легенду об основании Теночтитлана , около 1553 года.

Южная Америка

Фрески Моче из городища Уака-де-ла-Луна , Перу , 100–700 гг. н.э.
Фреска Моче с изображением обезглавливателя из городища Уака-де-ла-Луна , Перу , 100–700 гг. н.э.
Фреска в Уака Као Вьехо, Перу
Расписная керамика культуры моче в Перу.
Косатка , расписная керамика, культура Наска , 300 г. до н.э. – 800 г. н.э., Музей Ларко . Лима, Перу
Расписная керамика культуры Уари в Перу , 500–1200 гг.
Роспись по телу, Коренные народы Бразилии , племя Патасо.

Северная Америка

Соединенные Штаты

Большая галерея , пиктограммы , Национальный парк Каньонлендс , Каньон Подкова , Юта , 15 на 200 футов (4,6 на 61,0 м), гр. 1500 г. до н.э.
Пиктограмма , юго-восток Юты , ок. 1200 г. до н.э. Народная культура
Расписная керамика , Анасази , Северная Америка: Столовая (горшок), раскопанная из руин в каньоне Чако , Нью-Мексико , ок. 700–1100 гг. н.э.
Расписной керамический кувшин с изображением подводной пантеры из культуры Миссисипи , найденный в Роуз-Маунд в округе Кросс, штат Арканзас , ок. 14:00–16:00.
Маска волка Хайда , 1880 год.
Кувшин хопи работы Нампейо (ок. 1860–1942), изготовленный в Аризоне , 1880 год.
Девушка из племени зуни в Нью-Мексико с расписным глиняным кувшином, сфотографировано ок. 1903.
Эдвард С. Кертис , навахо песочная живопись , сепия фотогравюра ок. 1907 год
Мужчина навахо в церемониальном платье с маской и раскраской для тела, ок. 1904 год
Бухгалтерская книга ( Хаока ок. 1880 г.) работы Черного Ястреба ( Лакота ).
кайова Искусство бухгалтерской книги , возможно, из битвы при Буффало-Уоллоу 1874 года , войны на Красной реке .
Деталь росписи бухгалтерской книги на муслине работы Сильвер Хорна (1860–1940), ок. 1880, Исторический центр Оклахомы.
Работа на бумаге арапахо Карла художника Суизи (1881–1953), 1904 г.
Uncompaghre Ute , картина из бритой бобровой шкуры. Северные юты ловили бобров, вырезали изображения на растянутых и обработанных шкурах животных и использовали их для украшения своих личных и церемониальных жилищ, c. 19 век.
Тлинкитский тотемный столб в Кетчикане, , около Аляска
К'альяан Тотемный столб тлинкитского клана Кикс.ади, установленный в Национальном историческом парке Ситка в память о погибших в битве при Ситка 1804 года .
Тотемный столб в Кетчикане, Аляска , в тлинкитском стиле.
Из Тотемного парка Саксмана, Кетчикан, Аляска.
Из Тотемного парка Саксмана, Кетчикан, Аляска.

Канада

Тотемный столб в Тотем-парке, Виктория, Британская Колумбия .
Из Тотем-парка, Виктория, Британская Колумбия .

Карибский бассейн

Скальный петроглиф , покрытый мелом , Церемониальный центр коренных народов Кагуана. Утуадо, Пуэрто-Рико .

исламский

Яхья ибн Махмуд аль-Васити , Ирак, 1237 г.
Яхья ибн Махмуд аль-Васити, Ирак, 1237 г.
Сирийский художник, 1315 г. Метрополитен-музей.
Ильханид Шахнаме, ок. 1330–1340, Смитсоновский институт.
Камаль-уд-дин Бихзад (ок. 1450 – ок. 1535), Строительство замка Хаварнак (الخورنق) в аль-Хире , ок. 1494–1495 гг. н.э. Британский музей
Персидская миниатюра , 1550 г. н. э.
Реза Аббаси , 1609 г.
Размнама, 1616 г., Британский музей.
«Два любовника», Реза Аббаси , 1630 г.
Персидская миниатюра Харун ар-Рашид в «Тысяче и одной ночи»
Реза Аббаси (1565–1635), принц Грузии Мухаммад-Бейк , 1620 г.
Адам и Ева , Сефевидский Иран, из Фалнама (книги предзнаменований) ок. 1550 год нашей эры.
Картина с изображением Абу Зайда, 1335 год нашей эры.
Сцена из книги Ахмада ибн аль-Хусейна ибн аль-Анафа, показывающая двух скачущих всадников, 1210 год нашей эры.
Ангел Исрафил, Ирак, 1280 год нашей эры.
Клерк , Ирак, 1287 год.
Орнаментальный Коран работы аль-Бавваба, 11 век нашей эры.
Мехмед II , из Сарайских альбомов Стамбула , Турция, 15 век нашей эры.
Девушка в меховой шапке , картина Мухаммеда Али, Исфахан , Иран, середина 17 века.
Молодежь и женихи , Мешхед , Иран, 1556–1565 гг.

Изображение людей, животных или любых других образных предметов запрещено в исламе, чтобы уберечь верующих от идолопоклонства, поэтому в мусульманской культуре нет религиозно мотивированных традиций живописи (или скульптуры). Изобразительная деятельность сводилась к арабескам , преимущественно абстрактным , с геометрическими конфигурациями или цветочными и растительными узорами. Тесно связанный с архитектурой и каллиграфией , его можно широко использовать для росписи плитки в мечетях или для иллюминации текста Корана и других книг. Фактически, абстрактное искусство не является изобретением современного искусства, но оно присутствует в доклассических , варварских и незападных культурах за много столетий до него и, по сути, является декоративным или прикладным искусством . Известный иллюстратор М. К. Эшер находился под влиянием этого геометрического и узорчатого искусства. Стиль модерн ( Обри Бердслей и архитектор Антонио Гауди ) вновь ввел абстрактные цветочные узоры в западное искусство.

Обратите внимание, что, несмотря на табу на образную визуализацию, некоторые мусульманские страны все же культивировали богатую традицию живописи, хотя и не как саму по себе, а как дополнение к письменному слову. Иранское или персидское искусство, широко известное как персидская миниатюра, концентрируется на иллюстрации эпических или романтических произведений литературы. Персидские иллюстраторы сознательно избегали использования теней и перспективы, хотя были знакомы с ними по своей доисламской истории, чтобы соблюдать правило не создавать какой-либо реалистичной иллюзии реального мира. Их целью было не изобразить мир таким, какой он есть, а создать образы идеального мира вечной красоты и совершенного порядка.

Иран

Историк Востока Бэзил Грей считает, что «Иран предложил особенно уникальное [ sic миру ] искусство, превосходное в своем роде». Пещеры в иранской провинции Лорестан демонстрируют нарисованные изображения животных и сцены охоты. Некоторым, например, в провинции Фарс и Сиалке, не менее 5000 лет. Считается, что живопись в Иране достигла своего апогея в эпоху Тамерлана, когда выдающиеся мастера, такие как Камаледдин Бехзад, породили новый стиль живописи.

Картины периода Каджара представляют собой сочетание европейских влияний и миниатюрных школ живописи Сефевидов, таких как те, которые были представлены Резой Аббаси и классическими произведениями Михра Али . Такие мастера, как Камаль-ол-Мольк, еще больше усилили европейское влияние в Иране. Именно в эпоху Каджара появилась «живопись кофейни». Сюжеты этого стиля часто носили религиозный характер и изображали сцены из шиитских эпосов и тому подобное.

Фаррух Бег (ок. 1545 – ок. 1615), Пьяный Бабур ночью возвращается в лагерь , Лахор , Пакистан, 1589 г.
Михр Али (1795–1830 гг.), Фатх Али Шах Каджар (1813–1814 гг.)
Камаль-ол-молк (1847–1940), Предсказатель будущего , 1892, Музей Садабада, Тегеран.

Пакистан

Лубна Ага , Звезда – картина, вдохновленная мастерами Марокко.
АР Чухтай , Анаркали

Океания

Австралия

Новая Зеландия

Африка

Женщина химба, покрытая традиционным красной охры пигментом . Традиционная краска для тела, символизирующая землю и кровь, которую также носят для защиты от солнца.
Женщина Кёкёё в традиционной одежде. Торжественная роспись лица.
Молодой масаи воин в головном уборе и раскрашенном лице .
Догоны , пещера обрезания , с картинами Мали ок. современный

Африканская традиционная культура и племена, похоже, не проявляют большого интереса к двумерным изображениям в пользу скульптуры и рельефа . Однако декоративная живопись в африканской культуре часто бывает абстрактной и геометрической. Еще одним изобразительным проявлением является роспись тела и раскраска лица, присутствующая, например, в масаи и кокёй культурах в их церемониальных ритуалах. Церемониальная наскальная живопись в некоторых деревнях все еще используется. Обратите внимание, что Пабло Пикассо и другие современные художники находились под влиянием африканской скульптуры и масок в их различных стилях. Современные африканские художники следуют западным художественным направлениям, и их картины мало чем отличаются от произведений западного искусства.

Суданский

Королевство Куш в древней Нубии (т.е. современном Судане ), граничащее с Древним Египтом , производило большое разнообразие произведений искусства, включая настенные росписи и окрашенные предметы. На суданском месте Керма , центре культуры Кермы , предшествовавшей Кушскому королевству , фрагментарная картина из царской гробницы, датируемая примерно 1700 г. до н. э., изображает парусный корабль и дома с лестницами, похожими на сцены на рельефах времен правления египетской царицы. Хатшепсут (ок. 1479–1458 до н. э.). ^{[ 96 ]}^{[ 97 ]} Древняя традиция настенной росписи, впервые описанная Абу Салихом в 12 веке нашей эры, продолжалась и в период средневековой Нубии . ^{[ 98 ]}

Эфиопский

нашей эры век Аксумское VI век VI царство . , нашей эры, Аксумское царство

Христианская традиция живописи в Эфиопии восходит к IV веку нашей эры, во времена древнего Аксумского царства . ^{[ 99 ]} Во время изгнания в Аксум в VII веке последователи Мухаммеда описывали картины, украшавшие церковь Богоматери Марии Сионской . ^{[ 100 ]} Однако самые ранние сохранившиеся образцы церковной росписи в Эфиопии происходят из церкви Дебре Селама Микаэля в регионе Тыграй , датируемой 11 веком нашей эры. ^{[ 100 ]} Эфиопские картины в иллюминированных рукописях появились раньше самых ранних сохранившихся церковных картин. Например, эфиопские Евангелия Гарима IV-VI веков нашей эры содержат иллюминированные сцены, имитирующие современный византийский иллюминированный стиль . ^{[ 101 ]}

Иллюминированная Библия из монастыря на озере Тана , Эфиопия , XII-XIII века нашей эры.
XV века, картина Эфиопская Загве изображающая династии правителя Гебре Мескеля Лалибелу (годы правления 1181–1221 гг. Н.э.).
Эфиопская картина XVII века в стиле Гондарена , изображающая Святого Меркурия , родом из Лалибелы , сейчас хранится в Национальном музее Эфиопии в Аддис-Абебе.
Портрет 1748 года эфиопской императрицы Ментеваб , важной фигуры Земене Месафинта , простирающейся ниц перед Марией и Иисусом, из церкви Нарга Селассие .

Влияние на западное искусство

В начале 20-го века такие художники, как Пикассо , Матисс , Поль Гоген и Модильяни, узнали об африканском искусстве и были вдохновлены им . ^{[ 102 ]} В ситуации, когда устоявшийся авангард боролся с ограничениями, налагаемыми служением миру явлений, африканское искусство продемонстрировало силу в высшей степени хорошо организованных форм; возникает не только в результате реагирования на способность зрения, но также, и часто в первую очередь, на способность воображения, эмоций и мистического и религиозного опыта. Эти художники видели в африканском искусстве формальное совершенство и изысканность, соединенные с феноменальной выразительной силой. ^{[ 103 ]}^{[ 104 ]}^{[ 105 ]}^{[ 106 ]}^{[ 107 ]}

См. также

Ссылки

^ Брюс Коул; Адельхайд М. Геальт (15 декабря 1991 г.). Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма . Саймон и Шустер. ISBN 978-0-671-74728-2 . Проверено 8 сентября 2011 г.
^ Jump up to: ^а ^б Встреча восточного и западного искусства , переработанное и расширенное издание (в твердом переплете) Майкла Салливана .
^ «Арт-взгляд; восточное искусство глазами западного» . Нью-Йорк Таймс . 10 июля 1994 года . Проверено 30 ноября 2010 г.
^ Jump up to: ^а ^б Вихманн, Зигфрид (1999). Японское искусство: влияние Японии на западное искусство с 1858 года . Темза и Гудзон. ISBN 978-0-500-28163-5 .
^ Jump up to: ^а ^б Салливан, Майкл (1989). Встреча восточного и западного искусства . Издательство Калифорнийского университета. ISBN 978-0-520-05902-3 .
^ Обсуждение роли меценатов в эпоху Возрождения . Проверено 11 ноября 2008 г.
^ История 1450–1789: Художественный покровительство . Проверено 11 ноября 2008 г.
^ Britannica.com . Проверено 11 ноября 2008 г.
^ Victorianweb.org , Эстеты, декаденты и идея искусства ради искусства Джордж П. Лэндоу, профессор английского языка и истории искусства, Университет Брауна. Проверено 11 ноября 2008 г.
^ От Сезанна до Пикассо: Амбруаз Воллар, покровитель авангарда, Чикагский институт искусств. Проверено 11 ноября 2008 г. Архивировано 12 октября 2008 г. в Wayback Machine .
^ Jump up to: ^а ^б М. Обер и др., «Пещерное искусство плейстоцена из Сулавеси, Индонезия», Nature , том 514, страницы 223–227 (9 октября 2014 г.). «Используя урановую датировку кораллоидных образований, непосредственно связанных с 12 трафаретами, сделанными руками человека, и двумя фигуративными изображениями животных из семи пещер в карстах Марос в Сулавеси, мы показываем, что традиции наскального искусства на этом индонезийском острове, по крайней мере, совместимы по возрасту с традициями наскального искусства на этом индонезийском острове. Древнейшее европейское искусство. Самое раннее датированное изображение с Мароса, возраст которого составляет не менее 39,9 тыс. лет, в настоящее время является старейшим известным ручным трафаретом в мире. Кроме того, возраст бабирусы («свинья-олень») составляет не менее 35,4 тыс. лет. назад является одним из самых ранних датированных фигуративных изображений в мире, если не самым ранним. Среди следствий теперь можно продемонстрировать, что люди создавали наскальные рисунки примерно 40 тысяч лет назад на противоположных концах плейстоценового евразийского мира».
^ Циммер, Карл (7 ноября 2018 г.). «В пещере в джунглях Борнео ученые нашли старейшую фигуративную живопись в мире. Наскальному рисунку на Борнео не менее 40 000 лет, что поднимает интригующие вопросы о творчестве в древних обществах» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 3 января 2022 года . Проверено 8 ноября 2018 г.
^ Обер, М.; и др. (7 ноября 2018 г.). «Палеолитическое наскальное искусство на Борнео». Природа . 564 (7735): 254–257. Бибкод : 2018Natur.564..254A . дои : 10.1038/s41586-018-0679-9 . ПМИД 30405242 . S2CID 53208538 .
^ Jump up to: ^а ^б Обер, М.; и др. (11 декабря 2019 г.). «Самая ранняя сцена охоты в доисторическом искусстве». Природа . 576 (7787): 442–445. Бибкод : 2019Natur.576..442A . дои : 10.1038/s41586-019-1806-y . ПМИД 31827284 . S2CID 209311825 .
^ Jump up to: ^а ^б Феррейра, Бекки (11 декабря 2019 г.). «Мифические существа могут быть самыми ранними творческими наскальными рисунками людей. Картины на индонезийском острове возрастом не менее 43 900 лет и изображают гуманоидные фигуры с животными чертами в сцене охоты» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 3 января 2022 года . Проверено 12 декабря 2019 г.
^ Феррейра, Бекки (13 января 2021 г.). «Рисунок свиньи, возможно, является старейшим в мире наскальным искусством, говорят археологи. По словам исследователей, изображению животного на индонезийском острове не менее 45 500 лет» . Нью-Йорк Таймс . Проверено 14 января 2021 г.
^ Такон, Пол; Малвейни, Кен; Фуллагар, Ричард; Хед, Лесли (1999), «Брэдшоу – восточная провинция?», Rock Art Research , 16 (2): 127–129.
^ М. Гувер, «Искусство эпох палеолита и неолита», из Обзора истории искусства 1 , Колледж Сан-Антонио (июль 2001 г.; по состоянию на 11 июня 2005 г.).
^ «Голланд Коттер» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 9 августа 2014 года . Проверено 27 октября 2007 г.
^ «Открытый FS: эскиз по мотивам « Лебедя и Ирис» Сесила Лоусона . Фрир – Саклер . Архивировано из оригинала 11 июня 2007 года.
^ Сено, Александра А. (2 ноября 2010 г.). « Река мудрости» — самый популярный билет Гонконга» . Уолл Стрит Джорнал .
^ «Фреска дворца Юнлэ» . Архивировано из оригинала 5 апреля 2007 года . Проверено 23 марта 2007 г.
^ «Китаеведение – бакалавриат – Гуманитарные науки – Гуманитарные науки – Лейденский университет» . www.tcc.leidenuniv.nl . Архивировано из оригинала 19 мая 2007 года . Проверено 23 марта 2007 г.
^ Нидхэм, Джозеф (1986). Наука и цивилизация в Китае: Том 4, Часть 3 . Тайбэй: Caves Books, Ltd., стр. 115.
^ «Китайское искусство | Птицы и цветы сливы | F1909.246j» . www.asia.si.edu . Архивировано из оригинала 4 июля 2007 года.
^ «観瀑図» . Архивировано из оригинала 27 сентября 2007 года . Проверено 8 июня 2007 г.
^ Объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. Пещеры Аджанты, Индия: Краткое описание . Проверено 27 октября 2006 г.
^ Международный совет ЮНЕСКО по памятникам и достопримечательностям. 1982. Пещеры Аджанты: оценка консультативного органа . Проверено 27 октября 2006 г.
^ «Амрита Шер-Гилл» . Mapsofindia.com. Февраль 2018.
^ «Первая леди современного холста» . Индийский экспресс . 17 октября 1999 г. Архивировано из оригинала 5 марта 2011 г.
^ «Женщины-художники» . 21st Centuryindianart.com. Архивировано из оригинала 20 декабря 2007 года.
^ «Самые дорогие индийские художники» . us.rediff.com.
^ «Девять мастеров» . Правительственный музей и художественная галерея, Чандигарх Официальный сайт. Архивировано из оригинала 4 декабря 2010 года.
^ «Витрина: Амрита Шер-Гил» . Национальная галерея современного искусства.
^ «Острова нарисованных: Висайские острова» . Архивировано из оригинала 27 сентября.
^ «Филиппинская культура: лучшее из филиппинского искусства: Часть 1» . 20 сентября 2007 г.
^ «Римская живопись» . art-and-archaeology.com.
^ «Римская настенная живопись» . Accd.edu. Архивировано из оригинала 19 марта 2007 года.
^ Патнэм AM, Geo. Хейвен. Книги и их создатели в средние века. Том. 1. Нью-Йорк: Дом Хиллари, 1962. Печать.
^ Jump up to: ^а ^б ^с Гарднер Х., Кляйнер Ф.С. и Мамия К.Дж. (2006). Искусство Гарднера на протяжении веков: западная перспектива. Бельмонт, Калифорния, Томсон Уодсворт: 430–437.
^ Контрреформация , из Британской энциклопедии Online , последнее издание, полная статья.
↑ Контрреформация . Архивировано 11 декабря 2008 года в Wayback Machine , из энциклопедии Колумбии , шестое издание. 2001–05.
^ Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, «Искусство Гарднера на протяжении веков» (Бельмонт, Калифорния: Томсон / Уодсворт, 2005)
^ Эдмон и Жюль де Гонкуры , французские художники восемнадцатого века . Корнеллские книги в мягкой обложке, 1981, стр. 222–225. ISBN 0-8014-9218-1
^ «Uni-Heidelberg.de» .
^ Новак, Барбара (2002). «Американский форум возвышенного искусства» . АртФорум . Архивировано из оригинала 8 июля 2012 года . Проверено 30 октября 2008 г.
^ Дельвай, Бернар (1971). Символистская поэзия: [антология] . Зегерс. ISBN 978-2-221-50161-0 .
^ Рассел Т. Клемент. Четыре французских символиста . Greenwood Press, 1996. Страница 114.
^ Джон Элдерфилд; Стивен Эндрю Робертс (1991). Техническое совещание Европейского сотрудничества в области информации и документации по социальным наукам (ECSSID), Кентский университет в Кентербери, 25–26 марта 1991 г.: Отчет Департаменту исследований и разработок Британской библиотеки . Музей современного искусства. ISBN 978-0-87070-638-7 .
^ Уильям Стэнли Рубин; Джудит Казинс; Музей современного искусства Нью-Йорка (1989). Пикассо и Брак: новаторский кубизм . Музей современного искусства. п. 348 . ISBN 0-87070-676-4 .
^ «Синий всадник» . Глоссарий Тейта. Архивировано из оригинала 2 августа 2011 года . Проверено 10 августа 2009 г.
^ «Де Стиль» . Глоссарий Тейта . Тейт. Архивировано из оригинала 4 сентября 2004 года . Проверено 31 июля 2006 г.
^ Керл, Джеймс Стивенс (2006). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (мягкая обложка) (второе изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN 0-19-860678-8 .
^ «Неопластицизм» . tate.org.uk. Архивировано из оригинала 10 сентября 2008 года . Проверено 3 сентября 2008 г.
^ «Стиль; Голландия, 1917 год» . guggenheimcollection.org. Архивировано из оригинала 21 августа 2008 года . Проверено 30 ноября 2010 г.
^ Спектор, Нэнси. « Вспаханное поле, 1923–1924. Архивировано 25 сентября 2008 года в Wayback Machine ». Гуггенхайм отображает подпись. Проверено 30 мая 2008 г.
^ «Постоянство памяти» . Интернет-коллекция МоМА.
^ «Макс Эрнст (1891–1976). Мужчины ничего об этом не знают 1923 / Les Hommes n'en sauron rien» . tate.org.uk. Проверено 30 ноября 2010 г.
^ «Мост Товарищества художников» . Музей моста . Проверено 7 сентября 2007 г.
^ Файнман, Миа, Самая известная фермерская пара в мире: Почему американская готика до сих пор очаровывает. , Слейт , 8 июня 2005 г.
^ Льюис, Хелена. Дада становится красным . 1990. Издательство Эдинбургского университета. История непростых отношений между сюрреалистами и коммунистами с 1920-х по 1950-е годы.
^ «Пабло Пикассо – биография, цитаты и картины» . arthistoryarchive.com . Проверено 14 июня 2007 г.
^ «Виллем Де Кунинг: Женщина V 1952–53» . Национальная галерея Австралии . Проверено 30 ноября 2010 г.
^ «Живопись со скоростью зрения: быстрый транзит Франца Клайна» . Гипераллергический . 16 марта 2013 г.
^ «Определение истории искусств: живопись действия» . МысльКо . Проверено 4 мая 2018 г.
^ «Франц Клайн. Картина № 2. 1954 | МоМА» . www.moma.org .
^ Рудольф Арнгейм, Сила центра: исследование композиции в изобразительном искусстве , University of California Press, 1983, стр. 71–72, ISBN 0520050150
^ Аллоуэй, Лоуренс (1975). Темы в американском искусстве: с 1945 года . WW Нортон. стр. 119–122 . ISBN 978-0-393-04401-0 .
^ Jump up to: ^а ^б Лихтенштейн, Рой. «Ух!» . Коллекция Тейт . Проверено 27 января 2008 г.
^ Лихтенштейн, Рой. «Ух!» . Сайт Фонда Роя Лихтенштейна . Проверено 12 сентября 2009 г.
^ Дэвид Пайпер, с. 635
^ Глюк, Грейс (7 января 2005 г.). «Обзор искусства; Милтон Эйвери – «Набегающие волны» » . Нью-Йорк Таймс .
^ «Лето 57-го с Милтоном Эйвери, Готлибом, Ротко» . Нью-Йоркский обозреватель . 13 мая 2002 г.
^ Шмид, Виланд (1996). Фрэнсис Бэкон: обязательства и конфликт . Престель Паб. п. 17. ISBN 3-7913-1664-8 .
^ Пеппиатт, Майкл (1998). Старые истории, новые истории: Сборники мыслей из хроник и старых легенд . Westview Press . 978-0-8133-3520-9 .
^ Смит (1996), стр. 20
^ Пеппиатт (1996), стр. 148
^ Жан Дюбюффе : L'Art brut предпочитает культурному искусству [1949] (на английском языке: Art brut. Madness and Marginalia , специальный выпуск журнала Art & Text , № 27, 1987, стр. 31-33)
^ Дуглас Кримп, Конец живописи , октябрь, Том. 16, весна 1981 г., стр. 69–86.
^ Дуглас Кримп, На руинах музея , Кембридж, Массачусетс, 1993.
^ Фентон, Терри. «Онлайн-эссе о Кеннете Ноланде и акриловой краске» . Архивировано из оригинала 21 января 2021 года . Проверено 30 апреля 2007 г.
^ Ноэль, Фракман «Мино Ардженто создает. Эти полотна, на которых геометрические формы, квадраты, дуги и линии», Журнал Arts, стр. 19, декабрь 1979 г.
^ Джон Ланкастер. Знакомство с оп-артом , Лондон: BT Batsford Ltd, 1973, с. 28.
^ «Школа цвета Вашингтона, округ Колумбия» . Национальная галерея искусств (НГА) . 25 сентября 2018 года . Проверено 31 августа 2021 г.
^ «Вашингтонская школа цвета – художественный термин» . Тейт . Проверено 31 августа 2021 г.
^ Кэппс, Кристон (2 июня 2017 г.). «Цвет, полный: Хронология Вашингтонской школы цвета» . Вашингтонская городская газета . Проверено 31 августа 2021 г.
^ Родни, Сеф (11 октября 2016 г.). «Черная женщина выделяется среди художников Вашингтонской школы цвета» . Гипераллергический . Проверено 2 сентября 2021 г.
^ Олдрич, Ларри. Молодые лирические художники, Искусство в Америке, т. 57, № 6, ноябрь – декабрь 1969 г., стр. 104–113.
^ Лирическая абстракция, Каталог выставки, Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут, 1970.
^ Jump up to: ^а ^б Movers and Shakers, Нью-Йорк , «Покидая C&M», Сара Дуглас, Art and Auction, март 2007 г., V.XXXNo7.
^ Мартин, Энн Рэй и Говард Юнкер. «Новое искусство: это путь, выход», Newsweek, 29 июля 1968 г.: стр. 3,55–63.
^ Музей современного искусства Олдрича, Лирическая абстракция , выставка: с 5 апреля по 7 июня 1970 г.
^ Лирическая абстракция , Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 25 мая - 6 июля 1971 г.
^ «Колорскоп: абстрактная живопись 1960–1979» . Архивировано из оригинала 3 июля 2010 года . Проверено 30 ноября 2010 г.
^ «Художественные термины» . Тейт .
^ Хатке, Джордж (2013). Аксум и Нубия: война, торговля и политические фантазии в древней Северо-Восточной Африке . Библиотеки Нью-Йоркского университета : Цифровая библиотека Древнего мира . По состоянию на 12 мая 2018 г.
^ Бойвен, Н. и Фуллер, DQ (2009). «Ракушки, корабли и семена: изучение прибрежной жизни, морской торговли и расселения домашних животных на Аравийском полуострове и вокруг него». Журнал мировой предыстории 22: 113–80 [стр. 140].
↑ Надиг, Питер К. (3 апреля 2009 г.) [16 января 2003 г.]. « Дерек А. Уэлсби, Средневековые королевства Нубии. Язычники, христиане и мусульмане вдоль Среднего Нила . Лондон: The British Museum Press, 2002. » Bryn Mawr Classical Review . По состоянию на 12 мая 2018 г.
^ «Христианское эфиопское искусство» . Смартистория . 22 декабря 2016 года . Проверено 27 июля 2017 г.
^ Jump up to: ^а ^б Тефери, Давит (2015) [1995], «Краткая история эфиопского церковного искусства», в Бриггс, Филип (редактор), Эфиопия , Чалфонт-Сент-Питер: Путеводители Брэдта, стр. 242, ISBN 978-1-84162-922-3 .
^ Де Лоренци, Джеймс (2015), Хранители традиций: историки и исторические сочинения в Эфиопии и Эритрее , Рочестер: University of Rochester Press , стр. 101-1. 15–16, ISBN 978-1-58046-519-9 .
^ Мюррелл, Дениз. «Африканские влияния в современном искусстве» , Метрополитен-музей , апрель 2008 г. Проверено 31 января 2013 г.
^ Джонсон, «Авиньонские девицы» Пикассо и Театр абсурда . 102–113
^ Ричардсон, Апокалиптический публичный дом Дж. Пикассо . 40–47
↑ Релиз: Tête – Амедео Модильяни. Архивировано 4 марта 2016 г. в Wayback Machine . Пресс-релиз, Christie's Париж . 26 мая 2010 г. По состоянию на 20 октября 2011 г.
^ Матисс, возможно, купил это произведение в магазине незападных произведений искусства Эмиля Хейменна в Париже, см. PabloPicasso.org .
^ Миллер, Артур И. (2001). «Эйнштейн, Пикассо: пространство, время и красота, вызывающая хаос» . Нью-Йорк Таймс . Проверено 10 июня 2010 г. «Девушки» содержат, среди прочего, пережитки Сезанна, Эль Греко, Гогена и Энгра, а также концептуальные аспекты примитивного искусства, правильно представленные с помощью геометрии.

Дальнейшее чтение

Клемент Гринберг , Искусство и культура , Beacon Press, 1 961
Лирическая абстракция , каталог выставки, Музей американского искусства Уитни , Нью-Йорк, 1971.
О'Коннор, Фрэнсиса В. Джексона Поллока Каталог выставки (Нью-Йорк, Музей современного искусства , [1967]) ОСЛК 165852
Картины из ничего: абстрактное искусство со времен Поллока (Лекции А.В. Меллона по изобразительному искусству), Кирк Варнедо , 2003 г.
Триумф модернизма : мир искусства, 1985–2005, Хилтон Крамер , 2006, ISBN 0-15-666370-8
Пайпер, Дэвид (1986). Иллюстрированная библиотека искусств: история, признание и традиции . Портлендский дом. ISBN 978-0-517-62336-7 .

Внешние ссылки

История искусства: от эпохи палеолита до современного искусства. Архивировано 19 ноября 2020 года в Wayback Machine.
Кандинский Кандинский (перевод Майкла Т. Сэдлера), Василий. «О духовном в искусстве» . mnstate.edu. Архивировано из оригинала 28 мая 2010 года . Проверено 30 ноября 2010 г.
Метрополитен-музей Хронология истории искусств
Древнеримская настенная живопись

[ColeGealt1991-1] Брюс Коул; Адельхайд М. Геальт (15 декабря 1991 г.). Искусство западного мира: от Древней Греции до постмодернизма . Саймон и Шустер. ISBN 978-0-671-74728-2 . Проверено 8 сентября 2011 г.

[ReferenceA-2] Jump up to: ^а ^б Встреча восточного и западного искусства , переработанное и расширенное издание (в твердом переплете) Майкла Салливана .

[3] «Арт-взгляд; восточное искусство глазами западного» . Нью-Йорк Таймс . 10 июля 1994 года . Проверено 30 ноября 2010 г.

[Publisher_1999-4] Jump up to: ^а ^б Вихманн, Зигфрид (1999). Японское искусство: влияние Японии на западное искусство с 1858 года . Темза и Гудзон. ISBN 978-0-500-28163-5 .

[Western_Art_1989-5] Jump up to: ^а ^б Салливан, Майкл (1989). Встреча восточного и западного искусства . Издательство Калифорнийского университета. ISBN 978-0-520-05902-3 .

[6] Обсуждение роли меценатов в эпоху Возрождения . Проверено 11 ноября 2008 г.

[7] История 1450–1789: Художественный покровительство . Проверено 11 ноября 2008 г.

[8] Britannica.com . Проверено 11 ноября 2008 г.

[9] Victorianweb.org , Эстеты, декаденты и идея искусства ради искусства Джордж П. Лэндоу, профессор английского языка и истории искусства, Университет Брауна. Проверено 11 ноября 2008 г.

[10] От Сезанна до Пикассо: Амбруаз Воллар, покровитель авангарда, Чикагский институт искусств. Проверено 11 ноября 2008 г. Архивировано 12 октября 2008 г. в Wayback Machine .

[Aubert2014-11] Jump up to: ^а ^б М. Обер и др., «Пещерное искусство плейстоцена из Сулавеси, Индонезия», Nature , том 514, страницы 223–227 (9 октября 2014 г.). «Используя урановую датировку кораллоидных образований, непосредственно связанных с 12 трафаретами, сделанными руками человека, и двумя фигуративными изображениями животных из семи пещер в карстах Марос в Сулавеси, мы показываем, что традиции наскального искусства на этом индонезийском острове, по крайней мере, совместимы по возрасту с традициями наскального искусства на этом индонезийском острове. Древнейшее европейское искусство. Самое раннее датированное изображение с Мароса, возраст которого составляет не менее 39,9 тыс. лет, в настоящее время является старейшим известным ручным трафаретом в мире. Кроме того, возраст бабирусы («свинья-олень») составляет не менее 35,4 тыс. лет. назад является одним из самых ранних датированных фигуративных изображений в мире, если не самым ранним. Среди следствий теперь можно продемонстрировать, что люди создавали наскальные рисунки примерно 40 тысяч лет назад на противоположных концах плейстоценового евразийского мира».

[NYT-20181107-cz-12] Циммер, Карл (7 ноября 2018 г.). «В пещере в джунглях Борнео ученые нашли старейшую фигуративную живопись в мире. Наскальному рисунку на Борнео не менее 40 000 лет, что поднимает интригующие вопросы о творчестве в древних обществах» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 3 января 2022 года . Проверено 8 ноября 2018 г.

[NAT-20181107-13] Обер, М.; и др. (7 ноября 2018 г.). «Палеолитическое наскальное искусство на Борнео». Природа . 564 (7735): 254–257. Бибкод : 2018Natur.564..254A . дои : 10.1038/s41586-018-0679-9 . ПМИД 30405242 . S2CID 53208538 .

[Aubert_442–445-14] Jump up to: ^а ^б Обер, М.; и др. (11 декабря 2019 г.). «Самая ранняя сцена охоты в доисторическом искусстве». Природа . 576 (7787): 442–445. Бибкод : 2019Natur.576..442A . дои : 10.1038/s41586-019-1806-y . ПМИД 31827284 . S2CID 209311825 .

[NYT-20191211-15] Jump up to: ^а ^б Феррейра, Бекки (11 декабря 2019 г.). «Мифические существа могут быть самыми ранними творческими наскальными рисунками людей. Картины на индонезийском острове возрастом не менее 43 900 лет и изображают гуманоидные фигуры с животными чертами в сцене охоты» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 3 января 2022 года . Проверено 12 декабря 2019 г.

[NYT-20210113-16] Феррейра, Бекки (13 января 2021 г.). «Рисунок свиньи, возможно, является старейшим в мире наскальным искусством, говорят археологи. По словам исследователей, изображению животного на индонезийском острове не менее 45 500 лет» . Нью-Йорк Таймс . Проверено 14 января 2021 г.

[date-17] Такон, Пол; Малвейни, Кен; Фуллагар, Ричард; Хед, Лесли (1999), «Брэдшоу – восточная провинция?», Rock Art Research , 16 (2): 127–129.

[18] М. Гувер, «Искусство эпох палеолита и неолита», из Обзора истории искусства 1 , Колледж Сан-Антонио (июль 2001 г.; по состоянию на 11 июня 2005 г.).

[19] «Голланд Коттер» . Нью-Йорк Таймс . Архивировано из оригинала 9 августа 2014 года . Проверено 27 октября 2007 г.

[20] «Открытый FS: эскиз по мотивам « Лебедя и Ирис» Сесила Лоусона . Фрир – Саклер . Архивировано из оригинала 11 июня 2007 года.

[21] Сено, Александра А. (2 ноября 2010 г.). « Река мудрости» — самый популярный билет Гонконга» . Уолл Стрит Джорнал .

[22] «Фреска дворца Юнлэ» . Архивировано из оригинала 5 апреля 2007 года . Проверено 23 марта 2007 г.

[23] «Китаеведение – бакалавриат – Гуманитарные науки – Гуманитарные науки – Лейденский университет» . www.tcc.leidenuniv.nl . Архивировано из оригинала 19 мая 2007 года . Проверено 23 марта 2007 г.

[24] Нидхэм, Джозеф (1986). Наука и цивилизация в Китае: Том 4, Часть 3 . Тайбэй: Caves Books, Ltd., стр. 115.

[25] «Китайское искусство | Птицы и цветы сливы | F1909.246j» . www.asia.si.edu . Архивировано из оригинала 4 июля 2007 года.

[26] «観瀑図» . Архивировано из оригинала 27 сентября 2007 года . Проверено 8 июня 2007 г.

[27] Объект Всемирного наследия ЮНЕСКО. Пещеры Аджанты, Индия: Краткое описание . Проверено 27 октября 2006 г.

[28] Международный совет ЮНЕСКО по памятникам и достопримечательностям. 1982. Пещеры Аджанты: оценка консультативного органа . Проверено 27 октября 2006 г.

[AmritaMaps-29] «Амрита Шер-Гилл» . Mapsofindia.com. Февраль 2018.

[30] «Первая леди современного холста» . Индийский экспресс . 17 октября 1999 г. Архивировано из оригинала 5 марта 2011 г.

[Indiawomenpainters-31] «Женщины-художники» . 21st Centuryindianart.com. Архивировано из оригинала 20 декабря 2007 года.

[32] «Самые дорогие индийские художники» . us.rediff.com.

[33] «Девять мастеров» . Правительственный музей и художественная галерея, Чандигарх Официальный сайт. Архивировано из оригинала 4 декабря 2010 года.

[34] «Витрина: Амрита Шер-Гил» . Национальная галерея современного искусства.

[35] «Острова нарисованных: Висайские острова» . Архивировано из оригинала 27 сентября.

[36] «Филиппинская культура: лучшее из филиппинского искусства: Часть 1» . 20 сентября 2007 г.

[37] «Римская живопись» . art-and-archaeology.com.

[38] «Римская настенная живопись» . Accd.edu. Архивировано из оригинала 19 марта 2007 года.

[39] Патнэм AM, Geo. Хейвен. Книги и их создатели в средние века. Том. 1. Нью-Йорк: Дом Хиллари, 1962. Печать.

[Gardner_et_al-40] Jump up to: ^а ^б ^с Гарднер Х., Кляйнер Ф.С. и Мамия К.Дж. (2006). Искусство Гарднера на протяжении веков: западная перспектива. Бельмонт, Калифорния, Томсон Уодсворт: 430–437.

[ebo-41] Контрреформация , из Британской энциклопедии Online , последнее издание, полная статья.

[42] Контрреформация . Архивировано 11 декабря 2008 года в Wayback Machine , из энциклопедии Колумбии , шестое издание. 2001–05.

[43] Хелен Гарднер, Фред С. Кляйнер и Кристин Дж. Мамия, «Искусство Гарднера на протяжении веков» (Бельмонт, Калифорния: Томсон / Уодсворт, 2005)

[44] Эдмон и Жюль де Гонкуры , французские художники восемнадцатого века . Корнеллские книги в мягкой обложке, 1981, стр. 222–225. ISBN 0-8014-9218-1

[45] «Uni-Heidelberg.de» .

[46] Новак, Барбара (2002). «Американский форум возвышенного искусства» . АртФорум . Архивировано из оригинала 8 июля 2012 года . Проверено 30 октября 2008 г.

[47] Дельвай, Бернар (1971). Символистская поэзия: [антология] . Зегерс. ISBN 978-2-221-50161-0 .

[48] Рассел Т. Клемент. Четыре французских символиста . Greenwood Press, 1996. Страница 114.

[49] Джон Элдерфилд; Стивен Эндрю Робертс (1991). Техническое совещание Европейского сотрудничества в области информации и документации по социальным наукам (ECSSID), Кентский университет в Кентербери, 25–26 марта 1991 г.: Отчет Департаменту исследований и разработок Британской библиотеки . Музей современного искусства. ISBN 978-0-87070-638-7 .

[50] Уильям Стэнли Рубин; Джудит Казинс; Музей современного искусства Нью-Йорка (1989). Пикассо и Брак: новаторский кубизм . Музей современного искусства. п. 348 . ISBN 0-87070-676-4 .

[51] «Синий всадник» . Глоссарий Тейта. Архивировано из оригинала 2 августа 2011 года . Проверено 10 августа 2009 г.

[tate-52] «Де Стиль» . Глоссарий Тейта . Тейт. Архивировано из оригинала 4 сентября 2004 года . Проверено 31 июля 2006 г.

[archdic-53] Керл, Джеймс Стивенс (2006). Словарь архитектуры и ландшафтной архитектуры (мягкая обложка) (второе изд.). Издательство Оксфордского университета. ISBN 0-19-860678-8 .

[54] «Неопластицизм» . tate.org.uk. Архивировано из оригинала 10 сентября 2008 года . Проверено 3 сентября 2008 г.

[55] «Стиль; Голландия, 1917 год» . guggenheimcollection.org. Архивировано из оригинала 21 августа 2008 года . Проверено 30 ноября 2010 г.

[56] Спектор, Нэнси. « Вспаханное поле, 1923–1924. Архивировано 25 сентября 2008 года в Wayback Machine ». Гуггенхайм отображает подпись. Проверено 30 мая 2008 г.

[57] «Постоянство памяти» . Интернет-коллекция МоМА.

[58] «Макс Эрнст (1891–1976). Мужчины ничего об этом не знают 1923 / Les Hommes n'en sauron rien» . tate.org.uk. Проверено 30 ноября 2010 г.

[bruckemuseumbrucke-59] «Мост Товарищества художников» . Музей моста . Проверено 7 сентября 2007 г.

[slate-60] Файнман, Миа, Самая известная фермерская пара в мире: Почему американская готика до сих пор очаровывает. , Слейт , 8 июня 2005 г.

[61] Льюис, Хелена. Дада становится красным . 1990. Издательство Эдинбургского университета. История непростых отношений между сюрреалистами и коммунистами с 1920-х по 1950-е годы.

[62] «Пабло Пикассо – биография, цитаты и картины» . arthistoryarchive.com . Проверено 14 июня 2007 г.

[63] «Виллем Де Кунинг: Женщина V 1952–53» . Национальная галерея Австралии . Проверено 30 ноября 2010 г.

[64] «Живопись со скоростью зрения: быстрый транзит Франца Клайна» . Гипераллергический . 16 марта 2013 г.

[65] «Определение истории искусств: живопись действия» . МысльКо . Проверено 4 мая 2018 г.

[66] «Франц Клайн. Картина № 2. 1954 | МоМА» . www.moma.org .

[67] Рудольф Арнгейм, Сила центра: исследование композиции в изобразительном искусстве , University of California Press, 1983, стр. 71–72, ISBN 0520050150

[68] Аллоуэй, Лоуренс (1975). Темы в американском искусстве: с 1945 года . WW Нортон. стр. 119–122 . ISBN 978-0-393-04401-0 .

[Tate_Whaam-69] Jump up to: ^а ^б Лихтенштейн, Рой. «Ух!» . Коллекция Тейт . Проверено 27 января 2008 г.

[Lichtenstein_Foundation_Whaam-70] Лихтенштейн, Рой. «Ух!» . Сайт Фонда Роя Лихтенштейна . Проверено 12 сентября 2009 г.

[71] Дэвид Пайпер, с. 635

[72] Глюк, Грейс (7 января 2005 г.). «Обзор искусства; Милтон Эйвери – «Набегающие волны» » . Нью-Йорк Таймс .

[73] «Лето 57-го с Милтоном Эйвери, Готлибом, Ротко» . Нью-Йоркский обозреватель . 13 мая 2002 г.

[74] Шмид, Виланд (1996). Фрэнсис Бэкон: обязательства и конфликт . Престель Паб. п. 17. ISBN 3-7913-1664-8 .

[75] Пеппиатт, Майкл (1998). Старые истории, новые истории: Сборники мыслей из хроник и старых легенд . Westview Press . 978-0-8133-3520-9 .

[76] Смит (1996), стр. 20

[77] Пеппиатт (1996), стр. 148

[78] Жан Дюбюффе : L'Art brut предпочитает культурному искусству [1949] (на английском языке: Art brut. Madness and Marginalia , специальный выпуск журнала Art & Text , № 27, 1987, стр. 31-33)

[79] Дуглас Кримп, Конец живописи , октябрь, Том. 16, весна 1981 г., стр. 69–86.

[80] Дуглас Кримп, На руинах музея , Кембридж, Массачусетс, 1993.

[81] Фентон, Терри. «Онлайн-эссе о Кеннете Ноланде и акриловой краске» . Архивировано из оригинала 21 января 2021 года . Проверено 30 апреля 2007 г.

[82] Ноэль, Фракман «Мино Ардженто создает. Эти полотна, на которых геометрические формы, квадраты, дуги и линии», Журнал Arts, стр. 19, декабрь 1979 г.

[83] Джон Ланкастер. Знакомство с оп-артом , Лондон: BT Batsford Ltd, 1973, с. 28.

[84] «Школа цвета Вашингтона, округ Колумбия» . Национальная галерея искусств (НГА) . 25 сентября 2018 года . Проверено 31 августа 2021 г.

[Washington_Color_School_:0-85] «Вашингтонская школа цвета – художественный термин» . Тейт . Проверено 31 августа 2021 г.

[Washington_Color_School_:1-86] Кэппс, Кристон (2 июня 2017 г.). «Цвет, полный: Хронология Вашингтонской школы цвета» . Вашингтонская городская газета . Проверено 31 августа 2021 г.

[Washington_Color_School_:2-87] Родни, Сеф (11 октября 2016 г.). «Черная женщина выделяется среди художников Вашингтонской школы цвета» . Гипераллергический . Проверено 2 сентября 2021 г.

[88] Олдрич, Ларри. Молодые лирические художники, Искусство в Америке, т. 57, № 6, ноябрь – декабрь 1969 г., стр. 104–113.

[89] Лирическая абстракция, Каталог выставки, Музей современного искусства Олдрича, Риджфилд, Коннектикут, 1970.

[sxdvrz-90] Jump up to: ^а ^б Movers and Shakers, Нью-Йорк , «Покидая C&M», Сара Дуглас, Art and Auction, март 2007 г., V.XXXNo7.

[91] Мартин, Энн Рэй и Говард Юнкер. «Новое искусство: это путь, выход», Newsweek, 29 июля 1968 г.: стр. 3,55–63.

[92] Музей современного искусства Олдрича, Лирическая абстракция , выставка: с 5 апреля по 7 июня 1970 г.

[93] Лирическая абстракция , Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 25 мая - 6 июля 1971 г.

[94] «Колорскоп: абстрактная живопись 1960–1979» . Архивировано из оригинала 3 июля 2010 года . Проверено 30 ноября 2010 г.

[95] «Художественные термины» . Тейт .

[96] Хатке, Джордж (2013). Аксум и Нубия: война, торговля и политические фантазии в древней Северо-Восточной Африке . Библиотеки Нью-Йоркского университета : Цифровая библиотека Древнего мира . По состоянию на 12 мая 2018 г.

[97] Бойвен, Н. и Фуллер, DQ (2009). «Ракушки, корабли и семена: изучение прибрежной жизни, морской торговли и расселения домашних животных на Аравийском полуострове и вокруг него». Журнал мировой предыстории 22: 113–80 [стр. 140].

[98] Надиг, Питер К. (3 апреля 2009 г.) [16 января 2003 г.]. « Дерек А. Уэлсби, Средневековые королевства Нубии. Язычники, христиане и мусульмане вдоль Среднего Нила . Лондон: The British Museum Press, 2002. » Bryn Mawr Classical Review . По состоянию на 12 мая 2018 г.

[99] «Христианское эфиопское искусство» . Смартистория . 22 декабря 2016 года . Проверено 27 июля 2017 г.

[teferi_2015_242-100] Jump up to: ^а ^б Тефери, Давит (2015) [1995], «Краткая история эфиопского церковного искусства», в Бриггс, Филип (редактор), Эфиопия , Чалфонт-Сент-Питер: Путеводители Брэдта, стр. 242, ISBN 978-1-84162-922-3 .

[101] Де Лоренци, Джеймс (2015), Хранители традиций: историки и исторические сочинения в Эфиопии и Эритрее , Рочестер: University of Rochester Press , стр. 101-1. 15–16, ISBN 978-1-58046-519-9 .

[African_Influences_in_Modern_Art-102] Мюррелл, Дениз. «Африканские влияния в современном искусстве» , Метрополитен-музей , апрель 2008 г. Проверено 31 января 2013 г.

[Johnson-103] Джонсон, «Авиньонские девицы» Пикассо и Театр абсурда . 102–113

[104] Ричардсон, Апокалиптический публичный дом Дж. Пикассо . 40–47

[ChristiesPress-105] Релиз: Tête – Амедео Модильяни. Архивировано 4 марта 2016 г. в Wayback Machine . Пресс-релиз, Christie's Париж . 26 мая 2010 г. По состоянию на 20 октября 2011 г.

[106] Матисс, возможно, купил это произведение в магазине незападных произведений искусства Эмиля Хейменна в Париже, см. PabloPicasso.org .

[twsJun10a-107] Миллер, Артур И. (2001). «Эйнштейн, Пикассо: пространство, время и красота, вызывающая хаос» . Нью-Йорк Таймс . Проверено 10 июня 2010 г. «Девушки» содержат, среди прочего, пережитки Сезанна, Эль Греко, Гогена и Энгра, а также концептуальные аспекты примитивного искусства, правильно представленные с помощью геометрии.

[ 1 ]

[ 2 ]

[ 3 ]

[ 4 ]

[ 5 ]

[ 6 ]

[ 7 ]

[ 8 ]

[ 9 ]

[ 10 ]

[ 11 ]

[ 12 ]

[ 13 ]

[ 14 ]

[ 15 ]

[ 16 ]

[ 17 ]

[ 18 ]

[ 19 ]

[ 20 ]

[ 21 ]

[ 22 ]

[ 23 ]

[ 24 ]

[ 25 ]

[ 26 ]

[ 27 ]

[ 28 ]

[ 29 ]

[ 30 ]

[ 31 ]

[ 32 ]

[ 33 ]

[ 34 ]

[ 35 ]

[ 36 ]

[ 37 ]

[ 38 ]

[ 39 ]

[ 40 ]

[ 41 ]

[ 42 ]

[ 43 ]

[ 44 ]

[ 45 ]

[ 46 ]

[ 47 ]

[ 48 ]

[ 49 ]

[ 50 ]

[ 51 ]

[ 52 ]

[ 53 ]

[ 54 ]

[ 55 ]

[ 56 ]

[ 57 ]

[ 58 ]

[ 59 ]

[ 60 ]

[ 61 ]

[ 62 ]

[ 63 ]

[ 64 ]

[ 65 ]

[ 66 ]

[ 67 ]

[ 68 ]

[ 69 ]

[ 70 ]

[ 71 ]

[ 72 ]

[ 73 ]

[ 74 ]

[ 75 ]

[ 76 ]

[ 77 ]

[ 78 ]

[ 79 ]

[ 80 ]

[ 81 ]

[ 82 ]

[ 83 ]

[ 84 ]

[ 85 ]

[ 86 ]

[ 87 ]

[ 88 ]

[ 89 ]

[ 90 ]

[ 91 ]

[ 92 ]

[ 93 ]

[ 94 ]

[ 95 ]

[ 96 ]

[ 97 ]

[ 98 ]

[ 99 ]

[ 100 ]

v т и Изобразительное искусство и мир искусства
Artwork	Appropriation Collage Conceptual art Cultural artifact Drawing Fine art Fine-art photograph Found object Installation art Kinetic art Mixed media bricolage Mural fresco graffiti New media art history digital virtual Painting Performance art Plastic arts Portrait Printmaking Public art street art Sculpture carving relief statue tallest Site-specific art Social sculpture Soft sculpture Stained glass Artwork title
Roles	Artist Collector Conservator-restorer paintings frescos Critic Curator Dealer Model Patron Visual arts education Europe
Places and events	Art auction Art colony Art commune Art exhibition alternative exhibition space Art gallery Contemporary art gallery Art museum Single-artist museum Art school Europe Arts centre Arts festival Artist collective Artist cooperative Artist-in-residence program Artist-run initiative Artist-run space Biennale Commission Sculpture garden Sculpture trail Virtual museum
History of art	Timeline of art Art history (academic study) Art manifesto Art movements Criticism feminist History of painting outline Timeline of 20th century printmaking in America
Related	Art market The arts Catalogue raisonné Classificatory disputes Museum collection management deaccessioning Conservation-restoration paintings Cultural policy Destination painting Eclecticism in art Economics of art art finance art valuation Elements of art Index of painting-related articles Outline of the visual arts painting sculpture Provenance Sociology of art Style
Lists	Art magazines Art media Art techniques Art movements Art museums largest most visited sculpture parks single artist Art reference books Colossal sculptures in situ Contemporary artists Contemporary art galleries Modern artists National galleries Painters by name by nationality Photographers Sculptors female Stolen paintings Most expensive paintings, sculptures, works by living artists
Painting portal Visual arts portal Arts portal